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Lina selander
Catalogue : 2018Diagram of Transfer No. 1 | Vidéo expérimentale | hdv | couleur et n&b | 8:30 | Suède | 2018
Lina selander
Diagram of Transfer No. 1
Vidéo expérimentale | hdv | couleur et n&b | 8:30 | Suède | 2018

Artifacts from a Maoist life intersects with machines grinding books, the piecing together of destroyed DDR documents and children undergoing education. A comment on the earlier work “When the Sun Sets It’s All Red, Then It Disappears” from 2008.

Catalogue : 2015The Offspring Resembles the Parent | Film expérimental | hdv | couleur et n&b | 13:44 | Suède | 2015
Lina selander
The Offspring Resembles the Parent
Film expérimental | hdv | couleur et n&b | 13:44 | Suède | 2015

The Offspring Resembles the Parent (2015) is a new film made for the 2015 Venice Biennale. Like Selander’s earlier works, it takes as its starting point a specific event or situation of crisis within society—in this case the current economic state and our increasingly crumbling faith in the monetary systems, with links to the European situation during World War I and the interwar years. A major part of the film’s imagery consists of Notgeld—emergency banknotes—often colourful and with a strong visual impact, printed on paper or fabric. Their obviously fictitious character—they represent gigantic figures— points to the imperceptible flows within today’s digital economies. Not unlike language, economic value is built on an agreement, a mutual understanding. The fictitious reality of finance only reveals its relation to the human, the body, to work and to nature in a situation of crisis in which the human conditions and connections to colonialism and warfare become clear.

Lina Selander is one of Sweden’s most innovative moving image artists. Her films and installations often focus on junctures in history where a system or physical place collapses and something new begins to emerge; the narrative of mechanical cinema giving way to that of digital video, or a political or economic system plummeting into a new one. Her works revolve around images as memories, imprints and representations. Selander’s process is similar to that of the scientist or poet. Each work constitutes a dense archive of facts and observations, occasionally in dialogue with other films, works of art or literature. The precise, rhythmic editing and use of sound in her films generate a unique temporality and strong internal pressure, and take intuitive leaps between associations and meanings. Selander’s work has been shown at Index, The Swedish Contemporary Art Foundation, Moderna Museet, VOX - centre de l’image contemporaine, Montréal and in international group shows, biennales and festivals, for example in the Venice Biennale 2015, The Kiev Biennale, Seoul Media Art Biennale 2014, Manifesta 9-European Biennal of Contemporary Art 2012, and the Bucharest Biennale 4, 2010. .... Oscar Mangione works with Lina Selander and has participated with her in several exhibitions. From 2006 to 2012 he edited and wrote for the magazine and art project Geist and took part in the following exhibitions, performances and projects: Överlämningen, Konsthall C, 2013; Suðurlandsvegur, The Reykjavík Arts Festival, 2012; The Spiral and the Square, Bonniers Konsthall, 2011/12; Geist in Therapy, The Studio, Moderna Museet, 2009; Role Critique, Iaspis at the Venice Biennale, 2009; Geist on Speed, Index, 2008.

Catalogue : 2014Silphium | Vidéo | hdv | noir et blanc | 22:9 | Suède | Allemagne | 2014
Lina selander
Silphium
Vidéo | hdv | noir et blanc | 22:9 | Suède | Allemagne | 2014

In the first sequences of Lina Selander´s new film a story is told about the ancient, now extinct, plant silphium. The plant grew on the coast outside the North African town Cyrene—a settlement of Greeks from the overpopulated island of Thera in 630 BC—which became the main town in the Greek colony, situated in today´s Libya. The plant was famous for its medical usage (it was used as a contraceptive and abortifacient) and for its richness in flavour, which made it the base of the colony’s export. Its importance for the economic wealth was so crucial that the image of silphium was imprinted on the coins. When exploitation of the plant led to extinction, the city declined. As is often the case in Selander’s works, the film builds on layers of images and meaning, layers that link history and pre-history to contemporary society, and in which nature as a prerequisite for life is one of the focal points. The human strive for development and expansion, the desire for control over nature, and above all—visual control, depiction and surveillance, is always met by another contradicting force. The nature looks back at us, its eyes empty—a reoccurring image in Selander’s film. In Silphium this double movement of visual and earthly mastery and its opposite—loss of visual control, awareness of vulnerability—is first expressed in a shot of the famous 16th-century painting The Ambassadors by Hans Holbein. The ambassadors are depicted together with the emblems of wealth and superiority of the countries they are the representatives for. A contradicting image is hidden until you view the painting from a specific angle, but when you do a human skull becomes visible, the sign of mortality. Selander lets the image oscillate in and out of visibility; the painted image emerges as in a rupture of light in the dark whilst mumbling voices count—numbers, years maybe. The sound fragment is a loan from Chris Marker´s 1962 film La Jetée—another important point of reference. The films narrative tells the story of how a man is used in time travel experiments in order to save the world. He travels through sediments of memory and images, much in the same way as Selander’s film, only to return to his beginning.

Lina Selander (b. 1973) lives and works in Stockholm, Sweden. She works mainly with moving images in film and video, but also with photography, text and sound. Her works are often installations in which these different medias converge and interrelate to one another. She is interested in the image’s ability and lack of ability to reproduce time, experience and memories and she explores how narration is created and how different techniques transform a story. Her works investigate film as medium, examining its possibilities and limitations as form of expression, and they often raise questions about history, media archaeology and authenticity. Selander’s work has been shown at Index - The Swedish Contemporary Art Foundation, Moderna Museet, Kunsthall Trondheim and in international group shows such as Manifesta 9 in Genk, Belgium and the Bucharest Biennale 2010 and at Haus Kulturen der Welt, Berlin, Seoul International Media Art Biennale and upcoming exhibitions such as Momenta Art, New York, INIVA, London and she also representing Sweden in the 56th Venice Biennale 2015.

Catalogue : 2013To the vision machine | Film expérimental | hdv | couleur et n&b | 28:48 | Suède | 2013
Lina selander
To the vision machine
Film expérimental | hdv | couleur et n&b | 28:48 | Suède | 2013

To the vision machine (2013) 28:45 min. HD-video, color, sound and silence. 16:9 To the vision machine is the beginning of a larger work on the visual inscription`s invisible centre, on the picture as an internal object and its relation to vision and different imaging technologies. The work initiates a search for a code that would make vision redundant, a promised land which it can not hope to enter. The starting point is the atomic bomb over Hiroshima, or more precisely: the detonation of the atomic bomb as a photographic event. The first atomic bomb created a flash that lasted one fifteenth of a millionth of a second. The light penetrated every building and shadows of objects and bodies were exposed and burned onto the city`s surfaces. When bodies and objects turned to ash, their traces were left as unintentional monuments. But the detonation itself can only be witnessed at the expense of one`s eyesight or life. The sound of the whistle and the scene at the end is from the film "The Children of Hiroshima" ("Genbaku no ko", 1952), which shows the Peace Memorial Museum while it is under construction after the U.S. occupation had ended and it was allowed to remember the disaster again.

LINA SELANDER (b. 1973) lives and works in Stockholm, Sweden.
Lina Selander works mainly with moving images in film and video, but also with photography, text and sound. Her works are often installations where these different medias and components converge and interrelate to one another. She is interested in the image?s ability and lack of ability to reproduce time, experience and memories and she explores how different narrative forms and techniques transform and change a story. Her works investigate !lm as medium, examining its possibilities and limitations as form of expression, and they often raise questions about history, media archeology and authenticity. Selander?s work has been shown at Index, The Swedish Contemporary Art Foundation, Moderna Museet and in international group shows, biennales and festivals, for example in the Manifesta 9 in Genk, Bucharest Biennale 2010, Institute of Contemporary Art in London and The Netherlands Media Art Institute.

Catalogue : 2012Lenin?s Lamp Glows In the Peasant?s Hut, | Vidéo | hdv | noir et blanc | 23:50 | Suède | 2011
Lina selander
Lenin?s Lamp Glows In the Peasant?s Hut,
Vidéo | hdv | noir et blanc | 23:50 | Suède | 2011

Lina Selander offers a subtle meditation on the long-term historical effects provoked both socially and ethically by the Soviet utopia of the production of energy, summarised in Lenin?s slogan from 1920: ?Communism is Soviet Power plus the electrification of the whole country?. The elements of Lenin?s Lamp equally reject an idea of films, photographs or videos as neutral accretions of visual information. The elements of this film are to be seen both as material witnesses of the experience of modernisation and as agents of the very same history. From Dziga Vertov?s film The Eleventh Year (1928) to and video recordings from the Chernobyl disaster and the ghost city of Pripyat to images of fossils in museums and prehistorical landscapes, Selander?s images consist of sensory materials.

LINA SELANDER (b. 1973) lives and works in Stockholm, Sweden.
Lina Selander works mainly with moving images in film and video, but also with photography, text and sound. Her works are often installations where these different medias and components converge and interrelate to one another. She is interested in the image?s ability and lack of ability to reproduce time, experience and memories and she explores how different narrative forms and techniques transform and change a story. Her works investigate !lm as medium, examining its possibilities and limitations as form of expression, and they often raise questions about history and authenticity. Selander?s work has been shown at Index, The Swedish Contemporary Art Foundation, Bonniers Konsthall, Moderna Museet and in international group shows, biennales and festivals, for example in the Manifesta 9 in Genk, Bucharest Biennale 2010, Institute of Contemporary Art in London, The Netherlands Media Art Institute in Amsterdam and Transmediale 05 in Berlin where she received an honourable mention from the jury.

