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Dan mihaltianu
Catalogue : 2013Divided Cities | Film expérimental | super8 | noir et blanc | 3:44 | Roumanie | Allemagne | 2013
Dan mihaltianu
Divided Cities
Film expérimental | super8 | noir et blanc | 3:44 | Roumanie | Allemagne | 2013

Divided Cities, 2013, 03:44 min, 8mm film transfer on Full HDV, camera / editing: Dan Mihaltianu A film based on fragmented views of Berlin and Bucharest, divided between east and west, past and present, left and right, centre and periphery, rich and poor, hip and precarious, in and off. The footage is covering the laps-time between 1992-2013 in the attempt to catch the rapid transformations of the two metropoles.

Dan Mihaltianu (born 1954 in Bucharest, Romania, based in Bucharest, Berlin and Bergen) has studied at the Institute of Fine Arts Bucharest (1975-1983). He was cofounder of subREAL, Bucharest (1990); Professor at Bergen Academy of Art and Design (2001-2007), Guest Professor at Université du Québec á Montréal (2008-2009); Editor / Associate Editor of Arta Magazine, Bucharest (1990-1993 / 2011- to present). Since the 1980s his work has been exhibited in major international art events, museums, art centres and galleries in Europe, Asia, North and South America.

Catalogue : 2014In the Skin of a Srtay Dog | Film expérimental | super8 | couleur | 5:19 | Roumanie | 2014
Dan mihaltianu
In the Skin of a Srtay Dog
Film expérimental | super8 | couleur | 5:19 | Roumanie | 2014

In the Skin of a Stray Dog Of dogs and men, black and white film material shot between 1992-1994 and edited twenty years later, depicting the decay of the urban environment after the collapse of Communism in Bucharest and the alternative living in Berlin after the fall of the Wall.

Dan Mihaltianu is a cross-media artist, born 1954 in Bucharest, Romania, based in Bucharest, Berlin and Bergen. His artistic approach is concern with social, political and trans cultural aspects related to the permanent changes occuring in our society, by developing long term process-oriented-projects, among others: Field Archive (1979-1989), Nature of Light (1980-1989), Official History / Personal History (1984-1994), Liquid Matter (1993-2014), Divided Files (2001-2014), Plaques tournantes (2004-20014), Celluloids (1992-2014). Since the 1980s his work has been exhibited internationally in various art events, biennials,, museums, art centres and galleries from Europe, Asia, North and South America.

Bielka mijoin-nÉmirovsky
Catalogue : 2006Romani bakht | Documentaire | betaSP | couleur | 32:0 | France | 2005
Bielka mijoin-nÉmirovsky
Romani bakht
Documentaire | betaSP | couleur | 32:0 | France | 2005

Montreuil. Eté 2005. Des familles Roms de Roumanie sont expulsées d`un squat. Parmi celles ci la famille de Sorina, qui tente de vivre dignement dans la rue, avec son mari et ses deux enfants.


Bielka Mijoin Némirovsky a développé une activité artistique et pédagogique autour de l'expression artistique, en tant que comédienne, chanteuse, ethnomusicologue. Elle a créé un espace de développement de l`expression artistique et de réflexion autour des questions posées par l'époque et la sociétés dans lesquelles nous vivons. Projets autour des chants du monde comme éveil à la culture de l'"autre",au sein des écoles primaires. Elle a réalisé "Romani Bakht" dans le cadre de la formation aux ateliers Varan. C'est son premier film documentaire. Projets en cours.

mikomikona
Catalogue : 2006Mikomikona Live | Performance | 0 | | 30:0 | Allemagne | 2007
mikomikona
Mikomikona Live
Performance | 0 | | 30:0 | Allemagne | 2007

Mikomikona explore de manière expérimentale la capacité de transformation dynamique du son en image, de l'image en son et les effets de rencontre sur l'interface médiatique. Nous développons des dispositifs qui nous permettent de connecter et de transformer des signaux visuels en signaux acoustiques et vice versa. Nous explorons ces dispositifs au sein de différents contextes audio-visuels créant un environnement synesthésique. Les modules de performance qui en résultent partagent tous l'idée d'un nouveau codage symbolique de l'information médiatique et sont aussi utilisés pour faire du Vjing. Pour réaliser ces performances, nous travaillons avec des outils analogiques tels les rétroprojecteurs, les projecteurs de film super-8, les projecteurs vidéo utilisés comme dispositifs visuels et sonores. Mikomikona utilise la simultanéité et la vitesse des circuits électroniques analogiques. Notre intérêt s'inscrit plus à l'intérieur du champ des synthétiseurs (soumis à des modulations), que dans le paradigme des séquenceurs (sériels, chronométrés et programmés comme dans les environements digitaux). L'approche théorique : le bruit de la transformation En transformant l'information dans différents formats de médias nous recevons le bruit de la transformation -bruit parasite- qui reflète lui-même notre utilisation instable de la technologie des médias. Le bruit de la transformation est un moyen apte à révéler la structure même du média. En termes de performances acoustico-visuelles, Mikomikona explore la capacité de transformation dynamique des images techniques en son et vice versa. Ainsi les détours synesthésiques sont compressés et le contenu médiatique est codé de manière nouvelle. L'expérience de l'ordinnateur rend transparente l'échangeabilité du code : l'utilisation d'un codage binaire pour représenter image, texte et son. Le code binaire semble être la référence omnipotente au sein de laquelle presque tout contenu peut être sauvegardé et reproduit.


