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Christophe hermans
Catalogue : 2010Etrangère | Documentaire | | couleur | 13:0 | Belgique | 2010
Christophe hermans
Etrangère
Documentaire | | couleur | 13:0 | Belgique | 2010

Sophie est seule. Elle partage sa vie entre des petits boulots et son déménagement. Pour combler ce vide, Sophie sculpte son corps.


Jaiziel hernandez
Catalogue : 2012Florería y Edecanes | Doc. expérimental | hdv | couleur | 43:0 | Mexique | 2011
Jaiziel hernandez
Florería y Edecanes
Doc. expérimental | hdv | couleur | 43:0 | Mexique | 2011

Where is the end of Mexico and beginning of the United States? By means of a contemplative and experimental approach this documentary pose the present panorama and everyday life in northeast Mexico and south of Texas. A pursuit to find an own identity, through atmospheres and ambient states in a region whe a river divides the third and first world of a whole continent.

Jaiziel Hernández Máynez was born march 9, 1987 in Saltillo, Coahuila in a family of industrial workers. At age of 18, he entered the Centro de Capacitación Cinematográfica in Mexico city, where he studied the cinematography bachelor. He has made the cinematography of short films like Felipe (2009) winner of Garcia Bross/Studio 5 de Mayo special prize in the Morelia int Film Festival 2009. Currently he is developing a documentary project about the affected people of the drug war that is happening right now in Mexico.

Ibai hernandorena
Catalogue : 2016Principe d'inertie | Vidéo | hdv | couleur | 23:0 | France | 2016
Ibai hernandorena
Principe d'inertie
Vidéo | hdv | couleur | 23:0 | France | 2016

Principe d`inertie soulève la question de l`objet mobile et de sa trajectoire. Ce film-essai met en parallèle notre perception du mouvement par rapport à l’espace et au temps, et la recherche de l’accélération absolue d’un père et sa fille lors d’une course de moto dragster.


Ibai Hernandorena (b.1975, St Jean de Luz), est un artiste plasticien diplomé de l’école nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy en 2000. Il vit et travaille à Paris. Sa pratique est multi-disciplinaire, se centrant principalement sur l’installation, la sculpture, la vidéo et la photographie. Qu’il s’agisse de voyage, de rêverie ou de construction, Hernandorena questionne la nature des espaces. Faisant cohabiter plusieurs temporalités parfois incompatibles dans le réel, il leur conférant ainsi un caractère illusoire. Ibai Hernandorena a exposé au MAK Center, Los Angeles; Palais de Tokyo, Paris; APAP2010 festival, Anyang, Corée du Sud; Galerie Laurence Bernard, Genève; Villa Arson, Nice; Retina video art festival, Rome; Galerie Sintitulo et Frac PACA, Marseille; Nuit Blanche, Paris. Il a également été lauréat de commandes publiques à Paris-St Denis, Grenoble, Avignon, Marseille. Il est actuellement en production pour une commande des Nouveaux Commanditaires de la Fondation de France.

Catalogue : 2017Terramar | Installation vidéo | mov | couleur | 0:0 | France | Espagne | 2017
Ibai hernandorena
Terramar
Installation vidéo | mov | couleur | 0:0 | France | Espagne | 2017

L’autodrome de Terramar, est un circuit abandonné de type ovale ouvert en 1923. Situé dans la ville de Sitges dans la province de Barcelone. Il reste inutilisé depuis les années 50. Le circuit a une longueur d’environ 2 km et sa piste est remarquable de par ses rampes à 90 degrés. Déambuler dans un monument de la modernité qui appartient au passé est en quelque sorte un paradoxe temporel. C’est une faille dans laquelle le projet Terramar se développe et trouve son étrangeté. Ce portrait du lieu est une tentative de représentation de l’espace et de son épuisement grâce à un relevé poétique, filmique, sonore et sculptural de son architecture.


Après deux ans en résidence, dans le cadre d’un programme de recherche, à la Villa Arson à Nice, Ibai Hernandorena vit et travaille à Paris aujourd’hui. En 2000, il a obtenu son DNSEP à l’école nationale d’arts de Paris-Cergy. Le déplacement est un mécanisme qui consiste à passer d’un point A à un point B, d’un état à un autre. Qu’il s’agisse de voyage, de rêverie ou de construction, le mouvement est en jeu. Il s’amorce dans un désir de changement provoquant une nouvelle situation. Convoquant différents médiums (vidéo, installation, photographie, sculpture), Ibai Hernandorena modifie sensiblement la nature des choses et des espaces, leur conférant un caractère illusoire. On ne sait plus s’il s’agit de réalités montrées comme des fictions, des fictions empruntes de réalités ou encore de situations totalement chimériques. Il crée de facto des espaces autres où cohabitent plusieurs temporalités parfois incompatibles dans le réel.

