Catalogue > Search

The film depicts the massacre of civilians in Geum-jeong-gul Cave in Gyeonggi-do in October 1950. This massacre, in which more than 153 people were killed in a village by South Korean military and police, was compensated by South Korean government in 1993 when it became known to the world through the efforts of the victims' bereaved families, but there is still no place for their remains in their home town.

As well as making movies, Kim Mooyoung also creates research-based media art, which is being exhibited in several countries. After four short films, SLOW DAY (2010), CONCRETE (2012), LAND WITHOUT PEOPLE (2016), and DAY AND NIGHT(2017), he directed his first feature film, NIGHT LIGHT (2018), which was invited to Busan International Film Festival 2018 and Seoul Independent Film Festival 2018.

Wild Life 9`21" 2006 Vidéo numérique ?Wild Life? est un film au sujet du sauvagerie du tourisme. Les gens voyagent dans un bateau pendant un voyage dans la Patagonie. La caméra les filment à la façon d?un documentaire à la «national géographique Channel?.

Wagner Morales est réalisateur et plasticien. Il a été résident au Fresnoy en 2004 et, en 2005/06, il a participé au Programme Pavillon du Palais de Tokyo. Il travaille en réalisant plusieurs films d?auteur, documentaires, photographie et installation. Son travail est représenté par la Galerie Virgilio, à São Paulo et ses films et vidéos, ainsi comme installations, sont exposés aux grandes institutions au Brésil, en France et un peu partout dans le monde.

Materiality Will Be Rethought by British-Irish artist and choreographer Joe Moran was developed as a site-specific live performance before being reimagined as a film work. The work navigates dance’s potential to animate and disrupt architectural space, the physicality of the dancer’s voice and the moving body as a site of political unrest and complex subjectivities. Materiality Will Be Rethought was commissioned by Whitechapel Gallery, London, in dialogue with the exhibition Carlos Bunga: Something Necessary and Useful (on display at the gallery 21 Jan – 6 Sep 2020). It is performed by dancers Temi Ajose-Cutting, Thomas Heyes (Blackhaine), Sean Murray and Eve Stainton, and created in collaboration with editor Sue Giovanni and cinematographer Alana Mejía González.

Joe Moran is a British-Irish artist and choreographer based in London with a wide-ranging practice incorporating theatre and gallery performance works, critical writing, curatorial projects and drawing. His work centres the body and embodied presence as a site of complex subjectivities and political unrest, with queering frequently deployed as its principal critical strategy. His work is informed by a background in improvisation and experimentation, and a fascination with the problems and opportunities of formal choreographic composition and notions of expanded choreography. Joe is Artistic Director of Dance Art Foundation through which his performance and curatorial work is produced and has worked internationally as a dancer with choreographers Deborah Hay (USA), Stina Nyberg (Sweden) and Siobhan Davies (UK) amongst others. Recent commissions and performances include Whitechapel Gallery (2020), Sadler’s Wells (2019), Nottingham Contemporary (NottDance, 2019), The Lowry Galleries (2019), London Contemporary Dance School (2019), Wysing Arts Centre (2018), Bluecoat (2018) coinciding with the Liverpool Biennial, Kettle’s Yard (2018), Sadler’s Wells (2017), Delfina Foundation (2016), ICA (Block Universe/ fig-2, 2015) in collaboration with Eva Rothschild and David Roberts Art Foundation (Frieze Art Fair, 2014). Notable collaborations include with composer Kaffe Matthews, editor Sue Giovanni, visual artists Eva Rothschild, Carlos Bunga and Magali Reus, and dancers Temitope Ajose-Cutting and Andrew Hardwidge. Joe contributed a chapter to the publication?Who Cares? Dance in the Gallery & Museum, wrote Materiality Will Be Rethought, an essay on dance and the exhibition space for the Whitechapel Gallery Carlos Bunga exhibition catalogue and Nothing About Us Without Us, a commissioned article on artist advocacy published by Siobhan Davies Dance in its inaugural Material journal.