Catalogue : 2011Around the Cave of the Double Tombs | Film expérimental | hdcam | noir et blanc | 16:41 | Suède | 2010
Lina selander
Around the Cave of the Double Tombs
Film expérimental | hdcam | noir et blanc | 16:41 | Suède | 2010

The film takes its starting point in several research trips to the West Bank, especially to the city of Hebron. We are confronted with photographs, and with still images, depicting ? in a rather abstract and distanced manner ? various situations: a model of ancient Jerusalem in a Museum, a check-point with its massive security architecture squeezed into a historical building, houses, walls, objects. In between, sequences of moving image appear that show a chain link fence above a shopping alley in Hebron, built to protect Palestinians from settlers throwing stones at them. The continuous, but halting, camera movement facing the horizontal fence disturbs our perception and sense of orientation. Still and moving images alternate with short texts, establishing a rhythm that does not only connect ? without always explaining ? what is seen, but introduces a narrative that articulates the interrogation of image and text. Contrary to a conventional image of Palestine and the conflict as emphasized ? and exploited ? by the mass media and contrary to dominant documentary practices, Selander turns away from a documentary exposition and instead ?reflects on and projects layers of control, dream and confinement, both in relation to the place and its history and to problem of showing and saying it? (Selander).

LINA SELANDER (b. 1973) lives and works in Stockholm, Sweden. Lina Selander works mainly with moving images in film and video, but also with photography, text and sound. Her works are often installations where these different medias and components converge and interrelate to one another. She is interested in the image?s ability and lack of ability to reproduce time, experience and memories and she explores how different narrative forms and techniques transform and change a story. Her works investigate film as medium, examining its possibilities and limitations as form of expression, and they often raise questions about history and authenticity. Selander?s work has been shown at Bonniers Konsthall, Moderna Museet and Index Foundation and in international group shows, biennales and festivals, for example in the Bucharest Biennale 2010, Institute of Contemporary Art in London, The Netherlands Media Art Institute in Amsterdam and Transmediale 05 in Berlin where she received an honourable mention from the jury. She has also received the Maria Bonnier Dahlin Foundation Grant (2005) and The Edstrand Foundation Art Prize (2008). She is also represented in the next Manifesta Biennal, 2012 in Belgium.

Catalogue : 2009När solen går ner är den alldeles röd, sen försvinner den | Vidéo | dv | couleur | 9:10 | Suède | 2008
Lina selander
När solen går ner är den alldeles röd, sen försvinner den
Vidéo | dv | couleur | 9:10 | Suède | 2008

Lina Selander?s work When the sun sets it?s all red, then it disappears takes Jean-Luc Godard?s 1967 film La Chinoise as its starting point. It examines the relationship between political, utopian and emotional expressions in words and images, it explores the revolutionary zeal of a time and the desire to start all over again. La Chinoise is a film in the making, a film that tells the story of a revolutionary and truth-seeking common narrative while at the same time trying to be a part of it, sharing its inherent expressions and problems. Lina Selander?s film is also a work in the making, engaging and evolving around Godard?s film and the questions it addresses and responds to. But it is also a film about photography and storytelling. Most of the photographs in the series of stills are from the 1968 student revolts in Paris and Stockholm, taken at meetings and manifestations. But they also show other motifs, such as a close-up of a growing blob of moisture on a news reel showing Chairman Mao swimming in the Yellow River, personal photos and some stills from La Chinoise. All images have been photographed with flash and all photos have a white circular reflection on them which may represent or constitute a common space where the spectator?s space and that of the motif overlap, but where they are also defined as separate ? a blinding dazzle or hole in the image which ultimately blocks any final narrative and forces itself into the motifs and events that are being documented.

Lina Selander works mainly with moving images in film and video, but also with photography, text and sound. Her works are often installations where these different medias and components converge and interrelate to one another. She is interested in the image?s ability and lack of ability to reproduce time, memories and experience and she explores how different narrative forms and techniques transform and change a story. Her works investigates film as medium, examining its possibilities and limitations as form of expression. Lina Selander?s work have been shown at Gävle Art Center, Bonniers Konsthall, 300 m3 Art Space and Moderna Museet as well as in several group shows and festivals abroad, for example the Transmediale 05 in Berlin where she received an honorable mention. She has also received the Maria Bonnier Dahlin prize for young artists and The Edstrand Foundation Art Prize 2008.

Catalogue : 2008Timmarna som rymmer formen (et par dagar i Portbou | Vidéo expérimentale | dv | couleur et n&b | 15:0 | Suède | 2007
Lina selander
Timmarna som rymmer formen (et par dagar i Portbou
Vidéo expérimentale | dv | couleur et n&b | 15:0 | Suède | 2007

Le film montre des images de Portbou, ville située à la frontière franco-espagnole, où le philosophe Walter Benjamin s?est ôté la vie la nuit des 27 et 28 septembre 1940. La frontière a été fermée la veille de son arrivée et rouverte le lendemain de sa mort. Les images, à la fois fixes et en mouvement, sont accompagnées d?une voix-off qui raconte différentes histoires sur le quartier des réfugiés : des fragments, des détails, des pensées. La vidéo et le son tournent tous deux en boucle. Leur durée est cependant différente, ce qui induit une multitude de relations entre le mot et l'image, qui tantôt accentue la distance qui les sépare et tantôt réduit leur écart. Une dérive continuelle de la perspective, qui montre qu?un récit complet n'est jamais possible. Finalement, les images sont peut-être plus liées à la voix qu?aux histoires, ou à l'histoire qu?elles racontent. Le titre « Timmarna som rymmer formen » est une citation de « Sens unique » de Walter Benjamin.


Lina Selander travaille principalement avec des images en mouvement dans le cinéma et la vidéo, mais aussi avec la photographie, le texte et le son. Ses ?uvres sont souvent des installations dans lesquelles ces différents médias et composantes interagissent et convergent les uns vers les autres. Elle s'intéresse à la capacité de l?image, ainsi qu?à son manque de capacité, à reproduire le temps, les souvenirs et les expériences et elle explore la façon dont les différentes formes et techniques narratives peuvent changer une histoire. Ses ?uvres expérimentent le film comme médium, en examinant ses possibilités et ses limites en tant que forme d'expression. Les ?uvres de Lina Selanders ont été exposées aux Gävle Art Center, 300 m3 Art Space, BONNIERS Konsthall et Modena Museet, ainsi que dans plusieurs expositions collectives et festivals à l'étranger, par exemple, à la Transmediale 05 de Berlin (Allemagne) où elle a reçu une mention honorable. Elle a également reçu le Prix de la Fondation Edstrand et le Prix Maria Bonnier Dahlin pour les jeunes artistes. Lina vit et travaille à Stockholm.

Catalogue : 2005Reconstruction | Art vidéo | dv | couleur et n&b | 7:0 | Suède | 2000
Lina selander
Reconstruction
Art vidéo | dv | couleur et n&b | 7:0 | Suède | 2000

Reconstruction. Des images non systématiques ? cousues à l?intérieur puis retournées. Toutes ces images étaient très ordinaires, scènes typiques d?un album de famille : vacances, voyages à l?étranger, rencontres familiales, etc. Les fils de couture dans ces images ? la côte cousue à l?océan, les nuages au ciel ou les gens les uns aux autres marquent une manière de codifier les structures et relations émotionnelles dans les images, contrôlant ainsi une interprétation d?eux-mêmes et soulignant (alors qu?ils essaient en même temps de le combler) le fossé entre l?image et la réalité. Les coutures et les trous de l´aiguille dans l´image sont ressorties comme l´essence d´une realité intense et cachée, contenant une vérité qui manquait aux images réelles. Les images retournées montre cette vérité dévoilée. J?ai ensuite utilisé les images retournées avec les mailles, trous et coutures et inversé leur ordre pour revenir au négatif, à l?image photographique de base. Le point rouge lisant le diagramme comme une figure et les transformant en sons devient une mise en scène d?un acte de souvenir. Il lit ce qui est réprimé et caché, et ce qui se cache derrière la mémoire réprimée.


Née en 1973 à Stockholm où elle vit et travaille. Lina a étudié en Suède à la Valand School of Fine Arts, à Gothemburg puis à la Royal University College of Fine Arts de Stockholm. Elle a ensuite suivi un cursus à la Gothenburg University en photographie et film,. Lina Selander travaille avec les films et des photographies, textes et sons. Les sujets récurrents de ses ?uvres sont la transformation du temps et de la mémoire, leur dissolution, compulsivité et leur intensité. Elle travaille avec, et montre sous des angles différents, l?auto-référence des images, immobiles ou mobiles. Les ?uvres vidéos de Lina Selander traitent du mélange de l?abstrait et de la narration, elle décompose et recompose le film comme structure narrative. Elle veut que les ?uvres mettent en scène elle-mêmes leur propre essence théorique et leur existence, et ainsi faisant, dévoiler un domaine où un nouveau sens peut émerger. Ses ?uvres ont été montrées au Moderna Museet, Fylkingen, Galleri Charlotte Lund, Stockholm and Galleri 300m3, Gothenburg. En février 2005, elle a été récompensée d?une Mention Honorable à la Transmédiale 2005 à Berlin.

Lina selander, oscar mangione
Catalogue : 2016The Ceremony | Vidéo | hdv | couleur | 16:18 | Suède | 2016
Lina selander , oscar mangione
The Ceremony
Vidéo | hdv | couleur | 16:18 | Suède | 2016

The opening of the film «The Ceremony» shows the image from the title page of Olof Rudbeck the Elder’s «Atlantica» from 1679, were Rudbeck reveals Sweden as the sunken Atlantis. Written during the era of the Swedish Empire, the archaeological novel «Atlantica» is a marvel of non-specialization and heterogeneous connections, largely based on speculative etymologies and sound correspondences. In «The Ceremony», in a similar audacious manner, identities, histories and places appear and disappear: freed from reality’s hold, in layer upon layer of image, text and sound, like abandoned or yet to be built cities: Tutankhamen’s crypt and unbroken seal, Bredäng (suburb of Stockholm where the artists live), the strange entrance to the old Stasi headquarters in Berlin, other places, tombs and prisons. All connected by subterranean passages through which an alien time runs; incompatible, turning endlessly into itself.

