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Ryan kuo
Catalogue : 2017Family Maker | Vidéo | hdv | couleur | 0:0 | USA | 2017
Ryan kuo
Family Maker
Vidéo | hdv | couleur | 0:0 | USA | 2017

Family Maker is a computer application that uses the macOS interface to convey family dynamics across cascading sequences of gray application windows that users operate in order to unlock mysteries of being in a family. The application might be read as a portrait of the artist’s family, but it doubles as a working model of family life, populated by windows with names such as Ego and Trauma that prompt association-making. The work has been conceived as a puzzle box to unlock and explore, and as a poetic support that can give form to the unnameable. Family Maker is assembled using a runtime engine, and its dynamics are simultaneously built and enacted. As such, the creative process itself is akin to diagramming and inhabiting the family. A user of the application experiences much of how it was made. Each clickable button and slider is loaded with references to past states and future consequences. It is presented as a regular software application that can be multitasked with other tasks, such as monitoring email and scanning for viruses. As the family is a process, future versions may be created. The work is distributed by Left Gallery.

Ryan Kuo is based in New York and is currently a resident in the Queens Museum Studio Program. He received a Master of Science in Art, Culture and Technology from MIT in 2014. His work is often process-based and diagrammatic, utilizing techniques from video games, productivity software, web design, motion graphics, and sampling. It tends to invoke a person or people arguing. Among his current projects, Ryan is building an artist’s book about aspirational workflows, File: A User’s Manual, modeled after software guides for power users. His works and writing have most recently appeared at the Current Museum of Art (NYC), Equity Gallery (NYC), Front/Space (Kansas City), Spike Art Quarterly (Berlin), Goldsmiths (London), Carpenter Center for the Visual Arts (Cambridge, MA), Boston Cyberarts (Boston), MIT Media Lab (Cambridge, MA), and Minibar (Stockholm). He was a resident artist at Residency Unlimited (NYC) in 2017.

Ryoichi kurokawa
Antonella kurzen
Catalogue : 2005The challenge | Film expérimental | betaSP | couleur | 5:50 | Suisse | 2005
Antonella kurzen
The challenge
Film expérimental | betaSP | couleur | 5:50 | Suisse | 2005

Dans le vide d'un paysage, un être humain grimpe sur les rochers pour tester son équilibre, trois pas en avant et trois dans le vide.


Antonella Kurzen, naît en Suisse en 1966. Elle entame ses études artistiques aux Etats Unis et les poursuit en Suisse, en Italie et en Allemagne. Elle entreprend ensuite des études dans le domaine de la cinématographie. Depuis 1998, elle travaille comme réalisatrice freelance et, depuis 2002, comme vidéaste également. Ses dernières vidéos sont des élaborations des conditions psychologiques observées en milieux naturels, transformées selon les intentions, en espaces réduits.

Thomas kusitzky, michael wilhelmi
Catalogue : 2005(((controller-band.'s Rodeo-Setup | Création sonore | 0 | | 20:0 | Allemagne | 2005
Thomas kusitzky , michael wilhelmi
(((controller-band.'s Rodeo-Setup
Création sonore | 0 | | 20:0 | Allemagne | 2005

"Musik-Performance (((controller-band., Berlin Die (((controller-band. ist eine Computerband und Teil von (((controllerentertainment.. (((controller-entertainment. wurde 2002 von Michael Wilhelmi und Thomas Kusitzky gegründet und dient als Rahmen für verschiedene Projekte und Experimente, bei welchen Computerspielcontroller, wie Joysticks, Lenkräder, etc. verwendet werden. In Verbindung mit einem hierfür entwickelten Softwareinterface, wird es möglich, die jeweiligen Computerenvironments ohne Zuhilfenahme von Tastatur, Bildschirm oder Maus intuitiv zu steuern. Die Konzerte der (((controller-band. sind Improvisationen, deren musikalisches Ausgangsmaterial aus bis zu 40 Sekunden langen Samples von Aufnahmen verschiedener Musikrichtungen besteht, die durch unterschiedliche Verfahren in ihrer Geschwindigkeit, Tonhöhe, zeitlichen Struktur und Klangfarbe verändert werden. Diese Verfahren sind in ihrer Art abhängig vom für das jeweilige Konzert erstellten Programm, also letztlich vom kompositorischen Rahmen."

Thomas Kusitzky geboren 1975 in Singen, lebt seit 1996 in Berlin. Musikstudium im Bereich Jazz, Hauptinstrument Bass an der Hochschule für Musik ?Hanns Eisler? Berlin. Weiterführende Seminare an der Universität der Künste Berlin und der Technischen Universität Berlin in den Bereichen Klangkunst, Elektroakustische Musik, Computermusik, Musikprogrammierung, Musikakustik und Raumklang. Teilnehmer am Modellstudiengang ?Sound Studies? an der Universität der Künste Berlin.Tätig als Live-Elektronik Musiker und Klangkünstler

Thomas kutschker, -
Catalogue : 2008Backyard | Doc. expérimental | dv | | 26:0 | Allemagne | 2007
Thomas kutschker , -
Backyard
Doc. expérimental | dv | | 26:0 | Allemagne | 2007

« Backyard » est une observation sur la vie quotidienne et le travail, filmée d?un trait au cours d?une fin d'après-midi à Dar Es Salam (Tanzanie). Ce film se trouve à mi-chemin entre l?étude ethnographique, le film expérimental et l?installation vidéo à canal unique.


