Catalogue > Liste par artiste
Parcourez la liste complète des artistes présentés dans le cadre des Rencontres Internationales depuis 2004. Utilisez le filtre alphabétique pour affiner vos recherches.  mise à jours en cours 
Brad todd
Catalogue : 2018dresden.cuba.clouds | Vidéo expérimentale | mp4 | | 3:15 | Canada | 0 | 2018
Brad todd
Vidéo expérimentale | mp4 | | 3:15 | Canada | 0 | 2018

dresden.cuba.clouds is a generative video which incorporates imagery from the skies above the city of Dresden coupled with footage of clouded ice formations and video from the Museum of the Revolution in Havana. This small database of video is processed in realtime and is sensitive to a number of parameters derived from, and responsive to, an audio recording of the Cuban "sonic attacks" of 2017. The footage of the skies and ice in particular also speak to notions of veracity as they are indistinguishable from one another. As a number of the reported cases of aural and cerebral trauma were inaudible, so too is this work. The choice of imagery from Dresden is a nod to its primacy in the place it occupies in the historical record, most obviously as the site of the devastating aerial bombing campaign during WWII. It is also referencing Dresden`s post-war history as a center of the cold war headquarters of the east German KGB/Stasi security services, notorious for their psyops, whose legacy continues today, largely unseen (and unheard it would seem). As a parable, foil and metaphor for the machinations of power and policy, this work is intended as a mute and disquieting presence, background noise.

Brad Todd is an artist whose works span several fields of inquiry, principally involving the research/creation of responsive environments which implicate technology as a mirror, filter and catalyst for experience writ large in both an individually embodied sense and its attendant broader socio-political context. Having received an M.F.A. from Concordia University (Montréal), he began playing music in the post-punk band Sofa, which released the inaugural album and single on the critically acclaimed Constellation Records label. From the generative and reactive to the composed and performative, audio and sound design continues to play a key role in his works. Brad has received numerous grants and awards and has exhibited his works in galleries and media festivals in North America, South and Central America, Asia and Europe, including the 3rd Beijing International New Media Art Exhibition and Symposium in Beijing, Eyebeam, N.Y., Paços das artes, Sao Paulo, Brazil, The New Museum of Contemporary Art, N.Y., ISEA festivals in Nagoya, Japan, Belfast and Hong Kong and Cynet art in Germany. Presently he is an instructor in the Design and Computation Arts program at Concordia University in Montréal.

Vladimir todorovic
Catalogue : 2009the snail on the slope | Animation | dv | noir et blanc | 7:42 | Serbia | Singapour | 2009
Vladimir todorovic
the snail on the slope
Animation | dv | noir et blanc | 7:42 | Serbia | Singapour | 2009

The Snail on the Slope is a generative movie based on a book of the same title by Strugatsky brothers. The novel is set on an unknown planet, where humans have a base from which they are investigating and trying to conquer the Forest. The Forest, which is a huge single organism is constantly changing and fighting back. It is also dangerous and there are a lot of unexplained phenomena that they are discovering, frequently. The movie is made of five chapters, which critically address the questions of artistic and scientific efforts to understand nature. The topics that arise in those chapters and that are rendered in semiotic relationship with nature are: sublime view, role of knowledge, escape from ubiquitous bureaucracy, and apocalyptic tone that comes with the destruction of nature. By applying an organic narrative structure to the generative dynamic forms, a spectator witnesses a definition of a novel cinematic experience. In the movie, all the scenes are generated with computer programming language Processing. They are created as abstractions and visualizations of the atmospheres in which all of the action takes place. The music is generated with various analog, digital synthesizers and software instruments.

Vladimir Todorovic, born 1977. Zrenjanin (Serbia), studied visual arts, at the Academy of the Arts in Belgrade and University of California Santa Barbara. Currently, he is working as Assistant Professor at the School of Art, Design and Media, NTU, Singapore. He co-founded the new media art collective called ʻsyntfarmʼ based in Singapore and the Institute for Flexible Cultures and Technologies `NAPON` in Novi Sad, Serbia. His research and art practice focus on generative art forms that are defining novel approaches in new media art and design. In his work, generative forms are utilized in the development of media performances and installations. They are used in various media including: generative video, audio-visual installation and performance, rapid-prototypes, computer games, mixed-reality systems, nano-fabrication, and various others. His projects were exhibited at events and venues like: ICA Singapore, ISEA08, Wired NextFest, Dislocate07, Enter3, ISEA06, Siggraph 06, Transmediale 05, File 2004, MuseumsQuartier Vienna, Machinista, Entermutlimediale 2, WRO05 Biennale, Museum of Contemporary Arts Belgrade, etc; and reviewed at/by: Channel NewsAsia, Reuters, ?Smart Surfaces? ? Springer/Birkhäuser, Wired, New Scientist, Gamasutra, Futures-labs,, Res Magazine,, Turbulence, Artmagazine, Remont, Danas, etc. Recently, he served as the chair of Ludic Interfaces theme and the organizer of ISEA08 in Singapore.

