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Krassimir terziev
Catalogue : 2011Monu-mental | Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 13:33 | Bulgarie | 2011
Krassimir terziev
Monu-mental
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 13:33 | Bulgarie | 2011

An observation of public space that is popular among youth communities in Sofia (the park infront of the Monument of the Soviet army). A place to spare time in chatting, drinking, smoking, practicing urban sports or just hanging around. The camera observes from a distance the scenes of spare time and the regular passers by The following editing process adds to the image audio samples coming from libraries dedicated to narrative cinema production: atmospheres, beats, suspense motives, etc (all that in cinema is called extra-diegesis). The implanting of sonic codes from drama films over the opaque (that escape explicit interpretation) visual scenes is an experiment with the subconscious montage of reality every viewer makes on the basis of received ideas, interpretations and guesses, that rarely contain the entire information for a given event. The increase of spare time saturated by media streams from near and far that construct the world is a reservoir for the imagination, role plays, constructions of identities, missions and causes. That liquid ambience between reality and ficton is loaded with suspense and hidden dramatism.

Krassimir Terziev (*1969) is an artist and organizer on contemporary arts and media culture. Lives and works in Sofia, BG, where he had graduated MA in Arts Academy in Sofia (1997). Bio / narative form Being trained as a painter, he also produces photographs, installations, computer mediated works, but the moving image has proven to be his most effective and expressive idiom. His work has been shown on television (P.A.R.K.4DTV, Amsterdam, MMTV, Sofia), at group shows ("THE PROJECTIOBS PROJECT" MuHKA, Antwerp, Muscarnok/Kunsthalle Budapest; ?CINEMA LIKE NEVER BEFORE? Generali Foundation, Vienna, AT; ?New Video, New Europe? TATE Modern London & St. Lois MOCA, Renaissance Society , Chicago, US; ?THE LAST EAST-EUROPEAN SHOW? Museum of Contemporary Arts Belgrade; 9TH. CAIRO BIENALE); media art festivals (Impakt, Uthreht; videopositive, Liverpool; kontext:europe, Vienna & Lyon) as well as at solo shows ("BACKGROUND ACTION" Sofia City Gallery; ?EXCUSE ME, WHICH CITY IS THIS?? ICA-Sofia; ?ON THE BG TRACK? Belgrade Cultural Centre; ?EVERYTHING SEEMS ALRIGHT? The Kitchen, NYC). Member of ICA-Sofia. Since 1998 he has been involved in the organization of a large number of events, projects, lectures, presentations and workshops on media art and culture. He was artist-in-residence in Vienna, Stuttgart, Manchester, Eindhoven, Tornio, New York and Sofia. In 2007 he received Gaudenz Ruf Award for New Bulgarian Art.

Mont tesprateep
Catalogue : 2014Endless, Nameless | Fiction expérimentale | super8, photo | noir et blanc | 22:39 | Thaïlande | 2014
Mont tesprateep
Endless, Nameless
Fiction expérimentale | super8, photo | noir et blanc | 22:39 | Thaïlande | 2014

Endless, Nameless is a hand-processed Super 8 film, shot in the private garden of a high-ranking Thai army officer. The film constructed from more than twenty years of mont’s observations and memories about different groups of conscript who worked alternately in this garden. The film was created as a self-hypnosis to reinvestigate and seek to understand his existence in the family and how he has been brought up. “I am interested in the phenomenon of light motion and form becoming directly visible when one's eyes are closed or when one is in darkness or so-called Prisoner's Cinema. This reminded me of a resurrection of memories or maybe an invented illusion.”

Mont Tesprateep is an artist and filmmaker based in Bangkok.

Catalogue : 2017Song X | Fiction expérimentale | 16mm | noir et blanc | 20:19 | Thaïlande | 2017
Mont tesprateep
Song X
Fiction expérimentale | 16mm | noir et blanc | 20:19 | Thaïlande | 2017

A group of teenagers conducts a cremation ceremony for a man who is entering the afterlife while still being sought by the military for deserting. Shot on expired black-and-white film stock, the deteriorating image surface echoes life fading away in this tribute to the director`s friend.

MONT TESPRATEEP was born in Bangkok but raised in Isan (the northeastern region of Thailand). He graduated with a Master degree in Fine Art from Chelsea College of Arts in London. Since 2014, he has been working on a series of hand-processed 16mm and S-8 short films: Endless, Nameless (2014) and Song X (2017). His films has been shown at film festivals, including Locarno Festival, International Film Festival Rotterdam, BFI London Film Festival, Les Rencontres Internationales and etc. Mont received a completion grant from the programme `Frameworks`, International Film Festival Rotterdam to complete a new work `Confusion Is Next`, premiered at the festival in 2018. He is currently developing his first feature film project.

Rebecca Ann tess
Catalogue : 2011A Crime must be Committed | Installation vidéo | hdv | couleur | 13:0 | Allemagne | 2010
Rebecca Ann tess
A Crime must be Committed
Installation vidéo | hdv | couleur | 13:0 | Allemagne | 2010

The video installation A crime must be committed is the second part of a series of three parts, focusing on the historical development of the way characters are por-tray¬ed in European and North American movie and TV history. In A crime must be committed Tess cites and alters typical scenes of the crime and detective film genre, such as 1920s gangster movies, (Underworld, 1927), Film Noir (The Maltese Falcon, 1941) Neo-Noir Films, (The Detective, 1968), thrillers, (Die Hard, 1988; Shaft, 1971 and 2000), and contemporary investigation series (CSI, from 2000). The artist follows the historical development of the detective character and his relationship to the criminal, as well as the power games between the pro¬ta¬go-nists, that change over time. The video refuses to follow a chronological order that normally structures historiography. And the tension, as well as the case, of the criminal film remain unresolved, while the loop leaves beginning and end undefined.

