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Wie macht man Glas? (handwerklich) Im Frühjahr 1970 in Schweden gefilmt von Peter und Zsoka Nestler. Antike Glasgefässe und dann die Herstellung von Glas und Gläsern der waldreichen Landschaft Smaland. Mit der Kamera wird beobachtet und entdeckt, gleichzeitig ein chronologisches Beschreiben der Arbeitsgänge. Das Zusehen ist Bewunderung und Staunen über die Bewegung, das Material, das Licht und die Kunstfertigkeit der Glasmacher.

Peter Nestler, geboren 1937 in Freiburg im Schwarzwald. Über Lahr/Baden nach Berlin. Anfang des Krieges nach Bayern, wail meine Eltern zu Recht befürchtet haben, dab da bald Bomben fallen. In Grainau an der österreichischen Grenze Volksschule. Nach dem Krieg die Scheidung meiner Eltern. Aufteilung der Geschwister, zwei bei meiner Mutter, ich und die älteste Schwester bei meinem Vater. Internat. Weil es nicht so einfach war, die Kinder grobzuziehen zu Hause. Ab fünfzehn per Autostop durch Frankreich, Italien. Nach der Handelsschule endgültig von zu Hause weg. Fabrikarbeit. Zur See gefahren. Dann wieder zurück in den Familienbetrieb des Grobvaters und und der Restfamilie in Lahr. Abgebrochen, weil es aussichtslos war, nur für den Erwerb tätig zu sein. Malereistudium in München. Siedbruck in Stuttgart in der Werkstatt von Willi Baumeister, die industriell weitergearbeitet hat. Nicht mehr zu Lebzeiten von Baumeister. Wieder zurück nach München. Kleine Statistenrollen als Nebenerwerb. Ersten Rollen mit der Absicht, aus dem Geld Filme zu machen. Dann in den frühensechziger Jahren Film - und Fernsehrollen, die immer wieder zu eigener Filmarbeit geführt haben, kurzen Dokumentarfilmen. Das ging bis 1965. Dann war es schwer, weiter Geld auzutreiben. Emigration nach Sweden, das Land meiner Mutter. Heirat 1966 in Hungarn. Dann kam die Familie in Scheden. Da auch noch Waldarbeit und Fabrikarbeit, bis ich endgültig Fub gefabt hatte mit Film beim schwedischen Fernsehen. Arbeit mit Kinderprogrammen. Teils eigene Filme, teils Filme für die Dokumentarfilmabteilung. Dann in der Hauptsache eingestellt, um Filme aus Ausland eizukaufen. In den letzten Jahren keine Dokumentarfilme mehr für das schwedischen Fernsehen, sondern auf Free lance-Basis in dienstfreier Zeit. Filme, die oft in Deutscland finanziert wurden. Vier Kinder sind grob geworden in Schweden.

Wie macht man Glas? (maschinell) Im Sommer 1970 in Schweden und Westdeutschland gefilmt von Peter und Zsoka Nestler. Das Formen von Glas in Maschinen und Automaten der Industrie, die Anstrengung der Glasmacher und ihr immer noch handwerkliches Geschick an dem heissen Glas der schmelzenden Flammen, an dem kalten Glas der rotierenden Schleifscheiben.

Peter Nestler, geboren 1937 in Freiburg im Schwarzwald. Über Lahr/Baden nach Berlin. Anfang des Krieges nach Bayern, wail meine Eltern zu Recht befürchtet haben, dab da bald Bomben fallen. In Grainau an der österreichischen Grenze Volksschule. Nach dem Krieg die Scheidung meiner Eltern. Aufteilung der Geschwister, zwei bei meiner Mutter, ich und die älteste Schwester bei meinem Vater. Internat. Weil es nicht so einfach war, die Kinder grobzuziehen zu Hause. Ab fünfzehn per Autostop durch Frankreich, Italien. Nach der Handelsschule endgültig von zu Hause weg. Fabrikarbeit. Zur See gefahren. Dann wieder zurück in den Familienbetrieb des Grobvaters und und der Restfamilie in Lahr. Abgebrochen, weil es aussichtslos war, nur für den Erwerb tätig zu sein. Malereistudium in München. Siedbruck in Stuttgart in der Werkstatt von Willi Baumeister, die industriell weitergearbeitet hat. Nicht mehr zu Lebzeiten von Baumeister. Wieder zurück nach München. Kleine Statistenrollen als Nebenerwerb. Ersten Rollen mit der Absicht, aus dem Geld Filme zu machen. Dann in den frühensechziger Jahren Film - und Fernsehrollen, die immer wieder zu eigener Filmarbeit geführt haben, kurzen Dokumentarfilmen. Das ging bis 1965. Dann war es schwer, weiter Geld auzutreiben. Emigration nach Sweden, das Land meiner Mutter. Heirat 1966 in Hungarn. Dann kam die Familie in Scheden. Da auch noch Waldarbeit und Fabrikarbeit, bis ich endgültig Fub gefabt hatte mit Film beim schwedischen Fernsehen. Arbeit mit Kinderprogrammen. Teils eigene Filme, teils Filme für die Dokumentarfilmabteilung. Dann in der Hauptsache eingestellt, um Filme aus Ausland eizukaufen. In den letzten Jahren keine Dokumentarfilme mehr für das schwedischen Fernsehen, sondern auf Free lance-Basis in dienstfreier Zeit. Filme, die oft in Deutscland finanziert wurden. Vier Kinder sind gross geworden in Schweden.