Kutschker Thomas est né en 1963 à Mannheim (Allemagne). En 1996, il a obtenu une maîtrise en médias audiovisuels à l'Académie des Arts Médiatiques de Cologne. En 1998, il lui a été décerné le Premier Prix du Gouvernement pour les Jeunes Réalisateurs. De 2000 à 2005, il a enseigné la théorie et le film documentaire à l?Université Humboldt de Berlin.

Ikuru kuwajima
Catalogue : 2017City of Transformers | Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 3:39 | Japon | Russie | 2016
Ikuru kuwajima
City of Transformers
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 3:39 | Japon | Russie | 2016

The project is about the transforming cityscape of Kazan, the millennium old capital of the Republic of Tatarstan in Russia. With the brand-new buildings and anime costume characters “ Transformers ”, I visualized my impression of this fast-growing modern multicultural city, located in the middle Volga, about 600 km east from Moscow. In Kazan, newcomers would soon notice the futuristic bizarre architecture scattered around the city’s center. Those buildings are somewhat reminiscent of the contemporary but ambiguous glittering architecture in Kazakhstan’s capital Astana and Turkmenistan’s capital Ashgabat in Central Asia. In Kazan’s city center, visitors would also notice awkward-looking costume characters like ones from American-Japanese robot anime “ Transformers ” giving out leaflets or getting pictures taken with kids for money. Kazan is home to Tatars, a predominantly-Islam Turkic people, but it is more complex and unique, as Tatar, Russian and Soviet cultures have been intertwined in the past centuries there. Now, western capitalism gets mixed with this cultural melting pot, bringing even “ Transformers ”to the city and turning parts of the cityscape a little Disneylandish. Kazan is still in the process of this intricate transformation. This project demonstrates my vision of this transforming multicultural city located near the edge of geographical Europe.

After growing up in Japan, studying in journalism in the University of Missouri, Columbia, and living in Romania for a year, Ikuru Kuwajima has been living and working on visual documentary and art projects mainly with photography in various post-Soviet countries (Ukraine, Kyrgyzstan, Kazakhstan and Russia) in the past 10 years. After three years in Kazan, he now lives in Moscow, Russia, continuing personal projects. His artist books “ Tundra Kids ” and “ Oblomov ” were published in Vienna in 2015 and in Moscow in 2017, respectably.

Klaudia & Jacqueline/ kÜnstlerduo stoll & wachall, jacqueline wachall
Catalogue : 2005Control your body | Art vidéo | dv | couleur | 5:44 | Allemagne | 2004
Klaudia & Jacqueline/ kÜnstlerduo stoll & wachall , jacqueline wachall
Control your body
Art vidéo | dv | couleur | 5:44 | Allemagne | 2004

Une silhouette féminine vêtue d?une très courte robe noire moulante à paillettes, se tient debout, devant un fond noir. La perruque noire qu?elle porte est à l?envers. De ce fait, les longs cheveux brillants et ondulés tombent vers l?avant et recouvrent ses seins. Un son techno cadencé démarre et se développe peu à peu. La silhouette soulève deux pompons et commence à se balancer en suivant le rythme. Le refrain répétitif « Control your body. Let the beat control your body - com?on dance with me » l?entraîne dans une agitation de plus en plus hypnotique. Au début, la silhouette paraît presque insignifiante et ridicule. Elle est un persiflage des filles techno : apparence voyante, cheveux ondulés, formes généreuses. Lorsqu?elle commence à bouger sur le rythme, ça a l?air bizarre. Mais petit à petit, on se laisse envoûter. Les paroles répétitives de la chanson semblent sortir de sa bouche et donnent l?impression que c?est elle qui les maîtrise et qu?elle ne fait pas que leur obéir. Tout à coup, elle nous balance des signes et des mots: extra, highlights, make up, generation, ultra, image, fondation, maximum, overdose, yeah. Ce sont les signes de la modernité, de la séduction, du masque. Ce sont les mots-clés de notre quotidien qui nous sont insufflés. En bougeant et en agissant ainsi, elle nous apparaît peu à peu comme une idole ; dans le sens archéologique du terme, autrement dit, comme un objet vénéré. Elle devient une vraie idole de la musique pop, une Vénus de Willendorf du disco. Les pompons qui servent habituellement à encourager les équipes dans les stades américains, elle les utilise pour nous coacher, nous hypnotiser. Elle nous répète sans cesse : contrôle-toi, laisse-toi contrôler.


1993-99 Etudes à l?Ecole Supérieure des Arts Appliqués Saar avec les Pr. Ulrike Rosenbach et Pr. Bodo Baumgarten, Pr. Horst Gerhard Haberl 1997 Création du Duo d?Artistes Stoll & Wachall 1999 Diplôme et Conservatoire à l?ESAASaar 2001-03 Enseignement à l?ESAASaar

Tilman kÜntzel
Catalogue : 2007bodyguard | Art vidéo | dv | couleur | 6:40 | Allemagne | 2007
Tilman kÜntzel
bodyguard
Art vidéo | dv | couleur | 6:40 | Allemagne | 2007

Television images of politicians being interviewed show us different worlds of perception. While the politician speaks to reporters, the bodyguard concentrates on potential dangers in the surrounding area. The viewer becomes witness to two parallel worlds, yet is inclined to pay more attention to the politician, who speaks outwardly to matters of public interest. The bodyguard brings to the situation a dramatically greater intensity, but one that is directed inward. He is deep in concentration, communicating through a small earpiece with a network that remains hidden from the viewer. The images are characterized by this contrast, which endows them with a particular tension. The video shifts the focus onto the bodyguard`s inner perception.