Rodrigo hernÁndez
Catalogue : 2007Water | Art vidéo | | couleur | 1:8 | Espagne | 2007
Rodrigo hernÁndez
Water
Art vidéo | | couleur | 1:8 | Espagne | 2007

L'eau est une substance chimique commune essentielle à toute forme de vie. L'eau est considérée comme purificatrice dans la plupart des religions. Le philosophe grec Empedocles affirmait que l'eau est l'un des quatre éléments de base avec le feu, la terre et l'air. L'eau était considérée comme le Ylem, c'est-à-dire la substance fondamentale de l'univers. Dans la philisophie traditionnelle chinoise également, l'eau est un des cinq éléments fondamentaux, avec la terre, le feu, le bois et le métal. L'eau joue un rôle important dans la littérature, comme symbole de purification et de changement permanent. Cette installation vidéo utilise un vaporisateur-humidificateur d'eau chaude, crée des images d'eau et le bruit de la pluie, communs à tous. L'oeuvre est un sorte de rituel, qui cherche à modifier la façon dont nous appréhendons un espace particulier, à le transformer en espace familier et confortable, bon pour l'âme et le corps, commun à tous.


Rodrigo Hernández est un artiste espagnol qui travaille la photographie et l'art vidéo. Il a étudié l'art et les média en Espagne et en République Tchèque. Il a exposé son oeuvre à travers l'Europe (Espagne, Andorre, France, République Tchèque). Il travaille également à la télévision espagnole (RTVE) et comme critique de cinéma. Actuellement, il développe un projet en Espagne, appelé "Gira Peonza Project", traitant de l'ontologie de l'image numérique.

Christophe herreros
Catalogue : 2012Orange Pattern | Vidéo | hdv | couleur | 6:21 | France | 2011
Christophe herreros
Orange Pattern
Vidéo | hdv | couleur | 6:21 | France | 2011

Dans la trilogie Orange Pattern, la caméra explore l?espace, comme elle parcourrait la scène d?un crime. Latéralement, verticalement, profondément, elle se meut dans trois décors successifs et finit par s?immobiliser sur un détail, digne descendant du MacGuffin hitchcockien. Clément Dirié


Christophe Herreros est né le 11 Mai 1981 à Carcassonne, Diplômé de l`Ecole Nationale Supèrieure des Beaux-arts de Paris avec les félicitations du Jury à l`unanimité en 2009 après un passage au California Institute of the Arts. Il l`expose l`année d`après à la galerie Air de Paris dans l`exposition DREAMLANDZ avec Carsten Holler et Bruno Serralongue. Puis, dans l`exposition Yet to be Title avec Neil Beloufa et Jonathan Binet à la Galerie Gaudel de Stampa. On retrouve également son travail dans différents salons dont le Salon de Montrouge et Jeune Création à l`espace 104 à Paris dont il est le lauréat 2010. En 2012, il propose une installation à la galerie de multiples à Paris "Five Red Herrings" dans laquelle il propose un interprétation spatiale de sa vidéo polar "Orange Pattern". La même année il a présenté au Fresnoy Studio National des Arts Contemporains dont il sort diplômé avec les félicitations du jury à l`unanimité une installation vidéo "Le Dragon d`Or" dans laquelle un film en image de synthèse 3D réalisé en 24h à Taiwan par NMA fait face à un diamant en pierre de taille et un mobilier en chêne.

Henri herrÉ
Catalogue : 2013sortir par les yeux | Doc. expérimental | hdv | couleur | 15:0 | France | 2013
Henri herrÉ
sortir par les yeux
Doc. expérimental | hdv | couleur | 15:0 | France | 2013

Sortir par les yeux » 15mn, extrait du 1er tournage d?avril 2013, est l?étape liminaire d?une documentation sur comment, où, avec quelle méthode, dans quelles conditions travaille Georges Didi-Huberman. Pour élaborer ses productions, il s?assied à la table de couturière qui lui sert de bureau. Il y étale ses éléments écrits et iconographiques : « je les tourne, je les retourne, je les reproduis, les annote, les classe, les cadre et les décadre, les monte et les démonte, façon de les « secouer ». Avec les gestes de l?artisan qu?il revendique être, son travail intellectuel se déroule concrètement sur cette table. D?où le titre LA TABLE DES MATIERES, projet qui se poursuivra sur plusieurs années. En 2013 il propose 7 heures de films de 15mn à 2h 45mn.


Georges Didi-Huberman est anthropologue des images. Il étudie l?effet que produisent les images sur l?homme (en tant qu?individu plongé dans sa culture). Si vous vous intéressez à l?histoire de l?art et à la philosophie, vous avez probablement rencontré Georges Didi-Huberman via ses quarante livres traduits en une dizaine de langues, ses expositions dans de grands musées européens, ou ses conférences à travers le monde. Il a renouvelé sa discipline en profondeur, avec le don particulier de parler aux artistes et aux penseurs par cette production protéiforme. Henri Herré est auteur et réalisateur de fictions et de documentaires.