An accident setting serves as the scope for a cinematic metaphorical dialogue: two figurine subjects, that ultimately crash into each other in a slow motion car crash scene, act as the framework to the formal structure of the film. Mutual subjection and impression are allegorically exemplified - the momentum of the impact of the collision subserves as a generator to astonishing artificial bodily postures, that could be translated into something like an archive of embodiments. In transitory cut scenes between the decelerated sequence of this mishap, "biographical" flashbacks are inserted.

Yves Netzhammer, born in 1970. Since 1997, he has been working on a widely ramified, poetic imagery cosmos. His video installations, objects and drawings fascinate through their bodily charisma and their formal clarity. The playful recombination of elements which seemingly can not be combined leads to the threshold of our existence?s dark side: Dulcet aspects interlock with displeasing ones, the dead melts with the alive into creatures never seen before, and the depicted scenarios run from microscopic to giant scales. Solo exhibitions include Minsheng Art Museum Shanghai (2011), Kunstmuseum Bern (2010), Palazzo Strozzi (2009), SFMOMA, San Francisco (2008), Venice Biennale (2007), Karlskirche Kassel (supporting program documenta 12, 2007), Kunsthalle Bremen (2005). Yves Netzhammer lives and works in Zurich.

Yves Netzhammer a réalisé, pour le pavillon suisse de la Biennale de Venise, une installation dans une pièce où interagissent l'architecture, des dessins, des projections vidéos et de la musique. L'artiste a étendu la partie sud-est du pavillon, érigé en 1951 par Bruno Giacometti, avec une intervention architecturale/sculpturale qui perturbe la perception entre intérieur et extérieur. C'est une réflexion architecturale et politique. Le fait d'insérer dans le pavillon une ligne inclinée qui pénètre le pavillon en même temps qu'il l'ouvre met en perspective les frontières nationales et internationales et ce qu'elles rendent impossible. Dans son travail pictural et ses films pour Venise, Netzhammer confronte le stéréotype de l'"Autre" à sa lecture de l'histoire. L'"Autre" apparaît sous la forme d'un sujet psychologique refoulé, des corps qui ne sont que des ombres, des entrailles invisibles, des couleurs de peau différentes; autant de signes de l'altérité culturelle. Le fait d'associer ces motifs créée un rapport nouveau entre soi et autrui, entre les cas individuels et les problèmes universels, et permet une discussion sur les façons de se positionner dans l'espace et la relation aux autres. Netzhammer réfléchit aux manières de rendre le "soi" réceptif à l'"autre".

Yves Netzhammer est né en Suisse en 1970. Il vit et travaille à Zürich. Son travail a été présenté entre autres à La Neue Gesellschaft Für Bildende Kunst (NGBK) à Berlin, au Centre culturel Suisse à Paris, au ZKM de Karlsruhe, au Musée d?art du Texas à Austin, Texas, au centre international de sculpture de Duisburg, à VIPER à Bâle, à la Kunsthalle de Bâle, au Witte de With à Rotterdam, à la 11ème Biennale de l'Image en Mouvement à Genève, au Centre d'Art Contemporain de Fribourg, à la biennale d?art contemporain de Prague, à la Kunsthalle de Brême, à la Galleria d´Arte Moderna de Bologne. Son travail fait partie des collections du FRAC - Nord-Pas de Calais, Dunkerque et du FRAC - Provence-Alpes-Côte d'Azur, Marseille Il est actuellement présenté à la 52ème Biennale de Venise

« Furniture of Proportion » d?Yves Netzhammer révèle la fascination de l?artiste pour les paysages intérieurs et de l'esprit. Netzhammer présente un univers poétique de pure invention. Projeté pour la première fois au San Francisco Museum of Modern Art (USA), sa nouvelle installation vidéo à trois canaux « Furniture of Proportion » (2008) mêle des dessins de mur très stylisés, des animations et des objets sculpturaux afin de créer un espace narratif complexe. Sur invitation de Rudolf Frieling, le conservateur des arts médiatiques du San Francisco Museum of Modern Art, Netzhammer a consciemment développé une ?uvre dans laquelle l'ordinateur, en tant qu?outil artistique et moyen d'expression, a la priorité. Netzhammer combine une variété de médias traditionnels à différentes techniques informatiques afin d?exprimer son profond intérêt pour l'histoire de la philosophie et del'art. L'artiste se penche également sur les processus de la pensée humaine et sur l'interaction entre les images extérieures du monde et les images intérieures de l'esprit. Entrepris comme une enquête sans fin, son art s?intéresse à l'éphémère et aux états de changement, et traite, avec des effets surréalistes, les associations d?idées, et de la multiplicité temporelle.