Tilman Küntzel *1959 Studium der Freien Kunst an der Hochschule für Bildende Künste Hamburg bei Claus Böhmler und Henning Christiansen. 1992 ? 1993 Studium der systematischen Musikwissenschaft an der Universität Hamburg. 1993 DAAD Stipendium bei Allan Kaprow an der University of California, San Diego, Kalifornien. 2002 Preisträger erster deutscher Klangkunstpreis Skulpturenmuseum Marl. 2004 Initiator der Symposiums mit Ausstellung und Konzerte ?Stare über Berlin? -Ästhetische Analogien des Vogelsangs. 2006 Initiator des Projekts ?World Cup 2006 Radio Commentaries in Native Tongues Synchronous Recordings?. 2007 Gastdozentur ?Klangkunst? an der Universität der Künste Berlin, Fakultät 01 Bildende Kunst. Tilman Küntzel lebt in Berlin.

Kristina kvalvik
Catalogue : 2012City Heart | Fiction expérimentale | 0 | couleur | 5:23 | Norvège | 0 | 2011
Kristina kvalvik
City Heart
Fiction expérimentale | 0 | couleur | 5:23 | Norvège | 0 | 2011

The spectator follows the protagonist through a city one dark winter night. Where is she going? Why do we follow her? The city in the dark and the woman in the night provokes an eerie atmosphere, - without the film giving any answers to why. This unsolved story is based upon how we are seen and interpreted in the public sphere. All images are from urban places and contain a subtle doomsday thematic as a sweeping tone through the film.

Kvalvik has exhibited her work internationally including Göteborg International Biennial for Contemporary Art, Overgaden Institute for Contemporary Art; Copenhagen, LOOP Film Festival; Barcelona, Center for Contemporary Art; Glasgow, GalleriBOX; Akureyri, Galeria Miroslav Kraljevic; Zagreb, Kunsthalle Exnergasse; Vienna, Parkingallery; Tehran, Västerås Konstmuseum, Høstutstillingen Kuntnernes Hus; Oslo and Abandoned Gallery; Malmö.

Kristina kvalvik
Catalogue : 2013Distant Landscape | Film expérimental | super8 | couleur | 8:30 | Norvège | Islande | 2012
Kristina kvalvik
Distant Landscape
Film expérimental | super8 | couleur | 8:30 | Norvège | Islande | 2012

"Distant Landscape" consists of images of landscapes in which traces of movement of the film`s narrator are recognisable within the desolate surroundings. Short texts roll over the images, telling the story of someone in a close and sensual relationship with nature.

Kristina Kvalvik (b.1980) is a Norwegian visual artist currently based in Copenhagen, Denmark. She studied film and fine art in Norway, Sweden and Canada, and completed her MFA at Malmö Art Academy (SE) in 2008. Her work deals with matters relating to surveillance, the inexplicable and the threatening. She examines the limitations of sight and our ability to interpret what we see. Kvalvik has exhibited her work internationally including Göteborg International Biennial for Contemporary Art, Overgaden Institute for Contemporary Art; Copenhagen, LOOP Film Festival; Barcelona, Center for Contemporary Art; Glasgow, GalleriBOX; Akureyri, Galeria Miroslav Kraljevic; Zagreb, Kunsthalle Exnergasse; Vienna, Parkingallery; Tehran, Västerås Konstmuseum, Høstutstillingen Kuntnernes Hus; Oslo and Abandoned Gallery; Malmö.

Yunjoo kwak
Catalogue : 2014A Chronicle of Plan van Gool | Documentaire | hdv | couleur | 20:0 | Coree du Sud | Corée du Sud | 2014
Yunjoo kwak
A Chronicle of Plan van Gool
Documentaire | hdv | couleur | 20:0 | Coree du Sud | Corée du Sud | 2014

A Chronicle of Plan van Gool (20 mins, 2014) is a video essay by Yunjoo Kwak, developed during a conversation with an architect, Endry van Velzen, regarding his text ‘Over vanzelfsprekendheid, de 1138 van Gool in Amsterdam Noord’, (in: OASE nr. 49 1998, p. 44-65) The text presents a sophisticated analysis of Plan van Gool, designed by a State architect Frans van Gool (1929 – ) in 1968, and reflects upon van Gool’s fundamental critique of modernist concepts through the residential building. By appropriating his text, the essay attempts to re-examine the thoughts of the two architects, how they perceive of architectural performances – aesthetically, politically, and economically – and how each responds to environmental forces and crises.

Yunjoo Kwak (Seoul, South Korea, 1977) lives and works in Amsterdam. She studied and taught in MFA at the Korean National University of Art, Seoul, 2008 and Dutch Art Institute/ ArtEZ, Arnhem, 2011. Her works has exhibited in a number of different public venues such as French Cultural Centre, Reykjavik Museum of Photography and Seoul Museum of Art. Her works often deals within notion of ‘performativity’ as practicing political and aesthetical strategy in various mediums; film, lecture performance, text and publication.