Catalogue : 2014NOUVELLES HISTOIRES DE FANTOMES - GENESE | Documentaire exp. | hdv | Couleur | 45:0 | France | 2013
Henri herrÉ
NOUVELLES HISTOIRES DE FANTOMES - GENESE
Documentaire exp. | hdv | Couleur | 45:0 | France | 2013

NOUVELLES HISTOIRES DE FANTOMES est le 7ème chapitre de LA TABLE DES MATIERES, un projet cinématographique d’Henri Herré avec Georges Didi-Huberman commencé en 2013. La table des matières, c’est le bureau de Georges Didi-Huberman où il étale tous ses documents, photos, fiches, livres et images pour en faire ses montages. Deux fois par ans, il propose à Henri Herré de venir avec sa caméra pour voir où il en est de son travail. En ce début de 2014, Georges Didi-Huberman venait de finir l’élaboration de son exposition au Palais de Tokyo « Nouvelles histoires de fantômes », il en décrit pas à pas la conception.

Dirk herzog
Catalogue : 2005Pelmeni or Bliny | Doc. expérimental | dv | couleur | 22:0 | Allemagne | Russie | 2005
Dirk herzog
Pelmeni or Bliny
Doc. expérimental | dv | couleur | 22:0 | Allemagne | Russie | 2005

La première biennale d' art contemporain s' est déroulée à Venise en 1985, et les manifestations d´art intercontinentales ont connu un essor fantastique au cours de ces 10 dernières années. On peut retrouver ces biennales partout dans le monde, à La Havane, Sao Paulo, Johannesburg, Dakar, Yokohama, Séoul ... il semble qu´elles soient le moyen idéal pour mettre les contextes locaux au service d´une mondialisation de la modernité. Certains disent que les biennales stimulent l´économie néolibérale, parlent de mondialisation de la mondialisation. D´autres les voient comme un événement de compétition artistique, exactement comme les jeux olympiques, et s´attristent sur une perte de subtilité artistique. Les organisateurs aussi bien que les artistes en tirent un gain d´image considérable. Le 28 janvier 2005, Moscou réclame sa place (position convoitée) sur la carte de l'International Art Inc., et ouvre sa première biennale d' art contemporain. "Pelmeni or Bliny" est un documentaire sur cet événement, pose la question des "ingrédients" nécessaires à un tel spectacle et examine l´échelle des décisions dans un telle situation gagnant-gagnant.


Dirk Herzog est né en 1971 à Bad Berzabern. Il vit et travaille à Berlin.

Elias heuninck
Catalogue : 2017Lightkeeping | Doc. expérimental | 4k | noir et blanc | 11:11 | Belgique | 2015
Elias heuninck
Lightkeeping
Doc. expérimental | 4k | noir et blanc | 11:11 | Belgique | 2015

Curious about creating a new image quality, Elias Heuninck made a digital camera. A very simple one. Instead of using a complex sensor to capture the whole image in a fraction of a second, it builds up the image pixel by pixel by making one simple measurement at a time. The camera starts at the top left corner and works its way to the bottom right one, just as you are reading this text. To get the information for each position, the camera shoots a short pulse of laser light towards its subject and waits for the light-echo to return. It is then able to find the distance between itself and the object that reflected the light. The collected measurements do not show anything recognisable yet. The data has to be translated first in order to be visible as a greyscale image. With an exposure time of four days (and up to four weeks), it is not the most practical camera around, but it allows Elias to work directly with the building blocks of the picture itself. The resulting images are digital by nature, yet the visual resemblance with prints from the early days of photography is striking. Whereas the conventional camera is a darkroom that captures light, this camera is more like a lighthouse. Since every point in the image is a distance measurement, the image becomes a map. The video is a slideshow of scenes and letters. The letters are selected from an archive of the correspondence of William Henry Fox Talbot, a pioneer in negative-positive photography.

Elias Heuninck (1986) studied media art at the School of Arts in Ghent. He got interested in the use of a contemporary form of the landscape-image for various experiments. His works do sometimes involve different media, but they always touch on the material of film and the notion of cinema. He gently disorients the audience by changing the perspective in space, on paper, or in a digital data file.

Nicole hewitt
Catalogue : 2005The Waltz. a Mock Ball | Film expérimental | 16mm | couleur | 10:0 | Croatie | 2004
Nicole hewitt
The Waltz. a Mock Ball
Film expérimental | 16mm | couleur | 10:0 | Croatie | 2004

La bande son est composé d'un documentaire audio venant des préparations du Bal Annuel de l?Opéra de Vienne, les images sont des reconstructions avec des acteurs croates et des étudiants de la manifestation que j'ai filmé en attendant les répétitions, les auditions et les préparations pour le Ball. La Croatie espère présenter le Viennq Opera Ball en Février 2005.