Jacopo miliani
Catalogue : 2007Down Down Down | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 4:55 | Italie | Royaume-Uni | 2006
Jacopo miliani
Down Down Down
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 4:55 | Italie | Royaume-Uni | 2006

Un enfant tenant une bûche dans les bras chute dans d'interminables escaliers. Une fois en bas, il se métamorphose sous l'effet d'un carillon au son duquel il va danser jusqu'à épuisement. En référence directe à des films, contes de fées, clips et à la mythologie personnelle de l'auteur, la vidéo explore cette frontière où la banalité devient source de fantastique et d'imagerie mystérieuse.


Jacopo Miliani est né en 1979 à Florence (Italie) et vit à Londres. Diplômé en Interdisciplinary Art Practices de l?Université de Florence en 2003, il a obtenu un MFA au Central Saint Martins College de Londres en 2006 et a suivi l?Advanced Course of Visual Arts de la Fondazione Antonio Ratti à Cômes en 2007. Son travail est présenté dans des galeries, des expositions collectives et des festivals. Il est l?un des lauréats du Prix Movin?Up 50 et participe à des projets parallèles avec des magazines et des labels de musique.

Tihomir milovac
Catalogue : 2006Zagreb Contemporary Art Museum | 0 | 0 | | 0:0 | Croatie | 2007
Tihomir milovac
Zagreb Contemporary Art Museum
0 | 0 | | 0:0 | Croatie | 2007

Le Musée d'Art Contemporain à Zagreb a été fondé en 1954 comme la City Gallery of Contemporary Art, dans le souci de suivre, d'analyser et de promouvoir les événements, les styles, les phénomènes relatifs à l'art contemporain. A travers près d'un demi-siècle d'existence, le Musée_ selon son appellation admise_ a connu un certain nombre de changements : son appellation mais aussi l'espace disponible, le nombre de collections et leurs contenus. Cela dit ses principaux engagements sont restés les mêmes : présenter la création contemporaine dans des conditions favorables à la compréhension et à la jouissance de l'art croate et international et faire en sorte que l'échange entre l'expérience créative et herméneutique soit le plus dynamique possible. Des travaux d'artistes croates et d'artistes internationaux ont été exposés depuis, des travaux qui, du temps de leur création, étaient preuves de qualité, d'une volonté artistique et pertinente ou encore des travaux qui inauguraient un langage artistique différent. Les collections du Musée comprennent des accrochages qui montrent les débuts et le développement logique des tendances artistiques individuelles aussi bien que leur impact direct ou indirect sur la production qui leur a succédé dans le temps. Les collections incarnent à la fois la réalité de la production artistique croate en cette période spécifique de synchronie avec le développement de l'Art européen ou Art Global. La constitution de la collection du Musée commença immédiatement reprenant le principe de la City Contemporary Art Gallery en 1954. La majeure partie de la collection d'art contemporain du musée est composée de travaux d'auteurs croates ou étrangers créés après 1950 alors qu'une plus faible part date de la première partie du vingtième siècle, oeuvres dont la présence est nécessaire pour illustrer le concept de l'art et moderne et contemporain. Les collections du Musée Contemporain comprennent aujourd'hui 9000 oeuvres d'art moderne et contemporain qui devraient finalement être accessibles au public dans le nouveau Musée en construction. Après des tentatives multiples pour placer le musée dans un espace adapté, il a été décidé de créer un autre Musée dans la partie nouvellement construite de Zagreb. Un nouveau Musée s'érige dans la nouvelle ville de Zagreb, il est en construction depuis 2003. Le bâtiment occupe un espace total de 14500 mètres carrés dont 4800 sont prévus pour les expositions. Le volume divisé géométriquement en cinq étages devrait devenir un emblème de la ville dans un futur proche. www.msu.hr


Tihomir Milovac is a senior curator at the Museum of Contemporary Art in Zagreb, and is the head of the Experimental-Research Department at the Museum. As a curator and art critic he has curated many exhibitions and other visual arts projects in Croatia and abroad, most often engaged in new, contemporary phenomena in visual arts, especially new media, but also the phenomena of historical avant-garde. He had edited numerous publications and catalogues, and curated exhibitions like Kasimir Malevich, Retrospective, 1990; Ukrainian Avant-garde 1910?1930, 1990/91; Andres Serrano: Buapest/Morgue, 1996; Jan Fabre: Passage, 1997/98; The Future is Now ? Ukrainian Art in the Nineties, 1999?2000; The Baltic Times ? Contemporary Art from Latvia, Lithuania and Estonia, 2002; Misfits: Conceptual Strategies in Croatian Contemporary Art, 2002; Sanja Iveković: Women's House 1998-2002, 2002; System of Coordinate ? Russian Art Today, 2004; Zlatko Kopljar: Compassion +, 2005; Insert ? Retrospective of Croatian Video Art, 2005.

Ariel mioduser
Catalogue : 2006Reality TV | Animation | dv | noir et blanc | 2:6 | Israel | 2006
Ariel mioduser
Reality TV
Animation | dv | noir et blanc | 2:6 | Israel | 2006

Comme le titre le suggère, "Reality TV" confronte le spectateur avec les faux concepts de la réalité donnés à voir par les médias. Ces médias qui déterminent à leur tour de faux concepts de réalité et définissent les comportements dans ce qu'on appelle la 'vraie vie'. Cette réalité supposée est représentée par des extraits de publicités et d'émissions télévisées ne montrant que les moments d'extase feinte, le tout hors-contexte. Par exemple, on peut voir une mannequin décrire avec emphase comment un certain shampoing a radicalement changé sa vie, ou une autre mannequin brandir une boite en carton (contenant des céréales? de la lessive? à vous de choisir) avec une expression de quasi-jouissance. Par opposition à ces séquences, on commence à distinguer, dans la pénombre, l'image d'une famille bourgeoise typique , assise devant le (ou bien à l'intérieur du) téléviseur : il s'agit bien de la seule image de "réelle réalité" ici. Mais que dire? Cette réalité de zombies en captivité, les yeux rivés sur les publicités, est bien moins excitante... Reste le bébé, le seul (pour l'heure) à manifester la moindre réaction. La structure du film soutient son message, aussi bien d'un point de vue visuel que musical : chaque extrait de publicité forme un module, qui peut être diffusé de manière aléatoire avant ou après n'importe quel autre module. Chacun de ces modules contient sa propre musique. Agencée de manière aléatoire, la séquence de ces modules résulte en un flux monotone de bruit blanc, entrecoupé de fragments extatiques.