Hayoun kwon
Catalogue : 2016489 Years | Animation | hdv | couleur | 11:18 | Coree du Sud | 0 | 2016
Hayoun kwon
489 Years
Animation | hdv | couleur | 11:18 | Coree du Sud | 0 | 2016

489 Years a pour sujet la Zone Coréenne Démilitarisée (DMZ), créée en 1953, qui sépare physiquement la Corée du Nord et la Corée du Sud. La bande de terre est longue de 248 km, large d’environ 4km. Selon les données du Ministère de la Défense de la Corée du Sud publiées en 2010, il faudrait 489 années pour enlever toutes les mines qui ont été placées sur cette frontière. Le film repose sur le témoignage d’un ancien soldat de Corée du Sud. Il est le narrateur qui donne accès à un endroit où « l’homme est interdit et où la nature a repris ses droits ».


Hayoun Kwon est née en 1981 à Séoul, en Corée du Sud. Elle vit et travaille à Châteauneuf-sur-Cher, Paris et Séoul.

Hayoun kwon
Catalogue : 2014VILLAGE MODELE | Vidéo | hdv | couleur et n&b | 10:0 | Coree du Sud | Corée du Sud | 2014
Hayoun kwon
VILLAGE MODELE
Vidéo | hdv | couleur et n&b | 10:0 | Coree du Sud | Corée du Sud | 2014

librement inspirée du village de propagande nord coréen, Kijong-dong, Hayoun KWON révèle un « lieu-décor » et nous plonge dans la fiction, accomplissant son voyage par procuration. 
Le film témoigne de ce village fantôme dans son véritable état : un mécanisme de fiction. La réalité d’une frontière face à sa mise en scène... Un village inatteignable autrement que par l’imagination.


Hayoun Kwon est née à Seoul (Corée du Sud) en 1981. Elle a commencé ses études d’art à l’Ecole des Beaux-Arts de Nantes, puis a été diplômée du Fresnoy – Studio national des Arts contemporains en 2011. Le travail de Hayoun Kwon traite principalement de la mémoire (individuelle comme collective) et des limites en ne cessant de brouiller les pistes. Elle confronte l’intention à son interprétation, la construction à la fiction, la remémoration à l’invention. Elle interroge les rapports ambivalents entre réalité et fiction, entre théatre et réel.

Eva l'hoest
Catalogue : 2017Under Automata | Film expérimental | 4k | noir et blanc | 10:49 | Belgique | 2017
Eva l'hoest
Under Automata
Film expérimental | 4k | noir et blanc | 10:49 | Belgique | 2017

Au-dessus de l`Atlantique, des dormeurs ont été scanné manuellement par l’artiste le long du couloir d`un avion long-courrier. Le film se présente comme un lent travelling sur une réalité que l`on identifie immédiatement mais qui est déchirée par les failles du processus de captation. Les corps, les objets ne sont donc que partiellement recomposés par le logiciel et donnent lieu à un plan cinématographique ainsi qu`à la vision d`accidents de la substance-image.


Eva L’Hoest (1991, vit et travaille à Bruxelles), est issue d’une génération qui est née en même temps que les développements exponentiels de ce qu’il devient désuet d'appeler “ les nouvelles technologies ”. Cette jeune artiste formée à l’atelier Vidéo de l’ESAVL-Académie des Beaux-Arts de Liège (Jacques-Louis Nyst) s`est très vite tournée vers l`exploration de pièces inédites en réalité virtuelle ainsi que des impressions 3D sur lesquelles elle intervient manuellement. Au fil de ses pièces, Eva L’Hoest propose une analyse de la morbidité contenue au coeur du virtuel lorsqu’il est débarrassé de ses oripeaux et de son pouvoir strictement illusionniste. Ce qui en résulte, c’est une plongée fascinante dans une matière visuelle qui provient du travail conjoint de la main et de la machine. Performeuse d’une nouvelle ère, lartiste s’attache sans complexe à la beauté et au vertige des limites de l’analyse électronique.

Marcellvs l.
Catalogue : 20070434 | Art vidéo | | couleur | 6:56 | Brésil | 2006
Marcellvs l.
0434
Art vidéo | | couleur | 6:56 | Brésil | 2006

0434 focuses on two boats anchored at sea which slowly move in uncanny synchrony, composing a casual choreography that suggests a dialog or a strange courtship ritual. The video is a one piece of the on going series VideoRhizome.

The video and sound artist Marcellvs L. was born 1980 in Belo Horizonte (Brazil), he lives and works in Berlin. His particular and radical production that gets into dialogue with the electronic arts? universe attracts attention by the intensity with which it associates philosophical concepts to the electronic images and sounds. His work places itself in a zone of undiscernibility, which turns it inapprehensible by this or that audiovisual genre creating its own discursive universe.

Marcellvs l.
Catalogue : 2005man.road.river. | Art vidéo | dv | couleur | 9:27 | Brésil | 2004
Marcellvs l.
man.road.river.
Art vidéo | dv | couleur | 9:27 | Brésil | 2004

Un homme. Une route. Une rivière.