Eleni tomadaki-balomenou
Catalogue : 2019The Chair | Animation | hdv | couleur | 0:39 | Grèce | Royaume-Uni | 2019
Eleni tomadaki-balomenou
The Chair
Animation | hdv | couleur | 0:39 | Grèce | Royaume-Uni | 2019

A chair with breaking legs, a seat that cannot be stabilised, a place that is not guaranteed. The chair is a short animation made for the RCA degree show showreel by Eleni Tomadaki, 2019.

Eleni Tomadaki is a Greek artist based in London. Using moving image, performance and text, her work researches Scurgriness through intersecting fiction and reality. Eleni is a Masters graduate of Royal College of Art 2019, she has shown work at Tate St Ives, South London Gallery, Uppsala Art Museum and Assembly Point amongst others.

Yan tomaszewski
Catalogue : 2019The Good Breast and the Bad Breast | Documentaire | 4k | couleur | 22:22 | France | 2019
Yan tomaszewski
The Good Breast and the Bad Breast
Documentaire | 4k | couleur | 22:22 | France | 2019

2002, Palm Springs, Californie : une incroyable maison d’architecte est rasée au bulldozer par un individu qui venait de l’acheter 2,5 millions de dollars. Construit en 1962, ce "bijou moderniste" situé sur un majestueux terrain de golf en plein désert, fut conçu par Richard Neutra pour héberger une grande collection d’art moderne et contemporain. En puisant dans l’intérêt de Neutra pour la psychanalyse et dans les rumeurs d’une vendetta personnelle de l’acheteur, le film mène l’enquête sur notre désir de protéger et de détruire la beauté. En écho à la théorie psychanalytique de Melanie Klein, la maison devient l’incarnation du bon sein encourageant et protégeant la créativité, tandis que l’acheteur incarne l’envie du mauvais sein destructeur.

Yan Tomaszewski est un artiste franco-polonais travaillant à la croisée de la sculpture, de l’installation et du cinéma. Son travail a été présenté lors d’expositions personnelles, notamment au Musée Archéologique de Cracovie (PL), au Musée de l’Air et de l’Espace au Bourget (FR), au Centre d’art contemporain Kronika à Bytom (PL), au Middelheim Museum à Anvers (BE), à la galerie Asymetria à Varsovie (PL) ou à Primo Piano à Paris (FR). Il a participé à de nombreuses expositions collectives, notamment à Artience (Daejeon, KR), au Fresnoy Studio national des arts contemporains (Tourcoing, FR), au Prix Sciences Po pour l’art contemporain (Paris, FR), à la Galerie municipale Arsenal (Poznan, PL), à Chapter II (Séoul, KR), à la Fondation Hippocrène (Paris, FR), à Chalet Society (Paris, FR) au Centre Pompidou (FR), à Manifesta 9 (Genk, BE), à la Saline Royale d’Arc et Senans (FR). Ses films ont été présentés au FID Marseille (FR) et à DocLisboa (PT).

Chelsea tonelli knight
Catalogue : 2008The Official | Installation vidéo | dv | couleur | 6:30 | USA | 2007
Chelsea tonelli knight
The Official
Installation vidéo | dv | couleur | 6:30 | USA | 2007

Dans l?installation vidéo à trois canaux « The Officiel », Chelsea Tonelli Knight explore les fantasmes du pouvoir au sein de la bureaucratie. Tourné dans les bureaux privés et les couloirs de l'ONU à New York, « The Officiel » entreprend d?examiner le rôle d?un diplomate de sexe masculin au sein d?une institution idéalisée. Ce qui semble à première vue être un documentaire ou une interview se transforme en un récit fragmenté dans lequel le théâtre de l'autorité et de la séduction se joue entre le diplomate et son interlocuteur, non identifié. Les deux personnages adoptent une série d'attitudes, en déplaçant les tensions entre institutionnel et intime et en questionnant la manière dont ils se définissent l?un l'autre.

Chelsea Tonelli Knight est une vidéaste et artiste performance basée à Chicago (USA). Elle a obtenu son MFA (Master of Fine Arts) à la School of the Art Institute de Chicago en 2007 et a été boursière Fulbright en Italie en 2007. Knight a exposé aux USA et en Europe, notamment lors d?expositions à la Werkschauhalle Gallery des Spinnereigalerien de Leipzig (Allemagne), au St. Louis Art Museum (USA), au Centro Arte Moderna e Contemporanea della Spezia (Italie) et a participé en 2007 à la Biennale d?Istanbul (Turquie).