Né à Buenos Aires, en Argentine, Ariel Mioduser vit à Jaffa, en Israël. Il obtient une licence à la 'Bezalel Academy of Art and Design' à Jérusalem, puis un mastère à l'université d'Alcala en Espagne. Il enseigne au département d'art numérique et au département de communication visuelle du 'Technology Education College' à Tel-Aviv en Israël. Après avoir travaillé pendant presque vingt ans dans le domaine commercial, Ariel Mioduser a commencé à travailler sur de mini-animations personnelles, à cheval entre animation et art. Le travail de Mioduser s'intéresse de près à des thèmes sociaux tels que la pauvreté et la culture de la pauvreté, les formes d'oppression basées sur l'appartenance ethnique ou sexuelle, la mondialisation et la protection de l'environnement. Dans un monde où l'image est utilisée pour manipuler, il 'crée' à l'intérieur de ce monde, tout en posant sur lui un regard critique.

Stefano miraglia
Catalogue : 2018Ramusiana | Film expérimental | 0 | noir et blanc | 4:10 | Italie | France | 2017
Stefano miraglia
Ramusiana
Film expérimental | 0 | noir et blanc | 4:10 | Italie | France | 2017

`Carte universelle de la partie du monde nouvellement retrouvée`. Un hommage au géographe italien Giovanni Battista Ramusio.


Stefano Miraglia (né en 1988 à Málaga) est un artiste et curateur indépendant basé en France et en Italie. Sa pratique artistique repose sur l`association entre vidéo numérique, photographies, documents d`archives et éléments autobiographiques. Son travail se situe à l`intersection entre art abstrait, animation expérimentale et journal filmé. Ses films sont distribués par Collectif Jeune Cinéma et ont été montrées à de nombreux festivals internationaux, dont Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux de Paris, Pesaro Film Festival, Transient Visions et Fracto. Son activité curatoriale comprend la création d`expositions et de programmes de films pour Le Dôme Festival (Touraine) et Nomadica (Bologne, Italie). Stefano Miraglia est le fondateur et curateur principal du projet The Moving Image Catalog (movimcat.eu).

Hideyuki miyaoka
Catalogue : 2005Luc Ferrari - Portrait d'un réaliste abstrait | Documentaire | dv | couleur et n&b | 46:0 | Japon | 2005
Hideyuki miyaoka
Luc Ferrari - Portrait d'un réaliste abstrait
Documentaire | dv | couleur et n&b | 46:0 | Japon | 2005

Luc Ferrari (1929- 2005) est un musicien extraordinaire originaire du sud de la France. Il a une curiosité et un toupet sans fond pour absorber dans sa musique n?importe quelle expression radicale sans hésitation. Il est malheureusement mort en août 2005. Dans la conjoncture de la scène de la musique contemporaine, pleine de genre et cynisme, il poursuivait l?image de la musique comme ?plaisir?. Á sa manière, Ferrari n?a jamais perdu le pouvoir essentiel de la musique. Les musiciens donnant leurs appuis à la musique expérimentale populaire d?aujourd'hui comme Christian Marclay, John Zorn, Sonic Youth, David Grubbs, Yoshihide Otomo, DJ Olive, et Erikm on tous beaucoup de respect pour lui. Depuis la première rencontre du Studio mal parte avec Ferrari, alors qu?il était invité pour la première fois au Japon par Haruyuki Suzuki, une relation chaleureuse s?est établie entre eux et a ouvert la porte à la création de son Documentary>? LUC FERRARI \portrait off an abstract réaliste. ?? Qui présente des morceaux de sa musique et des ?moments présents? de sa vie à Paris. Hideyuki Miyaoka, un artiste du cinéma, a été invité au festival international du film de Rotterdam avec son film ? Mother Monika\for à film unfinished ? en 2005. Sur le chemin du retour au Japon, il a visité Paris pour filmer une répétition avec, le populaire, FJ Erikm de Marseille et Ferreri, ainsi que des moments de la vie du musicien avec sa femme avec laquelle il avait vécu tant d?années. Par ces scènes, la figure pleine de vie de Ferrari est mise en valeur. C?étaient une vision et un moment prenant des instants précieux de la vie du musicien, d?un homme et de derrière cet homme. Bien qu?il erre promis une réunion ave eux deux qui étaient et avaient déclaré être très touché par cette version complétée de la scène, Ferrari mourut d?une pneumonie en août. Cette vidéo est aussi un enregistrement de ?LAST DATE ?.


Il est réalisateur et représentant du Studio malpatre. Il est né en 1967 à Hiroshima et il s?est établi en 1997 dans un élément de ce qui devint Studio malparte et qui fut assemblé au fur et à mesure que les projets prirent place. Il a produit et présenté indépendamment une série de cinq évènements ?Sagi Poiesis ? ?des séminaires et des ateliers principalement sur l?expression cinématographique). En 1998, il alla en Russie pour travailler comme directeur assistant avec Aleksandr Sokurov sur le tournage de ?MOLOCH? (meilleur film au Festival International du Film de Canne en 1999). En ce moment, il produit et créé un programme artistique nommé ?Edge ? et d?autres programmes pour CSTV.