Yves Netzhammer est né en Suisse en 1970. Il vit et travaille à Zürich. Son travail a été présenté entre autres à La Neue Gesellschaft Für Bildende Kunst (NGBK) de Berlin, au Centre culturel Suisse de Paris, au ZKM de Karlsruhe, au Musée d?Art du Texas d?Austin (USA), au centre international de sculpture de Duisburg, au VIPER de Bâle, à la Kunsthalle de Bâle, au Witte de With de Rotterdam (Pays-Bas), à la 11e Biennale de l'Image en Mouvement de Genève, au Centre d'Art Contemporain de Fribourg (Allemagne), à la Biennale d?Art Contemporain de Prague, à la Kunsthalle de Brême, à la Galleria d?Arte Moderna de Bologne (Italie). Son travail fait partie des collections du FRAC - Nord-Pas de Calais, Dunkerque (France) et du FRAC - Provence-Alpes-Côte d'Azur, Marseille.

A consequential animation film which casts the medium of film back on its origin, the image. Beginning with divers on a platform in the sea, the viewer is simultaneously immersed in pictorial spaces in pictorial worlds, whose associative inner logic collides with the customs of conventional narration.

Yves Netzhammer, born in 1970, studied Visual Design at the Zurich College of Art and Design. Since 1997, he has been working on a widely ramified, poetic imagery cosmos. His video installations, objects, slide shows and drawings fascinate through their bodily charisma and their formal clarity. The playful recombination of elements which seemingly can not be combined leads to the threshold of our existence?s dark side: Dulcet aspects interlock with displeasing ones, the dead melts with the alive into creatures never seen before, and the depicted scenarios run from microscopic to giant scales. Solo exhibitions include Kunstmuseum Bern, Switzerland, (2012), Liverpool Biennial, SFMOMA (2010), San Francisco (2008), Venice Biennale (2007), Karlskirche Kassel (supporting program documenta 12, 2007), Museum Rietberg, Zürich (2006), Kunsthalle Bremen (2005) and Helmhaus Zürich (2003). Yves Netzhammer lives and works in Zurich.

First Fugue is an experiment to find a way of putting documentary images together as if in a fugue like state. A fugue is a dissociative disorder like amnesia, although it also compels the subject to drift both in space and in identity. A fugue is caused by extremely traumatic events.

Arjuna Neuman was born on an airplane, that’s why he has two passports. He shows his work internationally with recent exhibitions in Germany at State of the Art and Haus Der Kunst der Welt; in Lebanon at Ashkal Alwan and Beirut Art Centre; in Canada at the Canadian Centre for Architecture and the Richmond Art Gallery; in France at Le Gaite Lyric; in Australia at Verge Gallery Sydney University; in Russia at the Moscow Museum; in USA at the Torrance Art Museum, Machine Projects and Human Resources amongst others. As a writer he has published articles in Relief Press, Into the Pines Press, The Journal for New Writing, VIA Press, Concord Press, Art Voices, and he is currently working on a text for E-Flux.com on the profit of smiling. Arjuna Neuman is based in Beirut and Los Angeles, where he founded the artist-run gallery and collective Concord.

Soot Breath / Corpus Infinitum is a film dedicated to tenderness. It reproduces a radical sensibility learned from listening to the blues, from listening to skin, to heat, and from listening to echoes, listening itself. Soot Breath // Corpus Infinitum is a newly commissioned film and installation by Arjuna Neuman and Denise Ferreira da Silva. Against and instead of apprehension, it fosters an image of existence in which attention twins the gentleness of touch as recalled by haptic and sonic expressions.