Rebecca Ann Tess is an artist born in 1980 in Annweiler Am Trifels, Germany. She studied fine arts at the University of Fine Arts of Berlin, at the Chelsea College of art & Design, and at the Städelschule in Frankfurt. She works essentially with video and found footages and her research approaches diverse subjects such as queer theory or television history. Her work was shown in several European exhibitions.

the centre of attention
Catalogue : 2008La Discorde | Art vidéo | dv | couleur | 1:28 | Royaume-Uni | Suisse | 2007
the centre of attention
La Discorde
Art vidéo | dv | couleur | 1:28 | Royaume-Uni | Suisse | 2007

Pour le Center of Attention, l?auditoire, qui est invité à participer, est plus qu?un simple destinataire, en ce que grand nombre de leurs ?uvres ne sont achevées que grâce à l?engagement du public dans le jeu. Souvent, l'objectif est de faire rentrer le visiteur à l?intérieur de la performance grâce à une proposition attirante, puis de terminer l??uvre avec leur aide. Un spectacle comme « La Discorde » (Zwietracht) ne fait pas exception : les deux artistes agissent comme des catalyseurs, qui commencent par encourager le public à applaudir quelqu?un. Cette réaction plutôt positive de la part du public est ensuite transformée en son opposé, lorsqu?ils incitent les visiteurs de l?exposition à siffler la même personne qu?ils venaient d?acclamer. D?un point de vue psychologique, cela est extrêmement habile, car les réticences envers l?expression négative sont désamorcées par l?expérience positive de l?applaudissement collectif, connoté positivement. Dans un troisième temps, le public est invité à se bagarrer pendant une minute. Le public joue le jeu de cette escalade d?hostilité parce que le seuil d?inhibition envers les comportements négatifs a déjà été franchi grâce aux huées.


Fondé en 1999, le Centre of Attention est formé par Pierre Coinde et Gary O?Dwyer. Ses projets sont présentés internationalement et constituent une recherche continue sur le phénomène de la production artistique, de la présentation, de la consommation et de la « patrimonisation ». Parmi leurs récentes expositions, citons « L'argent » (« Money ») au Plateau de Paris (pour laquelle le Center of Attention a payé Le Plateau pour être intégré dans l'exposition, le paiement constituant l??uvre) et « Gemeinschaft und Gesellschaft », une installation open source au Mejan Labs de l?Académie Royale des Beaux-Arts de Stockholm (Suède). Leurs prochains projets comprennent la réalisation d?un long-métrage, qui sera produit début 2009.

Koen theys
Catalogue : 2006The Vanitas Record | Installation vidéo | dv | couleur | 33:35 | Belgique | 2006
Koen theys
The Vanitas Record
Installation vidéo | dv | couleur | 33:35 | Belgique | 2006

Pour l?exposition Locus Loppen, Koen Theys a construit une gigantesque installation. The Vanitas Record était une nature morte en trois dimensions qui mesurait quinze mètres sur vingt. Dans l?assemblage de crânes, de livres, de réveils et de bougies, entre autre, Theys avait placé vingt mille escargots vivants. Dans la première partie de la vidéo du même nom - qui n?est d?ailleurs pas une simple documentation sur l?installation mais bien une ?uvre en elle-même, composée de différentes couches contextuelles ? la caméra circule le long de l?installation et détaille les livres, les escargots rampants, les réveilles en train de sonner et les bougies en train de s?éteindre. Doucement, Theys ajoute une deuxième couche qui allie relativité et ironie (qui peuvent également s?appliquer à lui) en insérant des extraits d?interview télévisée et radiophoniques qu?il a donné alors qu?il construisait ce ?record?. Dans la deuxième partie, Vanitas Record devient presque grand guignolesque puisque Theys exagère l?attention, déjà importante, qu?a suscité son installation auprès du public et de la presse lors de son inauguration en lui donnant les proportions d?un événement de masse où la presse et les visiteurs lui réservent un accueil exceptionnel : un tonnerre d?applaudissements et le crépitement assourdissant des flashes. En faisant cela, Theys dénonce l?érosion réflexive en relation avec le contenu de l?art visuel et de la culture dans la presse : le texte critique est de plus en plus marginalisé par le ?mécanisme de la tendance? dans les médias. Ce qui est plutôt paradoxal, c?est que cet acte pompeux est en contradiction avec la lecture première du contenu imposé au public par un ?Vanitas setting? (un ?cadre Vantias?) : un appel à la justice et à la compréhension du caractère temporaire de la vie et une mise en garde contre la vanité.


Koen Theys est né en 1963, il a fait ses études à la Koninklijke Academie voor Schone Kunsten à Gand et il a étudié le film et la vidéo à l?Institut Hoger St-Lucas à Bruxelles. Son travail est principalement caractérisé par une fascination pour la dépersonnalisation des objets. Dans ses vidéos et ses photographies il explore souvent les problèmes ayant trait à ?l?identité? en rapport avec l?image en général et l?image numérique en particulier. Beaucoup de ses personnages (comme par exemple Hitler dans ?Media studies? après Heinrich Hoffmann ou Picasso dans ?Painting with Picasso?) ont tous en commun le fait qu?on les identifie par une image, qu?ils sont séparés de leur personnalité sous-jacente et réduits à des icônes. Son travail est acheté et exposé dans le monde entier, comme par exemple au SMAK à Gand ; au Casino de Luxembourg ; au MOMA et à l?American Museum of Moving Image à New York et au MARTA à Herford en Allemagne.