Sayaka mizuno
Catalogue : 2017Kawasaki keirin | Documentaire | hdv | couleur | 41:13 | Suisse | Japon | 2016
Sayaka mizuno
Kawasaki keirin
Documentaire | hdv | couleur | 41:13 | Suisse | Japon | 2016

"Une minuscule buvette-épicerie de la ville industrielle de Kawasaki au Japon est le lieu de rencontre d’habitués occupés à boire des bières en cannette, à discuter de tout et de rien et à jouer aux courses cyclistes. Le vélodrome est tout proche, dans la grisaille du quartier, et représente le seul espace extérieur, la seule échappatoire des hommes qui se retrouvent au bar. Les neuf coureurs de keirin alignés dans les starting-blocks ou sur la piste, dans leurs combinaisons aux couleurs criardes, rythment avec rigueur les journées et entrecoupent les discussions. Au comptoir, les sujets semblent toujours être les mêmes : les paris, le temps qui passe, les cerisiers qui fleurissent... Et pourtant, c’est le repaire des retrouvailles, le lieu de la parenthèse dans un quotidien morne. On se saoule un peu et on partage quelque chose… « J’aime les choses qui flottent, parce que dans l’eau, je coule » confie le tenancier. Pour lui, comme pour ses clients, les cyclistes accrochés à leurs pédales, filant en ligne et imperturbables, sont un peu comme une bouée, le vélodrome, comme un bateau." Madeline Robert


Née en 1991 à Genève, Sayaka Mizuno a réalisé plusieurs courts-métrages et obtient son Bachelor Cinéma à la HEAD – Genève avec mention pour son moyen-métrage intitulé Kawasaki keirin. Présenté au festival Visions du réel 2017, le film reçoit le Prix du Jury SSA/ SUISSIMAGE du film suisse le plus innovant. Elle a participé au Locarno Filmmakers Academy 2017 et est actuellement en Master Cinéma à l’ECAL/ HEAD.

Matej modrinjak
Catalogue : 2005Upwards | Art vidéo | dv | couleur | 6:48 | Slovénie | 2005
Matej modrinjak
Upwards
Art vidéo | dv | couleur | 6:48 | Slovénie | 2005

Toujours vers le haut. Parfois il avance lentement, parfois il s'arrête. Mais jamais il ne déscend.


Je suis né en 1980 à Maribor, en Slovénie. En 1999, j?ai fini l?école de design et de photographie de Ljubljana comme photographe professionnel. Entre 1999 et 2002, j?ai travaillé pour SNG Monitor (le théâtre national Slovène) comme photographe de théâtre. Pendant l?été 2002, j?ai pris part au programme d?artiste en résidence Unidee, Cittadellarte-Fondazione Pistoletto à Bielle n Italie. En juin 2005, j?ai fini mes études en art et média numériques à l?Académie des Beaux Arts de Vienne avec un diplôme de Magister Artium. En novembre 2005, j?ai commencé le programme d?artiste en résidence au AIRantwerp Antwerpen en Belgique.

Frédéric moffet
Catalogue : 2016The Magic Hedge | Doc. expérimental | hdv | couleur | 9:4 | Canada | USA | 2016
Frédéric moffet
The Magic Hedge
Doc. expérimental | hdv | couleur | 9:4 | Canada | USA | 2016

The Magic Hedge visite une réserve d`oiseaux située sur un ancien site de lancement de missiles datant de l’époque de la Guerre Froide situé sur la rive nord de Chicago. Le spectateur, en se promenant et en observant, découvre le prétendu secret du parc : des hommes cherchent de brefs moments de contact sexuel parmi les arbres et les buissons. La vidéo met en évidence les nombreuses contradictions d`un site autrefois consacré à la surveillance militaire et maintenant conçu pour préserver et réguler la vie des "animaux sauvages".


Frédéric Moffet est un artiste multidisciplinaire, un professeur, un monteur vidéo et un travailleur culturel. Il vit entre Montréal et Chicago. Son œuvre, maintes fois récompensée, explore le territoire insaisissable qui sépare l’histoire, l’expérience vécue et le fantasme. Ses bandes vidéo les plus récentes sont Hard Fat (2002), Jean Genet in Chicago (2006), Postface (2011) et, bientôt, The Faithful. Son travail a été diffusé dans divers festivals, universités et galeries à travers le monde, notamment Rotterdam Film Festival, Whitechapel Art Gallery (London), Walker Art Center (Minneapolis), Museum of Contemporary Art (Chicago), PPOW Gallery (New York), Biennial of Moving Images (Geneva), Pleasure Dome (Toronto), Other Cinema (San Francisco), Kassel Documentary Film Festival, Microwave (Hong Kong) and Taipei Golden Horse Film Festival.

Avi mograbi
Catalogue : 2009Details 11, 12, 13 | Vidéo | dv | couleur | 12:0 | Israël | Israel | 2009
Avi mograbi
Details 11, 12, 13
Vidéo | dv | couleur | 12:0 | Israël | Israel | 2009

2 scenes shot in a car driving in the occupied territories. Israeli Human Rights journalists on their way to a story. In one scene they ask themselves if they should continue driving down the road because the locals say there is an Israeli tank shooting at whoever comes near it. In the second scene they detect the Istraeli military post where they were shot at from a few months earlier. In the third scene the IDF orchestra plays a happy march.

Avi Mograbi, filmmaker and video artist. He is the director of: Details 11-13 (2009), Z32 (2008), Mrs. Goldstein (2006), Avenge but one of my two eyes (2005), Detail (2004), August (2002), Wait, it?s the soldiers, I`ll hang up now (2002), At the back (2000), Will you please stop bothering me and my family (2000) Relief, (1999), Happy Birthday Mr. Mograbi (1999), How I learned to overcome my fear and love Arik Sharon (1997), The reconstruction (1994), Deportation (1989).

