In states of endless slumber, people endure the stifling dark. Powerful forces of nature rage relentlessly, sometimes soothing and sometimes menacing. The roar of the factory thunders on without halt, steadily eroding the surrounding landscape. Sluggish shapes seemingly abide the desolate waste around them. These Mountains, these waves and our people, carry the darkness, lies and slowness within. For he who can`t take no more only laughter can bring salvation.

Bieke Depoorter was born in 1986 in Kortrijk, Belgium. She received a Master’s Degree in Photography at the Royal Academy of Fine Arts in Ghent in 2009. Her early colour photography work is the result of a unique approach: she captures the privacy of people whom she meets by chance and she gets to invite her into their homes. She captures indescribable, fragile and intense moments, always with kindness. Depoorter finalized her first short film Dvalemodus in 2017, which she directed together with musician Mattias De Craene. The film talks about the everlasting darkness in a small village in the Northern Norway. When she was just 25 years old, she joined the Magnum agency, of which she became a nominee in 2012 and a full member in 2016. In 2017 she won the Prix Levallois. Mattias De Craene was born 1989 in Belgium. He is a saxophone player and composer. His musical language is often described as unique and genre-defying. He is often linked with the free improvisational scene, and is also a founding member of several bands, such as Nordmann. In an everlasting quest of making abstract things more specific, he has recently started to combine music with visual arts.

Landscape is a question of distance. Patterns and formations become recognizable from a distance revealing the landscape as a fabrication, a result of natural and historical movements. Fishing is not done on Tuesdays takes variously distanced, moving and focused looks at a location on the coast of Ghana. The first building block of a grid that threads its way through the entire film is indicated by a rotating bird´s eye view of a densely woven canopy of trees intersected by an uneven wall. The vertigo of this circular motion shifts into a gradual glide along untreated cement pylons. Their verticality intersects with the horizon line visible in the distance, to be ruptured only by the turbulence of approaching waves. Constructed lines produce visual axes and visual slits, dividing and lending rhythm to an apparently wild growth of abundant vegetation. These lines and grids do not divide the interior and exterior but rather create openings and passageways. Over and over again views are seen that refute these clear geometries, vibrating and unstable, brought near by binoculars but at the same time strangely far removed. Fisherman on their boats, at prayer before the workday begins; two boys with toy guns in search of an invisible adversary. Smoke condenses; silhouettes become blurred. Are these everyday scenes or the distant echoes of disturbing memories? There is no fishing on Tuesdays. Loudspeaker systems are the domain of Christian agitators on Sundays. The everyday rhythms of this place are overlaid with the drumming of rotors, the swelling and waning of music and the ocean. Their intersection is marked by this house on stilts, this perch from which an interior grid merges with the exterior as landscape. (Katrin Mundt)

Born in the Steiermark region of Austria in 1983, he studied geography and environmental system sciences in Graz until 2004. He then switched to audiovisual design at the University of Art and Design Linz. From 2007 to 2008 he studied art and multimedia at the Faculdade de Belas-Artes in Lisbon, Portugal. In 2009 he took up a postgraduate degree at the Academy of Media Arts Cologne and a masters at the Academy of Fine Arts (HGB) in Leipzig. Following the short film Fishing is not done on Tuesdays, co-directed with Marcel Odenbach, this marks the second outing for their collaborative work in competition in the Berlinale Shorts. He lives and works in Cologne and Vienna.

El Brujo, qui signifie “ le sorcier “ en espagnol est aussi le nom d’un site archéologique mochica. C’est sur cette plage de la côte péruvienne que l’artiste a tourné une partie de son film : le guérisseur José Levis Picón y rejoue la séquence finale du film de François Truffaut Les Quatre Cent Coups (1959) où le jeune héros Antoine Doinel, interprété par Jean-Pierre Léaud, s’enfuit vers le rivage. Le célèbre acteur français prend lui aussi part à l’oeuvre de Louidgi Beltrame, filmé à la dérive dans les rues de Paris. A travers ces transpositions, l’artiste orchestre une série de déplacements, une migration des personnages, des motifs et des époques : “Antoine Doinel est déplacé dans l’espace et dans le temps, mais aussi dans le langage. En Aymara, langue indienne vernaculaire, le passé se situe devant le locuteur et le futur derrièrere lui. “ Aux lignes géométriques du paysage péruvien fait de pyramides et d’excavations répond la structure du montage filmique composée de travellings et de plans panoramiques sur la musique modulaire et synthétique du morceau Triangle (1979) de Jacno.