Søren thilo funder
Catalogue : 2017Swerve (You’re Gonna Die Up There) | Vidéo | hdv | | 10:0 | Danemark | 2017
Søren thilo funder
Swerve (You’re Gonna Die Up There)
Vidéo | hdv | | 10:0 | Danemark | 2017

ss


Soren Thilo Funder’s works are carefully crafted cinematic mash-ups of diverse cultural fields and social histories. They serve as formal investigations into the power relations of modern day society and the truisms of written and unwritten history. Proposing new connections between historical, cultural and political matter, they open up new potential spaces ? third places ? for political contemplation and counter-memory.

Laurie thinot
Catalogue : 2007Xpression | Animation | dv | couleur | 3:20 | France | 2007
Laurie thinot
Xpression
Animation | dv | couleur | 3:20 | France | 2007

Cheminement de pensée pour un face à face explosif nouveau synopsis: Un univers épuré, balayé par les vents. Soudain, le sol remue. Une tête au regard fixe émerge, à la façon d?un végétal. Puis une autre. Face à face. Ca y est, le décor est posé, les protagonistes sont là. Ils se dévisagent. A l?intérieur de l?esprit de l?un d?eux, une idée commence à prendre forme? et c?est la plongée. Bienvenue dans les méandres d?un laboratoire à pensées complètement délirant, peuplé de monstres et de bébés monstres ! Tout ceci débouchera-t-il sur un dialogue ?


Laurie Thinot naît à Paris en 1978. Après son bac, elle prend des cours de théâtre pendant 3 ans, puis entre en 2001 à L?ENSAD de Paris. Parallèlement, elle cumule des petits travaux de graphisme (affiche de pièce de théâtre, identités visuelles), participe à des expositions collectives, des stages et donne des coups de mains sur de petites productions d?animation en technique mixte (décor, story board). Elle réalise quelques films d?animation dans le cadre de ses études, s?oriente dans cette section et décroche son diplôme en 2006. X.pression est son film de fin d?étude. Sortie de l?école, elle fait du banc-titre sur le clip « I want love » de Jerho réalisé par Edouard Salier. Elle réalise son premier clip « La terre ferme » en technique mixte pour le groupe Luke en 2007.

Jennet thomas
Catalogue : 2005Double Dummy | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 6:40 | Royaume-Uni | 2004
Jennet thomas
Double Dummy
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 6:40 | Royaume-Uni | 2004

Quatre mannequins, deux chats et un portail pour apporter la félicité dans leur tentative de symétrie. Une boule de cheveux, un mélange de brindilles dont l?amour est mort et qui sont tristes.


Mon travail a commencé à pousser à partir de la scène underground media de Londres dans les années 90 qui était animée par les artistes. Un membre fondateur du collectif Exploding Cinema basé à Londres dont j'avais visionné et projeté des films, ainsi que des vidéos et des installations,travaille sur le circuit de l?International Experimental Media Festival depuis 9 ans. Je vis dans le sud de Londres avec un réalisateur, Paul Tarrago, et Olive, son chat. Je suis un chargé de cours expérimenté au Wimbledon College of Arts à la University of Arts de Londres. Mes travaux vidéos sont distribués par la Video Data Bank à Chicago. Récemment, j?ai eu des rétrospectives de mes travaux dans plusieurs endroits : l'Anthology Film Archives de New York, le Centre d?Art Contemporain de Basse-Normandie et le Gene Siskel Film Center de Chicago aux Etats-Unis. Il y a aussi eu une tournée de mes travaux à la National Review of Lie Arts de Glasgow.

Catalogue : 2006Because of the war | 0 | dv | couleur | 13:40 | Royaume-Uni | 2005
Jennet thomas
Because of the war
0 | dv | couleur | 13:40 | Royaume-Uni | 2005

A cause de la guerre les choses changeaient. il ne restait que très peu de jouets et de jeux. la musique état presque finie. L'eau du robinet avait un goût de femme et la télévision s'allumait par spasmes...


mon travail est ma façon hybride de faire se rencontrer la culture pop, l'expérimental et les formes narratives. J'ai récemment présenté mon travail : Anthology Film Archives, New York, Centre d?Art Contemporain de Basse-Normandie, France The Gene Siskel Film Center, Chicago USA. je suis membre fondateur de EXPLODING CINEMA COLLECTIVE (www.explodingcinema.org) à Londres. mon travail est issu de la scène cinéma alternative londonienne des années 90. Mon travail solo est distribué à l'international par Data Bank www.vdb.org. J' enseigne au Wimbledon College of Art, et à la University of the Arts, London.

Catalogue : 2007THE TRUTH AND THE PLEASURE | 0 | dv | couleur | 4:50 | Royaume-Uni | 2007
Jennet thomas
THE TRUTH AND THE PLEASURE
0 | dv | couleur | 4:50 | Royaume-Uni | 2007

"J'installe une boite à outils à penser personnelle customiser seulement pour toi. Tu la mets en marche par le simple fait de cligner des yeux. A partir de maintenant, tes pensées vont êtres concentrées et vraies."