Naeem mohaiemen
Catalogue : 2016Abu Ammar is Coming | Vidéo | hdv | couleur et n&b | 6:0 | Bangladesh | Royaume-Uni | 2016
Naeem mohaiemen
Abu Ammar is Coming
Vidéo | hdv | couleur et n&b | 6:0 | Bangladesh | Royaume-Uni | 2016

A photograph circulates, showing five men staring out of a window. Actually, only four look out; the last man breaks protocol and looks at the camera. The light has a soft glow. The stage is a bombed building. All five men wear military fatigues; the color must have been olive green.Snapped by a Magnum photographer in 1982, the image is a teasing enigma. Arabic newspapers claim it as evidence of Bangladeshi fighters in the PLO (Fatah faction). Go a little deeper into the memory hole and sediments will darken the third world international. Still, the light was beautiful. Abu Ammar is Coming continues The Young Man Was project’s exploration of the 1970s revolutionary left as a form of tragic utopia. Previous chapters have shown at the 2015 Venice Biennale, the Museum of Modern Art (New York), and the 2011 Sharjah Biennial.[Abu Ammar was the nom de guerre of Yasser Arafat. His Fatah faction of PLO fascinated Bangladesh JSD (National Socialist Party) leader Major Jalil, despite the sharper Marxist tendencies of the George Habash faction.] Picture credit: Volunteers from Bangladesh fighting with Palestinians, 1982 © Chris Steele-Perkins / Magnum Photos The Young Man Was project examines the failures of radical, armed leftist movements of the 1970s. The protagonists often display misrecognition, ending up as an “accidental trojan horse” carrying tragic results to the countries in question (from Japanese hijackers commandeering Dhaka airport for “solidarity,” to migrant labor pipelines transformed into PLO “volunteers”). In spite of its failures, Mohaiemen’s reading of the potential of international left solidarity is still, always, one of hope. The first part (United Red Army, 2011) reconstructs the 1977 hijacking of Japan Airlines Flight 472 through a series of crisply polite negotiation tapes. The second film (Afsan’s Long Day, 2014) addresses the misrecognition of Marxist ideologies from the perspective of a young historian (Afsan Chowdhury, whose diary entry gives the series its name), slaloming between Bangladesh’s summer of tigers, and the German Autumn associated with the Rote Armee Fraktion. The third film (Last Man in Dhaka Central, 2015) traces, in reverse, the journey of Peter Custers, a Dutch journalist jailed in Bangladesh in 1975, accused of belonging to an underground armed Maoist group. A more recent short film, Abu Ammar is Coming (2016), digs into the illusions of a press photograph of “PLO fighters” taken by Chris Steele-Perkins for Magnum. In the form of Peter Custers, who unfortunately passed away in 2015, many of the questions of The Young Man Was project take a personal form. What lies behind utopian hope, especially within the idea of socialism, against the weight of history and experience? What also of the men who survived those terrible times, unlike so many of their comrades, and now spend their waning days in solitary apartments, writing down memories? What was such a man then, and how does he remember himself today? Was he John Reed, recording the Russian Revolution, in the last free moment before the Thermidor? What does it mean to be a survivor and witness—the last man standing on the eve of another collapse, surveying the wreckage of the socialist dream in the middle of a horrific present that teeters on the cusp of the Anthropocene?

Naeem Mohaiemen is a writer and visual artist. Since 2006, he has worked on "The Young Man Was," a series of projects on the 1970s radical left. The first two films in this sequence are "United Red Army" (2012), which premiered at Sharjah Biennial, IDFA, and Hot Docs, and "Afsan`s Long Day" (2014), which premiered at MoMA, New York, and Oberhausen. He is researching the third installment, "Last Man In Dhaka Central" (2015). The project has been supported by grants from Creative Capital, Creative Time, Franklin Furnace, Rhizome, Puffin Foundation, and Arts Network Asia. He is a 2014 Guggenheim Fellow. The works are also in private collections, as well as the permanent collection of the Tate Modern and the British Museum.

Paribartana mohanty
Catalogue : 2015Notes on detour and Potentiality | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 4:14 | Inde | 2015
Paribartana mohanty
Notes on detour and Potentiality
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 4:14 | Inde | 2015

Walking towards the commemorative obelisk, the memorial of establishing Delhi as capital of British India, We trace passed the land exactly 101 year after the coronation celebrated there. Nostalgic about the moment in history simultaneously relaxed due to its ruined state, all of our cameras started shooting the actor, unknown character and new encounters. The documented images showed intense moments of repetition and reappearances, where we expose cameras to ourselves in different position, composition and perspective. The video plays with the idea of echo in repeated intervention, engagement and performative ordinary gestures. The cinematic time in loop becomes a still image of walking, looking and hearing as rehearsing, acting bodies and a resurrected site.