La vidéo Less is More or documente l’intervention in situ réalisée à l’intérieur du Toronto Dominion Centre, complexe architectural conçu à l’origine par Mies van der Rohe. Revisitant l’aphorisme de l’architecte, ce projet procédait par une activation des lumières des bureaux à l’intérieur des édifices. Le tournage aérien, construit en deux plans séquences, joue sur le caractère hypnotique des images afin d’interroger les codes spectaculaires de l’industrie cinématographique. Depuis 2010, Aude Moreau développe un vaste programme de recherche qui part de l’hypothèse que si le rétrécissement de l’espace public passe par l’utilisation du vocabulaire économique pour décrire nos réalités quotidiennes, alors, la résurgence du politique passe par l’infiltration sémantique de l’architecture qui abrite cette construction du langage. Ce cycle de travail a mené à l’élaboration de quatre projets d’intervention in situ qui ont en commun d’agir à l’intérieur de l’architecture corporative du gratte-ciel, sur la lumière qu’elle émet dans la ville et d’investir la réalité géographique de l’activité économique et financière où circulent les flux déréalisés et dématérialisés de la production. Les projets d’intervention in situ Sortir, La ligne bleue, THE END in the background of Hollywood et Less is More or, sont autant de signes lumineux qui appellent à une reterritorialisation du politique dans la ville organisée comme spectacle.

Depuis les années 2000, Aude Moreau développe un corpus d’œuvres combinant sa double formation en scénographie et en arts visuels. Détentrice d’une licence en arts plastiques de l’Université Paris VIII, elle a complété une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal en 2010. Son travail récent a été présenté à la galerie de l’UQAM, Montréal, Canada ; à la galerie The Power Plant, Toronto, Canada ; au Casino Luxembourg - Forum d’art contemporain, Luxembourg ; au Centre culturel canadien, Paris, France ; à Anthology Film Archives, New York, États-Unis ; au RISD Museum, Rhode Island International Film Festival, Providence, Etats-Unis; au Fresnoy, studio national des arts contemporains, Tourcoing, France. Ses oeuvres font notamment partie des collections du Centre canadien d’architecture, du Musée d’art contemporain de Montréal, du Musée d’art moderne du Luxembourg (MUDAM), et de la Banque d’art du Conseil des arts du Canada. Elle est récipiendaire du prix Louis Comtois de la Ville de Montréal, 2016, de la Bourse Claudine et Stephen Bronfman et du prix Powerhouse, 2011. Des comptes rendus critiques sur sa pratique ont été publiés dans les revues Esse, Espace et Art Le Sabord. Aude Moreau vit et travaille à Montréal.

Ni pirate ni corsaire mais libre.
Copyleft : cette vidéo est libre, vous pouvez la copier, la modifier, la transformer selon les termes de la Licence Art Libre. http://artlibre.org

Antoine Moreau, artiste peut-être, Docteur en Sciences de l`Information et de la Communication, initiateur de Copyleft Attitude et de la Licence Art Libre. http://artlibre.org

"Plastic, Marble and Helicopters" (2020) est l'aboutissement d'une enquête d'un an sur Global Tools, un projet pédagogique pionnier lancé en 1972 par plusieurs studios d'architecture appartenant au mouvement du design radical italien, dirigé par Ettore Sottsass. Avec le soutien de Poltronova, entreprise italienne de design de mobilier haut de gamme, Anna Moreno a conçu et fabriqué un canapé modulaire en quatre parties, qui a ensuite été utilisé comme accessoire de performance au Space Electronic Nightclub de Florence lors de l'événement célébrant le 50e anniversaire de son inauguration. La discothèque florentine était le l’espace underground où Global Tools a réalisé plusieurs de ses expériences fondatrices, évoquant le corps comme forme ultime d'architecture, un lieu au potentiel politique et créatif caché. L'ironie de la proximité du groupe pro-marxiste avec le marché du mobilier de luxe n'échappe pas à Moreno.

Anna Moreno est artiste visuelle et chercheuse. Originaire de Barcelone (Espagne), elle habite actuellement à La Haye (Pays-Bas). Sa pratique prend la forme d'installations, de films, de performances, de bandes sonores, d'objets et de publications. Elle cherche à séparer notre imagination du présentisme actuel à l'aide de la fiction spéculative. En reproposant des architectures utopiques des années 70, Moreno utilise des outils conceptuels tels que les histoires parallèles, la synchronicité, l'urbanité performative, les discours architecturaux et les enchevêtrements sociaux. Elle a exposé à l’international et a participé à des résidences, notamment au SASG – Seoul Art Space Geumcheon (Corée du Sud), à la Cittadellarte - Fondazione Pistoletto, Bielle (Italie) ou à la Jan Van Eyck Academie, Maastricht (Pays-Bas). Elle a récemment reçu la bourse Botín pour les arts visuels, à Santander (Espagne), et a été sélectionnée pour la prochaine Biennale de Yinchuan (Chine). L'enseignement et les conférences ont un impact bidirectionnel sur sa pratique artistique. Elle a enseigné la recherche artistique à la Royal Academy of Art de La Haye (Pays-Bas) et a développé des programmes pour des institutions d’éducation aux Pays-Bas comme à l'étranger. En 2013, elle a cofondé le collectif d'artistes Helicopter à La Haye (Pays-Bas), un espace indépendant qui s’intéresse aux notions de marge et de périphérie dans la performance, le son et la discussion.