I live and work in London, and am a founder member of the Exploding Cinema Collective ( ww.explodingcinema.org) I am pathway leader of the Fine Art Time Based Media course at the University of the Arts London. My single screen work is distributed internationally by Video Data Bank www.vdb.org

Catalogue : 2008The man who went outside | Installation vidéo | dv | couleur | 10:0 | Royaume-Uni | 2008
Jennet thomas
The man who went outside
Installation vidéo | dv | couleur | 10:0 | Royaume-Uni | 2008

Un homme à l?aspect distingué (l?artiste Richard Layzell) est apparemment pris au piège dans un vide de couleur toujours changeant, enfermé dans un jeu de pouvoir avec une caméra utilisée de façon perverse. Présentateur de télévision, muet, prisonnier, et charismatique, il est tour à tour charmant, menaçant, instructif, confus. Parfois, il semble avoir de grands pouvoirs. Une voix-off nous dit des choses extraordinaires ? combien cet homme est vraiment spécial ? le premier homme à avoir un bébé. Des images de flashs hallucinogènes ponctuent le champ des couleurs pour nous donner une vision de la logique inquiétante et étrangement futuriste de son monde. Une critique science-fiction et rétro et de la représentation. Une méditation ludique sur l?idiotie de vouloir donner un sens aux choses.


Thomas Jennet est réalisatrice et membre fondateur du collectif londonien Exploding Cinema Collective. Son ?uvre est issue de la culture anarchiste et expérimentale du cinéma underground et de la scène alternative londonienne des années 1990. Son travail est diffusé les festivals de film à une échelle internationale, avec des rétrospectives récente aux Anthology Film Archives de New York (USA) et aux Rencontres Video Art Plastique en France. Plus récemment encore, ses ?uvres ont été exposées sous forme d?installation vidéo dans des galeries, à Londres (Royaume-Uni), en Europe et en Amérique du Nord, avec une récente exposition individuelle à PEER et une grande exposition à venir à la Matt?s Gallery de Londres. Son travail a débuté comme un hybride de performance verbale et de projections publiques ; il combine désormais une large variété de langages cinématographiques, allant du soap-opera à la réalisation de films expérimentaux et underground, de la science-fiction à la comédie musicale. Son travail aborde des sujets très humains et est souvent tristement comique.

Jol thomson
Catalogue : 2018Deep Time Machine Learning | Doc. expérimental | hdv | couleur | 5:59 | Canada | Allemagne | 2017
Jol thomson
Deep Time Machine Learning
Doc. expérimental | hdv | couleur | 5:59 | Canada | Allemagne | 2017

What can structuralist film techniques contribute in the age of machine vision? In the experimental film, a robot arm investigates a 200,000 year old hand axe and an 17th century mechanical calculator (the first fully functional four stage computation device), each are placed on an octagonal mirror. The robotic arm passes through interfaces of geology, archaeology, mechanics and computation and intimately explores its own coming into being as a product of human engineering. Excerpts from the latest EU Report to the Commission on Civil Law and Robotics, published in January 2017, punctuate the video, describing the need to define the subjectivity of intelligent machines, as well as their legal status and the liabilities that derive from their implementation. The critical, uncertain and undetermined state of intelligent machines’ subjecthood emerges through the eyes of a human society themselves struggling with this ecotechnical revolution, “that leaves no aspect of society untouched”. Crucially, the set is observed by an Artificial Intelligence object recognition device, or LiDAR - a form of sense which AI systems use to perceive their haptic environment. Deep Time Machine Learning was developed collaboratively with the laboratories of robotics and surface analytics at the Bosch Corporate Research and Advanced Engineering Campus and received support from the Natural History Museum, Stuttgart and the Phillip Matthäus-Hahn Museum, Kornwestheim. Jol Thomson’s experimental film elaborates a deep history of tool use from the Paleolithic era with a trajectory to the not-too distant future of algorithmic, AI governance. The explorations of this work contribute to a contemporary media ecology, a history and philosophy of technology in machine vision, and underpins the symbiotic relationship between agential forms of geology, technology, and “intelligent beings”.

Jol Thomson is an artist, sound designer, and researcher working in the interstices between critical theory, particle physics, environmental humanities, STS, and experimental music and moving image. He is currently pursuing a practice-led Phd at the University of Westminster, London. He received his meisterschüler in Fine Art from the Städelschule, Frankfurt in 2013. In 2016 he won the MERU Art*Science Award for his a/v composition G24|0v, a collaboration with the “coldest object in the observable universe”. He has participated in a number of international residencies, and in 2016-2017 he was a fellow of the Akademie Schloss Solitude, Stuttgart. Recent exhibitions include: Blind Faith: Between the Cognitive and the Visceral in Contemporary Art at the Haus Der Kunst, Munich (2018); Open Codes: Living in Digital Worlds, ZKM (Center for Art and Technology), Karlsruhe (2017-2018); and Quantum Real: Spectral Exchange at Exhibition Research Lab, Liverpool (2019).

Graeme thomson, silvia maglioni
Catalogue : 2018Underwritten by Shadows Still | Film expérimental | hdv | couleur et n&b | 33:0 | Royaume-Uni | France | 2017
Graeme thomson , silvia maglioni
Underwritten by Shadows Still
Film expérimental | hdv | couleur et n&b | 33:0 | Royaume-Uni | France | 2017

"Underwritten by Shadows Still" is a film composed of subtitled photograms drawn from a wide range of films and accompanied by an electronic soundtrack containing sound samples that originate from spaces between voices. As the succession of subtitled stills passes before our eyes, a soundless voice begins to speak through the words printed on the images, forming a discourse that links them together, while gathering the characters into a dispersed community of ghostly apparitions. The narrative that traverses them soon begins to bifurcate into other lines, other voices which are no more than underwritten shadows yet which speak to us and to each other of their imprisonment, their desire to live, their dreams of escape. 