Lina Selander (b. 1973) lives and works in Stockholm, Sweden. Lina Selanders work often focus on junctures in history where a system or physical place collapses and something new begins to emerge; the narrative of mechanical cinema giving way to that of digital video, or a political or economic system plummeting into a new one. Her works revolve around images as memories, imprints and representations. Selander’s work has been shown at Iniva (Institute of International Visual Arts), London; Index – The Swedish Contemporary Art Foundation, Stockholm; Moderna Museet, Stockholm; VOX - Centre de l’image contemporaine, Montré al and in international group shows such as the Venice Biennale 2015; Kyiv Biennale 2015; Seoul Media City Biennale 2014; Manifesta 2012 in Genk, Belgium; Bucharest Biennale 2010; and at Haus der Kulturen der Welt, Berlin.Oscar Mangione (b. 1971) works with Lina Selander and has participated with her in several exhibitions. From 2006 to 2012 he edited and wrote for the magazine and art project Geist and took part in numerous exhibitions, performances and projects in venues such as the Reykjavík Arts Festival, the Museum of Modern Art in Stockholm and the Venice Biennale.

Antoine sement
Catalogue : 2005Sleep | Animation | | couleur | 1:0 | France | 2005
Antoine sement
Sleep
Animation | | couleur | 1:0 | France | 2005

"Sleep" fait référence à la vidéo éponyme d?Andy Warhol. Tenant le rôle de John Giorno je vis mon sommeil comme un refuge propice à l`inaction. De part ce fait j?évite les contraintes matérielles et les logiques productivistes du monde actuel. L?irruption de la figure tutélaire de Warhol ne tardera pas à rompre ce paisible isolement, me secouant et me demandant de me réveiller et de travailler (« wake up it?s time to work and be famous »). Par un jeu de miroir, s?introduit alors la logique répétitive d?une Histoire de l?Art obnubilée par une conception linéaire du progrès. Le caractère cyclique de la vidéo peut aussi bien préfigurer le retour rêvé de l?inertie bienfaisante que symboliser l?alternance implacable entre répression et régression dans une ambiance cauchemardesque.


Né en 1979, à Versailles. Après avoir acquis une formation Littéraire, option Arts Plastiques au lycée, je suis entré à l?Ecole des Beaux-Arts de Rouen où j?ai obtenu mon Diplôme National Supérieur d?Expression Plastique cette année. Le travail que j?ai développé utilise le dessin et l'animation vidéo pour illustrer les thèmes du doute et de la difficulté à créer. Me livrant à des jeux parodiques avec l?Histoire de l?Art, je laisse libre cours à des interprétations poétiques de mes incertitudes et inhibitions. A ma sortie des Beaux-Arts, j?ai participé à l?exposition « Sommeil », à la Chapelle du Genêteil à Château-Gontier.

semiconductor, jarman + gerhardt
Catalogue : 2005200 Nanowebbers | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 2:49 | Royaume-Uni | 2005
semiconductor , jarman + gerhardt
200 Nanowebbers
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 2:49 | Royaume-Uni | 2005

Pour '200 Nanowebbers', Semiconductor a créé une toile moléculaire qui a été générée par la musique de Double Adaptor en fait. Avec des scripts écrits par eux-mêmes, les mélodies et les rythmes naissent à l'échelle manométrique ce qui déplace et se déforme à la résonance ; rebellant des aperçus de minuscules particules changeantes et interactives. Au fur et à mesure que les sons se construisent et d'autodétruisent, la toile se construit avec des éléments plus complexes qui enrobent le rythme de la musique et l'énergie.


Semiconductor créé des Films Sonores et qui révèlent notre monde physique en flux; les villes en mouvement, des paysages se déplaçant et des systèmes chaotiques. Depuis 1999, les artistes britanniques Ruth Jarman et Joseph Gerhardt ont exploré plusieurs processus d'animation numérique pour produire des films expérimentaux ou des animations en direct. Le point central de toutes ces ?uvres est le rôle du son, qui devient synonyme de l'image, car il crée, contrôle et la déchiffre ; en explorant la résonance par l'ordre naturel des choses. Finalement le travail numérique manufacturé est combiné avec le procédé analogue qui coupe le hasard et les erreurs dans le système informatique comme un co conspirateur. Ces travaux ont été exposés dans des galeries, des festivals, des cinémas et des biennales sur toute la planète. Les récentes expositions sont la Biennale de Venise, EMAF Allemagne, le Musée de Lyon d'Art Moderne, France et Inhabituel, Milan. La dernière contribution de Semiconductor dans le genre du cinéma en direct est leur logiciel de performance live dédié Sonic Inc ; un outil de sculpture 3D en temps réel où les sons sont crée par des entrées sonores spécifiques et par l'interaction et produisant des environnements audio créés et contrôlés sur le moment. Les dernières performances comprennent Transmediale ; Berlin, Tate Britain ; London and Images Festival; Toronto. Ils sont pour le moment basé au Space Science Laboratories à UC Berkeley et font des recherches pour de futures ?uvres d'art.

Marinella senatore
Catalogue : 2009how do u kill the chemist | Vidéo | dv | couleur et n&b | 8:10 | Italie | USA | 2009
Marinella senatore
how do u kill the chemist
Vidéo | dv | couleur et n&b | 8:10 | Italie | USA | 2009

In 1957, Bassil killed the quemist Adrian Ghole in his laboratory, in Hudson city (NY). He prepared his plane with care, calculating every details: came to the Gole?s laboratory, kill him with chloroform, break the glass of his watch at 6:49, take the improtant formula of the quemist, run away with his car and get down into the river; the erosion activity of the water could cancel every elments could be associate with him. Everything runs perfect and Bassil was convenced that in the World just 1 person on a million was like him but he didn?t calculate than when pass on the bridge, a police, crow, firecrackers and applauses waiting for him: he was the million car who pass the bridge and he wins 1 million of dollars The day after his photos will appared on the news pape? the murderer in the murdered?s car.. just few hours later, Ghole?s car get down into the bridge? but Bassil was inside.

Marinella Senatore is a teacher, film director and director of photography and has been also working with drawing, painting and installation. Her first steps towards the visual arts came after a degree at Rome`s Centre for Experimental Cinematography. The films of the artist from Campania always present a thorough study and arrangement of lights on the set, which also become the source for sculptural installations (Memeland) and photographic series (Places). The characters of the stories told by Senatore embody nuances of her private life on which dreaming landscapes are inserted. Lately the artist has chosen to work on sets with non professional actors and technicians, and to embrace the richness and the generosity of ordinary people. Sets have become accessible place for everyone, whose mechanisms are consciously unveiled in the filmic production (for instance in Manuale per i Viaggiatori, 2007). The `behind the scenes` are included as a major part of the script, while corality and the idea of a laboratorium are at the core of a research that is not afraid to questions the world through the people inhabiting it. Marinella Senatore chooses to tell stories and by doing so in keeping alive and valuing both individual and collective memory.

Noe sendas
Catalogue : 2005Lady Macbeth | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:0 | Portugal | 2003
Noe sendas
Lady Macbeth
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:0 | Portugal | 2003

NOÉ SENDAS Lady Macbeth Ecrit par Joao Pinharanda Noé Sendas, dans sa vidéo, cite les personnages de Macbeth et de sa femme. Utilisant une auto-représentation photographique obsédante, l'artiste nous met face à face avec les limites de la visibilité et de la représentation, avec les limites de l'existence éthique et politique de l'Homme. Dans le montage visuel, le visage, avec des expressions forcées de douleur et de peur, est souvent dupliqué par des miroirs (qui fonctionnent comme des reflets dans l'eau) et (le/nous) renvoie une image dont nous ne pouvons nous défaire. Des moments d'obscurité et des flashs vidéo intenses se suivent à un rythme irrégulier, indépendamment de la sonorité continue établie par les dialogues de la pièce de théâtre. Dans ces derniers, Noé Sendas mélange les répliques des deux versions cinématographiques de Macbeth : celle d'Orson Welles et celle de Polanski. On entend la mer, les cris de détresse des oiseaux de mer et les dialogues des personnages au bord de la dépression. Lady Macbeth tente en vain de laver le sang dont ils sont tâchés après la succession de meurtres sur lesquels ils ont fondé leur Pouvoir. La métaphore devient réalité.


NOÉ SENDAS Biographie Ecrite par Miguel Amado Noé Sendas (né à Bruxelles en 1972) a étudié à Ar.Co, à Lisbonnes. Sa formation comprend également des études dans des écoles étrangères, comme le Royal College of Arts, à Londres et la school of the Art Institute of Chicago, ainsi que des résidences (particulièrement celle du Kunstlerhaus Bethanien). Au milieu des années 1990, il commença à présenter son travail, et sa carrière s'est épanouie ces deux dernières années. Sa participation à de nombreuses expositions, tout particulièrement "En garde !" (Porto, 2002-2003), une exposition personnelle avec une matrice d'anthologie permettant une compréhension de la direction des artistes et réalisant une tendance personnelle qui jusque-là n'était que suggérée. Sendas a recours à différents moyens d'expression : vidéo, sculpture, son et dessin. Des références explicites ou implicites à des artistes, et des créations littéraires, cinématographiques ou musicales font partie de ses matières premières. Des citations de Shakespeare et Beckett, par exemple, sont récurrentes, ainsi que de divers réalisateurs tels que Godard et Coltrane. A son répertoire s'ajoutent également des soucis précis quant à la représentation et la pratique des arts visuels, notamment : le corps comme entité simultanément théorique et matérielle ; les mécanismes de perception de l'observateur ; ou le potentiel discursif des méthodes d'exposition. Le processus créatif de Sendas est ancré dans un dispositif intellectuel basé sur l'association de matériaux d'origines diverses. Cependant, la logique sous-jacente n'est pas seulement une logique d'appropriation, mais la définition d'une nouvelle paternité. Cette méthodologie partage des affinités électives avec des stratégies employées par les DJ et avec un instrument courant de la musique pop actuelle, le sampler, vu qu'il configure une appropriation de thèmes qui seront utilisés pour créer de nouveaux sons plutôt qu'un collage.