Née en 1965 à Londres. Elle a fait son primaire à Zagreb, en Croatie et fut diplômée du Brighton Polytechnique Art College et s'est spécialisée en animation avec modèles au Jiri Trinka Studio of animated film à Prague. Un MA en beaux arts et média à la Slade School of Fine Art en 2000. Elle est en ce moment étudiante en cours de recherche dans la même école et attachée au département d'anthropologie à UCL. Elle a fait de nombreux films courts, animés et expérimentaux depuis 1986, projeté et récompensés dans de nombreux festivals internationaux et expositions. Elle participe dans de nombreuses performances multimédias. Elle enseigne en ce moment le film expérimental et l'animation à la Zagreb Academy of Fine Art. (Filmographie : IN/DIVIDU; IN BETWEEN; PIGS, ETC; GLORIA; BRIDGE;WALTZ)

Catalogue : 2006In time - Episode 1 | Doc. expérimental | dv | couleur | 10:0 | Croatie | 2006
Nicole hewitt
In time - Episode 1
Doc. expérimental | dv | couleur | 10:0 | Croatie | 2006

IN TIME Episode 1 est le premier d'une série d'EPISODES basés sur les écoles et les clubs de danse de salons en Croatie, Bosnie etc. Durant une année ou plus, moi-même et l'équipe de mon film suivons des cours de danses de salon dans le but de faire un film. La relation entre moi, l'équipe de tournage et le club est une relation qui change constamment tandis que nos rôles et notre position au sein de la triade passent de réalisateurs de film à des danseurs débutants. Nous enregistrons tout sur un film vidéo, afin d'utiliser nos propres souvenirs et l'enregistrement vidéo comme des aides mémoires pour sélectionner les moments qui ont réellement eu lieu et les transformer en événements cinématographiques. Cette proposition est ouverte à toute personne qui se trouve dans ou autour du club. A un moment, un participant de la classe de danse est accusé de boire. Cet événement constitue la base d'une exploration visuelle des possibilités offertes par la fiction, le documentaire et le drame.


Née à Londres en 1965. A suivi les cours de l'école primaire de Zagreb, en Croatie. Diplômée de Brighton Polytechnic Art College, spécialisé dans l'animation au Jiri Trnka studio of animated films de Prague. MA in Fine Art Media à la Slade School of Fine Art, 2002. Actuellement élève chercheuse à la Slade rattachée au département d'anthropologie d'UCL. A réalisé de nombreux courts-métrages d'animation et expérimentaux depuis 1986, a présenté ses films et a été récompensée dans de nombreux festivals et expositions internationaux. Participe à différentes performances multimédia et collabore à différents projets. Enseigne le cinéma expérimental et le cinéma d'animation à l'Académie des Beaux-Arts de Zagreb.

Patrick hÉbrard
Catalogue : 2005Tornade vidéo | Art vidéo | dv | couleur | 4:0 | France | 2004
Patrick hÉbrard
Tornade vidéo
Art vidéo | dv | couleur | 4:0 | France | 2004

Tornade Vidéo Vidéo 4 min. 2004 Ce film fait partie d?une installation et est originellement destiné à être projeté sur une grande spirale déployée dans l?espace d?exposition. On y voit un homme qui marche et coure dans des paysages, de jour comme de nuit, comme s?il cherchait à échapper à une catastrophe imminente qui n?est rien d?autre que le tournoiement qui l?emporte comme une tornade.


J`entends me servir de la vidéo pour mettre en avant des données qui relèvent plutôt du champ de la sculpture et plus largement de notre rapport à l`espace. Ces expérimentations filmées sont une façon de rendre compte des forces, des pressions, des mouvements et des vitesses qui agissent sur un corps. Les dispositifs spécifiques utilisés pour le tournage des vidéos (ou pour leur installation sous forme de vidéo-sculptures) permettent de rendre visible la puissance de ces forces et de ces mouvements dont nous sommes la plupart du temps, inconscients. J`ai ouvert successivement trois chantiers qui aujourd`hui coexistent dans un aller-retour entre vidéo et sculpture: - Chantier des sculptures:en dialogue avec le travail vidéo, elles constituent une mise en forme des trajectoires, des mouvements et des déplacements d?un corps ou d?un objet dans l?espace. - Chantier des vidéos dans lesquels un corps se confronte physiquement et de façon absurde à des objets ou des espaces paradoxaux et aberrants. - Chantier des installations où se rejoignent sculpture, espace et vidéo sous forme de vidéos sculptées : les actions vidéoprojetées sont désormais performées en fonction de la forme des écrans-sculptures sur lesquels les vidéos sont projetées.

Daphné hÉrÉtakis
Catalogue : 2012ici rien | Documentaire | 16mm | couleur | 30:0 | Grèce | France | 2011
Daphné hÉrÉtakis
ici rien
Documentaire | 16mm | couleur | 30:0 | Grèce | France | 2011

Un tournage commencé en septembre 2008, à Exarhia, haut-lieu de la contestation athénienne. Entre mes allers-retours Paris-Athènes qui ont continué jusqu`en avril 2011, la situation politique de la Grèce n`a cessé d`évoluer. Le film est devenu la toile sur laquelle les témoignages se sont finalement posés, composant ainsi le paysage morcelé d`un pays en crise.