: Graeme Thomson & Silvia Maglioni are filmmakers and artists based in Paris. Their practice interrogates potential forms and fictions emerging from the ruins of the moving image and includes the creation of short and feature films, exhibitions, sound works, film-performances, radio shows, vernacular technologies and books. Their work often makes use of cinema in expanded form to reactivate lost or forgotten archives and histories and to create new modes of collective vision and engagement with contemporary thought and politics. Their work has been presented, screened and installed worldwide at international film festivals, museums, art spaces and alternative venues (including FID-Marseille, Bafici International Film Festival, Jihlava Film Festival, Festival Hors-Pistes, Doc`s Kinkdom, Il Vento del Cinema, Anthology Film Archives, European Media Art Festival, Eye Film Museum, Tate Britain, Serralves Museum, Centre Pompidou, MACBA, REDCAT, Ludwig Museum, The Showroom, KHOJ New Delhi, Museu de Arte Moderna de Bahia, Castello di Rivoli, Institute of Modern Art Brisbane, Whitechapel Gallery, Van Abbe Museum, CA2M). They are currently working on a new film, “Common Birds”.

Jon thomson, craighead, alison
Catalogue : 2011A short film about war | Installation vidéo | hdcam | couleur | 9:39 | Royaume-Uni | 2010
Jon thomson , craighead, alison
A short film about war
Installation vidéo | hdcam | couleur | 9:39 | Royaume-Uni | 2010

A Short film about War is a narrative documentary artwork made entirely from information found on the worldwide web. In ten minutes this two-screen gallery installation takes viewers around the world to a variety of war zones as seen through the collective eyes of the online photo sharing community Flickr, and as witnessed by a variety of existing military and civilian bloggers. As the ostensibly documentary `film` plays itself out, a second screen logs the provenance of images, blog fragments and gps locations of each element comprising the work, so that the same information is simultaneously communicated to the viewer in two parallel formats -on one hand as a dramatised reportage and on the other hand as a text log. In offering this tautology, we are attempting to explore and highlight the way in which information changes as it is gathered, edited and then mediated through networked communications technologies or broadcast media, and how that changes and distorts meaning -especially for (the generally wealthy minority of) the world`s users of high speed broadband networks, who have become used to the treacherously persuasive panoptic view that google earth (and the worldwide web) appears to give us.

Jon Thomson (b. London) and Alison Craighead (b. Aberdeen) are fascinated how globalisation and networked global communications have been re-shaping the way we all perceive and understand the world around us. They live and work in London and Kingussie in the highlands of Scotland making artworks and installations for galleries, museums and site-specific locations that include the worldwide web. Recent exhibitions include; Kumu Art Museum, Tallinn; Berkeley Art Museum, California; Highland Institute of Contemporary Art, Scotland; Artists Space, New York; Tang Contemporary, Beijing; Moderna Museet, Stockholm; and Dundee Contemporary Arts. Jon is Reader in Fine Art at The Slade School of Fine Art, University College London, while Alison is Reader in contemporary art and visual culture at University of Westminster and lectures in fine art at Goldsmiths University, London. For information on forthcoming, current and previous work, you can follow their blogat http://thomson-craighead.blogspot.com and explore their archive website at http://www.thomson-craighead.net

John thomson
Catalogue : 2006Electronic Art Intermix | 0 | 0 | | 0:0 | USA | 2007
John thomson
Electronic Art Intermix
0 | 0 | | 0:0 | USA | 2007

Electronic Arts Intermix (EAI) est l?un des plus importants centres mondiaux de ressources et de recherches sur l?art vidéo et les nouveaux médias. Fondé en 1971 par le galeriste new-yorkais Howard Wise, dont la galerie éponyme de la 57ème rue fut à une époque l?épicentre de l?art cinétique et des travaux multimédias, l?EAI avait pour objectif d?affirmer le rôle de la vidéo comme moyen de communication et d?expression artistique. En 36 ans d?existence, l?EAI a soutenu inconditionnellement les artistes et leurs travaux, jouant un rôle fondamental dans le développement de l?art vidéo, disséminant dans la monde plus de 3000 ?uvres réalisées par près de 175 artistes. Aujourd?hui, l?EAI se concentre sur la distribution et la préservation de sa phénoménale collection d??uvres. Une collection qui regroupe aussi bien des travaux historiques des pionniers de la vidéo que des ?uvres contemporaines d?artistes émergeants. Une collection, véritable mémoire des arts vidéos et nouveaux, disponible et consultable, en partie, sur le catalogue en-ligne de l?EAI (http://eai.org/). Mais si l?EAI soutient les artistes, en mettant notamment à leur disposition des outils digitaux et analogiques de montage, si l`EAI distribue et préserve son catalogue, l`organisation est avant tout un acteur culturel engagé, dans la promotion des arts nouveaux et dans leur vulgarisation. Elle met à disposition du public une salle de visionnage, où l?intégralité du catalogue est consultable. Elle organise des expositions et des programmes publics.