Oliwia & Jerem tonteri
Catalogue : 2009Unknown | Fiction | 35mm | couleur | 4:45 | France | Finlande | 2008
Oliwia & Jerem tonteri
Fiction | 35mm | couleur | 4:45 | France | Finlande | 2008

?Then I saw the face belonging to the voice that had spoken all night long.?

Oliwia Tonteri studies documentary film and Jerem Tonteri film editing at University of Art and Desing (UIAH), Helsinki.

Duro toomato
Catalogue : 2005Happy Horse 1 & 2 | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 4:30 | Pays-bas | 2004
Duro toomato
Happy Horse 1 & 2
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 4:30 | Pays-bas | 2004

Activités sportives dans lesquelles un cheval tente sa chance.

Duro Toomato est né en Croatie en 1960. Il travaille comme artiste visuel ou de spectacles et comme réalisateur. Il vit et travaille à Amsterdam.

Jaan toomik
Catalogue : 2010OLEG | Fiction | | couleur | 20:0 | Estonie | 2010
Jaan toomik
Fiction | | couleur | 20:0 | Estonie | 2010

Jaan Toomik (born 1961; lives and works in Tallinn) is a video artist and a painter, often described as the most widely acknowledged Estonian contemporary artist on the international scene. In the Estonian art world Toomik received recognition as a painter from the late 1980s and from the early 1990s as an installation and video artist. The critics often refer to him internationally as the most well-known contemporary artist from Estonia [2] mainly due to his short video works that have received wide international acclaim (e.g. Father and Son, 1998). He has participated at the São Paulo Biennale (1994), ARS ?95 (1995), Manifesta 1 (1996), Venice Biennale (1997; 2003), 4th Berlin biennial of contemporary art (2006).

Jaan toomik
Catalogue : 2007HARE CHRISTMAS | Art vidéo | dv | couleur | 2:0 | Estonie | 2007
Jaan toomik
Art vidéo | dv | couleur | 2:0 | Estonie | 2007

In the medieval Town Hall Square, in the heart of the Old Town of Tallinn stands a huge fir tree. Christmas is in the air. On the streets is the hustle and bustle of present buying and preparation. Around the tree itself is a Christmas market, a range of kitsch, purpose built, festive stalls almost filling the square with their decorative, superfluous bric-a-brac. Approaching faintly is the familiar sound of the Hare Krishna, those naives with their innocent philosophy who always bring a condescending smile to our faces, blissfully chanting their way through the city ? ?Hare Krishna - Hare Rama?. But as the sound approaches it becomes clear that the chant is not Hare Krishna but actually ?Hare Christmas - Hare Christmas?, and it is not our friends from the Krishna community but in fact a line of Santa Clauses in the familiar red attire and with flowing white beards, skipping along to the rhythm of the chant. A young girl is explaining to us her desire to do something good and worthwhile in the world. She wants to help others. She is kind. The sound of her voice is honest but we do not see the speaker ? what we see is an interior, a living place, if it can be called that. The slum, of an alcoholic, anti-social character, who it is hard to believe has any hope left or even cares anymore. The rooms are infested with cockroaches and flies. Heaps of decomposing rubbish strewn around. We can easily imagine the smell of the place. Two different worlds that at some point in time will collide.

Patrick topitschnig
Catalogue : 2016Carusel | Doc. expérimental | 4k | couleur | 5:41 | Autriche | Roumanie | 2015
Patrick topitschnig
Doc. expérimental | 4k | couleur | 5:41 | Autriche | Roumanie | 2015

With precisely composed filmic-tableaux and through minimal movements the work Carusel evokes the image of a post-apocalyptic playground, while somewhere outside or above various doomsday scenarios take their course. It is a setting of the Zeitgeist-phenomenon celebrated by our pop culture in graphic novels, computer games and television series in all of its enjoyment and pessimism. Carusel triggers trails of thought in-between mythical traditions and actual fear of the dark. In an elevator ride in one of the sequences, we eavesdrop a conversation of a family: Arguably, the rest of the world still standing. Carusel was shot in the damp caverns of a former Romanian salt mine which was reused as a bomb shelter in the second world war and is now refurbished as an erie underground amusement park. Though equipped with a carousel, ping-pong tables, a childrens’ playground and rowboats, the combination with large threatening steel structures and surreal light-objects still produce a gloomy atmosphere and ambience of fear. It seems that the mythical echos of the historically charged site are still abound, yet absurdly translated into an uncanny and bizarre „amusement park“. Marlies Wirth