Née en 1987 à Paris, Daphné Hérétakis a fait des études de réalisation documentaire à l?Université de Paris 8. Elle vit entre Paris et Athènes et réalise des courts métrages documentaires-expérimentaux depuis 2008.

Lily hibberd, hibberd, lily and taylor, curtis
Catalogue : 2013The Phone Booth Project | Doc. expérimental | hdv | | 14:7 | Australie | 2012
Lily hibberd , hibberd, lily and taylor, curtis
The Phone Booth Project
Doc. expérimental | hdv | | 14:7 | Australie | 2012

The Phone Booth Project A collaboration between Lily Hibberd and Curtis Taylor The Phone Booth Project presents the special and quotidian role of phone booths in remote Western Desert communities from the perspective of the Martu people living there. Realised as a theatrical installation, three video screens create an immersion into physical sensation and happenings around the booths. Working collaboratively with Martu communities we have made a video installation that explores the use of phone booths in these remote desert regions. A rare insight into the independence and adaptation of modern telecommunications by Martu people across the vast Western Desert of aboriginal Australia.

understanding significant Australian historical events and sites. Her reflexive and collaborative, projects investigate collective, historical, philosophical and psychological aspects of memory and time. Since 2011, she has been commissioned ten community art projects. Lily has an established international career, exhibiting frequently in solo and curated exhibitions, most recently presenting the Ice Pendulum at the Paris Nuit Blanche. She is currently working with the Musée des arts et Métiers on a solo project for their 2015 exhibition on Measures of Time. She is represented by Galerie de Roussan, Paris. Curtis TAYLOR is an actor, emerging film writer/director and a young Martu leader. He is currently undertaking a Bachelor of Culture, Communications and Media at Murdoch University. Curtis has worked as Community Coordinator and Youth Development Officer at Martu Media (a division of Kanyirninpa Jukurrpa), where he spent 18 months working on `Yiwarra Kuju: The Canning Stock Route` as a filmmaker and youth ambassador. Curtis was the recipient of 2011 Western Australian Youth Art Award and Wesfarmers Youth Scholarship.

Danièle hibon
Catalogue : 2006Musée national du Jeu de Paume | 0 | 0 | | 0:0 | France | 2007
Danièle hibon
Musée national du Jeu de Paume
0 | 0 | | 0:0 | France | 2007

A partir de 1991, la Galerie Nationale du Jeu de Paume devient un lieu d?exposition, un lieu d?apparition de l?art contemporain et de la photographie. Ce n?est qu?en 2004 que la Galerie Nationale du Jeu de Paume fusionnera avec le Centre National de la Photographie et avec le Patrimoine Photographique, résidant à l?Hôtel Sully dans le Marais. Depuis, les sites de la Galerie sont exclusivement dédiés à la photographie contemporaine, à la vidéo et au cinéma. Elle accueille les artistes du monde entier, privilégiant ainsi une approche synchronique des moments de l?histoire de l?art au travers, notamment, de la photographie et de ses émois, depuis sa création jusqu?à ses transformations contemporaines. L?image en tant qu?expression artistique s?y meut et s?y révèle dans la diversité de ses modes d?apparitions. Soucieuse d?accroître ses publics, la Galerie Nationale du Jeu de Paume configure ses expositions comme des sources de connaissance et organise des projections pédagogiques, des colloques et des conférences. De l?exposition "Support/Surface" bricolant avec le fonctionnel à travers les toiles pliées et peintes de Louis Cane ou les bouts de ficelles nouées d`André Valensi à l`exposition Arman, morceaux du quotidien fondus de plexiglas, à l`art photographique de Joël Meyerowitz, l`image se découvre à la Galerie dans toute sa singularité. Elle donne à penser.


Danièle Hibon est responsable de la programmation de cinéma de la Galerie Nationale du Jeu de Paume à Paris. Elle a étudié les lettres classiques et la philosophie et s`est spécialisée en histoire de l`art. Elle a été responsable du bureau d`accompagnement de l`avance sur recettes au Centre National de la Cinématographie. Depuis 1995, elle co-organise avec Henri Foucault de l?Ensad et Jean-Claude Biette de l?Ensba, un cycle de ciné-conférences destiné aux étudiants de ces deux écoles d`art. Cette initiative unique est animée par le souci constant de faire découvrir des figures de l`art cinématographique, des cinéastes rares et de créer des événements où peut avoir lieu, en leur présence, un véritable dialogue autour des questions et problématiques qui sont celles de l`art et du cinéma. En 1995, lors d`une rétrospective à la Galerie du Jeu de Paume, Danièle Hibon s?est fortement impliquée pour permettre la reconnaissance, auprès du public français, de deux cinéastes, Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi.