Louidgi Beltrame est né en 1971 à Marseille. Il vit et travaille actuellement à Paris. Il a étudié à l’école supérieure d’art et de design à Marseille, au Fresnoy-Studio National des Arts Contemporains et à la Villa Arson de Nice. Dans son travail salué par le prix SAM en 2014, Louidgi Beltrame examine les processus de constitution d’archives et de documentation de l’organisation humaine à travers le 20ème siècle, en utilisant la fiction comme une possible façon d’appréhender l’histoire. Le travail de Louidgi Beltrame se développe autour d’une déconstruction des structures formelles et narratives du cinéma, envisagé comme médium avec sa syntaxe spécifique mais aussi comme force politique qui a influencé le développement du siècle dernier et d’une documentation de l’architecture moderniste et de ses vestiges. Il filme ainsi dans des endroits définis par leur relation paradigmatique à la modernité : Hiroshima, Rio de Janeiro, Brasilia, Chandigarh, Tchernobyl, ou Gunkanjima, île abandonnée au large de Nagasaki, vestige d’une ancienne cité charbonnière. Son travail, récemment exposé au Palais de Tokyo (2016), a été montré au Centre d’art Contemporain de Chelles (2010), au Musée d’art Moderne et Contemporain de Strasbourg (2008), au Pinchuk Art Center de Kiev (2007), à l’Atelier du jeu de Paume (Paris, 2006), au Musée d’art contemporain du Val-de-Marne, (France, 2005), au Centre Georges Pompidou, (Paris, 2005).

In 'DIT LEARN' the viewer is enticed into an abstract, pre-verbal condition from which to rediscover the learning of language, words and their associated meanings. With a fast-paced procession of objects and images, an accompanying aural and written narrative directly implicates the viewer.

Née à Croix en 1978, la vidéaste française part à Londres pour étudier au Central Saint Martins college of Art and Design, puis au Goldsmiths College où elle obtient un MFA et s’établit dans la capitale britannique. Elle devient l’assistante de l’artiste conceptuel John Latham, qui a lui-même enseigné à la Saint Martins jusqu’en 1966. Gagnante du Turner Prize (2013), Laure Prouvost est connue pour ses films et installations multimédias luxuriants et envoûtants. Intéressée par la confusion entre les récits linéaires et les associations attendues entre les mots, les images et les significations, elle a pu dire que dans ses œuvres «fiction et réalité étaient réellement enchevêtrés». A la fois séduisants et discordants, ses films sont constitués d’un riche et presque tangible assortiment d’images, de sons, de phrases lues et écrites, qui apparaissent et disparaissent dans une succession de plans rapides. Ces plans sont souvent nichés au coeur d’installations où prolifèrent un ensemble vertigineux d’objets trouvés, de sculptures, de peintures, de dessins, de meubles, de signes et d’assemblages architecturaux, construits sur les thèmes et l’imaginaire de ses films. Prouvost n’autorise pas de contemplation passive. A travers son travail, elle s’adresse souvent directement aux spectateurs, les précipitant dans ses visions imaginaires et indisciplinées. Elle expose en 2011 à la Tate Britain puis en 2012 à la Whitechapel Gallery de Londres ainsi qu’au Festival Paris Images de Toronto. En 2013, son œuvre est présente à la Biennale d’art contemporain de Lyon et à l’Institute of Contemporary Art de Londres. En 2014 elle met en place une performance au Grand Palais à l’occasion de la FIAC. Son œuvre sera aussi présentée aux Etats-Unis au Danspace de New York ainsi qu’au Laboratorio Arte Alameda de Mexico City la même année. En 2016, son œuvre fait l’objet d’expositions au Kunstmuseum Luzern en Suisse, au MMK Frankfurt en Allemagne, au Red Brick Art Museum à Beijing. En 2009 elle remporte l’EAST International Award. Elle gagne deux années de suite l’Oberhausen Short Film Festival. En 2011, elle remporte le Max Mara Art Prize for Women, grâce auquel elle effectue une résidence à la British School à Rome et à la fondation Pistoletto de Biella. En 2013, c’est le Turner Prize qu’elle remporte pour son film Wantee.

Un point de départ : dans le Haut Mustang, une très vieille histoire se raconte dans le village de Ghemi. Malgré le courage et les combats des villageois, toutes les nuits, la démone Balmo et ses esprits détruisent les habitations du village. Épuisés, ils décident de demander l’aide d’un moine, le guru Rimpoche qui méditait dans la vallée. Rimpoche sort alors de sa méditation et accepte de combattre la démone. Durant sept nuits le combat fut monstrueux. Mais Rimpoche remporta la bataille. Aujourd’hui dans le pays népalais, la lutte contre les esprits qui détruisent sans cesse le pays continue. Malgré une révolution maoïste qui a abouti à la démocratie, à l’abolition de la monarchie, à l’écriture d’une nouvelle constitution, à l’égalité homme femme… le pays est toujours victime des esprits destructeurs et le peuple népalais continue sans cesse la lutte. Ce film tisse trois espaces narratifs : un chanteur népalais de musique traditionnelle qui improvise sur le thème des esprits destructeurs ; des traces d’une lutte, d’une révolution. Seuls des fragments, des images saccadées presque détruites résistent ; des ouvriers fabriquent des briques pour la construction des habitations dans la vallée de Katmandou.