Patrick Topitschnig is a Vienna based filmmaker and audio artist and also collaborates on theatre projects. After he finished his studies in Commercial Information Technology he studied Intermedia Art and Narrative Film in Vienna and Berlin under the likes of Bernhard Leitner, Erwin Wurm, Constanze Ruhm and Thomas Arslan. For his diploma in 2012 he produced the experimental video “Right to Hospitality”. He received several awards, such as the Fred Adelmueller Grant and the Ursula Blickle Preis for his video "Concision of the Whole" (2007) ("Zerschneidung des Ganzen"). In 2013 he was granted the STARTstipendium for video and media art (Austrian Federal Ministry for Culture and Arts). He works primarily with video and sound, often within installative contexts. His works center on direct physical experience and immediate reception of time, as well as on enduring and measuring the passing of time on a visual or on an acoustic basis. Permanent repetitions or continuous oscillations constitute a recurrent theme.

Noam toran, onkar kular
Catalogue : 2007Postponing the Inevitable | Fiction | 16mm | couleur | 16:0 | USA | Royaume-Uni | 2007
Noam toran , onkar kular
Postponing the Inevitable
Fiction | 16mm | couleur | 16:0 | USA | Royaume-Uni | 2007

"Postponing the Inevitable" est un film présentant trois interprétations différentes du thème de la mort proche. Basés sur des histoires vraies, les chapitres "Falling", "Faking" et "Freezing" se situent entre le récit cinématographique traditionnel et un espace ambigu de représentation visuelle, demandant au spectateur d'interpréter les indices qui lui sont proposés: un éboueur est photographié par une femme pour une raison inconnue, un homme va et vient sur une plage, un hôpital ne contient qu'un seul patient.

Noam Toran est né en 1975 à las Cruces à New Mexico. Il a étudié les beaux arts. Il a réalisé des décors de théâtre et de cinéma avant de recevoir son MA en design au Royal College of Art de Londres. Son oeuvre utilise plusieurs disciplines et médias, du film à l'installation en passant par le design conceptuel, et explore les implications sociales, psychologiques et éthiques des technologies naissantes, de la culture de masse, du cinéma et de la photographie. L'oeuvre de Toan est exposée, projetée et publiée sur le plan international, notamment au MOMA de New York, au MUDAM du Luxembourg, au Centre Pompidou de Paris, et au Kulturhuset de Stockholm. Actuellement, il enseigne au Royal College of Art et donne des conférences à travers le monde.

Jose Luis torres leiva
Catalogue : 2005Ningun Lugar en Ninguna Parte | Documentaire | dv | couleur | 70:0 | Chili | 2004
Jose Luis torres leiva
Ningun Lugar en Ninguna Parte
Documentaire | dv | couleur | 70:0 | Chili | 2004

?No Place Nowhere? peut parler de plein de sujets. C?est un voyage personnel à travers l?image et le temps. C?est le portrait d?un quartier marginal. C?est la rencontre entre la réalité et la fiction. C?est la recherche constante d´une réalité dans le documentaire. C?est une répétition musicale et la construction permanente d?un film. C?est un documentaire qui traite plus des questions que des réponses. Un visage silencieux, une autoroute vide, un paysage d?hiver, le vent qui souffle dans les feuilles d´un arbre, la mer, n?importe quel quartier donne pour ?créer par les moyens du registre?, une vérité unique pour chaque spectateur.

José Luis Torresest un jeune réalisateur chilien né en 1975. Avec le court métrage ??The Dead?? il a gagné le Fondart Award en 1998. Depuis, il a réalisé beaucoup de vidéos courtes et indépendantes. En 2003, il a reçu une bourse de la Fundación Andes pour la création du documentaire ??No Place Nowhere??. Il travaille en ce moment sur ce qui sera son Opera Prima en réalisation de film : ??The Sky, the Earth and the Rain??, pour lequel il a eu la bourse de la Fundación Carolina pour le projet de développement de la réalisation ibéro-américaine à Madrid en 2003, en Espagne, et la subvention Hubert Bals 2004 du Rotterdam?s Film Festival pour les projets de développement et une mention pour la qualité du projet dans le II Bal du 6e Independent Filmmaking Festival, Buenos Aires, 2004. Dernièrement, il a fini un film en 35 mm ??Women Workers coming out of Factory?? avec le support de la Fondo de Fomento Audiovisual Nacional (FONDART) et qui fut sélectionné dans de nombreux festivals de cinéma comme Toulouse, Huesca, Belo Horizonte, Sao Paulo, Drama (Grand Prix Best Short Film) Viña del Mar and Leeds. Le documentaire ??No Place Nowhere?? a été sélectionné dans plusieurs festivals de film dont le Barcelona DOCUPOLIS 2004 Documentaries International Festival, dans la catégorie Opera Prima, Rotterdam Film Festival, Rencontres de Toulouse, It?s all true documentary festival in Brazil, Vancouver, Canada, Viennale in Austria, etc. Il a été nommé meilleur réalisateur au VIII Santiago Documentaries Festival, FIDOCS 2004.