Roderick hietbrink
Catalogue : 2011The Living Room | Installation vidéo | hdcam | couleur | 8:6 | Pays-Bas | 2011
Roderick hietbrink
The Living Room
Installation vidéo | hdcam | couleur | 8:6 | Pays-Bas | 2011

The private atmosphere of a Dutch living room is breached by the disturbing presence of a large oak tree that slowly enters the room. Close-ups of different kinds of furniture, potted plants, souvenirs and other personal belongings are carefully depicted. No longer protected from the outside by the thin sheets of glass, the vacuum is cancelled when the large oak tree enters the room, confronting the viewer with the impact this has to both tree and home. Being both realistic and absurd, the confrontation between the tree and the home raises questions about the meaning and symbolism of the tree and the private domain, and its representational aspects towards the outside world.

Roderick Hietbrink (b. 1975, the Netherlands) is a visual artist. He received his BA in Fine Art from the Art Academy St. Joost in Breda in 1999 and his MA in Fine Art from the Piet Zwart Institute in Rotterdam in 2002. He is a current resident at the Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam. His work is shown internationally in solo and group exhibitions at Museum Boijmans van Beuningen Rotterdam, Künstlerhaus Bethanien Berlin, Artspace Visual Arts Centre in Sydney, SMART Project Space Amsterdam and Where Where Exhibition Space in Beijing. Roderick Hietbrink lives and works in Amsterdam and Rotterdam, the Netherlands.

Claudia hill, stephane leonard
Catalogue : 2017Kon'voi' | Vidéo expérimentale | 4k | couleur | 9:23 | Allemagne | 2017
Claudia hill , stephane leonard
Kon'voi'
Vidéo expérimentale | 4k | couleur | 9:23 | Allemagne | 2017

A group of travellers of unknown origin arrive out of nowhere into an open landscape. Over the course of a day, they explore and scan the environment with their unique handmade triangular antennae. Through their sensual decoding of information and hypnotic choreography of sign language, a necessity of care for this strange and beautiful planet emerges.

Claudia Hill is a Berlin-based cross-disciplinary artist who makes objects that create possibilities for personal encounters and community. Hill’s work developed from a career in fashion presenting her collections between New York and Japan. As her designs expanded beyond the boundaries of the industry, she made costumes for choreographer William Forsythe, The Wooster Group, and became a frequent collaborator with choreographer Meg Stuart. Her interventions range from performative designs to constructing large scale, textile based sculptures, and conceiving participatory actions for art centers such as Centre Pompidou Paris, and ZKM Center for Art and Media, Karlsruhe. Hill’s own artist film Kon’voi’ has been presented in several international film festivals. She is currently developing new work for Supernova, an artist group formed around Damaged Goods´ Sketches/Notebook (extended version) for the HAU Berlin 2018 season.

Pat hillaire, rolf meesters
Catalogue : 2005Dansent le désert | Art vidéo | s-vhs | couleur | 2:50 | France | Espagne | 2004
Pat hillaire , rolf meesters
Dansent le désert
Art vidéo | s-vhs | couleur | 2:50 | France | Espagne | 2004

`Dansent le désert` Des paysages du corps se juxtaposent en images. Quelles danses sont possibles dans un tel environnement. C`est le défi que le désert pose aux danseurs. Créé par: Pat Hillaire Dansé par Rolf Meesters et Pat Hillaire Durée 2mn50


1998 initie un travail de vidéo-performance en présence de la danseuse Claudia Flammin puis de Rolf Meesters avec qui je commence en 2000 à expérimenter la danse. Dernière performance: octobre 2005 DA LI LI DA DA, Festival d?automne de Barcelone, 6 performers se réunissent pour expérimenter une performance oú l`important sera que chaque proposition aie la même intensité qu`une autre. Danse, poésie,vidéo, flute japonaise se fondent. En 2005 ont surtout lieu des performances de rue: bar opening exhibition, Festival de rue de Bcn, Museo Mares... 2003 à Berlin, ?KNOWHERE? 10 performances de rue, 3 performers,danseurs Rolf Meesters, Pat Hillaire, musicien sans instruments Johannes Bergmark. Celui-ci relève le défi de performer sans ses objets/instruments.