Depuis l?an 2000, John Thomson est Directeur de la Distribution de l?Electronic Arts Intermix (EAI). Il est aussi co-directeur et fondateur de Foxy Production, une importante galerie new-yorkaise d?art contemporain. Depuis les années 80, il est actif internationalement dans les arts nouveaux. Avant de déménager à New York en 2000, John Thomson effectuait des recherches sur la digitalisation et la distribution des arts multimédias au Lux Centre, à Londres. En 1998, il a été le coordinateur du Pandaemonium Festival à Londres et, en 1997, il a co-préparé la première exposition de l?Image en Mouvement du Lux Centre. Il a aussi organisé des programmes d?arts nouveaux et des expositions pour la Pacific Film Archive de Berkeley en Californie, pour la Staatsgalerie de Stuttgart, pour la Tate Britain à Londres, pour l?Institute of Contemporary Art de Londres, pour l?Exit Art à New York et pour le Smack Mellon à Brooklyn. Il a donné des conférences sur les arts nouveaux, à la London Institute et à la School of Visual Arts à New York, et a écrit pour des magazines (Mesh, à Melbourne, et l?Art In Culture, Séoul) et sur la préservation des arts nouveaux (Art Bewtween Zero and One : A Manual of Digital Art, Christoph Kehl et Beat Raeber, eds., Bâle).

Joshua thorson
Catalogue : 2012Horizon | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 13:0 | USA | 2011
Joshua thorson
Horizon
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 13:0 | USA | 2011

En 1982, à Walt Disney World de la Floride, était le vernissage de la Centre EPCOT, un peu retard pour un tel projet utopique moderniste. Le parc original présenté un manège appellé ?Horizons,? qui a été parrainé par GE. Elle a montré un avenir où la technologie et l`innovation couplée à l`unité de la famille allait évoluer dans des territoires passionnants, et jusque-là inimaginable?avec des colonies dans l`espace et dans le fond des océans de la Terre. En 2000, le manège a été démoli pour faire place à un manège à sensation immersive intitulée ?Mission: L`espace." L`histoire dans cette vidéo, d`une famille à faire des recherches scientifiques sur une colonie dans le complexe Chamaleon dont les livraisons et le financement inexplicablement cesser d`arriver, et qui est déterminée à survivre comme ils peuvent, accompagner archives séquences vidéo Hi-8 du trajet.


Joshua Thorson est un vidéaste et écrivain basé à New York. Il travaille avec le récit conceptuel, l`exploration et l`exploitation de l`échange narratif à travers les thèmes de la science, la religion, la transcendance, l`authenticité, l`idéalisme, et les traumatismes. Utilisation décalages tonal et l`économie rigoureuse, cet ouvrage cherche à la fois à répondre aux attentes et usurpent, l`ouverture de «l`histoire» de l`ontologie. Thorson a présenté son travail dans les musées, galeries et théâtres à l`étranger.

Lena Maria thuering
Catalogue : 2009Das Haus | Vidéo | dv | couleur | 11:0 | Suisse | 2008
Lena Maria thuering
Das Haus
Vidéo | dv | couleur | 11:0 | Suisse | 2008

?The father shoots the first wild boar, it is being decomposed and skinned in the basement and hung in the laundry. 20 cents costs a glimpse on the shot animal. The nanny has to clean the wild boar teeth and to put them in a box.? What defines memory and what exactly does it set about? In Lena Maria Thüring?s video work ?The House? half a century of family history is reflected upon a detached house?s empty walls: Slowly and continuously the camera runs through hallways, rooms, and the staircase, while a background voice narrates the past. Thüring?s interaction with time and space in the film consecutively plays with the expectations of the observer and questions the relationship between documentation and fiction. By objectification of word and vision in the formal realisation, Thüring hence confronts the viewer with his own past. Annette Amberg

Lena Maria Thüring is born 1981 in Arlersheim, BL, Switzerland her native place is Basel, BS, Switzerland. She lives and works in Zürich, Switzerland. 2002 Artistic preparatory course at the School of Art Zurich, Zurich 2002?2007 Photography at the School of Art Zurich, Zurich since 2005 partial artistic cooperation with Annette Amberg.

Georg tiller
Catalogue : 2015White Coal | Doc. expérimental | 16mm | couleur et n&b | 70:0 | Autriche | 2015
Georg tiller
White Coal
Doc. expérimental | 16mm | couleur et n&b | 70:0 | Autriche | 2015

A mound of coal, black dust dissipating into the air, a stone statue of a worker: These are the opening images of White Coal. Loosely inspired by Hermann Melville`s "The Confidence Man", the story of a blind passenger aboard a Mississippi steamboat, the first thread of White Coal follows the journey of a Polish coal transport ship and a male figure dressed as in silent movies of the proletarian heyday. Always seeming to appear as if someone had called for him, this man wanders around a disintegrating industrial town aimlessly. We see dogs barking, and the sounds of heavy industry linger in the air. He enters a ship furtively, apparently unaware that it is a coal ship set to travel on down a narrow river. It is as if the boat had the entire crew under a spell cast by its slow but steady motion. Only minimal movements are possible on board this ship, and the "blind passenger" becomes the spectator of this self-contained routine. The film`s second thread portrays the physical structures and environment in which coal is exploited at the world`s largest coal-burning power plant, located in Taychung, Taiwan. Here color enters the film, yet it feels like the present is falling behind the past, industrial landscapes, truck transports, giant chimneys burning coal, monitoring stations following their own beat. Computers out of order and people scooting around in chairs. The drone of the Polish coal ship is mirrored by the crushing din of industry, then cancelled out by an aseptic control room vacuum that swallows whatever might otherwise be a human gesture. This is Melville`s steamboat, chugging slowly and unstoppably down a river with no end, where human beings have no voice with which to speak and exist encapsulated in their own imagined present tense. Although the film uses the material as the primary source of its investigation, White Coal is less a film about coal than an exploration of industrial film motifs from the 1920s to the present.