Esther toth
Catalogue : 2016Mémoires d'une infirmière | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 20:25 | Hongrie | France | 0
Esther toth
Mémoires d'une infirmière
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 20:25 | Hongrie | France | 0

Existerait-il une fin à l’analyse, ou bien serions-nous condamnés, comme dans Mémoires d’une infirmière, à revivre et réexaminer les événements passés éternellement, néanmoins sous un nouvel angle ? Ce troisième volet d’une trilogie d’hybride de film et de théâtre, avec des marionnettes, se passe après la mort, dans un au-delà où la psychanalyse est obligatoire et s’avère être un processus infini. Sur la frontière flottant entre rêve et cauchemar, utopie et dystopie, la protagoniste : E recherche du sens de l’amour via le transfert envers son analyste, qu’elle perçoit comme un objet sauveteur et réparateur. Le psychanalyste est la marionnette de David Lynch et la marionnette de Larry David est à l’accueil du hall post-mortem.

Esther Toth, née à Budapest, est diplômée de l’École Nationale Supérieure des Beaux Arts. En 2010 elle a commencé une série de films avec des marionnettes : une exploration du processus psychanalytique, qui se suivra par un film sur Walter Benjamin. Les deux premiers volets de la trilogie (M’as-tu rêvé ou t’ai-je rêvé ? , Sisters, un cas classique) ont été présentés au Palais de Tokyo, Mémoires d’une infirmière au Freud Museum, à Londres, et il sera projeté au Centre Pompidou à Paris, à l’automne 2017.

Muriel toulemonde
Catalogue : 2012la théorie des vagues | Vidéo | hdv | couleur | 20:0 | France | 2011
Muriel toulemonde
la théorie des vagues
Vidéo | hdv | couleur | 20:0 | France | 2011

La théorie des vagues est un film en trois mouvements, au fil desquels, à partir du motif de la vague, la question du passage de la perception à la représentation tente de se résoudre. Le film s?ouvre sur la description d?une maison tout au bord de l?eau, sur laquelle les vagues viennent éclater les jours de tempête. Ce lieu évoqué par la narratrice est celui où j?ai passé les deux premières années de ma vie. Hormis le récit que l?on m?en a fait, je n?en garde aucun souvenir, aucune image, même si je peux supposer qu?il a affecté mon mode de perception. C?est un autre lieu, le laboratoire de mécaniques des fluides de l?école centrale de Nantes, qui a réactivé la mémoire de cette maison au bord de l?eau, quarante ans après. Là, les vagues viennent s?écraser régulièrement sur les murs de béton d?un bassin à houle.

Muriel Toulemonde est née à Lille en 1970. Durant ses études à l?Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris et après, (DNSAP en 1997), elle bénéficie de plusieurs résidences à l?étranger : Milan (1991), Los Angeles (1994), Cologne (1999), Budapest (2001), Delphes (2004).

Giorgos tourlas
Catalogue : 2005Sarcocoptes | Animation | dv | couleur | 4:0 | Grèce | 2005
Giorgos tourlas
Animation | dv | couleur | 4:0 | Grèce | 2005

"Sarcocoptes" signifie en grec "coupeurs de viande". Cette courte vidéo d'art est une animation expérimentale. L'être humain se transforme en fonction de ses émotions. Caractère durable de l'esprit humain et de son anatomie. Les codes anatomiques se transforment. Les émotions et les souvenirs s'incarnent et entrent en conflit avec la propre chair de l'Homme. Une simple pensée ressemble à une opération chirurgicale. L'organisme s'approche t-il à chaque instant de la mort ou est-il déjà prêt à renaître ? Une créature solitaire qui creuse dans son esprit à la découverte de soi-même.

Giorgos TOURLAS est né à Athènes en 1979. Il est diplômé de l'école des Beaux-Arts d'Athènes où il a étudié dans le laboratoire d'étude de Rena Papaspyrou entre 1999-2000 et 2003-2004. Il a également étudié la mosaïque et l'informatique dans ce même département. Actuellement, il continue ses études de 3ème cycle en art numérique. En Espagne, à l'Université des beaux-arts de Valence en 2002, il a étudié la chalcographie (technique de gravure sur cuivre) et l'animation.