Marcellvs L. a un parcours chargé : une formation universitaire, des leçons de musique depuis qu'il est enfant, et de nombreuses lectures. Encore aujourd'hui, cet artiste consacre quelques heures par jour aux leçons de piano. Ses compositeurs préférés vont de Béla Bartók (1881-1945) et Gyorgy Liget (1923) à Erik Satie (1866-1925) et Claude Debussy (1862-1918). Son intérêt pour la musique ne se restreint pas à l'univers de la musique instrumentale et classique, mais inclut aussi des genres plus populaires comme le rock ou la musique expériementale. Comme lectures, il préfère la littérature et la philosophie, particulièrement Nietzsche et Deleuze. L'intérêt de Marcellvs pour la musique et son rythme de lecture intense provient de son parcours initial. Par la suite, il inclura cinéma et vidéo. Ce double intérêt pour la musique et l'image, ainsi qu'une amitié de longue date avec les membres du pexbaA band, ont de plus en plus rapproché Marcellvs de la production d'images. Ainsi, pendant près de quatre ans, de 2000 jusque 2003, l'artiste s'est produit avec le groupe. Dans certains concerts, les membres du groupe étaient dissimulés derrière un écran. Marcellvs s'est produit avec pexbaA au Projeto Rock Contemporâneo (Projet de Rock Contemporain) au SESC Ipiranga, São Paulo (2002), au III Festival Eletrônika Telemig Celular au Palácio das Artes, Belo Horizonte (2002), au SXSW Festival ? South by Southwest, Austin, Texas, USA (2002), et au Projeto Rumos Itaú Cultural ? Cartografia Musical Brasileira (Itaú Cultural Pathways Project ? Brazilian Musical Cartography) au Itaú Cultural, São Paulo (2001), parmi d'autres. Pendant ses années universitaires à la PUC-MG?s Faculdade de Comunicação e Artes (Faculté des Communication et Arts), l'artiste commença à rechercher des vidéorhizomes pour son projet de fin d'année, sous la direction du Professeur André Brasil. Avec ses vidéorhizomes, Marcellvs a participé à de nombreux festivals et expositions tels que ?Brésil, Brésils?, au Videoformes Festival, à Clermont-Ferrand, France (2005); ?Abre Alas?, à la Galeria A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2005); ?Do micro ao macro: novas políticas e imagens? (Du micro au macro: nouvelles politiques et images), présenté lors du 6ème Festival International du Court-Métrage de Belo Horizonte, à Belo Horizonte (2004); Laboratorio Arte Alameda, à Mexico City (2004); ?Uma mágica por minuto? (Une magie par minute), Universidade de Passo Fundo, au Rio Grande do Sul (2004); Laisle.com Video Art Exhibition, Museu de Arte Moderna (Modern Art Museum), à Rio de Janeiro (2004); ?Investigações Contemporâneas? (Enquêtes Contemporaines), exposition au 14ème Videobrasil International Electronic Art Festival), à São Paulo (2003), ?Entre a casa e a metrópole? (Entre la maison et la métropole), au XXVIème Intercom Congress, à Belo Horizonte (2003), parmi d'autres. La thématique Deleuzienne est également présente dans une autre oeuvre attrayante : la vidéo ?Deleuze while a living model? (2003). Dans cette oeuvre, l'image de Deleuze dans un poste de télévision est barbouillée de rouge à lèvres. La vidéo a fait partie du Southern Competitive Show au 14ème Videobrasil International Electronic Art Festival, à São Paulo (2003); à la Muestra de Cortometrajes de Minas Gerais (Exposition de courts-métrages de Minas Gerais), à l'Auditorio de la FUNCEB, Fundación Centro de Estudos Brasileiros (Brazilian Study Center Foundation), à Buenos Aires (2004); au Cine Esquema Novo (New Scheme Cinema), à l'Usina do Gasômetro, à Porto Alegre, (2004); à la 7ème Tiradentes Cinema Exhibition, au Centro Cultural Yves Alves, à Minas Gerais (2004), parmi tant d'autres. La vidéo a également remporté de nombreuses récompenses au Festival do Livre Olhar (FLO ? Free Look Festival), au Santander Cultural, à Porto Alegre (2003), ainsi que le prix de la meilleure vidéo à la 5ème Competitive Exhibition of Images in Motion, à la Casa do Conde de Santa Marinha, à Belo Horizonte (2003). De tous les vidéorhizomes, ?Man.Road.River?, connu aussi sous le titre de ?Rizoma 0778?, est le plus connu, ayant remporté plusieurs récompenses lors de divers festivals et expositions. La vidéo a remporté le Grand Prix du 51ème Oberhausen International Short Film Festival (2005), le prix du Meilleur Film Expérimental à la Mostra do Filme Livre 2005 (Free Film Exhibition), au Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, et le prix dans la catégorie Ousadia e Risco category (Oser et Risquer) au Festival do Livre Olhar (FLO), au Santander Cultural, Porto Alegre (2003). Récemment, l'artiste a également reçu une bourse du Museu de Arte da Pampulha (Musée d'Art de Pampulha), Belo Horizonte, et participera à une exposition durant le second semestre 2005, au Paço das Artes, à São Paulo. (par eduardo de jesus, dossier videobrasil marcellvs l.)