After unfinished philosophy and theater studies, he studied film studies first with Harun Farocki at the Academy of Fine Arts Vienna, then film directing and cinematography with Michael Haneke and Christian Berger at the Film Academy Vienna and later film directing at the German Film and Television Academy Berlin (dffb). Since early on he has been working as a freelance artist and filmmaker later also as a producer of his own and his friends work, initially with the artist collective naivsuper. His films have been shown at numerous film festivals around the world and he has exhibited his work at the Bienal de Såo Paulo, the Centre Georges Pompidou and the Luleå Vinter Bienal among many other places. He is one of the co-founders of the production company Mengamuk Films and managing director of Subobscura Films. Georg currently lives in Vienna and Berlin.

Georg tiller
Catalogue : 2011Vargtimmen - Nach einer Szene von Igman Bergman | Film expérimental | 16mm | noir et blanc | 6:20 | Autriche | 2010
Georg tiller
Vargtimmen - Nach einer Szene von Igman Bergman
Film expérimental | 16mm | noir et blanc | 6:20 | Autriche | 2010

Vargtimmen?After a Scene by Ingmar Bergman is the exact reconstruction of a scene in Bergman?s 1968 film of the same name. Frame for frame, Georg Tiller and his cameraman Claudio Pfeifer reproduced the same shots?with the crucial difference that no actors are visible. All we see are the ocean and cliffs in black and white, steep rock formations, and with them the quiet surface of the water, ruffled slightly by the breeze. The soundtrack, which had no dialogue in the original either, was taken from the first film and adds narrative structure to the lonely landscape. While in Vargtimmen Bergman concentrated on the faces of people, the focus of Tiller?s film experiment is space, and nature. The camera glides over the barren countryside, and stone slabs with numerous cracks and gaps lie in the sun, providing a stark contrast with the velvety smooth, nearly black water. In Bergman?s film a nightmarish drama plays out before this background: In a frenzy, a man kills a boy, then lets the lifeless body slip into the water. Without human figures, the space itself becomes an actor. The camera examines the section of coastline from a number of different angles, includes the horizon to add a painterly touch, then the cliffs loom threateningly into the sky again. The music gives these images of empty countryside a dramatic arc, the tragedy in the original story can be sensed. At the same time the filmic representation of the landscape enters the foreground, like an empty stage becoming a projection screen. Tiller has created a study, and its conceptual rigor opens up a broad field of associations involving perception, representational forms and the construction of filmic space. (Andrea Pollach) Shot for Shot reconstruction of a scene from the film Vargtimmen (1968) by Ingmar Bergman using the same technical devices - Lenses, Framing, Length of Shots as well as movements of the Camera. The absence of the bodies of the actors opens the room for a complete concentration on the filmic space. This reconstruction is understood as a reenactment by the reconstructeur, a becoming of Ingmar Bergman, thus reenacting a specific style of directing.

Born 1982 in Vienna. Studied Philosophy and Russian at the University of Vienna, since 2000 at the Academy of Fine Arts, Vienna. Studied from 2005-2006 at the University of Music and Performing Arts Vienna, dept. film and television. Studies since 2006 at the Academy of Film and Television, Berlin.

Thadeusz tischbein
Catalogue : 2017Schneewittchen (Snow White) | Vidéo | hdv | couleur et n&b | 19:40 | Allemagne | 2017
Thadeusz tischbein
Schneewittchen (Snow White)
Vidéo | hdv | couleur et n&b | 19:40 | Allemagne | 2017

What role can culture play, when dead bodies are not burried after death, but being used for other purposes “Snow White” examines this question, using stalinist Mausoleums, preparated animals in Natural History Museums and relics in churches. What form of story telling is being used to hide actions and translate them?

Thadeusz Tischbein is a Germany-based video artist. He studied between 2008 and 2016 in Leipzig, Braunschweig (Germany) and Bucharest (Romania) with Candice Breitz, Clemens von Wedemeyer and Günther Selichar. His 2017 video essay SNOW WHITE (2K Cinemascope, 19:40 min) is a journey to the dead bodies in mausoleums, churches and museums. In THE ATLAS OF THE WOUNDED BUILDINGS (HD, 12:56 min, 2016) he is trying to examine narrations written in bullets holes. INVENTORY (HD, 16:9, 5:49 min) from 2015 is talking about the strange living room of so called office plants.

Benjamin tiven
Catalogue : 2013A Third Version of the Imaginary | Installation vidéo | | couleur | 12:0 | USA | Kenya | 2012
Benjamin tiven
A Third Version of the Imaginary
Installation vidéo | | couleur | 12:0 | USA | Kenya | 2012

A Third Version of the Imaginary traces an encounter with the video and film library of the Kenya Broadcasting Corporation in Nairobi. We follow the station?s librarian through tightly-packed shelves of video cassettes: he is searching for a specific image, and must sift through the identifying paperwork from a number of tapes. As he methodically moves among the stacks, a Swahili voice-over speaks about the arrival of video technology in Kenya and its impact on the archiving of television images: video may have cheapened production, but its material expense put pressure on storage. Later, the librarian converts a basement storage closet into a makeshift cinema, in order to screen some 16mm film material. The voice-over shifts accordingly, moving from video to film, and to the linguistic problem posed by the very word ?image? in Swahili. A visual and narrative echo chamber, this video addresses video?s address of film: the material facts of these media become the aesthetic facts of the work.