Anne toussaint, luc bitsch, charles cretello, christian, didier, hakim el bachir, joël, marcel, nordine benziane, philippe tolila, regina de almeida,kamel regaya
Catalogue : 2009À la limite... traces | Doc. expérimental | dv | couleur | 32:0 | France | 2009
Anne toussaint , luc bitsch, charles cretello, christian, didier, hakim el bachir, joël, marcel, nordine benziane, philippe tolila, regina de almeida,kamel regaya
À la limite... traces
Doc. expérimental | dv | couleur | 32:0 | France | 2009

Au risque et limite de l?enfermement, une perception du monde dans un espace confiné. Petit à petit des images flottantes, des atmosphères de travail, des lieux de vie? Un mètre carré d?existence. Habiter un lieu, inventer des perspectives, vivre dans un temps autre que celui vécu par le commun des mortels et pourtant demeurer si semblable. Un paradoxe troublant

Bruce tovsky
Catalogue : 2005Ether | Art vidéo | dv | couleur | 5:0 | USA | 2005
Bruce tovsky
Art vidéo | dv | couleur | 5:0 | USA | 2005

Par des sons et des éléments visuels évocateurs, ETHER vise à créer un environnement immergent des données décomposées. L?image se craquelle et se tord, intégrant et désintégrant le son vidéo. Les sifflements et les bourdonnements de son à des kilomètres de là remplissent la pièce, des morceaux dérobés de musique et de voix se décomposent en un brouillon. Dans la pièce sombre, le diptyque video, seule illumination, est projeté sur un mur blanc. Dans les coins de la pièce quatres hauts parleurs mettent en avant un yaourt sonore qui enveloppe mais n?intimide pas.

Bruce Tovsky est un artiste visuel et sonore qui réside à Brooklyn, New York. Il a été diplômé d?un MFA en multimédias (art du film, de la vidéo, du son, de la performance et de l?installation) à la Rutgers University en 1979. Il a commencé à montrer des vidéos aux USA, en Europe et au Japon dans le début des années 80. Certaines de ses vidéos sont présentes dans la collection The Kitchen et The New York Library Donnell Library Center, toutes deux à New York. Il a embrassé une carrière diversifiée comme producteur audio (Liquid Liquid, Lydia Lunch, Karen Finley, F?tus) et moteur/designer vidéo pour des publicités ou des clips. Pendant ces dernières années, il a créé des vidéos en direct et des improvisations sonores, souvent en collaboration avec l?artiste sonore John Hudak, dans de nombreux lieux autour de New York dont Diapason, Experimental Intermedia, Issue Project Room, et son propre espace d?installations, 106BLDG30 au Brooklyn Navy Yard. Lors de l?été 2003, il a présenté ??for the time bing? ? æc Hudak au ??Festival off Mixology? ? de Roulette au The Performing Garage. Cette performance fut distribuée en 2004 sous le label de Jason Kahn, CUT, et rééditée dans le numéro de Février de The Wire. En octobre 2003, Torsky a assemblé un groupe d?improvisateurs - Beo Morales, David Linton, Michael Schumacher and Brooks Williams ? afin de jouer une pièce pour le festival Réseaunances à l?Ircam de Paris. Sa pièce vidéo et sonore la plus récente, ETHER, a fait sa première à 106BLDG30 dans le Navy Yard en juin 2005, et a été diffusé dans des festivals internationaux à Sao Paulo et Séoul. La bande-son de ETHER fut récemment programmée dans un documentaire radio de la BBC et sur des stations radios à ondes courtes.

Bradly Dever treadaway
Catalogue : 2016Booked for Safekeeping | Vidéo | hdv | couleur et n&b | 8:19 | USA | 2016
Bradly Dever treadaway
Booked for Safekeeping
Vidéo | hdv | couleur et n&b | 8:19 | USA | 2016

Booked For Safekeeping addresses faltering outlets for the containment and expression of violent impulses, the reactionary bluster of discourse in contemporary society and the isolation and paranoia developing within American communities. Juxtaposed against the grace, rhythm and force inherent within the motions of a boxer engaged in battle with himself are archival images from a 1960 film produced by the Louisiana Association for Mental Health addressing the apprehension and incarceration of "disturbed" people. While investigating the propensity and commonality of violence, the piece alludes to the distressing shift in tone and approach regarding the policing of communities, wherein patience, compassion, and de-escalation are too often replaced with militaristic distance and aggressive control.