La numérisation des médias présente une occasion d'interroger et de comprendre notre culture par le remixage de ses produits. « Citizen 3.0 » examine la relation entre les médias, la technologie, la culture et la démocratie à travers le prisme du droit d'auteur. Ce documentaire utilise et interroge l?exception de l'usage loyal des droits d'auteur, qui permet aux créateurs d'utiliser des ?uvres protégées sans autorisation ni paiement. Si cette opportunité réussit à être acceptée comme la saine évolution d'une tradition de liberté d'expression ou rejeté comme violation de la propriété privée est une question dont la subtilité voile l?importance.

« Citizen 3.0 » (2008) est le deuxième film que les Morfoots ont réalisé ensemble. Leigh Morfoot a obtenu un BA en études afro-américaines et en littérature anglaise à l'Université de Virginie (USA) et une maîtrise en études médiatiques à la New School University. Jason Morfoot a un diplôme en droit de l'Université Emory et est diplômé en histoire au Trinity College.

Manuela Morgaine SCRATCH THE WORLD ERASE THE BORDERS – a collective artwork for Bienal Sur 2021 (Argentina) Une oeuvre collective pour Bienal Sur 2021 (Argentine) Une main traverse le monde, le révèle et l’efface à la fois. Son utopie consiste à tenter d’effacer toutes les frontières.

Manuela Morgaine est écrivain, plasticienne, metteur en scène de théâtre et de cinéma. Prix de Rome en scénographie, elle dirige Envers Compagnie, qui se consacre depuis 1991 à la production d’œuvres pluridisciplinaires. Elle est l’auteur d’une dizaine de livres et de plusieurs Ateliers de création radiophonique diffusés sur France Culture. Elle a prêté sa voix pour le cinéma et la télévision, a réalisé des films parmi lesquels FOUDRE (2013) et POUR WAAD (2021) ont reçu une reconnaissance internationale. Elle a récemment fait une série de performances à la Galerie Maubert, au Musée Picasso et à la Fondation Brownstone (Paris). Elle fait partie depuis 2020 du collectif d’artistes de THE CROWN LETTER un collectif d’artistes femmes à travers le monde qui publie une lettre par semaine depuis le début de la pandémie. Elle travaille actuellement sur ORAKL, une performance de glace et de paroles et sur un long métrage ADIEU un film d’un mot.

Animation Super 8 d'une partie de carte avec un petit quelque chose de spécial dans le thé.

Asa Mori est née à Nagano au Japon et vit actuellement à Vancouver. Elle a obtenu un BFA du Nova Scotia College of Art and Design, en travaillant principalement sur l'installation média et l'animation. Elle eu son premier animal de compagnie à l'age de six ans, un lapin appelé "House". House est mort tragiquement une semaine plus tard.

La vidéo Les oiseaux a été créée suite à l’invitation à exposer à Memento, centre d’art installé dans un ancien monastère carmélite à Auch (32). Les religieuses y vivaient recluses et silencieuses, la plupart du temps confinées dans leurs cellules exiguës. Les traces de cette histoire dans le bâtiment m’a incité à me poser la question de l’imaginaire spatial de ces personnes isolées, lié à leur vie d’avant ou leurs fantasmes. J’imagine un effritement de la mémoire des lieux qui chaque jour perdent un peu plus de leur détails et définition. Ainsi la voix off, qui défile sous forme de texte comme une voix intérieure, commence par décrire ce monde silencieux, l’isolement. Sous forme de quête ou de punition. Les images de la recluse et de l’ermite se croisent pour assez vite amener au thème de la fuite. Fuite de l’humain face à ses responsabilités, fuite en avant dans le divertissement et l’usure des ressources jusqu’à finalement disparaître. Cette voix off, c’est celle d’une humanité couarde et avide qui raconte son histoire par bribes depuis une sorte d’au-delà. Les images (tournées en Grèce, France et Belgique) montrent des lieux d’exploitation des ressources naturelles et énergétiques, de production industrielle de nourriture, des infrastructures de mobilité et des moyens de transports plus ou moins opérants, ainsi que des sols nus et inhospitaliers. Il y a aussi quelques nids et objets trouvés dans les greniers du monastère qui tournent sur un plateau comme des objets de télé-achat. C’est un travail profondément pessimiste et mélancolique qui regrette l’effondrement à venir. Il pose la question de la culpabilité face à cette catastrophe imminente, de la répartition des responsabilités. Il traduit aussi un questionnement personnel mais partagé par beaucoup sur les moyens de s’organiser pour les années à venir et tenter de s’adapter, de prendre soin de soi, des autres et de ce qui reste.