SOLO EXHIBITION 2012 Kino is the Name of a Forest, Solo Exhibition, Vadehra Art Gallery, New Delhi, India EXHIBITIONS 2015 Kochi Biennale Foundation Young Curatorial Award-Fellowship 2016/2017 on the KBF Student’s Biennale. 2015 BLAST! ASIA NOW, Stand SP1, Espace Pierre Cardin, 1 Avenue Gabriel, 75008 Paris. 2015 59th BFI London Film Festival, curated by William Fowler London, United Kingdom. 2015 Rendez-vous Singapour Exposition, Institute of Contemporary Art Singapore. 2015 Undivided Mind Part- ii, Art + Science Exhibition, Curated by Lieah Smith, KHOJ international Artist Association, New Delhi, India 2015 Forever Now, Curated by Willoh S. Weiland, Brian Ritche, Thea Baumann and Jeff Khan, Aphids Epic Contemporary Project, Mofo, Hobart 2014 TokyoStory Part- ii, Tokyo Wonder Site, Shibuya, Tokyo, Japan 2014 Field Trip Project, Curated by Daisuke Takeya, Tokyo, Japan 2014 Insert- Common Ground Curated by Raqs Media Collective, IGNCA, New Delhi India 2013 Rendez-vous 13, Institute of Contemporary Art Lyon, Lyon, France 2013 Ideas of the Sublime curated by Gayatri Sinha, Rabindra Bhawan, New Delhi, India 2012 Sarai Reader 09: Exhibition, Curated by Raqs Media Collective, Devi Art Foundation, Gurgaon, India 2012 Video Wednesday II, Curated by Gayatri Sinha, Gallery Espace, New Delhi 2012 Broadening the Canvas: Contemporary Visual Culture of Alternate Sexuality, Curated by Rahul Bhattacharya, Part of Kolkata Rainbow Pride Festival, Kolkata 2012 In Other Words, Sarai-CSDS, New Delhi 2011 Regards Croisés: A Selection of Asian Contemporary Art, Art Plural Gallery, Singapore 2011 Collective Metamorphosis, Curated by Kapil Chopra, Nature Morte, New Delhi 2011 To be continued… The FICA Group Show, Curated by Bhooma Padmanabhan, Volte Gallery, Mumbai 2011 Hong Kong Art Fair, works presented by Nature Morte 2011 Outset Inaugural Exhibition, co-ordinated by Peter Nagy and organized by Feroze Gujral, New Delhi 2010 Drifiting Still, Curated by Rahul Bhattacharya, Art Konsult, New Delhi 2010 ARTIST + NATURE = ART The Sandarbh Workshop and residency. The Lahori Forest, Dadra Nagar & Hawali (UT) India 2010 Present is Now, Curated by Peter Nagy, Bestcollegeart.com 2010 City as Studio: EXB 10.04, Sarai, CSDS, New Delhi. 2010 City as Studio: EXB 10.01, curated by Iram Ghufran and Amitabh Kumar as part of ‘Ten Years of Sarai’, Sarai, CSDS, New Delhi (Feb 15 – March 10) 2010 Renewed Intensity, Curated by Jagannath Panda, B K College of Art, Bhubaneswar 2010 Drifters, Curated by Rahul Bhattacharya, Gallery Beyond, Mumbai (as part of Kala Ghoda Arts Festival, February) 2009 Drifters, Curated by Rahul Bhattacharya, Art Konsult, New Delhi (18 Dec – 10th Jan) 2009 Fantasy, Curated by Sunil Gupta and Gautam Bhan, Nigah Queer Festival, Max Mueller Bhavan, New Delhi. AWARDS / RESIDENCIES 2015 Kochi Biennale Foundation Young Curatorial Award- 16-month Fellowship 2016/2017 on the KBF Student’s Biennale. 2015 T.A.J. RESIDENCY & SKE PROJECTS, Bangalore, India 2015 Undivided Mind- Part II, Art + Science One Month Residency at KHOJ, KHOJ International Artist Association, New Delhi, India. 2014 Writing Intensive, Kiran Nadar Museum of Art, Noida, New Delhi 2014 International Creator Residency Program 2013, Tokyo Wander Site, Tokyo, Japan 2013 An Anatomy and Politics of Video Art, A workshop by Marcel Odenbach, Kolkata, India 2011 Three-months residency hosted by Stadt galerie, Bern (Switzerland) in collaboration with Pro Helvetia (Swiss Arts Council) and FICA 2010 Sandarbh Artists Residency, Dadra Nagar and Havelli 2010 EMERGING ARTIST AWARD, Foundation of Indian Contemporary Art (FICA), New Delhi 2010 Awarded ‘the City as Studio’ – Sarai-CSDS Media Lab Associate Fellowship for Contemporary Art and Media Practices and Residency

Thomas mohr
Catalogue : 2016Impact-9.2 | Vidéo | hdv | couleur et n&b | 10:44 | Pays-Bas | 2016
Thomas mohr
Impact-9.2
Vidéo | hdv | couleur et n&b | 10:44 | Pays-Bas | 2016

After a moment of brightness, a memory unit containing 59.049 images is explored from the totality to its individual images, creating connections on various levels in various directions in a shifting dynamic system. Beginning with a sudden and rough recall of memories the information merges with increasing compression in several cycles and repetitive feedback to transform in an almost ad infinitum expanding time space topology of intense subtlety. The visual composition is inverted and disrupted several times by visual blanks of bright white. The original images were taken handheld in 2002/3 when the experience of 9/11 still was present. The composition is made frame by frame using “contact sheets” (6, 5 fps). The integration of the outdated format SD in the more contemporary HD leaves empty space in the memory levels and in the processing levels. The memory unit used in this video is the second out of nine units, which will become one total memory at a later stage covering 30 years from 1985 to 2015. The music composed by Michael Bonaventure (organ sounds) and René Baptist Huysmans (electronic sounds) is inspired by the poem “The Comet at Yalbury” by Thomas Hardy ?

Born in Mainz, Living and working in Amsterdam. Since the late 1980ties systematically exploring processes of perception and experience in installations and "films" referring inter alia to conceptual and minimal art, to the history of early cinematography , the transformation of information, the evolution of (new) media. Working with computer-generated processes combined with manual execution based on a growing photo archive containing at this moment more then 500000 pictures taken from 1985 regarding important moments of modern history as to major and minor personal events.