Catalogue : 2006Take Off | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 4:2 | Portugal | 2005
Noe sendas
Take Off
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 4:2 | Portugal | 2005

Le point de départ de cette vidéo est le combat entre les visions, les peurs d'un personnage fictif et ses souvenirs lors du décolage d'un avion. Elle mélange une collection de photographies avec de vraies images d'un accident d'avion et un morceau de la dernière séquence de peeping Tom de Michael Powell, refilmé et monté à nouveau. 'Les Métaphores de la peur', écrit par Nuno Crespo. Il est possible que l'on se réfugie dans une image lorsqu'on sent que l'on est en danger, lui donnant ainsi le pouvoir d'atténuer la douleur, de calmer notre imagination, c'est un fait reconnu : la preuve en est le concept bien connu de la catharsis. Certains objets qui ont cette qualité deviennent des talismans qui ont le pouvoir de dénouer certains noeuds que l'on peut avoir à l'intérieur de la pointrine ou du coeur. On pourrait dire que ces noeuds représentent la peur, l'angoisse, les sentiments étranges dont on ne sait pas vraiment quoi faire mais que l'on veut dénouer et dominer. La peur d'être dans un avion par exemple, la peur de ses bruits vrombissants et métalliques inatendus. Etre dans un avion, dans le ciel, ne convient pas forcément à un être dont l'habitat naturel est la terre. Au moment du décollage, l'idée de la chute devient omniprésente, la chute sur en terre inconnue où seul le destin, grâce à ses pouvoirs mystérieux et invisibles, est capable de décider et d'anticiper. Cristalliser ces peurs et ces angoisses en les transformant en iages est le travail de l'art et se solde par la construction de sens à laquelle on peut attribuer certaines preuves ou, si on préfère, illuminations : par conséquent, prendre conscience de ses propres peurs peut amener à une meilleure compréhension de sa propre intimité. La peur se présente elle-même comme une catégorie esthétique - touver sa parfaite image est une tâche impossible : aucune image ne peut lui corresponde exactement ; il s'agit toujours d'une tentative de médiaton, ou pour être plus précis, une tentative de domestication. La tâche de l'artiste est de faire le choix de ne pas dépasser sa peur, mais d'avancer en vivant avec elle. Ce qui fait que Noé Sendas continue de travailler, c'est ce processus dynamique et toujours incomplet, c'est le fait qu'il ignore si le moteur vrombissant de l'avion va s'arrêter, c'est l'envie de donner forme au soupçon, au soupçon selon lequel quelque chose pourrait arriver. Nuno Crespo, Lisbonne, Juillet 2005


Noé Sendas est né à Bruxelles en 1972 et a fait ses études à l'Ar.Co à Lisbonne. Il a également étudié à l'étranger comme par exemple au Royal College of Arts de Londres et à l'Art Institute de Chicago. Il a également effectué des résidences, notamment au Kunstlerhaus Bethanien. Au milieu des années 90, il a commencé à présenter son travail et sa carrière a connu un réel essor durant ces deux dernières années. Il a participé à plusieurs expositions, notamment à En Garde! à Porto en 2002-2003. C'était une exposition personnelle avec une matrice anthologique qui permettait de comprendre le parcours de l'artiste et de prendre conscience d'une préférence personnelle qui jusque là n'avait été que partiellement visible. Sendas a recours à différents modes d'expression : la vidéo, la sculpture, le son et le dessin. Sa matière première se compose de références implicites et explicites à des artistes ainsi qu'à des créations littéraires, filmiques ou musicales. Il cite par exemple Beckett et Shakespeare ainsi que différents réalisateurs parmi lesquels Godard et Coltrane. On peut également ajouter à son répertoire ses intérêts pour la réflexion dans l'art visuel et sa pratique. Parmi ses intérêts il y a le corps en tant qu'entité à la fois théorique et matérielle ; les méchanismes de perception des spectateurs ou encore le potentiel discursif des méthodes d'exposition. Le processus créatif de Sendas prend racine dans une méthode intellectuelle fondée sur l'association de matériaux d'origines différentes. La logique sous-jacente n'est pourtant pas la simple appropriation mais la définition d'une nouvelle manière de créer. Cette méthodologie a des affinités particulières avec les stratégies employées par les DJs et avec un instrument courant dans la musique pop actuelle, le sampler : il configure une appropriation de thèmes qui seront utilisés pour construire de nouveaux sons, plutôt que pour réaliser un simple collage.

Catalogue : 2008THE INDIFFERENT | Vidéo expérimentale | dv | couleur et n&b | 12:34 | Portugal | 2008
Noe sendas
THE INDIFFERENT
Vidéo expérimentale | dv | couleur et n&b | 12:34 | Portugal | 2008

Cette vidéo est une réédition de fragments très courts réalisée à partir de plusieurs films, sur la base d'un simple constat : le moment de l'émotion la plus profonde ne coïncide souvent pas avec les évènements qui l?ont provoquée. Un homme se promène dans la rue, rentre dans un bâtiment, s?enfuit en courant par la rue principale, et s'arrête dans un square, pour revenir enfin exactement dans la même rue qu?au début, faisant de tout ceci une boucle parfaite. L'usage de la couleur et du noir et blanc permet de faire la distinction entre ce qui est « réel » et ce qui correspond à des projections, rêves ou fantômes.


Noé Sendas est né à Bruxelles en 1972 et vit et travaille à Berlin. Il a commencé à montrer ses ?uvres au milieu des années 1990. Sendas a recours à différents moyens d'expression : la vidéo, la sculpture, le son, le dessin et le son. Les références explicites et implicites à des artistes et des ?uvres littéraires, cinématographiques, musicales ou créations, font partie de ses principales matières premières.

Noe sendas, x
Catalogue : 2005Lady Macbeth | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:0 | Portugal | 2003
Noe sendas , x
Lady Macbeth
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:0 | Portugal | 2003

NOÉ SENDAS Lady Macbeth Ecrit par Joao Pinharanda Noé Sendas, dans sa vidéo, cite les personnages de Macbeth et de sa femme. Utilisant une auto-représentation photographique obsédante, l'artiste nous met face à face avec les limites de la visibilité et de la représentation, avec les limites de l'existence éthique et politique de l'Homme. Dans le montage visuel, le visage, avec des expressions forcées de douleur et de peur, est souvent dupliqué par des miroirs (qui fonctionnent comme des reflets dans l'eau) et (le/nous) renvoie une image dont nous ne pouvons nous défaire. Des moments d'obscurité et des flashs vidéo intenses se suivent à un rythme irrégulier, indépendamment de la sonorité continue établie par les dialogues de la pièce de théâtre. Dans ces derniers, Noé Sendas mélange les répliques des deux versions cinématographiques de Macbeth : celle d'Orson Welles et celle de Polanski. On entend la mer, les cris de détresse des oiseaux de mer et les dialogues des personnages au bord de la dépression. Lady Macbeth tente en vain de laver le sang dont ils sont tâchés après la succession de meurtres sur lesquels ils ont fondé leur Pouvoir. La métaphore devient réalité.


NOÉ SENDAS Biographie Ecrite par Miguel Amado Noé Sendas (né à Bruxelles en 1972) a étudié à Ar.Co, à Lisbonnes. Sa formation comprend également des études dans des écoles étrangères, comme le Royal College of Arts, à Londres et la school of the Art Institute of Chicago, ainsi que des résidences (particulièrement celle du Kunstlerhaus Bethanien). Au milieu des années 1990, il commença à présenter son travail, et sa carrière s'est épanouie ces deux dernières années. Sa participation à de nombreuses expositions, tout particulièrement "En garde !" (Porto, 2002-2003), une exposition personnelle avec une matrice d'anthologie permettant une compréhension de la direction des artistes et réalisant une tendance personnelle qui jusque-là n'était que suggérée. Sendas a recours à différents moyens d'expression : vidéo, sculpture, son et dessin. Des références explicites ou implicites à des artistes, et des créations littéraires, cinématographiques ou musicales font partie de ses matières premières. Des citations de Shakespeare et Beckett, par exemple, sont récurrentes, ainsi que de divers réalisateurs tels que Godard et Coltrane. A son répertoire s'ajoutent également des soucis précis quant à la représentation et la pratique des arts visuels, notamment : le corps comme entité simultanément théorique et matérielle ; les mécanismes de perception de l'observateur ; ou le potentiel discursif des méthodes d'exposition. Le processus créatif de Sendas est ancré dans un dispositif intellectuel basé sur l'association de matériaux d'origines diverses. Cependant, la logique sous-jacente n'est pas seulement une logique d'appropriation, mais la définition d'une nouvelle paternité. Cette méthodologie partage des affinités électives avec des stratégies employées par les DJ et avec un instrument courant de la musique pop actuelle, le sampler, vu qu'il configure une appropriation de thèmes qui seront utilisés pour créer de nouveaux sons plutôt qu'un collage.