Jürgen hille
Catalogue : 2018koi beam boats retina | Vidéo expérimentale | mov | | 2:48 | Allemagne | 0
Jürgen hille
koi beam boats retina
Vidéo expérimentale | mov | | 2:48 | Allemagne | 0

1961 in Düsseldorf geboren 1980-86 Studium Freie Kunst, Kunstakademie Düsseldorf 1983 Reisestipendium der Kunstakademie, Italien 1987 Arbeitsstipendium NRW, Schloss Ringenberg 1994 Arbeitsstipendium Schlesw.-Holstein, Künstlerhaus Selk 1995 Künstleraustausch Düsseldorf-Ein Hod, Israel 1999 Projektstipendium Kunstfonds e.V., Bonn (für Videoprojekt “HALDE”) 2018 Cites internationale des arts Paris (Gastatelier) Mitglied im Deutschen Künstlerbund

Julien hilmoine
Catalogue : 2005A chaque instant mourir | Fiction | 16mm | noir et blanc | 20:20 | France | 2005
Julien hilmoine
A chaque instant mourir
Fiction | 16mm | noir et blanc | 20:20 | France | 2005

Une jeune femme à fleur de peau, Agnès. Son meilleur ami, Camille. Sa compagne, Marianne. La soeur de cette dernière, Astrid. Ils devaient se retrouver tous les quatre, pour la première fois depuis longtemps. Mais Marianne ne vient finalement pas. Agnès part sentimentalement à la dérive. Deux nuits et un jour où vont ressurgir de vieilles histoires, des désirs neufs ou enfouis, et une complète remise en cause de leurs rapports à tous.


-Julien Hilmoine est né à Fécamp, en 1979. -Il a passé son enfance et son adolescence à Rouen, dans "une famille de moyenne bourgeoisie, laïque et républicaine". Après des études de lettres et un B.T.S. Audiovisuel option Image, il entre à la Fémis en département réalisation. -Il mène une jeunesse française classique : histoires d?amour, amitiés ; passions, ruptures ; morts. -Parisien par la force des choses, il déclare essayer de réaliser des films. Il avoue aimer les acteurs, passionnément et mène une quête permanente d?images, de visages, de voix.

Steve hines
Catalogue : 2006Anyone | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 2:11 | Royaume-Uni | 2006
Steve hines
Anyone
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 2:11 | Royaume-Uni | 2006

Ce court métrage vidéo critique, parodie et renforce l'idée d'un Public Warning. Quelqu'un s'est emparé de la loi et a promis des poursuites judiciaires. On voit l'artiste, qui pourrait être n'importe qui, en train de défier et d'enfreindre la loi tout en la renforçant. Une planification minutieuse et une demande d'attention nous préparent à l'action en reproduisant la mise en garde, alors que la rapidité et l'humour sont utilisés pour la présentation et la mise en oeuvre de l'action.


Steve Hines a régulièrement exposé ces dix dernières années. Il a présenté son travail à un niveau national et international en participant à plusieurs festivals d'art interantionaux. Grâce à son expérience dans la photographie, la pratique de Steve Hines est solidement encrée dans cadre conceptuel à l'intérieur duquel il se sert de différents media pour travailler. Ceci lui offre une grande liberté et apporte constamment de nouveaux défis. Steve Hines aime réaliser des oeuvres conceptuelles minimales qui sont souvent combinées à la nature opposée, et pourtant complémentaire, des extrêmes. L'expérience personnelle et le quotidien l'inspirent et lui fournissent le matériau nécessaire à la création de son travail qui allie des récits à des éléments qui peuvent tous nous toucher.

Catalogue : 2005Speakers | Art vidéo | dv | couleur | 4:16 | Royaume-Uni | 2005
Steve hines
Speakers
Art vidéo | dv | couleur | 4:16 | Royaume-Uni | 2005

"Speakers" représente la notion d'un monde troublé et compétitif où les nombreux pays, factions, religions et cultures essayent tous de communiquer et de persuader le reste du monde que leur manière d'agir ou leurs croyances sont supérieures. Le film est une image impressionniste en kaléidoscope, accompagnée d'un message audio chaotique. "Speakers" est un court-métrage tourné en vidéo digitale, et composé de plans tournés au Speakers Corner à Hyde Park, Londres. L'oeuvre finale représente la notion d'un monde troublé et compétitif où les nombreux pays, factions, religions et cultures, dont la plupart appartiennent à une minorité, essayent tous de communiquer et de persuader le reste du monde que leur manière d'agir ou leurs croyances sont supérieures. Les Speakers (orateurs) : un homme noir musulman ; trois hommes blancs différents débattant des idéaux du socialisme ; un homme noir chrétien ; une femme et cinq différents hommes blancs chrétiens ; deux hommes noirs parlant de leurs expériences personnelles ; et un pasteur américain. Ce sont tous des personnes exprimant leurs idées, leurs espoirs, leurs peurs et leurs inquiétudes quant aux problèmes qui nous affectent tous. Les scènes filmées de tous les "participants" s'enchaînent directement les unes à la suite des autres. Il en ressort un montage et un chaos confus d'images mouvantes et de mots. Cet effet et cette méthode reflètent les problèmes dans le monde et dressent des comparaisons à travers des arguments et des désaccords touchant aux questions des frontières, des pays, des religions, des gouvernements et régimes,… Dans sa version finale, "Speakers" inverse le rôle original entre le public et l'orateur d'une façon particulière. Initialement, c'était les orateurs qui luttaient, criaient et rivalisaient pour faire passer leur message à travers un public varié, composé de personnes doutant de ce qu'ils disaient, s'y intéressant ou même s'en moquant. A présent, dans l'espace d'un musée, c'est le public qui se tient là, intrigué par ce qui leur est présenté, et qui commence alors à écouter plus attentivement, essayant de comprendre ou d'entendre un mot distinct par-ci par-là, ou de visualiser un visage dans la foule. L'image évoque une sorte de peinture mouvante impressionniste de nature kaléidoscopique, tandis que le son évoque davantage celui d'un monde civilisé en pleine confusion, comme celui de la Bourse à une heure de grande activité par exemple.