Bradly Dever Treadaway is a Brooklyn and New Orleans based artist and teacher utilizing lens-based image making, sculpture, installation and performance to comment on the breakdown of intergenerational communication. His work revolves around fleeting family histories visualized through archival interventions and elevated domestic rituals while questioning material significance within the photographic medium. Treadaway creates memorials, monuments and mnemonic devices to fading family histories using with personal and public archives, recontextualizing the archive to serve as form, medium, subject matter and concept. Treadaway is a Fulbright Scholar to Italy and works as both a Faculty member and the Digital Media Coordinator at The International Center of Photography in New York City. His work has been exhibited at the Whitney Museum of Art, Center for Photography at Woodstock, The International Center of Photography, The Mobile Museum of Art, The Ospedale degli Innocenti in Florence, Italy, and the Lishui Museum of Photography in China. His film/video work has been screened at the New Orleans Film Festival, the Carnegie Museum of Art, the National Centre for Contemporary Art in Moscow, Russia, Union Docs, Anthology Film Archives, the Nashville Film Festival, the Coney Island Film Festival, and at the Brooklyn Arts Council?s Scene: Brooklyn.

Ryan trecartin
Catalogue : 2014Comma Boat | | | couleur | 33:2 | USA | 2013
Ryan trecartin
Comma Boat
| | couleur | 33:2 | USA | 2013

Comma Boat is one of four movies to date completed in 2013 by Trecartin, first shown as a work in progress at the Arsenale of the the Venice Biennale. Since settling in Los Angeles in 2010, Fitch and Trecartin have designed and built a modular maze of sets on a soundstage with the help of Hollywood technicians who have rigged the space with lights and hydraulics enabling it to move and change for different projects.

Termed "the most consequential artist to have emerged since the 1980s" by The New Yorker, Ryan Trecartin is one of the most innovative artists working with video today. Trecartin`s video narratives unfold like futuristic fever dreams. Collaborating with an ensemble cast of family and friends, he merges sophisticated digital manipulations with footage from the Internet and pop culture, animations, and wildly stylized sets and performances. While the astonishing A Family Finds Entertainment (2005) has drawn comparisons to Jack Smith, early John Waters, and Pee-Wee`s Playhouse, Trecartin crafts startling visions that are thoroughly unique. Kevin McGarry writes, "Ryan Trecartin has established a singular video practice that in form and in function advances understandings of post-millennial technology, narrative and identity, and also propels these matters as expressive mediums. His work depicts worlds where consumer culture is amplified to absurd or nihilistic proportions and characters circuitously strive to find agency and meaning in their lives. The combination of assaultive, nearly impenetrable avant-garde logics and equally outlandish, virtuoso uses of color, form, drama and montage produces a sublime, stream-of-consciousness effect that feels bewilderingly true to life." Ryan Trecartin was born in 1981 in Webster, Texas. He received a BFA from the Rhode Island School of Design in Providence, Rhode Island in 2004. Solo exhibitions include Any Ever, which traveled from the Power Plant, Toronto in 2009 to the Museum of Contemporary Art, Los Angeles in 2010, then to the Museum of Contemporary Art, North Miami, FL in 2011; MoMA P.S.1, Long Island City, New York; Musée d`Art Moderne de la Ville de Paris, France (both in 2011); Kunsthalle Wien, Austria; Wexner Center for the Arts, Columbus, OH; Hammer Museum, Los Angeles, and Elizabeth Dee Gallery, New York. His works have been seen in group exhibitions at the San Francisco Museum of Modern Art; ZKM - Center for Art and Media, Karlsruhe, Germany; Garage Center for Contemporary Culture, Moscow, Russia; The Eighth Gwangju Biennale, Gwangju, South Korea; MIT/List Visual Arts Center, Cambridge, MA; New Museum of Contemporary Art, New York; Guggenheim Museum Bilbao, Spain; the 2006 Biennial Exhibition of the Whitney Museum of American Art, New York; USA Today: Works from the Saatchi Collection, Royal Academy of Arts, London; Moore Space, Miami, Florida; The Getty Center, Los Angeles; New York Underground Film Festival, New York; Chicago Underground Film Festival, Chicago; and Smack Mellon, Brooklyn, among others. In 2009 Trecartin was the recipient of the first Jack Wolgin Fine Art Prize, presented by the Tyler School of Art at Temple University, Philadelphia, which recognizes the highest level of artistic excellence on an international level. In 2009 he received the Calvin Klein Collection New Artist of the Year Award at The First Annual Art Awards, Solomon R. Guggenheim Museum, New York. He also received a Pew Fellowship in the Arts in 2009. Trecartin lives and works in Los Angeles.

Julie tremble
Catalogue : 20151221 Amor | Vidéo | hdv | couleur | 13:0 | Canada | 2014
Julie tremble
1221 Amor
Vidéo | hdv | couleur | 13:0 | Canada | 2014

1221 AMOR est une vidéo combinant la prise de vue réelle et l`animation 3D. Cette vidéo examine la question du récit dans une oeuvre de fiction sans protagoniste et reposant sur la matière et ses processus de transformation. L`histoire repose ainsi sur les liens établis entre les différents états minéraux soient la pierre, l’os et le fossile. Dans les trois séquences qui composent 1221 Amor, différentes temporalités s’entremêlent pour créer un temps comprimé, indéfini qui va à l’encontre de notre représentation traditionnellement linéaire du temps. Les sons et les images ont été réalisés à partir d’expériences faussement scientifiques et des codes narratifs des films de catastrophe.