Christian Barani est né en 1959, vit à Paris. Il termine ses études par une maîtrise de sciences économiques à la Faculté de Nice. Il construit une pratique qui associe le champ du documentaire à celui des Arts Visuels. Sa recherche se fonde sur un dispositif performatif qui engage un corps/caméra marchant dans l’espace. Il définit une règle du jeu qui compose avec le hasard et l’improvisation et génère des images sans à priori. Pas de scénario préalable. Durant le temps de la marche, tout se joue dans l’instant de la rencontre. Jamais une séquence n’est tournée deux fois. Ce qui est advenu et advenu. De cette expérience nait une œuvre protéiforme composée de films en salle, de films déployés dans l’espace d’exposition, d’installations vidéos, de projections performances et de photographies. Sur une période de 10 ans, il filme au Kazakhstan avec G. Reynard l’apparition de la post modernité et les transformations sociales de ce pays d’Ex Union Soviétique, il filme au Népal, en Namibie, en Éthiopie, à Chypre, à Dubaï, au Liban, en Géorgie... Il réalise en parallèle de nombreuses œuvres de commandes pour des musées comme la Maison Arthur Rimbaud à Charleville Mézières, l’Institut Royal des Sciences Naturelles de Bruxelles, le Centre de Culture Scientifiques de Rennes, Agora : Biennale d’Architecture de Bordeaux, le Mons Mémorial Museum en Belgique, Le Musée des Confluences à Lyon, La Cité de l’architecture et du patrimoine de Paris… De 1990 à 2006, à l’École Nationale Supérieure de Création Industrielle, il fonde et dirige le département Images en Mouvement, la cellule d’Expérimentation Image et Son- Xis- avec Jeff Guess et Extensions - dynamiques d’écritures avec frédéric dumond. De 2000 à 2010, il crée avec Véronique Barani et Sabine Massenet une structure de diffusion de films et vidéos d’artistes "estceunebonnenouvelle" qui va regrouper plus d’une centaine de réalisateurs et artistes internationaux. Cette collection comprend plus de 500 films.

Laboratory of Dilemmas is a narrative video installation based on Aeschylus’ theatre play Iketides (Suppliant Women), which poses a dilemma between saving the Foreigner and maintaining the safety of the Native. Addressing current global sociopolitical issues, the work deals with the anguish, puzzlement, and confusion of individuals and social groups when called upon to address similar dilemmas. Aeschylus’ Iketides (Suppliant Women) is the first literary text in history that raises the issue of a persecuted group of people seeking for asylum. The Suppliants have left Egypt to avoid having to marry their first cousins and arrive at Argos seeking asylum from the King of the city. The King is then faced with a dilemma. If he helps the foreign women, he risks causing turmoil among his people and going to war with the Egyptians, who are after the Suppliants. But if he doesn’t help them, he will break the sacred laws of Hospitality and violate the principles of Law and Humanism, leaving the Suppliants to the mercy of their pursuers. Laboratory of Dilemmas focuses on the play’s dilemma through the excerpts of an unfinished documentary in the form of found footage about a scientific experiment. This experiment was never completed for unknown reasons, however the found excerpts of the unfinished documentary reveal today, after so many years, details of the experiment, as well as the hopes of the professor who envisioned it and the disagreements with his co-researchers.

George Drivas a étudié les sciences politiques et l’administration publique à l’Université Kapodistrian d’Athènes, avant de poursuivre sa formation avec un master en film et médias à l’université libre de Berlin. Il réside actuellement à Athènes. L’artiste réalise des vidéos combinant textes, vidéos et photographies. Il fait de la photographie un outil de surveillance, semblant toujours se cacher de ses sujets. A travers les thèmes qu’il aborde - l’aliénation, l’inclusion sociale, la promesse, ou la déception – il cherche à faire émerger les relations interpersonnelles d’une société sous surveillance. Il a été récompensé par de nombreux prix, dont celui du meilleur film expérimental au festival du film grec de Londres (2010), et une mention spéciale au festival de films et vidéos expérimentaux du Musée d’art contemporain de Macédoine (Grèce, 2009). Il a également obtenu un second prix au VIIème Media Art Forum, au XXVIIème festival international du film de Moscou en 2006, ainsi qu’au Zebra International Poetry Film Festival de Berlin (2002). Exposé notamment à « Antidoron – The EMST Collection » à Kassel en Allemagne (2017), son travail a été présenté par de nombreuses institutions, en Grèce (Musée national d’art contemporain d’Athènes en 2013 et 2009, Festival international du film d’Athènes en 2014, Biennale d’art contemporain de Thessalonique en 2013) ; au Festival du nouveau cinéma de Montréal (2015), à la Transmediale (Berlin, 2014) ; au Hong-Gah Museum de Taiwan (2012) ; au festival international Electronic Language FIESP au Cultural Center de Sao Paulo (2012), ou encore au Centre d’Art Contemporain de Seattle (2012).