Catalogue : 2006Take Off | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 4:2 | Portugal | 2005
Noe sendas , x
Take Off
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 4:2 | Portugal | 2005

Le point de départ de cette vidéo est le combat entre les visions, les peurs d'un personnage fictif et ses souvenirs lors du décolage d'un avion. Elle mélange une collection de photographies avec de vraies images d'un accident d'avion et un morceau de la dernière séquence de peeping Tom de Michael Powell, refilmé et monté à nouveau. 'Les Métaphores de la peur', écrit par Nuno Crespo. Il est possible que l'on se réfugie dans une image lorsqu'on sent que l'on est en danger, lui donnant ainsi le pouvoir d'atténuer la douleur, de calmer notre imagination, c'est un fait reconnu : la preuve en est le concept bien connu de la catharsis. Certains objets qui ont cette qualité deviennent des talismans qui ont le pouvoir de dénouer certains noeuds que l'on peut avoir à l'intérieur de la pointrine ou du coeur. On pourrait dire que ces noeuds représentent la peur, l'angoisse, les sentiments étranges dont on ne sait pas vraiment quoi faire mais que l'on veut dénouer et dominer. La peur d'être dans un avion par exemple, la peur de ses bruits vrombissants et métalliques inatendus. Etre dans un avion, dans le ciel, ne convient pas forcément à un être dont l'habitat naturel est la terre. Au moment du décollage, l'idée de la chute devient omniprésente, la chute sur en terre inconnue où seul le destin, grâce à ses pouvoirs mystérieux et invisibles, est capable de décider et d'anticiper. Cristalliser ces peurs et ces angoisses en les transformant en iages est le travail de l'art et se solde par la construction de sens à laquelle on peut attribuer certaines preuves ou, si on préfère, illuminations : par conséquent, prendre conscience de ses propres peurs peut amener à une meilleure compréhension de sa propre intimité. La peur se présente elle-même comme une catégorie esthétique - touver sa parfaite image est une tâche impossible : aucune image ne peut lui corresponde exactement ; il s'agit toujours d'une tentative de médiaton, ou pour être plus précis, une tentative de domestication. La tâche de l'artiste est de faire le choix de ne pas dépasser sa peur, mais d'avancer en vivant avec elle. Ce qui fait que Noé Sendas continue de travailler, c'est ce processus dynamique et toujours incomplet, c'est le fait qu'il ignore si le moteur vrombissant de l'avion va s'arrêter, c'est l'envie de donner forme au soupçon, au soupçon selon lequel quelque chose pourrait arriver. Nuno Crespo, Lisbonne, Juillet 2005


Noé Sendas est né à Bruxelles en 1972 et a fait ses études à l'Ar.Co à Lisbonne. Il a également étudié à l'étranger comme par exemple au Royal College of Arts de Londres et à l'Art Institute de Chicago. Il a également effectué des résidences, notamment au Kunstlerhaus Bethanien. Au milieu des années 90, il a commencé à présenter son travail et sa carrière a connu un réel essor durant ces deux dernières années. Il a participé à plusieurs expositions, notamment à En Garde! à Porto en 2002-2003. C'était une exposition personnelle avec une matrice anthologique qui permettait de comprendre le parcours de l'artiste et de prendre conscience d'une préférence personnelle qui jusque là n'avait été que partiellement visible. Sendas a recours à différents modes d'expression : la vidéo, la sculpture, le son et le dessin. Sa matière première se compose de références implicites et explicites à des artistes ainsi qu'à des créations littéraires, filmiques ou musicales. Il cite par exemple Beckett et Shakespeare ainsi que différents réalisateurs parmi lesquels Godard et Coltrane. On peut également ajouter à son répertoire ses intérêts pour la réflexion dans l'art visuel et sa pratique. Parmi ses intérêts il y a le corps en tant qu'entité à la fois théorique et matérielle ; les méchanismes de perception des spectateurs ou encore le potentiel discursif des méthodes d'exposition. Le processus créatif de Sendas prend racine dans une méthode intellectuelle fondée sur l'association de matériaux d'origines différentes. La logique sous-jacente n'est pourtant pas la simple appropriation mais la définition d'une nouvelle manière de créer. Cette méthodologie a des affinités particulières avec les stratégies employées par les DJs et avec un instrument courant dans la musique pop actuelle, le sampler : il configure une appropriation de thèmes qui seront utilisés pour construire de nouveaux sons, plutôt que pour réaliser un simple collage.

Catalogue : 2008THE INDIFFERENT | Vidéo expérimentale | dv | couleur et n&b | 12:34 | Portugal | 2008
Noe sendas , x
THE INDIFFERENT
Vidéo expérimentale | dv | couleur et n&b | 12:34 | Portugal | 2008

Cette vidéo est une réédition de fragments très courts réalisée à partir de plusieurs films, sur la base d'un simple constat : le moment de l'émotion la plus profonde ne coïncide souvent pas avec les évènements qui l?ont provoquée. Un homme se promène dans la rue, rentre dans un bâtiment, s?enfuit en courant par la rue principale, et s'arrête dans un square, pour revenir enfin exactement dans la même rue qu?au début, faisant de tout ceci une boucle parfaite. L'usage de la couleur et du noir et blanc permet de faire la distinction entre ce qui est « réel » et ce qui correspond à des projections, rêves ou fantômes.


Noé Sendas est né à Bruxelles en 1972 et vit et travaille à Berlin. Il a commencé à montrer ses ?uvres au milieu des années 1990. Sendas a recours à différents moyens d'expression : la vidéo, la sculpture, le son, le dessin et le son. Les références explicites et implicites à des artistes et des ?uvres littéraires, cinématographiques, musicales ou créations, font partie de ses principales matières premières.

Shireen seno
Anne Katrine senstad
Catalogue : 2011The Locker Plant Projections | Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 8:21 | Norvège | USA | 2011
Anne Katrine senstad
The Locker Plant Projections
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 8:21 | Norvège | USA | 2011

The Locker Plant Projections is part of a site specific projection video series of my video-installation piece Colour Kinesthesia. The Projections of the abstract colors and the act of projecting in itself become the vehicle for the merging of colors with the environment and that existential and poetic narrative of enlightening our surroundings. In this piece the known Donald Judd building in Marfa, TX - The Locker Plant, is subject to the projections, as well as the South Western Texas Railroad and local trees. In merging the movement of colors with an archetypal architectural form, passing people and natural life activity during the night, we experience an added level to the notion of spatial relations, time and volume. The music of J G Thirlwell, known from Foetus, Manoriexia and Wiseblood - creates a cinematic mood to the minimalist references. The Locker Plant is a former butcher and meat packing plant, one of a group of buildings Donald Judd acquired in Marfa, TX - it is now part of The Chinati foundation.

Anne Katrine Senstad is a multidisciplinary Norwegian artist who lives and works in New York. She works with light, installation, photography, video, site specific and land art. She was educated at Parsons School of Design and The New School for Social Research in New York. She is currently working with the internationally renowned architecture firm Snøhetta, where she has been awarded the public art commission for their first completed U.S. building ? a performing arts center in Bowling Green, Ohio, The Wolfe Center for the Arts at BGSU. Senstad will be creating a monumental mural consisting of 39 photographic, aluminum and Plexiglas panels extending over 28 feet high and 86 feet long (8 x 28 meters). The monumental mural piece entitled The Eternal is scheduled to officially open December 2011. She has exhibited widely internationally at Zendai Moma in Shanghai, ThisisNotAgallery in Buenos Aires, Utsikten Kunstsenter and Stiftelsen 3,14 in Norway, Bjorn Ressle Gallery, Gallery Nine5 and Elga Wimmer Gallery in NY, Pink Gallery in Seuol and KK Projects in New Orleans amongst others. Her work is represented in Gallery, Institutions, corporate and private collections.

Katia sepulveda
Catalogue : 2018Songwashing | Vidéo | hdv | couleur | 5:0 | Allemagne | 0 | 2018
Katia sepulveda
Songwashing
Vidéo | hdv | couleur | 5:0 | Allemagne | 0 | 2018

Marta serna
Catalogue : 2010CAT POWER | Animation | dv | couleur | 1:44 | Espagne | 2009
Marta serna
CAT POWER
Animation | dv | couleur | 1:44 | Espagne | 2009

CAT POWER Cat Power, the second video of ?Power Trilogy?, is the title that served as a source of inspiration for the underlying argument of the video: a girl gains the confidence of a little kitten by petting and them??eats it! In just a few seconds she gets a new projecting appendix. Cat Power refers to the recovery of wild untamed power through a ritual of appropiation. The central character appropiates the intuitive and wild part of the animal. The death of the cat is not in vain, it is necessary to recover a lost and forgotten wild nature. A mutation is produced. Both, human and animal coexist in the same body. They are no longer who they used to be and have become a new hybridised being gifted with new characteristics that make it more complete and fit for survival. The conduit in that video is the cat, whose sacrifice transmits a savage instinct and nature to the central character. This video explores the atavistic underpinnings of intuition.

Biographical note Marta Serna. Visual artist. Graduated from Complutense University of Madrid (1993) with a degree in Fine Arts, majoring in Painting. She also studied Classical Dance at the Royal College of London, Spanish Dance at the Royal Conservatory of Córdoba and Oriental Dance. She has created stage sets for films, theatre and television, and has taken part with diferent dance companys In worshops and performances, including Contemporary Stage. As a visual artist she is concentrated on illustration, traditional animation video, mural Installations in vinyl and plastics sculptures . She has shown her work in Spain, U.K, Mexico and USA. Now she is currently working with Espacio Marzana Gallery in Bilbao, Spain. Serna?s latest solo exhibition are ? Winter Tale? Espacio Frágil, Madrid., ?Black Sparkle?, Espacio Marzana, Bilbao and ?Black Wings?, Domus Artium, Salmanca, all in Spain (2010). ?Dark Delicate?, Cubo Azul Gallery, León (2009). ?Cruel but Fair?, Rosa Santos Gallery, Valencia and ? Blood Breath?, NO-ID Gallery, London (2008). ?Havoc Amazing Cosmic Trip?, Proyect 142, London ( 2007). And Colectives like ?Merrie Melodies?, Domus Artium, Salamanca (2010) ? ARCO 2009 Premios Creación Artística Comunidad de Madrid? ?Bloody Boots? ARCO 2008, and the visual proyect ?Bloody Little Creatures? for the group The Cure in London.

Catalogue : 2010BLOODY BOOTS | Animation | dv | couleur | 1:10 | Espagne | 2008
Marta serna
BLOODY BOOTS
Animation | dv | couleur | 1:10 | Espagne | 2008

BLOODY BOOTS Bloody Boots is a traditional animation video and the first one about ?Power Trilogy?, whose mission is to reflect on our human, animal, artificial and spiritual nature and on the ritual of compensation we have to undertake to ensure that we adapt to our surrounding environment. The story tells about a normal pair of boots turns, by the vital and regenerator effect of blood, in autentic magic object of power. The blood that flows from earth transform the boots in protectives and magics. The ?new? boots gives the girl a big power. Now she is mentally and physically prepared to croos any territory. The blood is portrayed as the vital fluid that serves as a conduit for the realisation of the ritual and confers a special power on the object. Blood gives people a human condition and bestows an inheritance, a genetic nature. The content of the video is anchored in the earthly, working wih the human.