Thomas mohr
Catalogue : 2015Zu Hanne Darboven | Vidéo | hdv | couleur | 8:27 | Pays-Bas | 2014
Thomas mohr
Zu Hanne Darboven
Vidéo | hdv | couleur | 8:27 | Pays-Bas | 2014

Is it possible to understand the work of the artist and composer Hanne Darboven (1941 - 2009) famous for her large scale installation containing thousands of drawings and notes? The project Zu / On Hanne Darboven is an exploration of herless known music  in relation to her  visual oeuvre. Abschliessend (In conclusion) is based on 1853 pictures handheld taken- as meticolous as possible - very close to the details of the works in the last space of the exhibition “The order of time and things. The home studio of Hanne Darboven” organised by the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía and the Deichtorhallen Hamburg - Sammlung Falckenberg in collaboration with the Hanne Darboven. The music is the last part of Hanne Darbovens Requiem recorded in eleven volumes. The pictures are processed in still compositions frame by frame in a series of cycles increasingly compressing the original information.

Living and working in Amsterdam. Since the late 1980ties systematically exploring processes of perception and experience in installations and "films" referring inter alia to conceptual and minimal art, to the history of early cinematography , the transformation of information, the evolution of (new) media. Working with computer-generated processes combined with manual execution based on a growing photo archive containing at this moment more then 500000 pictures regarding major and minor personal and historic events. Main themes recently the reverberation of historic incidents and and the intertwined relations of culture. Thomas Mohr’s particular way of composing films since 2008 begins with smallest elements - taking single images. This material is processed in repetitive steps to higly compressed structures where the visual properties are almost dissolved. Since 2010 works specifically related to the body of work of Hanne Darboven. Now working on constructing an episodic memory covering the information of 30 years (1985-2015).

Maria mohr
Catalogue : 2006Cousin cousine | Doc. expérimental | super8 | couleur et n&b | 19:32 | Allemagne | 2005
Maria mohr
Cousin cousine
Doc. expérimental | super8 | couleur et n&b | 19:32 | Allemagne | 2005

Cousin et cousine, un espace sans paroles. Une voix au piano. Au bout des doigts, le sens. Un pont, trop haut. Cousin Cousine est un film personnel entre témoignage et poésie. Sur un amour impossible.


Maria Mohr est née en 1974 à Mainz, en Rhénanie. Elle a étudié le français et l'architecture à Paris et à Darmstadt. Depuis 1998 Maria Mohr vit à Berlin. Elle a contribué à divers projets indépendants de théâtre et de danse et a travaillé en parallèle dans le domaine du cinéma, de la vidéo et de la photographie. De 2002 à 2005 elle étudie le film expérimental à l'université des arts de Berlin. Son film de fin d'études "Cousin Cousine" est présenté depuis dans des festivals nationaux et internationaux et a remporté de nombreux prix, dont le prix du court-métrage allemand en 2005. Actuellement Maria Mohr travaille sur un film documentaire long.

Ahmed mohsen mansour
Catalogue : 2016No Time for Video | Vidéo | hdv | couleur | 2:40 | Egypte | 2016
Ahmed mohsen mansour
No Time for Video
Vidéo | hdv | couleur | 2:40 | Egypte | 2016

Time is the main determinant of the events, a dimension that defines the place of an object in the vast space More specific manner rather than relying on the three main dimensions (length - width - height) where you can not any event in the universe characterization without the addition of a fourth dimension. Thus, the movement of objects may be a relative change with time, and the concept of time is no longer a constant.

Ahmed Mohsen Mansour. Visual Artist born in October 1987, lives between Saudi Arabia and Egypt. Graduated from Faculty of Applied Arts- Advertising department, Recently I preparing MFA degree in Faculty of Fine arts – Graphic department- entitled “Installation Art as an Access to the Three Dimensional Ads Design”. Participated in several exhibitions and workshops in the fields of video, photography and animation in Cairo, Alexandria, London, Italy, Germany, France,Slovakia,Spain, Emirates and Saudi Arabia. Had a three experiments in the theatre field where I worked as an actor and assistant director in “The Hunchback of Notre Dame” and “The Ghosts," They are two theatre shows produced by “Woshosh” theatre group, also worked as a scenographer in “Inside the Mirror," another play produced by the same group.

María molina peirÓ
Catalogue : 2018One Year Life Strata | Installation vidéo | hdv | couleur | 0:0 | Espagne | 0 | 2018
María molina peirÓ
One Year Life Strata
Installation vidéo | hdv | couleur | 0:0 | Espagne | 0 | 2018

During one year María Molina Peiró carried a wearable camera taking a photo every 30 seconds. The enormous collection of photos collected by the camera are shown in an online archive that instead of "remembering" creates a creative forgetting of the vast photo archive. One Year Life Strata proposes a visual metaphor of forgetting by transforming the digital images into what is likely the ultimate memory trace that will remain from us: The geological record. The project, in a sort of digital geology, mines the data from the strata and invite viewers to investigate one year of Maria Molina's life through an AI vision system, not concerned about personal memories but the collection of patterns and numbers they contain. In a society obsessed with recollection, data and monitoring One Year Life Strata addresses the disturbing territory of forgetting. Today that we have the tools to remember and archive almost everything, forgetting has become a term very close to death raising very similar fears. One Year Life Strata wants to overcome this fear and embrace forgetting in a game of time scales, where the speed of Digital Time is buried into a time difficult for us to grasp, the slow Deep Time.