The video shows two policemen wearing Spanish anti-riot uniforms, dancing a tango version of the famous Eurhythmics 80´s song in the luxurious and extremely decorated ballroom space of the XIX century palace Museum Cerralbo in Madrid. The fantastic lyric of the song “ Sweet dreams are made of this ” is the central motor of the piece. The tango version cove song has been arranged by the bandoneon player Fernando Girdini and recorded exclusively for the video. In its origins, tango was mainly a dance between two men. Tango was the result of the cultural mix of locals with African, Italian and Hispanic immigrants. It was originally forbidden by the church and rejected by high society, which resulted in its development in poor suburbs and working-class slums. The video reflects about the last years crisis, 15M movement, the violent riots, Cataluña independency, brutality of Spanish police and military forces and the recent antidemocratic Spanish law ” Ley Mordaza ” (the Gag Rule), becoming illegal and punished to take photos or videos of police forces or use of the police uniforms without the Government’s permission. Desire, power, decadence and frustration: they shoot horses, don´t they?

Carlos Aires was born in Ronda, Spain in 1974. He obtained a bachelor in Fine Arts at the University of Granada in Spain. Upon graduating in 1997, he moved to the Netherlands and completed his postgraduate studies at Fontys Academy (Tilburg, Netherlands), HISK (Antwerp, Belgium) and Ohio State University (Ohio, USA). He was honored with prestigious grants and awards, including: OMI Residency (USA), Edith Fergus Gilmore Award (USA), Generation2008 Caja Madrid (Spain), Young Belgian Art Prize (Belgium), 1st Award Young Andalusian Artists (Spain), Fulbright (USA) and De Pont Atelier (the Netherlands). He has participated in numerous exhibitions in national and international institutions, such as: CAC (Malaga, Spain), MACBA (Barcelona, Spain), Boulder Museum of Contemporary Art (USA), Imperial Belvedere Palace (Vienna, Austria), MUSAC (Leon, Spain), BB6 Bucharest International Biennale (Bucharest, Romania), B.P.S. 22 (Charleroi, Belgium), 5th Thessaloniki Biennale (Thessaloniki , Greece), Museo de Arte Carrillo Gil (Mexico City, Mexico), Canada Contemporary Art Museum (Montreal, Canada). His work can be found within significant public collections: ARTIUM (Spain), MACBA (Spain), Fondation Francès (France), ARTER (Turkey), CAC (Spain), Maison Particulière (Belgium), Ministry of Culture of Spain, Progress Art (Saudi Arabia), National Belgium Bank (Belgium), 21c Museum (USA), MAK (Austria) among others.

The Shift Symm collection is a series of brutal, abstract audiovisual constructions. Raw, exposed electronic textures collide in oscillating patterns of drift. Van den Broek’s sculptural sonic architecture plays on rigorous shifts of compositional symmetry – with results that are both hypnotic and evocative. Shifting is a key principle in the work. Visual and sonic elements – beats, lines and blocks – perpetually breach the symmetry of their arrangements, switch to new paths and start new trajectories. In chains of transformations, order gives way to controlled entropy. Shift Symm is presented as a video triptych, a live a/v performance and a digital album

Zeno van den Broek is a Dutch-born, Copenhagen-based composer and artist. Van den Broek works in a multi-sensory way to research and express physical, social and acoustic notions. He utilizes immaterial, digital and temporal means to create site and concept specific works. This trans-disciplinary method has a strong conceptual foundation, originating from Zeno his background in architecture, which enables him to comprehend and reveal the richness and complexity of spatial, visceral and physical perception. Zeno van den Broek has been commissioned work by various esteemed institutes and festivals such as the Gaudeamus Foundation, SPOR Festival and the Old Church of Amsterdam. He has presented work at venues and festivals such as International Film Festival Rotterdam, Fiber at CTM Vorspiel, Click Festival and Gaudeamus Festival. His work has been presented by among others: LIMA, VPRO Vrije Geluiden, Sedition and TheBillboardCollective – Los Angeles.