Biographical note Marta Serna. Visual artist. Graduated from Complutense University of Madrid (1993) with a degree in Fine Arts, majoring in Painting. She also studied Classical Dance at the Royal College of London, Spanish Dance at the Royal Conservatory of Córdoba and Oriental Dance. She has created stage sets for films, theatre and television, and has taken part with diferent dance companys In worshops and performances, including Contemporary Stage. As a visual artist she is concentrated on illustration, traditional animation video, mural Installations in vinyl and plastics sculptures . She has shown her work in Spain, U.K, Mexico and USA. Now she is currently working with Espacio Marzana Gallery in Bilbao, Spain. Serna?s latest solo exhibition are ? Winter Tale? Espacio Frágil, Madrid., ?Black Sparkle?, Espacio Marzana, Bilbao and ?Black Wings?, Domus Artium, Salmanca, all in Spain (2010). ?Dark Delicate?, Cubo Azul Gallery, León (2009). ?Cruel but Fair?, Rosa Santos Gallery, Valencia and ? Blood Breath?, NO-ID Gallery, London (2008). ?Havoc Amazing Cosmic Trip?, Proyect 142, London ( 2007). And Colectives like ?Merrie Melodies?, Domus Artium, Salamanca (2010) ? ARCO 2009 Premios Creación Artística Comunidad de Madrid? ?Bloody Boots? ARCO 2008, and the visual proyect ?Bloody Little Creatures? for the goup The Cure in London.

Catalogue : 2010BLACK WINGS | Animation | dv | couleur | 2:7 | Espagne | 2010
Marta serna
BLACK WINGS
Animation | dv | couleur | 2:7 | Espagne | 2010

BLACK WINGS Black Wings is the third video that complete ?Power Trilogy?. The main theme is the transference to the character of the spiritual and magic nature that bestows on it special powers, focussing on mental and crerative facets. Story tells about a black crow flying over the sky. Down on earth, a little girl is waiting for him. The bird goes down to alighted on her arm. Between them exist a secret language. The girl turns her body and gives back to spectator. We don?t know what?s happend, but suddenly she is very convulsioned and begans to grow a smooth down on her shoulder blade. In a few seconds, she has a new couple of sparkling black wings.She is ready to take off? Black Wings is connected to one of the most ancient wishes of human been: Possibility of fly. The black crow is the driver of the transference. The bird gives her the opcion to explore the world of the ideas, dreams, fantasy, illusions?..the stranger world of imagination and creativity.

Biographical note Marta Serna. Visual artist. Graduated from Complutense University of Madrid (1993) with a degree in Fine Arts, majoring in Painting. She also studied Classical Dance at the Royal College of London, Spanish Dance at the Royal Conservatory of Córdoba and Oriental Dance. She has created stage sets for films, theatre and television, and has taken part with diferent dance companys In worshops and performances, including Contemporary Stage. As a visual artist she is concentrated on illustration, traditional animation video, mural Installations in vinyl and plastics sculptures . She has shown her work in Spain, U.K, Mexico and USA. Now she is currently working with Espacio Marzana Gallery in Bilbao, Spain. Serna?s latest solo exhibition are ? Winter Tale? Espacio Frágil, Madrid., ?Black Sparkle?, Espacio Marzana, Bilbao and ?Black Wings?, Domus Artium, Salmanca, all in Spain (2010). ?Dark Delicate?, Cubo Azul Gallery, León (2009). ?Cruel but Fair?, Rosa Santos Gallery, Valencia and ? Blood Breath?, NO-ID Gallery, London (2008). ?Havoc Amazing Cosmic Trip?, Proyect 142, London ( 2007). And Colectives like ?Merrie Melodies?, Domus Artium, Salamanca (2010) ? ARCO 2009 Premios Creación Artística Comunidad de Madrid? ?Bloody Boots? ARCO 2008, and the visual proyect ?Bloody Little Creatures? for the goup The Cure in London.

Catalogue : 2012Misty Eyes | Animation | dv | couleur et n&b | 1:10 | Espagne | 2011
Marta serna
Misty Eyes
Animation | dv | couleur et n&b | 1:10 | Espagne | 2011

Presentation of the work and sinopsis Marta Serna?s current work is driven by her interest in the chaotic states of the mind, dreams, lethargy,myths,the boundary between reality and fiction, the subconscious adn their influence on human behaviour. In 2011, she developed the proyect ? Misty Eyes & Mourning Stones?, alluding firstly to the English expression of having the eyes blurred, as with tears, and secondly to the shiny, jet black jewels and stones used during the Victorian era, wich were primary elements in the mourners? attire between the seventeenth and nineteenth centuries. The combination of both expressions evokes the feeling of mourning and crying for oneself. The origin of the proyect is a restless interest for the chaotic state of the mind, when it feels confused and dreams with the possibility of getting rid of our internal mist. This leads to an open reflection about a mental space torn between lucidity and darkness, a lethargic state of the brain with magical, enchanted and supernatural connotations. The videos that I presented to Rencontres Internationales are part of this work. The first one, ?Misty Eyes? (2011),is a reflection about the nature of evil, whether it si produced by oneself or by our environment. The protagonist, combining human and animal characteristics, seems to be unprotected and lost, abandoned in the middle of nowhere and plunged into the immensity of the mist. When the landscape starts to become clear and the blur fades away, we can finally see that the mist comes from her mouth,plunging the forest into darkness again. She is held in her own environment and wilderness.

Marta Serna. Visual artist. Graduated from Complutense University of Madrid (1993) with a degree in Fine Arts, majoring in Painting. She also studied Classical Dance at the Royal College of London, Spanish Dance at the Royal Conservatory of Córdoba and Oriental Dance. She has created stage sets for films, theatre and television, and has taken part with diferent dance companys In worshops and performances, including Contemporary Stage. As a visual artist she is concentrated on illustration, traditional animation video, mural Installations in vinyl and plastics sculptures . . She likes drawing disfunctional caracters without scene and checking the roles of power on childhood. The mission on her work is to reflect on human, animal, spiritual and artificial natures and on the ritual of compensation we have to do to adapt ourselves to the surrounding environment. She has shown her work in Spain, U.K, France, Germany, Bulgary, Yugoslavia, Lebannon, Jordan, Algeria Mexico and USA. Now she is currently working with Asm28 Gallery in Madrid and Espacio Marzana Gallery in Bilbao, Spain. Serna?s latest solo exhibition are: ? Misty Eyes & Mourning Stones? Galeria Asm28 , Madrid ( 2011), ?Winter Tale? Espacio Frágil, Madrid . ?Black Sparkle?, Espacio Marzana, Bilbao, and ?Black Wings?, Domus Artium, Salamanca, all of them in Spain (2010). ?Dark Delicate?, Galeria Cubo Azul, León (2009) ?Blood Breath?, NO-ID Gallery, London, and ?Cruel butFair?, Galeria Rosa Santos, Valencia (2008) ?Havoc Amazing Cosmic Trip?, Proyect 142, London (2007) ?Havoc Oddity?, Galeria Cubo Azul, León. 2006) And collectives like ? The Noise of Bubbles?, Red Bull Academy, Matadero, Madrid. ?Gráfica. 30 Artists from young Spain? Cervantes Institute of Lebanonn, Jordan, Bulgary, Algiers, (2012 ). ?Rencontres Internationales?, with the video proyection ?Power Trilogy?? at Pompidou in Paris , Haus der Kulturen der Welt in Berlín and the Auditorio del Ministerio de Cultura in Madrid (2011_2010) ?Merrie Melodies?, Domus Artium, Salamanca (2010) ?Premios Creación Artistica Comunidad de Madrid?, ARCO 2009 ?Bloody Boots?, ARCO 2008, and the visual proyect ?Bloody Little Creatures? in London for the musical group The Cure. In 2008 receives the Prize of Artístical Creation for the Madrid Community for the creation of traditional video animation Cat Power.

Catalogue : 2014SnakeBoy | Animation | hdv | noir et blanc | 0:34 | Espagne | 2014
Marta serna
SnakeBoy
Animation | hdv | noir et blanc | 0:34 | Espagne | 2014

SnakeBoy is the first video of the serie Immaculate Dreams. It’s an animated portrait of a real person who creates a fictionalised version of himself, in what represents a journey through his own dreams. It features SnakeBoy riding a snake as a cowboy, truly enjoying being in control of the situation. Immaculate Dreams is about the possibility of turning a dark or unpleasant journey into something luminous and flawless through the exorcism of staging. The main characters will have to stage some of their dreamlike experiences in order to carry out their own “animated portrait of their dreams” and hence portraying themselves in a more intimate, personal way.

Marta Serna. Visual artist. Graduated from Complutense University of Madrid (1993) with a degree in Fine Arts, majoring in Painting. She also studied Classical Dance at the Royal College of London, Spanish Dance at the Royal Conservatory of Córdoba and Oriental Dance. She has created stage sets for films, theatre and television, and has taken part with diferent dance companys In worshops and performances, including Contemporary Stage. As a visual artist she is concentrated on drawings and illustration, traditional animation video, mural Installations in vinyl and plastics sculptures . She has shown her work in Spain, U.K, France, Germany, Bulgary, Yugoslavia, Lebannon, Jordan, Algeria Mexico and USA. Serna’s latest solo exhibition are: “SnakeBoy”Open Studio, Madrid (2014),”Abecedario para Monstruitos” Rita Castellote Gallery, Madrid(2012)” Misty Eyes & Mourning Stones” Gallery Asm28 , Madrid ( 2011), “Winter Tale” Espacio Frágil, Madrid . “Black Sparkle”, Espacio Marzana, Bilbao, and “Black Wings”, Domus Artium, Salamanca, all of them in Spain (2010). “Dark Delicate”, Galeria Cubo Azul, León (2009) “Blood Breath”, NO-ID Gallery, London, and “Cruel butFair”, Rosa Santos Gallery, Valencia (2008) “Havoc Amazing Cosmic Trip”, Proyect 142, London (2007) “Havoc Oddity”, Cubo Azul Gallery, León. 2006) and the visual proyect “Bloody Little Creatures” in London for the musical group The Cure. In 2008 receives the Prize of Artístical Creation for the Madrid Community for the creation of traditional video animation Cat Power.