Eva la cour
Catalogue : 2016Composite / De-Composited | Film expérimental | 16mm | couleur | 3:0 | Danemark | Belgique | 2015
Eva la cour
Composite / De-Composited
Film expérimental | 16mm | couleur | 3:0 | Danemark | Belgique | 2015

COMPOSITE / DE-COMPOSITED juxtaposes picturesque visions of authenticity in urban space with narratives of the High Arctic and the 20th century phantasmagoric medium of film. The short 16mm film is shot at a construction site in Brussels characterized by facadisme. In architecture, this is when a building is demolished and rebuilt from within while the exterior of the building is preserved. The film recording is merged with an account of mine extraction in mountain formations on Svalbard, and together the two elements form the story of creating an image: The film subtly addresses the relationship between planetary raw material and the landscape-as-image. Or, the relationship between the façade as raw material and the city as scenery.

Eva la Cour is a Danish visual artist and researcher with a background in fine arts as well as visual anthropology. She works with audio-visual and spatial forms of montage and display, performance and text, always negotiating with the surroundings in which her work actualizes. This reflects her general interest in notions such as fieldwork, skilled vision and mediation, which she particularly has investigated in relation to landscapes of narratives and raw materials in the Arctic terrain on Svalbard. Currently Eva la Cour lives and works in both Copenhagen and Gothenburg, where she is an artistic practice-based PhD candidate at Valand Academy of Art.

la decanatura, elkin calderón guevara & diego piñeros garcía
Catalogue : 2017Pluralia tantum bon bril | Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 4:49 | Colombie | 2017
la decanatura , elkin calderón guevara & diego piñeros garcía
Pluralia tantum bon bril
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 4:49 | Colombie | 2017

SYNOPSIS A Colombian video-contribution between the collective La Decanatura and the queer-artist Federica Burns presents the creation of the universe - the big bang - in a new way: Their work aims to subvert the lopsided vision of the white male sovereignty in the representation of the Creator in order to devise a god of ambiguity. As a hybrid being this god is neither male nor female but genderless, mestizo, playful, and plural has put on make-up and is dancing with a fire produced with a "Bon Bril" (kitchen steel wool sponges ) that is used as a fireworks in popular neighborhoods in Colombia and Brazil. Title: PLURALIA TANTUM BON BRIL Director: LA DECANATURA (Diego Piñeros García & Elkin Calderón) Production: LA DECANATURA (Diego Piñeros García & Elkin Calderón) Camera: Johannes Förster Edition: LA DECANATURA (Diego Piñeros García & Elkin Calderón) Actor: Abner Wagner a.k.a Federica Burns Makeup artist: Martín Ortegón Duration: 5 min Technical details: Recorded in 4K, final Version in Full HD, 1920 x 1080 stereo

LA DECANATURA. Collective formed by artists Elkin Calderón Guevara and Diego Piñeros García that seeks to generate new approaches to art from historical approaches and "foreign" disciplines that inquire hegemonic forms of knowledge and power. LA DECANATURA has been the winner of different awards for the development of artistic projects such as the Residence in Switzerland, Villa Ruffieaux of the Coincidence Program, Pro Helvetia, 2018. Plataforma Bogota Scholarship in art, Science and Technology 2017/18. They have exhibited individually at the Museum of Modern Art in Medellin, Caja Negra (Black Box) 2017. Also they have participated in the Regional Salon for Artists in the Central Zone 2015 and in the National Artists Salon, 2016. Their work "Centro Espacial Satelital de Colombia" has been shown in important festivals, winner of one of the prizes of the Videobrasil Festival 2017 and is part of the Art Collection of the Banco de la República in Colombia.

la ribot
Catalogue : 2015Film noir 001 // 002 // 003 | Vidéo | hdv | couleur et n&b | 28:0 | Espagne | Suisse | 2015
la ribot
Film noir 001 // 002 // 003
Vidéo | hdv | couleur et n&b | 28:0 | Espagne | Suisse | 2015

Dans FILM NOIR 001 (2014), La Ribot fait apparaître les extras de deux péplums, «Spartacus» de Stanley Kubrick et «Le Cid» d’Anthony Mann, tournés dans l’Espagne des années 60. Témoignage des mouvements politiques et sociaux de cette époque, le film construit le fond de l’histoire à travers des corps anonymes. Dans FILM NOIR 002 (2015), la série continue avec les corps de figurants ou travailleurs de plusieurs films, nous laissant ainsi contempler la splendeur de leur jeu. Dans FILM NOIR 003 (2015), l’aspect spatial et chorégraphique nous saute aux yeux. Musicalement organisés, les figurants remplissent l’espace du fond, créant un ballet sensuel et drôle, parfois catastrophique, toujours impeccable.