J’ai étudié les Beaux-Arts à Nantes, dont j’ai été diplômé en 2007. C’est pendant ces études que j’ai commencé à m’intéresser aux paysages modelés par l’homme et leur artificialité, la présence du décor dans notre environnement quotidien, au collage et au montage comme moyen de créer des tiers lieux, au rapport entre documentaire et fiction, à la consommation de l’espace à travers les loisirs et le tourisme. J’ai ensuite profité d’une bourse post-dîplôme de cette même école pour séjourner 1 an à Miami, afin de poursuivre mes recherches. J’y ai tourné des vidéos qui ont pour point de départ l’observation des emprunts culturels et stylistiques dans l’architecture de la ville (Pardon our Dust et Le Monastère Espagnol). La même année (2009), j’ai été lauréat du Prix des Arts Plastiques de la ville de Nantes. Fin 2010, j’ai intégré le Fresnoy à Tourcoing et réalisé Opa-Locka will be beautiful, un “conte documentaire”, sur une banlieue de Miami construite dans un style des Mille et Unes Nuits dans les années 1920 avant de devenir un ghetto afro-américain rongé par le crack dans les années 1980. Pour la seconde année du cursus, j’ai créé Panorama 14, un diorama de science fiction dans lequel des maquettes d’architecture et de canyon se retrouvent plongées dans une véritable tempête de sable. Pour ces deux projets, on retrouve mon intérêt pour les paysages extrêmes, les collages spatio-temporels, les faux-semblants et un rapport ambiguë entre réalité observable et récit. En 2014, à l’invitation du Festival Hors-Pistes au Centre Pompidou, j’ai proposé La dérive des documents, une conférence performée, une forme spectaculaire autour de sources documentaires liée à mes travaux précédents. À la fin 2014, j’ai réalisé La terre vue du ciel ma première exposition personnelle à Tlön (Nevers), dans laquelle la vidéo s’intègre à un décor qui transforme le lieu. On retrouve ce type d’installations ou de mises en scène immersives dans d’autres expositions personnelles, comme On top of the Lake (à Stadio, Vevey en 2015) ou Le Grand Théâtre (à Silicone, Bordeaux en 2016). En 2015, je suis devenu papa, ce n’est pas rien... Juste avant, j’ai participé à deux résidences, Fieldwork à Marfa (Texas) et au centre archéologique gallo-romain de Bibracte qui me permettront de réaliser la vidéo The Promised Lawn (2016) où se dessinent les conséquences possibles de l’épuisement des ressources planétaires par notre civilisation. Cette vidéo aborde des thématiques écologiques et économiques que l’on retrouve régulièrement dans mon travail depuis. Les formes et produits générés par les industries du tourisme et des loisirs est également un sujet de travail récurent. Les problématiques liées aux déchets, rejets et résidus sont aussi de plus en plus présentes. En 2019, j’ai réalisé la vidéo Les Oiseaux, tournée en Grèce, en France et en Belgique, qui poursuit sur le mode du récit anticipatif des interrogations sur le devenir de l’espèce humaine sur une planète surexploitée. Depuis 2020, je travaille notamment à des nouveaux projets vidéo qui se concentrent sur des paysages crées par les activités d’extraction et de production, en observant plus précisément les rejets et résidus qu’elles produisent.

Cette vidéo a été tournée en Arizona, dans différents parcs naturels (Painted desert, Petrified forest) ainsi qu?à Biosphere 2, centre d?étude scientifique où 4 écosystèmes et climats ont été artificiellement reconstitués sous une serre située en plein désert. Le montage et la voix du guide de Biosphère 2 construisent un documentaire de science fiction, absurde mais inquiétant. Cela laisse supposer que ces paysages immenses ont été générés par Biosphere2.

Armand Morin Né à Nevers en 1984 Vit et travaille à Lille Armand Morin a été diplômé des beaux-Arts de Nantes en 2007. Son travail s`approprie les diverses formes générées par le monde des loisirs, liées au paysage et à l`architecture. En 2008, ses vidéos et sculptures sont récompensées par le Prix des arts plastiques de la ville de Nantes. En 2009, l`école des Beaux-Arts de Nantes lui propose une bourse pour poursuivre ses recherches à Miami, dans le cadre du groupe de recherche "Pensées Archipéliques" qui s`intéresse au rapport entre l`art, la ville, le multiculturalisme et la mondialisation. Il y tourne les vidéos "Pardon our Dust" et "Le Monastère Espagnol" qui interrogent le rapport de Miami à son territoire et les emprunts culturels européens que l`on retrouve dans son architecture. Il commence à la rentrée 2010 le Cursus du Fresnoy, studio national des arts contemporains.