María Molina is an audio-visual artist and filmmaker with a background in fine arts. She works in an open format mixing film, digital media and experimental animation. María Molina´s films and art works have been showcased in international museums like Haus der Kulturen der Welt (Berlin), EYE Film Museum (Amsterdam), MACBA (Museum of Modern Art Barcelona), Hong-Gah Museum (Taipei), Centre de Cultura Contemporània Barcelona (CCCB), MATADERO (Madrid) or Museum of Contemporary Art of Vojvodina (Serbia) among others. Her works has been featured in festivals like Rotterdam Film Festival, Art Futura (Barcelona), Taiwan Video Art Biennial, MADATAC (Madrid), VISS (Vienna International Film Festival) or Forecast Forum (Berlin). In her work she explores the increasingly blurred boundaries between material and digital realities. She is particularly interested in the convergences between different memory systems (from Geology to Digital Memory) and how the ubiquity and pervasive nature of Digital Technology is reframing our spatial and temporal perspective. Her films and installations often use metafiction, postproduction and geo-tools to unfold layered realities that connect humans, technology and nature. Her current research focuses on humanity's constant struggle with its temporal and spatial limitations, and how this struggle has driven civilisation and technology to change our relation with nature, time and our understanding of life itself.

Mercedes molla marfil
Catalogue : 2009Normal envy | Vidéo | dv | couleur | 1:8 | Belgique | 2009
Mercedes molla marfil
Normal envy
Vidéo | dv | couleur | 1:8 | Belgique | 2009

I am in a supermarket. Instead of buying the products I need, I buy that ones that the others want. Does a product taste better when is desired by the others? A supermarket is a very common place in our daily life which represents well today`s capitalist system. Through my action I attempt to confront the idea of consumer choice and desire. Transcending the comic or quirky, the video promotes the possibility of a critical engagement with consumer values and cultural behaviour. It has without being propangandist a political agenda.

Mercedes Mollá (b. 1980, Valencia) received a Postgraduate Diploma in Fine Arts at Chelsea College of Art and Designed, University of the Arts in London. Studied her BA at Facultad de Bellas Artes de San Carlos in Valencia .With the Erasmus scholarship she studied six months at Winchester School of Art,UK. Recent solo exhibitions include Matuvu gallery, Brussels, Art Below, London; Imprevisual gallery, Valencia. Group exhibitions include Canvas Collectie , gallery on line ,Belgium; Really London?s gallery; Galeria de arte Kessler-Battaglia, Valencia. Mercedes is currently based in Brussels.

Christine molloy, christine molloy
Catalogue : 2005Moore Street | Fiction | 35mm | couleur | 5:35 | Irlande | 2004
Christine molloy , christine molloy
Moore Street
Fiction | 35mm | couleur | 5:35 | Irlande | 2004

Moore Street est un unique travelling filmé à Moore Street en Ireland. Le film est en swahili et en anglais. Pendant cinq minutes, nous suivons les pensées d'une jeune africaine en Irlande, songeant à son passé, son avenir et le sentiment d'identité qui se révèle à elle tandis qu'elle longe la rue dans la nuit. D'une part, Moore Street revient sur rue emblématique de Dublin à un moment charnière de son renouveau officiel de développement, où déjà les espoirs et les rêves des nouvelles communautés refondent la ville à l'image de leur chez-eux. D'autre part, il s'agit d'une lettre d'amour chuchotée à un amant absent au c?ur de la nuit.


Christine Molloy et Joe Lawlor sont tous deux originaires de Dublin (Irlande). Ils sont actuellement basés à Londres où ils réalisent des ?uvres filmiques et vidéo pour le cinéma, Internet, sites et galeries. Moore Street est issu d'une série de sept cours métrages en 35mm tournés par Molloy et Lawlor sous le titre Civic Life qui ont contribué à l'entrée de l'Irlande dans la Biennale de Sao Paulo en 2004.

Catalogue : 2011Civic Life: Tiong Bahru | Fiction | 35mm | couleur | 19:55 | Irlande | Singapour | 0
Christine molloy , christine molloy
Civic Life: Tiong Bahru
Fiction | 35mm | couleur | 19:55 | Irlande | Singapour | 0

TIONG BAHRU follows the lives of three characters of very different ages over the course of a day as they reveal to their families and friends their hopes and desires. Lyrical and musical in its style, the film is a sensitive portrait of 3 people caught at a crossroads in their lives and the extraordinary place in which they live. TIONG BAHRU is the latest and most ambitious film in CIVIC LIFE, the acclaimed series of short films by Christine Molloy and Joe Lawlor, through which over the last 8 years the artists have explored the themes of belonging, place, change and relationships. The films are developed through an extensive process of dialogues with communities and are made with casts of volunteers drawn from the areas in which they are filmed. Featuring 150 volunteers, many of whom had never acted before, TIONG BAHRU was shot on 35mm in the market and hawker centre of the art deco heritage estate of Tiong Bahru in Singapore in June 2010. ?TIONG BAHRU is the touchstone of (Molloy and Lawlor?s) work?restrained and lavish, formally audacious and sentimental? (Sight & Sound)

Born in Dublin, Ireland Christine Molloy (b 1965) and Joe Lawlor (b 1963) studied theatre in the UK in the late 80s. From 1992 to 1999 they devised, directed and performed in six internationally acclaimed touring theatre shows before shifting their attention towards moving image based work. Between 2000 and 2003 they directed a number of episodic, interactive works for the internet, and large-scale community video projects for galleries. Since 2003 Molloy and Lawlor have produced, written and directed 10 acclaimed short films, under the title CIVIC LIFE. All shot on 35mm, the CIVIC LIFE films have screened extensively around the world including screenings at the Telluride Film Festival, the International Film Festival Rotterdam, the Thessaloniki International Film Festival, the Sydney Film Festival and IndieLisboa. HELEN, their acclaimed debut feature film, premiered at the Edinburgh International Film Festival in June 2008 before screening at over 50 film festivals worldwide. TIONG BAHRU is the latest film in the CIVIC LIFE series.