Toni serra, ali abu
Catalogue : 2006Last night dikr | Doc. expérimental | dv | couleur | 7:0 | Espagne | Maroc | 2005
Toni serra , ali abu
Last night dikr
Doc. expérimental | dv | couleur | 7:0 | Espagne | Maroc | 2005

Inspiré d'un poème de Najmudin Kubra, maitre souffi du XIIème siècle, "Las Night Dikr", un "documentaire d'auteur", montre la route d'un groupe d'hommes assoiffés, à la recherche d'eau dans les terres désertiques de l'intérieur du Maroc. Minute après minute, image après image, ce chemin, plein de métaphores et de symboles, semble nous conduire vers ce monde intérieur que, selon le poète, tout être humain porte en lui. Un homme torse nu, à la poitrine trouée, nous invite à nous connaître, à nous comprendre nous et nos désirs, à comprendre ce que nous poursuivons. "Last Night Dikr" est un phare, une compilation de documents destinées à aider, à diriger le voyageur sur le chemin de la spiritualité.


Toni Serra vit entre Duar Msuar, au Maroc, et Barcelone. Il a étudié l'Histoire de l'Art et la Philosophie à l' Universidad de Barcelona et la Vidéo et la Photographie à la School of Visual Arts de New York. Réalisateur, Toni Serra est directeur des archives de l'OVNI, l'Observatoire de la Vidéo Non Identifiée. Ses ?uvres questionnent l'excès d'images, la simulations et le spectaculaire. Disposant de trop de matériel, il révèle au spectateur ce qui est resté dissimulé jusqu'à aujourd'hui. En parallèle à "Retroyou" de Joan Leandre, il développe "Babylon Archive", un projet d'archéologie médiatique. Il a compilé divers cycles de vidéos, dont "Malestar a les Ciutats" et "TransArab ? Nou Vídeo Àrab" ainsi que la programmation vidéo du MACBA 1996-97. Il a reçu, en 2002, le Prix d'Arts Plastiques de la Ville de Barcelone pour son installation "Fes Ciutat Interior" et, en 2004, le Prix du Patrimoine de Catalogne pour le projet "Arxius" de l'OVNI.

Ilan serruya
Catalogue : 2018Reunión | Documentaire | mov | couleur | 65:0 | Espagne | 2018
Ilan serruya
Reunión
Documentaire | mov | couleur | 65:0 | Espagne | 2018

“Reunion” is the encounter between a father and a son. A moment marked by landscape, distance and silence. Ilan is cutting his own hair. He is getting ready to travel to Reunion Island. There lives his father, Raphael. An island is a piece of land surrounded by water on all its parts. A reunion is the act of making two or more things coincide at one point, sometimes colliding with one another. This meeting between the father and the son is distinguished by the absence of words, by everyday gestures, by different body postures, by the expression of their faces and by the few sentences that articulate an attempt to resume what seems to be an impossible dialogue. Raphael smokes on the chair, studying his son with his eyes. He is breathing hard. Among them, a camera acts as an intermediary. It observes them together and separately. It is a mediation device: it restrains the dialogue, registers the look on their faces and records the silence. The camera favors the meeting to take place. It protects them from the past and places them only in the present. We do not know the reasons that led them to this situation, nor the time that happened since they last saw each other. We only know that they are there, in Reunion. A path in the forest. Roots in the ground. Fog and cracks.

Ilan Serruya grew up between the cities of Mar del Plata (Argentina) and Seville (Spain). He studied Fine Arts (Universidad Complutense de Madrid), holds a degree in Film Editing (Instituto del Cine de Madrid) and Master LAV (Audiovisual Laboratory of Creation and Contemporary Practice). His search as a visual artist go into focusing on to autobiographical events, and his works often reveal some found domestic material. His feature film “Reunion” (2018) was selected for Input 2018 -Space for tutoring and advising film projects organized by (S8) Mostra de Cinema Periférico-. “Reunion” had its world premiere at Doclisboa (International competition) and its Spanish premiere at Seville European Film Festival (Endless Revolutions competition). The world premiere of “What is a zeide for?” (2018) was held by Filmadrid International Film Festival. His short film “The lost distance” (2016) participated in cinema screenings at Guadalajara (Mexico), Rome (Italy), Prague (Czech Republic) or festivals like Una casa: Muestra de cine documental autobiográfico (Spain).

Anne-lise seusse
Catalogue : 2012De la guerre, Mont royal , fragments | Vidéo | hdv | couleur | 15:16 | France | Canada | 2011
Anne-lise seusse
De la guerre, Mont royal , fragments
Vidéo | hdv | couleur | 15:16 | France | Canada | 2011

De la guerre, Mont Royal,fragments 2011 présentée est une double projection qui se focalise sur un parc de Montréal connu pour regrouper différentes activités de loisir et de plein air. En position centrale, situé sur une colline dominant la ville, le parc du Mont Royal cristallise par son esthétique tout un imaginaire tenant à l?idée de ré-ensauvagement dans la ville. Anne-Lise Seusse s?intéresse à ce lieu comme générateur de liens, et aux personnes qui y évoluent, dont elle tire cependant des portraits solitaires. De manière synchrone, apparaissent lentement des vues de l?environnement, où se gravent des restes de rituels, et les portraits, saisis dans des moments de repos, d?inaction. Mêlant la nature aux bruits de la ville proche, le son restitué des lieux contribue à une atmosphère d?attente vaguement menaçante. L?un des deux écrans de projection est en outre ponctué de textes extraits du célèbre traité de stratégie militaire De la guerre de Von Clausewitz, paru à titre posthume à partir de 1832 et qui gardera une certaine actualité en matière de réflexion politique et économique. Les descriptions implacables et les raisonnements dialectiques donnent alors une coloration et un rythme particuliers au scénario créé par Anne-Lise Seusse, entre réalité fantasmée et hostilité anticipée.


Photographe et vidéaste, Anne-Lise Seusse s?intéresse à des territoires situés aux lisières des villes et investis par des activités de loisirs (ball-trap, moto-cross, cérémonies de communautés de Second Life?). Espaces périphériques indéfinissables, entre l?urbain et le naturel, ces zones a priori sans qualité ni identité se marquent peu à peu d?un relief et d?un imaginaire bien particuliers. En position d?anthropologue, l?artiste « zoome » sur ces espaces porteurs de récits et se rapproche de leurs occupants en réalisant des portraits à la fois objectifs et rêveurs. Les lieux portent les empreintes des interventions humaines, parfois évocatrices d?une nouvelle forme de « earth art » (trous creusés dans la terre, rampes de planches de bois, couleurs des matériaux?). Les personnes revêtent les signes distinctifs de personnages (costumes de jeux de rôles?) et se prêtent sobrement à la pose, à la prise de vue extrêmement précise de l?artiste, qui travaille à la chambre, dans le paysage même.

Igor sevcuk
Catalogue : 2006Kalle | Doc. expérimental | dv | couleur et n&b | 20:0 | Bosnie-Herzégovine | Pays-Bas | 2005
Igor sevcuk
Kalle
Doc. expérimental | dv | couleur et n&b | 20:0 | Bosnie-Herzégovine | Pays-Bas | 2005

En juillet 2003, Igor Sevcuk a accompagné, en tant que traducteur, un groupe d'étudiants néerlandais lors de leur tournée en Ex-Yougoslavie. Les informations qu'il a récolté pendant ces concerts ont été la base dune enquête plus poussée. Il l'a appelée 'Kalle'. Pour résumer, il s'est intéressé dans 'Kalle' aux mythes religieux et historiques que l'on retrouve dans la vie quotidienne. Qu'est-ce que la 'Messe en si mineur' de Bach a en commun avec les symptômes d'un chien fou ? Et comment se fait-il que ce 'chien des Balkans' porte le nom scandinave de Kalle ? Dans la vidéo de 20mn le vert et le rouges, couleurs complémentaires, altèrent les opinions et les remettent en question. A travers les installations supplémentaires, ces couleurs soulignent d'autant plus les contradictions dans l'identité du chien. La vidéo de 20mn est projetée sur un mur. Une carte de l'Europe montre l'origine et du nom Kalle et comment il s'est propagé. A côté de cette carte il y a une image anamorphique de 4,5 mètres de long et composée d'épreuves au format A4. Accompagnées d'une petite photographie, de deux drapeaux de pays en papier et de leurs légendes, elles représentent 'l'Europe de Kalle'. Au milieu de cette 'documentation', un écran supplémentaire montre des vidéo de la jeunesse de Kalle. Dans cette vidéo de 5mn siffle une sorte de 'variation pour chien' de la messe de Bach.


Igoe Sevcuk est né en 1972 en Bosnie Herzégovine / Ex-Yougoslavie. Depuis 1991 il vit et travaille aux Pays-Bas. Après être sorti d'une école d'art de La Hague, Sevcuk a obtenu une maîtrise à l'institut Piet Zwart à Rotterdam. Lors des récompenses pour l'art néerlandais, 'Prix de Rome 2002', il a obtenu le premier prix dans la catégorie filme et vidéo. De 2004 à 2005 il a participé à la Research Residency Rijksacademie à Amsterdam. En 2007 il sera invité au Studio National d'Art de Chandong (Changdong National Art Studio) en République de Corée.

Catalogue : 2007Gravity | Doc. expérimental | dv | couleur | 13:20 | Bosnie-Herzégovine | Pays-Bas | 2005
Igor sevcuk
Gravity
Doc. expérimental | dv | couleur | 13:20 | Bosnie-Herzégovine | Pays-Bas | 2005

"Gravity" explore la tension entre l'amour (sujet supposé du film) et le souvenir traumatisant d'une vieille dame (personnage central du récit). Elle raconte l'histoire d'un petit garçon qui aimait grimper dans les arbres et a un jour fait une chute. Derrière elle, un homme perché sur une échelle est en train de tailler des vignes. Cet acte apparemment rituel contraste avec les tirs oppressants des avions et les nuages dans le ciel. Progressivement, l'histoire d'amour maternel se transforme en force totalitaire toute puissante. La vidéo est ponctuée par le musique de Laibach/NSK, "Nova Acropola" (1983). "On ignore plus ou moins que l'objet historique à l'étude, la terre, possède ses particularités métaphysiques, qui ont tendance à se cacher derrière une apparence ordinaire. Nous parlons ici de bâtard géographique et philosophique, dont les détails logiques et physiques sont difficiles à sonder." Peter Sloterdijk, Theory of Globalisation.