En 1982, j?écrivais à Jean Genet pour lui demander s?il accepterait de parler de son temps passé à Fontevrault. J?ignorais à l?époque qu?il n?y avait jamais été emprisonné. Je ne reçu aucune réponse de sa part, et l?autorisation de filmer me fut refusée. Le motif évoqué : l?abbaye était en restauration, donc dangereuse. On me demandait de refaire une demande dans quelques années. Je décidais donc de m?introduire dans l?abbaye sans autorisation. Avec une caméra super 8, un trépied et une lampe de camping, guidé par quelques-uns des derniers prisonniers qui pouvaient se déplacer librement dans l?enceinte, je filmais durant plusieurs jours les lieux, les traces, les inscriptions sur les murs de l?enceinte centrale. Au total 6 galettes de 3 minutes. (Surpris par un gardien, je dus renoncer.) En 2010, j?ordonnais cette matière brute, sans rien y soustraire, ni vraiment la monter, en laissant les reprises de plans, et les hésitations lors du tournage. (Didier Morin)

Né en 1956. Photographe et cinéaste, il enseigne le cinéma à l?école des Beaux arts de Marseille. Crée la revue Mettray en 2001. Il est l`auteur du film Le voyage d`Yves Klein (2007) et d?Un autre voyage mexicain (2010) et de Fontevrault (1979-2010). Il a publié Carnac (Monum Edt) et Les Semelles d?or (La Petite École Comp`Act). Tourne actuellement Dans l?atelier de Jean-Pierre Bertrand.

La vidéo "Keep off displays" a été tournée au Nouveau Méxique, à "Missile Range", une base militaire où ont été effectués dans les années 40 les premiers essais nucléaires. La vidéo s`attarde plus précisément sur une partie ouverte au public appelée "Missile park". Ce musée du missile propose soixante ans d`une histoire de l`armement balistique américain. Entre une réplique de la bombe H, un V2, de drônes, et le public touristique;un véhicule radiocommandé se ballade sans fin sur les allées de cette mise en scène spectaculaire. Celui-ci imite le déplacement des "Rovers",robots récemment envoyés sur mars par la NASA . Sur ce site l`histoire se déroule et se raconte avec naïveté et cynisme, dans le culte du progrès et de la performance, au mépris des implications humaines et géopolitiques les plus évidentes. Dans ce Disneyland, "Pluto" a le museau équipé d`une tête chercheuse...

Qu`il se développe sous forme de photographie de vidéos, de sculptures ou d`installations, mon travail s`interroge sur les divers moyens de représentation qui donnent naissance au paysage et dans un sens, les amorces de fictions que ces représentations matérielles ou mentales engagent. Cette pratique a pour origine diverses expériences, promenades et rencontres avec des lieux et des situations qui seront dans un premier temps documentées puis réinvesties dans des dispositifs combinant des souvenirs, des matériaux prélevés et une imagerie collective. Des séquences, du montage, de l`assemblage. Je m`intéressent particulièrement au formes produites par les lieux et les industries de consommation du temps libre, des loisirs, aux pratiques amateurs. Ces situations sont propices à la modélisation, au changement d`échelle, aux basculements sémantiques, à la naissance de récits populaires du monde. Je viens d`être diplômé (juin 2007) de l`École des beaux-arts de Nantes, ou je vis et travaille.

Reliefs est une œuvre vidéo combinant une approche documentaire et un récit proche du conte ou de la fable. Elle s’intéresse à des espaces modelés par diverses activités humaines d’extraction et de production, en mettant notamment l’accent sur des paysages constitués de scories et autres résidus. Parmi les lieux filmés avec un drone, on retrouve l’immense étendue de serres agricoles autour d’Almeria (ES), les gigantesques mines de charbon au sud de Cologne (DE), des terrils dans le Pas-de-Calais (FR), des salins en Occitanie (FR), un site d’enfouissement de résidus de Bauxite en Provence (FR) ou une usine de désalinisation d’eau de mer andalouse (ES). Ces images sont complétées par des plans tournés en studio où des maquettes représentent d’autres lieux inaccessibles. Un texte défilant relate l’évolution d’une espèce vivante, mystique et superstitieuse, toujours plus avide et auto-satisfaite. Par le texte, les fonctions et symboliques des lieux filmés sont réassignées. Cette parabole évidente avec l’espèce humaine, permet d’explorer ces sites fascinants et terrifiants, redécouvrir ces zones dont dépendent notre alimentation et notre confort et que l’on voudrait ne jamais voir. Les pulsations de la musique composée par le percussionniste Will Guthrie, accompagnent cette progression frénétique du récit jusqu’à la saturation, à la limite de l’implosion. D’échantillons d’une planète toujours plus vite essorée, Reliefs propose une vision fantastique où fourmille une multitude de références à la catastrophe écologique que nous vivons.