Nourri par le cinéma, les arts visuels, la littérature et la philosophie, le travail vidéographique de Julie Tremble explore la matérialité des émotions et la narrativité des éléments naturels. Elle détient une maîtrise en études cinématographiques de l`Université de Montréal (Montréal, 2005) et un baccalauréat combinant cinéma et philosophie (Montréal, 2000). Son travail a été présenté dans des centres d`artistes, en galerie, de même que dans différents festivals à travers le Canada. En 2013, elle a reçu le prix du Conseil des arts et des lettres du Québec pour la meilleure œuvre d`art et d`expérimentation remis dans le cadre de la 31e édition des Rendez-vous du cinéma québécois. Ses vidéos sont distribuées par le Groupe Intervention Vidéo. Elle réside actuellement à Montréal. Julie Tremble est représentée par la Galerie Joyce Yahouda.

Carlos troncoso
Catalogue : 2007Tan lejos, tan cerca | Animation | dv | couleur et n&b | 1:30 | Pérou | 2007
Carlos troncoso
Tan lejos, tan cerca
Animation | dv | couleur et n&b | 1:30 | Pérou | 2007

Partant d'une visualisation par satellite, destinée à nous surveiller, l'artiste a découvert le plan du Pérou, comme une silouhette humaine. Les images satellite servent en quelque sorte à faire illusion: de très loin, le territoire est magnifique, et montre une topographie verte et vivante. Cependant, le drame humain que vivent la plupart des habitants de cette zone colorée montre le contraire: de près, les choses semblent très lointaines. Pour cette raison, l'artiste expose la forme de son pays de façon impertinente. L'orientation est inversée: le sud est au nord, et l'est est à l'ouest. Quelle va être alors la perpective la plus forte?

Carlos Troncoso est l'auteur d'une oeuvre multiple: vidéo, installations, assemblage, arts graphiques, sérigraphie, théâtre. Dans les années 1980, il a participé à la scène musicale underground et d'art alternatif à Lima, au Pérou. Il a pris part à la production d'oeuvres collectives: Mucho Cabrio, Bestiarios, MUTA. Il collabore à des événements dans le domaine de l'art électronique, organisés par DACP, ATA, Medios Nómades. Il est membre fondateur et directeur des projets DACP (développement artistique et culturel péruvien), à Lima (2000-2007). Il fait partie d'un groupe d'artistes qui fait la promotion de l'art vidéo péruvien dans le monde. L'oeuvre vidéo de Troncoso a été montrée dans plusieurs festivals, au Japon, à Los Angeles, à Barcelone, à Londres. Actuellement, il enseigne les arts visuels à l'école supérieure des beaux-arts Corriente Alterna.

Catalogue : 2009Estados Alterados | Vidéo | dv | noir et blanc | 4:9 | Pérou | 2008
Carlos troncoso
Estados Alterados
Vidéo | dv | noir et blanc | 4:9 | Pérou | 2008

In an exercise of compensation, I invert the condition of the representations of prominent figures of class society. Between the social pages and the elitist advertising, I incrust them in the context of the settlers, the called ?D sector?. By means of digital abrupt manipulation turning to a stereotype, an exchange in a coarse way the roles of the social actors, I execute a pleasant revenge in photomontage key. For the speech, I used an early ?opened work?, as Umberto Eco concept, the prologue of a Peruvian basic book: Seven Essays Interpretation of the Peruvian Reality, by Jose Carlos Mariátegui, whose reflection about a racist society is still remaining up to the present. Declared in Quechua and without subtitles the voice force the spectator to enjoy a despised and unloved language.

Visual Artist and teacher Produced artwork with diverse media: video, installations, assembly, graphic arts, silkscreen, stage scene. In the decade of the 80`s, he participated in the underground scene of music and alternative art in Lima, Peru. Took part in artwork collective production: Macho Cabrio, Bestiarios, MUTA. Collaborates in initial and formative events of electronic art in Peru, organized by DACP, ATA, Medios Nómades. Founder member and director of DACP projects (Peruvian Cultural Artistic Development), Lima 2000-2008. Group of artists who promoted and produced Peruvian video-art works internationally. His video work was exhibited in diverse festivals placed in Japan, Los Ángeles, Barcelona, Madrid, Paris, Berlín, London. At the moment he is a teacher of Visual Arts at Corriente Alterna Fine Art School