L’artiste et chorégraphe La Ribot est née à Madrid. En 1986, elle co-fonde le groupe Bocanada Danza et le co-dirige jusqu’à sa dissolution en 1989. Deux ans après, elle commence à travailler sous le nom de La Ribot et elle inaugure le striptease humoristique Socorro! Gloria!, une pièce qui attire un nouveau public et qui lui inspire sa série solo intitulée «13 Pièces distinguées». «Más distinguidas», la seconde série des Pièces distinguées, est inaugurée à Madrid à la fin de l’année 1997. Suivi d’autres série des pièces : «Still Distinguished», 2000 et «PARAdistinguidas», 2011. «Panoramix», la version anthologique de trois heures rassemblant les trente-quatre premières Pièces distinguées, est inaugurée en 2003 à la Tate Modern et a voyagé ensuite dans d’autres institutions européennes, telles la Reina Sofía de Madrid ou le Centre Pompidou à Paris. En 2000, La Ribot amorce son travail vidéo, et expérimente plus particulièrement l’utilisation du plan-séquence, tourné du point de vue du corps impliqué dans une performance. Cette approche a irrigué de nombreuses oeuvres depuis les années 2000, dont l’installation «Despliegue», 2001, et le travail complexe mené avec la pièce «Mariachi 17», 2009. La même année, elle prend comme base «Mariachi 17» afin de mettre en place «Llámame Mariachi», un nouveau travail mêlant vidéo et performance live des trois interprètes. En 2004, La Ribot arrive à Genève, en Suisse. Elle y fonde et co-dirige entre 2004 et 2008 Art/Action, un département destiné à l’enseignement et à la recherche du live art basé à la Haute École d’Art et de Design (HEAD) de Genève. Les années 2000 voient aussi le développement de la pièce participative de grande envergure «40 Espontáneos», 2004 ; lancée en 2006 à l’Art Unlimited de Bâle, la pièce «Laughing Hole» ; et «Gustavia», 2008, un duo conçu et joué avec la danseuse, chorégraphe et directrice du Centre National de la Danse de France, Mathilde Monnier. En 2011, elle lance «PARAdistinguidas», une nouvelle série des Pièces distinguées conçue pour cinq danseuses et vingt figurants volontaires ; en 2012 elle achève «EEEXEEECUUUUTIOOOOONS!!!», une commande chorégraphique majeure du Ballet de Lorraine à Nancy, en France. Le travail vidéo de La Ribot est présenté au sein de collections privées et publiques dans toute l’Europe et elle continue à développer et présenter son travail à l’international. Elle a participé à des expositions au Japon, en Corée du Sud et à Mexico: en 2012, le MUAC (Mexico City’s Contemporary Art University Museum) a inauguré son espace d’exposition de live art en proposant une exposition monographique sur son oeuvre. En 2014, aux côtés du compositeur et pianiste Carles Santons, elle a produit «Beware of Imitations!», une vidéo hommage à la danseuse américaine Loie Fuller. Elle poursuit son travail à l’international depuis sa base située à Genève, en Suisse, où elle vit avec le chorégraphe suisse Gilles Jobin.

la ribot
Catalogue : 2014Film noir 001 | Vidéo | hdv | couleur | 12:48 | Espagne | 2014
la ribot
Film noir 001
Vidéo | hdv | couleur | 12:48 | Espagne | 2014

Commencé en 2014, FILM NOIR est un projet en évolution, en plusieurs parties, qui explore une fascination à long terme de La Ribot: la figure de l'extra, "surnuméraire" ou l'acteur de fond. Les pièces de La Ribot 40 Espontáneos, 2004, et PARAdistinguidas, 2011, par exemple, invitaient des extras (des bénévoles locaux, normalement avec peu ou aucune expérience théâtrale) au centre de la scène dans de nouvelles œuvres d’art vivant pour le théâtre. En revanche, FILM NOIR regarde en arrière dans l'histoire du cinéma et utilise la vidéo pour explorer la dynamique cinématographique du monde des extras. Premier de la série, FILM NOIR 001, 2014, se penche sur les extras dans Spartacus (1960) et El Cid (1961) - "papier de tournesol" humain dont les actions et les attitudes révèlent les idéologies contrastées des deux productions. Actuellement en cours, FILM NOIR 002 et 003 élargissent l'enquête sur d'autres films et d'autres questions.


L’artiste et chorégraphe La Ribot est née à Madrid. En 1986, elle co-fonde le groupe Bocanada Danza et le co-dirige jusqu’à sa dissolution en 1989. Deux ans après, elle commence à travailler sous le nom de La Ribot et elle inaugure le « striptease » humoristique Socorro! Gloria!, une pièce qui attire un nouveau public et qui lui inspire sa série solo intitulée 13 Pièces distinguées. Más distinguidas, la seconde série des Pièces distinguées, est inaugurée à Madrid à la fin de l’année 1997. Suivi d’autres série des pièces : Still Distinguished, 2000 et PARAdistinguidas, 2011.   Panoramix, la version anthologique de trois heures rassemblant les trente-quatre premières Pièces distinguées, est inaugurée en 2003 à la Tate Modern et a voyagé ensuite dans d’autres galeries européennes, telles la Reina Sofía de Madrid ou le Centre Georges Pompidou à Paris. En 2000, La Ribot amorce son travail vidéo, et expérimente plus particulièrement l’utilisation du plan-séquence, tourné du point de vue du corps impliqué dans une performance. Cette approche a irrigué de nombreuses œuvres depuis les années 2000, dont l’installation Despliegue, 2001, et le travail complexe mené avec la pièce Mariachi 17, 2009. La même année, elle prend comme base Mariachi 17 afin de mettre en place Llámame Mariachi, un nouveau travail mêlant vidéo et performance live des trois interprètes. En 2004, La Ribot arrive à Genève, en Suisse. Elle y fonde et co-dirige entre 2004 et 2008 Art/Action, un département destiné à l’enseignement et à la recherche du live art basé à la Haute École d’Art et de Design (HEAD) de Genève. Les années 2000 voient aussi le développement de la pièce participative de grande envergure 40 Espontáneos, 2004 ; lancée en 2006 à l’Art Unlimited de Bâle, la pièce Laughing Hole ; et Gustavia, 2008, un duo conçu et joué avec la danseuse, chorégraphe et directrice du Centre National de la Danse de France, Mathilde Monnier. En 2011, elle lance PARAdistinguidas, une nouvelle série des Pièces distinguées conçue pour cinq danseuses et vingt « figurants » volontaires ; en 2012 elle achève EEEXEEECUUUUTIOOOOONS!!!, une commande chorégraphique majeure du Ballet de Lorraine à Nancy, en France. Également en 2012, le MUAC (Mexico City’s Contemporary Art University Museum), a inauguré son espace d’exposition de live art en proposant une exposition monographique sur son œuvre. Le travail vidéo de La Ribot est présenté au sein de collections privées et publiques dans toute l’Europe et elle continue à développer et présenter son travail à l’internationale. Elle a participé à des exhibitions au Japon, Seoul, Korée du Sud et Mexico: en 2012, le MUAC (Mexico City’s Contemporary Art University Museum), a inauguré son espace d’exposition de live art en proposant une exposition monographique sur son œuvre. En 2014, aux côtés du compositeur et pianiste Carles Santons, elle a produit Beware of Imitations!, un vidéo hommage à la danseuse américaine Loie Fuller. Elle poursuit son travail à l’international depuis sa base située à Genève, en Suisse, où elle vit avec le chorégraphe suisse Gilles Jobin.