BIOGRAPHIE Armand Morin?Né en 1984 à Nevers (France)?Vit et travaille à Bruxelles (Belgique) J’ai étudié les Beaux-Arts à Nantes (DNSEP en 2007). J’ai ensuite profité d’une bourse post-dîplôme de cette même école pour séjourner 1 an à Miami. En 2009, j’ai été lauréat du Prix des Arts Plastiques de la ville de Nantes. Fin 2010, j’ai intégré le Fresnoy à Tourcoing et réalisé Opa-Locka will be beautiful, un “conte documentaire”, sur une banlieue de Miami construite dans un style orientaliste. J’y ai aussi créé Panorama 14, un diorama plongé dans une véritable tempête de sable, montré au Palais de Tokyo en 2017. En 2014, pour le Festival Hors-Pistes au Centre Pompidou, j’ai proposé La dérive des documents, une conférence performée autour de sources documentaires. La suite de ce projet a été montré à la fondation Ricard en 2015. Entre 2014 et 2016, j’ai réalisé plusieurs mises en scènes immersives pour des expositions personnelles en France et en Suisse. En 2015, j’ai participé à deux résidences, Fieldwork à Marfa (Texas) et au centre archéologique de Bibracte pour réaliser la vidéo The Promised Lawn (2016) qui aborde des thématiques écologiques et économiques que l’on retrouve régulièrement dans mon travail depuis. En 2019, j’ai réalisé la vidéo Les Oiseaux qui poursuit sur le mode du récit anticipatif des interrogations sur le devenir de l’espèce humaine sur une planète surexploitée. ?En 2022, ces recherches prospectives liées à l’anthropocène aboutissent à une exposition personnelle à Zoo Galerie, Nantes. L’exposition propose une installation qui transforme tout le centre d’art et un nouveau film, Reliefs, qui combine ressources documentaires et récit de science-fiction, tourné dans divers sites européens d’extraction, de production industrielle et de production agricole intensive.

Nizhny Tagil Youth project explores the life of young people in one of the industrial centres, Nizhny Tagil, Russia, located on the virtual border between Europe and Asia. Their aspirations are limited by the paths already determined for them. This industrial city sits amidst the Ural mountains, the natural frontier between Europe and Asia. Of the 362,000 inhabitants, about 70,000 work for UralVagonZavod and 25,000 work for Nizhny Tagil Iron and Steel Plant, part of the Evraz Group, the two main factories located in the town. At around 16 years old, teenagers must make a choice about their employment. The majority ends up working long hours in one of the two plants, some join the small businesses that support these plants and their workers, and the rest remain unemployed. For the young people of the city, growing up within this damaged social landscape, there is a palpable sense of disillusionment. Those who work in the factories are subjected to a monotonous routine. The two hours a day commute added to eight hours on the job leaves them with little time to themselves. And lack of money often prevents them from going out, some feel that they have nothing to do.

Maria Morina is an emerging Russian documentary photographer and filmmaker based in Kiev, Ukraine. Maria Morina was born in Novosibirsk, Russia, in 1982. She graduated from St. Petersburg State University, International Relations, and attended Galperin photojournalism faculty in St. Petersburg and several workshops by Yury Kozyrev/ NOOR, and Bjarke Myrthu/ StoryPlanet organized by Objective Reality Foundation. Ms. Morina has participated in several group exhibitions and installations in Russia, UK, and US. She also worked as a field producer for documentary film Birth Of Nation by Daya Cahen, 2010. Since 2009 Ms. Morina has been working on joint project by three female photographers Grozny: Nine Cities, exploring specific aspects of the aftermath of two Chechen wars, which has been nominated for several international reward. In 2010 Ms. Morina started to work on a personal long term project on Nizhny Tagil youngsters lifestyle. The result of the project will be a series of short documentary films.

Until the beginning of the 1990s, there were no rap artists in Russia and the Soviet Union. In the middle of the 1990s, a lot of boys throughout Russia started performing hip hop music, many of them had ended up working on factories in the former closed cities. Filmmaker asked several former hip-hop musicians, some still having factory jobs, to remember their old rhythms silently, and paired it with a spontaneous hip hop jam of young people living near the factories of Nizhny Tagil and Yekaterinburg on a second screen. Their voices dissolve like smoke in the back streets of Ural cities, gigantic open-air factories.