Steve Hines expose ses oeuvres régulièrement depuis près de 10 ans. D'abord nationale, leur diffusion est devenue plus récemment internationale, notamment grâce à sa participation à plusieurs festivals d'art dans le monde entier. D'abord centré sur la photographie, le travail de Steve Hines est à présent profondément ancré dans un cadre conceptuel et ainsi il travaille avec divers moyens d'expression. Il s'intéresse à la réalisation d'oeuvres minimalistes et conceptuelles, souvent combinées avec la nature opposée et pourtant complémentaire d'extrêmes. Des expériences personnelles et le quotidien lui fournissent l'inspiration et le matériel nécessaire à la création d'oeuvres alliant récits et éléments pouvant tous nous affecter.

Nadia hironaka, matthew suib
Catalogue : 2008The Soft Epic, or: Savages of the Pacific West | Art vidéo | dv | couleur | 3:6 | USA | 2008
Nadia hironaka , matthew suib
The Soft Epic, or: Savages of the Pacific West
Art vidéo | dv | couleur | 3:6 | USA | 2008

« The Soft Epic, or: Savages of the Pacific West » est une vidéo monumentale et une installation audio qui examine les représentations historiques et contemporaines de l'anxiété culturelle, et la relation fluide entre l'Histoire et le Cinéma, où réalité et fiction s?écroule l?une sur l'autre comme les plis d'un rideau de théâtre tiré. Composée de multiples projections et d?une bande son en surround ? nouvellement commandée à Bird Show (Ben Vida) ? l??uvre synthétise des images et des effets à partir de fresques historiques, d?épopées de science-fiction, de films de catastrophe et de peintures de Jérôme Bosch, en un paysage urbain fracturé et dystrophique, parsemé de flammes éternelles et de chimères. À travers la projection vidéo longue de cent pieds, la splendeur d?Hollywood usurpe le récit mythologique et historique au service de l'autorité politique et l'ordre social.


Nadia Hironaka réside actuellement à Philadelphie (USA) et est professeur au Maryland Institute College of Art. Elle a obtenu son MFA (Master of Fine Art) à l'Art Institute de Chicago (USA) et son BFA (Bachelor of Fine Art) à l'Université des Arts. En 2008, elle était membre du Pennsylvania Council on the Arts. Ses films et installations vidéo ont été montrés internationalement. Matthew Suib, artiste basé à Philadelphie, a exposé ses installations, vidéos, ?uvres audio, et photographies internationalement. En 2007, il a co-fondé Screening, avec Nadia Hironaka. Il est également membre du Pennsylvania Council on the Arts, et ancien membre de Vox Populi, un collectif d?artistes de Philadelphie.

Sin Tung ho
Catalogue : 2012Folie à deux | Doc. expérimental | dv | couleur | 73:0 | Hong Kong | 2011
Sin Tung ho
Folie à deux
Doc. expérimental | dv | couleur | 73:0 | Hong Kong | 2011

Ho Sin Tung?s Folie à deux, shows a sequence of 17 people reading a passage with their back to the camera - from a book they have chosen themselves, at different indoor and outdoor locations in Hong Kong, the mainland China and Macau. This deceptively simple video, however, has a psychological tension reflected in its title, folie à deux, a term describing ?a condition in which symptoms of a mental disorder, such as the same delusional beliefs or ideas, occur simultaneously in two individuals who share a close relationship or association.? In the video, the intimate relationship is between the reader and the on-looking viewer of her video, the audience. Each reading situation becomes an almost confessional as the read passage reflects an intimate and potentially embarrassing part of the personality or ?soul? of the reader. The viewer is drawn into the readers? spoken passage, its significance, its meanings, and each reader?s viewpoint appreciated, possibly even absorbed by the viewer.

Ho Sin Tung was born in Hong Kong in 1986, and graduated from the Fine Arts Department of Chinese University in Hong Kong in 2008.  Ho`s recent work predominantly uses pencil, graphite and watercolour in combination with found and ready-made images - such as stickers, maps, charts, rubber-stamps and timelines. These are reinterpreted to narrate stories of places, relationships and periods of time often within a considered, objective historical setting.

 Apart from painting, ho also do writing, installation and video work. Her work uses a lot of literature and cinema references. "Folie à deux" is an obvious combination of both themes.