André S. labarthe
Catalogue : 2005Georges Bataille, à perte de vue | Doc. expérimental | betaSP | couleur et n&b | 49:0 | France | 1997
André S. labarthe
Georges Bataille, à perte de vue
Doc. expérimental | betaSP | couleur et n&b | 49:0 | France | 1997

Un « voyageur » enquête sur la vie et l??uvre de Georges Bataille : le portrait qu?André S. Labarthe livre de l?écrivain se distingue autant de la biographie filmée que du commentaire érudit. Il se présente comme un inventaire où expériences et moments fondateurs de l?existence côtoient éclats et fulgurances de l??uvre. Le montage articule des séquences tournées aujourd?hui sur les quelques principaux lieux de l?itinéraire de Georges Bataille (Reims, Le Puy de Dôme, Vézelay, Orléans, Paris), des plans parcourant ses manuscrits, ses ouvrages édités et des revues créées à son initiative (Documents, Acéphale, Critique), et des images mettant en scène des motifs obsessionnels ou des « visions » de son univers. Le commentaire d?André S. Labarthe, dit par Jean-Claude Dauphin, alterne avec des lectures et quelques enregistrements sonores de la voix de Georges Bataille. Pierre Klossowski et Jacques Pimpaneau interviennent également dans ce film. Sélective et partiale, l?enquête d?André S. Labarthe extrait quelques clefs propres à saisir le noyau sensible d?une pensée radicale.


Né le 18 décembre 1931 à Oloron Sainte-Marie (Pyrénées-Atlantiques) Après des études universitaires en philosophie,il intègre la revue des Cahiers du cinéma courant des années 50. Il passe à la réalisation et à la production quand il démarre avec Jeanine Bazin la série Cinéastes de notre temps de 1964 à 1970. Parallèlement, il collabore à l`émission Cinéma Cinémas de 1982 à 1987 ainsi qu`à de nombreux magazines télé consacrés à la danse, la peinture, au théâtre et dernièrement à la littérature, avec la collection Un siècle d`écrivains. La Société des gens de lettres lui a décerné en 1984 le Grand Prix de la télévision pour l`ensemble de son oeuvre. En 1990, il remet en chantier sa collection de portraits de cinéastes renommée Cinéma, de notre temps. Il est également auteur de quelques ouvrages sur le cinéma et la peinture

Catalogue : 2005Ushio amagatsu, éléments de doctrine | Doc. expérimental | betaSP | couleur | 73:0 | France | 1993
André S. labarthe
Ushio amagatsu, éléments de doctrine
Doc. expérimental | betaSP | couleur | 73:0 | France | 1993

Au Japon, le blanc est la couleur du deuil. Les danseurs de butô s`enduisent le corps de poudre blanche et la poétisation de l`espace qui caractérise les pièces de la compagnie Sankai Juku est comme un cadavre exquis, au sens littéral du terme. Pour Amagatsu, fondateur de la compagnie, la danse butô est à la fois vie et mort.


Né le 18 décembre 1931 à Oloron-Sainte-Marie, André S. Labarthe est un critique cinématographique, producteur, réalisateur et scénariste français. Après des études universitaires en philosophie,il intègre la revue des Cahiers du cinéma courant des années 50. Il passe à la réalisation et à la production quand il démarre avec Jeanine Bazin la série Cinéastes de notre temps de 1964 à 1970. Parallèlement, il collabore à l`émission Cinéma Cinémas de 1982 à 1987 ainsi qu`à de nombreux magazines télé consacrés à la danse, la peinture, au théâtre et dernièrement à la littérature, avec la collection Un siècle d`écrivains. La Société des gens de lettres lui a décerné en 1984 le Grand Prix de la télévision pour l`ensemble de son oeuvre. En 1990, il remet en chantier sa collection de portraits de cinéastes renommée Cinéma, de notre temps. Il est également auteur de quelques ouvrages sur le cinéma et la peinture.