Maria Morina is a Russian photographer and filmmaker. She is one of the authors of a cross-media project that took 9 years to produce - Grozny: Nine Cities. It explores specific aspects of the aftermath of the two Chechen wars. It has won several international awards, including Calvados Awards for War Correspondents, 2014, and Luma Rencontres Dummy Book Award Arles, 2017. While working with different mediums on the Grozny: Nine Cities project, Maria has turned to film-making. Maria Morina?s first full-length documentary film, Don?t Press Stop, about Rap musicians in Nizhny Tagil, a gigantic open-air factory in Russia, was released in 2017. It was selected for Lussas Documentary Film Festival, France and Russian Open Documentary Film Festival Artdocfest in 2017. Maria Morina has participated in numerous exhibitions and festivals in Russia and abroad. Her works are held in the Les Rencontres d’Arles and The Open Society Foundation collections.

Die Arbeit “Wiederkehrende Erinnerung und dessen zeitliche Wirkung“ befasst sich mit der Darstellung von gesellschaftlichen Beziehungen zwischen Immigration und Erinnerung als materiellem/immateriellem Moment. Im Fokus steht die türkische Minderheit im ehemaligen Jugoslawien bzw. dem heutigen Kosovo. Digitales wie auch analoges Bildmaterial stellen auf unterschiedliche Weise Erinnerung dar, die in Form einer installativen Collage Überschneidung von Kulturen, hybride Identitäten, geopolitische Grenzen und regionale territoriale Identitäten verdeutlichen. Was bleibt als Erinnerung zurück, was vermag ein Gedächtnis zu speichern und welche Räume entstehen, um sich zu erinnern? Erinnerung die stets auch von individuellen Erfahrungen beeinflusst ist, verweist auf gesellschaftliche Strukturen und deren sich auch stets formenden Prozesse.

Nazl? Moripek (*1989, Istanbul) lebt und arbeitet in Frankfurt am Main. Sie studierte Bildende Kunst an der Y?ld?z Universität in Istanbul, an der École supérieure des Beaux-Arts de Bordeaux und an der Hochschule für Gestaltung in Offenbach am Main. In ihrer künstlerischen Praxis nutzt Nazl? Moripek verschiedene Medien, um Formen der Erinnerung und deren zeitliche Verortung und Ausdruck zu erforschen und überführt diese mittels der Darstellungsform der Installation in visuelle Welten, die die verschlungenen und komplexen Schichten diasporischer Formationen und Migrationsströme darstellen. Sie wurde 2019 mit dem DAAD-Stipendium und 2022 mit dem Hessischen Graduiertenstipendium (HAB) der Hessischen Film- und Medienakademie ausgezeichnet.

?Post- Fordlândia? explores the mythologies surrounding Henry Fords failed utopia ?Fordlândia?. Fordlândia, an an abandoned American town and rubber plantation constructed in 1928 by Henry Ford in the heart of the Amazonian rainforest exists as the most poignant existing monument to Ford?s attempt to export his puritanical model of capitalism and the American way of life into other parts of the world. Through a filmic exploration of this ghost town through the eyes of an other-worldly protagonist, the work contemplates the physical and ideological failure of the exportation of the American capitalist dream into one of the most complex ecological and cultural places on the planet. ?Fordism?, Fords? own term to describe his ideal model of capitalism, has irrevocably altered the development of western society, and whilst Ford?s vision was at once protecting even parental, it was utterly totalitarian. As industrialized processes became increasingly global, the flaws in Ford?s logic began to erode the fabric of his utopian dream. ?Post-Fordlândia? is a thought provoking, contemplative film exploring the failure of the technological utopianism that underpins so much of Capitalism and the assumptions that all societal problems will be solved by endless growth and new technologies.

Megs Morley and Tom Flanagan are artists and filmmakers based in Galway, Ireland, who collaborate on large scale visual art , film and public art projects. Their work is primarily concerned with exploring cultural and political contexts and sites through the expanded use of artist's cinema, cinematic space, documentary, fiction and experimental film. Their approach is multifaceted and experimental and plays with the tropes and forms of non-fiction film, by presenting moments of cinemea verite alongside constructed and fictional elements, whilst avoiding traditional narrative structures of mainstream documentary in order to explore a self-reflexive inquiry into the medium of film, and to complicate potential readings surrounding the documentation of politically complex sites and contexts, thereby creating a criticality on the relationship between images, history and memory. Their work has been shown both nationally and internationally and they are currently working on two feature length experimental documentaries, one of which focuses on Fordlândia.