Benjamin Tiven lives and works in Brooklyn, New York, US. Forthcoming exhibitions, 2014: ICA Philadelphia (solo); gallery 1/9 Unosunove, Rome, IT (in collaboration); Courtisane festival, Ghent, Belgium. Recent exhibitions: Henningsen Gallery, Copenhagen, DN; Westfälischer Kunstverein, Münster, DE; Charlottenborg Kunsthal, Copenhagen; Bronx Museum of Art, Bronx, NY; Vivo Media Arts Center, Vancouver; Center for Curatorial Studies at Bard College. Recent film screenings: Rotterdam International Film Festival; Migrating Forms, NY; Museum of the Moving Image, NY; Cinéphémère, FIAC, Paris, FR; Vienna International Film Festival, AT; Arsenal Cinema, Berlin, DE; FID Marseille, FR; RIDM Festival, Montreal, QB; Oberhausen Short Film Festival, DE; 25FPS Festival, Zagreb, HR; Images Festival, Toronto, ON. Journal contributions: Triple Canopy, Nka: Journal of Contemporary African Art, Bidoun, Bulletins of the Serving Library, Roulotte issue #10, ACM, Barcelona, ESP. Public presentations, 2013: the Drawing Center; the Colloquium for Unpopular Culture, Westfälischer Kunstverein.

Benjamin tiven
Catalogue : 2018The Mirrored Message | Doc. expérimental | hdv | couleur | 12:30 | USA | Suède | 2018
Benjamin tiven
The Mirrored Message
Doc. expérimental | hdv | couleur | 12:30 | USA | Suède | 2018

The Mirrored Message documents two scientists as they prototype a new device that transfers data between wireless computer networks and living plants. Observing their work from within a sealed electronics facility near Stockholm, we follow procedural steps in the device's programming and fabrication. The initially alien laboratory space slowly reveals itself as a kind of photographic darkroom, and we watch the light-sensitive production of the device's specialized circuitry. From the artificial air of this controlled lab we move to a coastal forest near the Baltic Sea, where the transmitter is installed for testing. Weather impedes the work. As the humans slowly fade from the scene, a living specimen comes online, finally addressable by a local network.

Benjamin Tiven is a filmmaker and the co-director of Library Stack. His films have screened at FID Marseille, Viennale, Rotterdam, Oberhausen, Courtisane, MUMOK, the Institute of Contemporary Art, Philadelphia, Delfina Foundation, London, Fotografisk, Copenhagen, the Museum of the Moving Image, NYC, and Arsenale Kino, Berlin.

Alain tjiong
Catalogue : 2013Voyeur | Fiction expérimentale | | couleur | 19:52 | Pays-Bas | Belgique | 2013
Alain tjiong
Voyeur
Fiction expérimentale | | couleur | 19:52 | Pays-Bas | Belgique | 2013

SYNOPSIS Out of the black night she emerges. Her waving soft fair hair reminds the glamour of the Hitchcock blondes. Her pale skin fragile like a china doll. She turns her head and looks at us.

BIOGRAPHY Alain Tjiong (The Netherlands, 1991) is currently a master student film at the School of Arts (KASK) in Ghent, Belgium. His films are first and foremost a means of personal expression, a way to communicate his feelings and his thoughts with a audience. While still operating in the field of narrative fiction, he is always searching for the bounderies of narrative cinema and trying to rediscover its (lost) relevance.

Ali tnani
Catalogue : 2018Even The Sun Has Rumors | Doc. expérimental | mov | couleur | 18:4 | Tunisie | 2017
Ali tnani
Even The Sun Has Rumors
Doc. expérimental | mov | couleur | 18:4 | Tunisie | 2017

Dans la ville minière de Redeyef (Tunisie), un lieu désaffecté mais encore chargé d'affects : l'Economat. Institué et géré par la Compagnie de Phosphate de Gafsa durant la période coloniale, ce lieu vide porte encore en ces murs les strates de l'ambivalence d'une histoire où les surfaces miroitent et racontent la venue, là où il n'y a rien, d'un paradis de confort pour une société accablée par l'enfer du travail de la mine. Mais en deçà des apparences, c'est une réalité plus obscure que l'Economat draine : celle de l'extension commerciale d'une mine qui exploite autant la terre que ses hommes. Lieu-vestige, l'Economat est un lieu d'une mémoire désertée mais qu'un regard vidéographique et poétique investit et remet au jour, par les clairs-obscurs d'un temps qui passe, par la voix d'un enfant vivant encore dans les souvenirs d'un homme de la mine, les espaces, les surfaces et les épaisseurs historiques d'un lieu fait récits.


Born in 1982 in Tunis, Ali Tnani is a Tunisian contemporary artist based in Tunis and Paris. He received his Masters in 2007 from the Institut Supérieur des Beaux-arts of Tunis and has since exhibited widely and participated in international residency programs. Tnani recently completed a two-year residency at the prestigious Cité Internationale des Arts in Paris. A leading practitioner in the field of conceptual art, Tnani is known for his multimedia installation work examining social issues in post-revolutionary Tunisia. With a practice that draws on installation, drawing, and photography, he explores the question of erasure and the negative in narratives of traces, memory and history in an era of hyper-connectivity. He has participated in various solo and group exhibitions internationally, including the 13th Biennial of Dakar, the Musée du Bardo in Tunis, PA the Plateforme de création contemporaine and Cité Internationale des Arts in Paris, La Terrasse Nanterre Art Space and le Château d'Oiron (France), the 5th Marrakech Biennial, the Musée de Carthage in Tunis, the Musée des Beaux-Arts de Mons (Belgium) and the Biennial of young artists from Europe and the Mediterranean in Skopje, Macedonia.