Igor Sevcuk est né en 1972, en Bosnie-Herzegovine, ex-Yougoslavie. Depuis 1991, il vit et travaille aux Pays-Bas. Il est diplômé en arts visuels du Piet Zwart Institute de Rotterdam. Il a obtenu le "Prix de Rome" en 2002 dans la carégorie film et vidéo. Depuis 1999, Sevcuk travaille sur des installations vidéo, des films et des documentaires. Il recherche la tension entre les concepts de liberté et les limites réelles du système humain. Parmi ses oeuvres: "Looking for Rebels" (2000), "Kalle" (2004), "Gravity" (2005), "Haso" (2007).

Masha sha
Catalogue : 2006Clamp | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 3:0 | Russie | 2006
Masha sha
Clamp
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 3:0 | Russie | 2006

Le resserrement dans les pinces de la grise et banale réalité, au moins, il est encore une force qui aspire à l'air libre.


Etudes: 2003 ? 2005 Pro Arte Institute, Fondation pour l'art et la culture, programme d'études des nouveaux arts des médias, Saint-Petersbourg 2000 ? 2005 Université des arts et de la culture, technologies sociales et culturelles, Saint-Petersbourg 2000 ? 2001 Collège d'optique et de mécanique de Saint-Petersbourg. Photographie Récompenses: Premier prix du jeune artiste "nouvelle génération", concours d'art contemporain de l'état de Russie, Mars 2006

Tejal shah
Catalogue : 2012Between the Waves | Vidéo | hdv | couleur | 26:14 | Inde | 2012
Tejal shah
Between the Waves
Vidéo | hdv | couleur | 26:14 | Inde | 2012

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Tejal Shah (b. 1979) is a multi-disciplinary artist primarily working with video, photography, performance, sound and installation. Her work, like herself, is feminist, queer and political. She has exhibited widely in museums, galleries and film festivals. Recent presentations include, Paris-Delhi-Bombay?, Centre Pompidou, Paris, 2011, Where Three Dreams Cross, Whitechapel Gallery, London, 2010; Lost and Found - Queerying the Archive, Nikolaj Contemporary Art Center, Copenhagen, 2009; Global Feminisms, Brooklyn Museum, NY, 2007 and Saturday Live, Tate Modern, London, 2006. Solo exhibitions include The Incidental Self, Barbara Gross Gallery, Munich, 2011; There is a spider living between us, La Centrale, Montreal, 2011; Pentimento, Kashi Art Gallery, Cochin, 2009; ?What are You??, Thomas Erben Gallery, New York and Galerie Mirchandani + Steinruecke, Bombay, 2006 and The Tomb of Democracy, Alexander Ochs Gallery, Berlin, 2003. Her work is in the collection of Centre Georges Pompidou, Paris; Devi Art Foundation, New Delhi and several other private collections in India and abroad. Tejal Shah is a multi-disciplinary artist working primarily with video, photography, performance, sound and installation. Her work, like herself, is feminist, queer and political. She has exhibited widely in museums, galleries and film festivals. Her photography, video work and installation art questions the normal and the queer, bringing to light the dissonance between norm and, perception of the norm.

Tejal shah, natasha mendonca
Catalogue : 2005Anando's Door | Art vidéo | dv | couleur | 4:57 | Inde | 2005
Tejal shah , natasha mendonca
Anando's Door
Art vidéo | dv | couleur | 4:57 | Inde | 2005

shake
Catalogue : 2017Subduction Zones: Our Status Quo | Film expérimental | 4k | couleur | 4:8 | Taiwan | 2016
shake
Subduction Zones: Our Status Quo
Film expérimental | 4k | couleur | 4:8 | Taiwan | 2016

Located at the subduction zone where the Eurasian Plate converges with the Philippine Sea Plate, the island of Taiwan has developed a unique topography as a result of the downwelling tectonic activity. Similarly, Taiwan’s position at the boundaries of different political forces within the global geography, and the hidden forces exerted by political, economic, cultural, and ideological plates, have shaped its national identity. Taiwan’s unique landscape and geopolitical history serves as a theme for The Subduction Zone by Shake. Comprised of three short films entitled Our Status Quo, Our Story and Our Suite de Danses, the work traces the intersection of the tectonic plates and travel to Taipei’s Tatun Volcanoes; the Yuli to Antun section of the old railway line in Hualian that traverses the Eurasian Plate and Philippine Sea Plate; and to the Jili Badlands in Taitung. In the eyes of a geologist, these locations are ideal textbook examples of plate tectonics; but what Shake contemplates is whether these landscapes enable an imagining of the political struggles that have taken place on this island. How does an individual find a resting place within the conflicts of divergent social structures, political systems, and ideological modes? How can the status of the self be reimagined and the story of the self be told? In addition to landscapes, Shake also includes constructions of narrative elements in the film, such as archived historical documents, personal memoire, school activities, and cultural rituals, in the artistic practice of cinematic writing.

Cinematic writing (écriture cinématographique), is the initial creative approach that inspired Shake’s work. In order to experiment the possibility of narrative form, she plays with the plasticity of moving image to liberate the sense of sound and image, and then make them derived. Meanwhile, so as to resist the film’s rigid institutional mode of representation, in addition to the filming as the only manner, she also tries to work with other different medium and expression form to experiment. Recently, she tries to study Asian geopolitical history in her works. She has participated many international artist residency program, and presented her works in different countries.

Lior shamriz
Catalogue : 2006Tiru Et Mi Hikhnasti Habaita | Documentaire | dv | couleur | 20:0 | Israel | 2004
Lior shamriz
Tiru Et Mi Hikhnasti Habaita
Documentaire | dv | couleur | 20:0 | Israel | 2004

A l´âge de 19 ans, je me suis fait réformer après un court passage à l´armée, et peu de temps après je quittai le foyer parental. Bientôt je devins un "connard immoral", et eux des "provinciaux vieux-jeu". En mars 2004, après que mon frère aîné se soit installé avec sa copine catholique à Madrid et que mon plus jeune frère se soit engagé au sein des forces israéliennes malgré ses ennuis de santé, mes parents se retrouvèrent seuls à la maison. A cette période, la situation en Israel était loin d´être bonne, comme presque toujours. Des attentats-suicides avaient lieu dans les villes israeliennes malgré la "Barrière" ou "Mur" nouvellement construit et qui devait empêcher de telles opérations. A cette époque mon père était très fragile, écoutant sans cesse de la vieille musique iranienne, pays qu´il avait quitté à l´âge de 14 ans. Ma mère devenait peu à peu accro aux histoires des Telenovelas à la télé, et elle les regardait du matin au soir. J´avais envie de dépeindre cette époque dans la vie de mes parents, en documentant une de mes visites à leur maison, qui est également la mienne. Je promenais une mini caméra dv dans mes mains, ce qui me permettait de filmer mon point de vue en queslque sorte, parfois comme une caméra candide, parfois prenant activement part à l´action.


Né en 1978 à Ashkelon, Israel. Vit à Berlin. Étudia à l´École de cinéma de Jerusalem. Fréquente l´UdK Berlin, département de Experimentelle Medien (médias expérimentaux). 2005 - "Return to the Savanna", 75 mins, programme de six courts métrages 2006 - "Ho! Terrible Exteriors" court métrage de 30 mins , "The Farewell" - une coopération avec la troupe de théâtre de rue Zaza, 50 minutes, "Japan Japan" (à venir) - experimental

Catalogue : 2007Before the Flowers of Friendship Faded Friendship | Film expérimental | dv | couleur | 7:0 | Israel | Allemagne | 2007
Lior shamriz
Before the Flowers of Friendship Faded Friendship
Film expérimental | dv | couleur | 7:0 | Israel | Allemagne | 2007

Ce court métrage experimental, conduit principalement par des dialogues, narre l'histoire d'une rencontre de trois vieux amis. Le but était de créer un effet emotionel inhabituel en construisant une image réaliste d'après une bande son bien plus sombre, enregistrée avant le tournage. Les acteurs ont ensuite mimé la bande son une fois montée.


Né à Ashkelon, Israel, 1978 Etudie a la Jerusalem Film School. (2002-2005) Institut for time-based media à l'université des arts(UdK) Berlin. Fait des films et de la musique.

Sangam sharma
Catalogue : 2005Strings | Vidéo expérimentale | 0 | couleur et n&b | 3:39 | Autriche | 2005
Sangam sharma
Strings
Vidéo expérimentale | 0 | couleur et n&b | 3:39 | Autriche | 2005

Strings (3:39): Basé sur la théorie des cordes, qui dit que les particules élémentaires (comme les protons, les nucléons, les quarks...) sont produits par les vibrations de ce que l'on appelle les cordes. La matière sonore est un enregistrement du choc d'origine (la fréquence est multipliée par 100000).


Courte biographie: Je vis et travaille à Vienne, en partie aussi à Londres. Depuis 2000: Etudes de sciences du théâtre, du cinéma et des médias depuis 2003: Etudes à l'académie d'arts plastiques, masterclass de Peter Kogler (art vidéo infographie) également en 2005: séjour d'un semestre à Londres à la Slade School of fine Art, département: "fine art media". Depuis 2001 en parallèle avec une réflexion théorique sur le cinéma, une approche pratique a suivi. De nombreux travaux ont depuis vu le jour (voir la sélection dans la partie filmographie). En-dehors de mes travaux vidéo, je produis aussi entre autres de plus en plus de photographies, des travaux graphiques (sur ordinateur), des dessins et des images. Ci-joint une liste détaillée des mes participations à des festivals de cinéma ainsi qu'à des expositions. En outre je travaille dans le journalisme spécialisé dans le cinéma pour divers médias. En ce moment je travaille à une installation vidéo ainsi qu'à différents projets photographiques, et à un magazine.