"Bully Beef" tente de relier deux histoires que l'on persiste à traiter séparément. En 1914, l'Allemagne envahie la "petite" Belgique. Ses alliés viennent à son secours. Il faut quatre ans et plus de quarante nations ou groupe ethniques - dont nombreux sont colonisés par les nations alliées- pour tenir tête aux impérialistes allemands. Le souvenir de ce traumatisme est toujours vivace en Belgique. Le tourisme autour de sites de bataille de la Première guerre mondiale est plus que jamais actif. Chaque jour, des bus remplis d'écoliers s'arrêtent devant les musées et les cimetières du Commonwealth à Leper et dans le Westhoek. On publie en Belgique de plus en plus de livres sur la Première guerre mondiale. En revanche, il y a de moins en moins de publications sur une autre invasion concernant la Belgique, survenue à peine trente ans avant 1914. De nombreux officiers et généraux décorés pour leur rôle dans la défense de la Belgique pendant la Première guerre mondiale ont pratiqué leur commerce non pas en Europe mais dans l'acquisition, le contrôle et l'exploitation d'un morceau de terre huit fois plus grand que leur terre natale, le Congo. La Belgique a fait au Congo ce que l'Allemagne espérait faire à la Belgique et à d'autres pays de l'Europe de l'Ouest. Repoussant l'invasion allemande avec l'aide de ses alliés, la Belgique a continué son invasion du Congo pendant encore quarante ans.

Wendy Morris est née en Namibie en 1960. Elle grandit à Johannesburg, en Afrique du Sud. Elle étudie les beaux-arts à l'université de Witwaterstrand et à l'université d'Afrique du Sud. Vivant actuellement en Belgique, elle est en doctorat à l'université de Leuven. Pour ses films d'animation, elle utilise de grands dessins au fusain qu'elle transforme et redessine. "Bully Beef" est son troisième film. Morris montre ses films, parfois en même temps que ses dessins, dans des galeries, des musées et à des festivals. Ses films ont été sélectionnés pour concourir aux festivals de Fantoche, Oberhausen et Annecy.

Off the Record explores the different experiences and treatment of black and white South African soldiers in Europe during World War I. Two documents form the basis of the film, a war diary kept by the artist?s great-uncle Walter, and a 1917 account by Sol Plaatje of the frustrated attempts of many black South Africans to play their part in the war effort. Points of convergence between these disparate histories are created through the process of animation.

Wendy Morris was born in Namibia (1960), grew up in Johannesburg, South Africa. She studied Fine Art at the university of the Witwatersrand and at the University of South Africa. Now living in Belgium and working towards a practice-based doctorate in the arts at the University of Leuven. She is currently a member of the art-science collaboration Parallellepipeda. Her animated films are made by filming large charcoal drawings that she alters and redraws. Morris exhibits her films, sometimes together with the drawings, in galleries, museums and on festivals. Her films have been selected for competition at such festivals as Clermont-Ferrand, Annecy, Oberhausen, DOK-Leipzig and Fantoche.

Taste the World dure quatre minutes et montre que les touristes perçoivent le Tiers Monde comme une cours de récréation pour l?Europe. Le titre vient d?une brochure pour les touristes qui exhorte les voyageurs à ?goûter le monde.? Le slogan de cette publicité sous-entend que le monde est là pour ?vous,? pour le ?vous? du connaisseur doué de discernement, le ?vous? que représentent les Européens et leur excès de temps libre. Sans frontières, le (?tiers?) monde est présenté comme le domaine du consommateur, un domaine qui offre des choix illimités : culinaires, sexuels, économiques et culturels. Le film commence et finit par un repas. Intercalée dans cette histoire, on trouve une référence au voyage de Sarah Bartman, la femme Khoi Sud Africaine qui a été exhibée en Europe dans les années 1700 comme étant le lien entre l?homme et le singe, et à son retour au pays. Elle mourut jeune à Paris et des parties de son corps furent mises en bouteille et montrées au musée de l?homme. En 2003, ses restes furent rapatriés en Afrique du Sud et elle fut enterrée.

Wendy Morris est une artiste du visuel née en 1960 à Walvis Bay en Namibie. De nationalité Sud Africaine, elle vit en Belgique. Elle a été Bachelor of Arts in Fine Arts en 1994 à l?université d?Afrique du Sud. En 1999 elle est Honours Bachelor of Arts en histoire de l?art également à l?université d?Afrique du Sud. Et en 2004, elle a obtenu une maîtrise en arts visuels, toujours à l?université d?Afrique du Sud.