Arjuna Neuman is an artist, filmmaker, and writer. As a writer he has published essays in Relief Press, Into the Pines Press, The Journal for New Writing, VIA Magazine, Concord, Art Voices, Flaunt, LEAP, Hearings Journal, and e- flux. He studied at California Institute of the Arts. He works with the essay form with a multi-perspectival and mobile approach where ‘essay’ is an inherently future-oriented and experimental mode, becoming the guiding principle for research and production, which shifts between the bodily, haptic, and affective through to the geopolitical, planetary and cosmological. Denise Ferreira da Silva is a practicing artist and an academic - Director and Professor at the Social Justice Institute-GRSJ at the University of British Columbia. She is the author of Toward a Global Idea of Race (2007), A Dívida Impagavel (2019), and co-editor of Race, Empire, and the Crisis of the Subprime (2013). Her several articles have been published in leading interdisciplinary journals, such as Social Text, Theory, Culture & Society, Social Identities, PhiloSOPHIA, Griffith Law Review, Theory & Event, The Black Scholar, to name a few. Her work addresses the ethico- political challenges of the global present. She is a member of several boards including Haus de Kulturen de Welt (Berlin), International Consortium for Critical Theory Programs and the journals Postmodern Culture, Social Identities, and Dark Matter.

Syncopated Green calls on the history of outdoor free parties to re-describe the English Countryside. The film listens to rave music, past and present, to help forget the official portrayal of England as picturesque, nostalgic, white, and rural. These traditional images of a “proper” England not only prop up the walls of national museums still today, but they also feed a growing conservativism that sustains Imperial fantasies, slavery legacies and Brexit realities. Music, especially music inspired by nature and designed to be played in the outdoors, has a unique way of expressing the landscape. Syncopated Green aims to include rave music into the English landscape genre and tradition – turning imperial history inside out. Rave music and its wider culture, importantly, celebrates black and brown artists and audiences, and has done so since its inception. Somewhere between a music video, a memoir, and an essay, the film asks, how might the current socio-political situation and looming future be different if we had other histories to lean on and dance with?

Arjuna Neuman b.1984, is an artist, filmmaker and writer, with recent presentations at MACBA Barcelona, CCA Glasgow; Centre Pompidou, Paris; Manifesta 10, Marseille; Showroom Gallery, London; TPW Gallery, Toronto; Forum Expanded, Berlin Berlinale; Jameel Art Centre, Dubai; Berlin Biennial 10, Germany; Serpentine, London X Qalandia Biennial, Palestine; Gasworks, London; Bold Tendencies, London, UK; Or Gallery, Vancouver; Whitechapel Gallery, London; Istanbul Modern, Turkey; MAAT and Docslisboa, Portugal; Sharjah Biennial 13, UAE; Bergen Assembly, Norway; at NTU Centre for Contemporary Art, Singapore; the 56th Venice Biennale and SuperCommunity; Industry of Light, London; the Haus Der Kulturen der Welt; at Ashkal Alwan and the Beirut Art Centre, Lebanon; Le Gaite Lyric, Paris; the Canadian Centre for Architecture; and the Rat School of Art, Seoul amongst others. As a writer, he has published essays in Relief Press, Into the Pines Press, The Journal for New Writing, VIA Magazine, Concord, Art Voices, Flaunt, LEAP, Hearings and e-flux.

Port 1 is the first chapter of Caesium Forest, an ongoing project that explores five different yet inter-connected relationships (ports) to technology. Each relation could be interpreted as a type of reverence?spiritual or scientific. The project starts with the atomic bomb in Wendover and traces out a space shuttle?s retirement, Christian techno-music as worship, TED Talks, and returns to the government nuclear facilities of Oakridge, TN. The goal is to bring these different yet inter-connected narratives together, to create a filmic ecosystem. In particular the project will draw its formal structure from the way radioactive tracers were used to identify the relationships across biota within a given ecosystem. In fact it was only through the radioactive contamination of the Manhattan Project in Oak Ridge that provided the means for ecology to develop as we know it today. Port 1: Lost in the Caesium Forest begins this story in Wendover ? the former largest US airforce base and home to the Nagasaki and Hiroshima atomic missions. Port 1 assembles a dream like sequence in the ruined Utah/Nevada landscape, where World War 2 history becomes casino, becomes Hard Times Pawn Shop, becomes fireworks, becomes SWAT team forced entry, becomes a Christian rave ? all the while preparing us for the future.

Arjuna Neuman was born on an airplane, that?s why he has two passports. He is a filmmaker, writer and artist. He exhibits his work internationally including recent shows in the US, the UK, Australia, Canada, Switzerland and Germany. Recent exhibitions include ?ich bin naimah? at Seven Swans, Frankfurt; ?Arjuna Neuman? at the Torrance Art Museum, Los Angeles; and ?ABC ? Montreal? at the Canadian Centre for Architecture, Montreal. His videos have been screened at Redcat Gallery, Culture Unplugged, Verge Gallery, Out the Window Festival, Video Row and Richmond Art Gallery. His writing has appeared in Art Voices, The Journal for New Writing and Into the Pines Press amongst others. He is the co-founder of the research gallery and collective ? Concord in Cypress Park, Los Angeles, where he lives, collaborates and works.

HAVEN is a critical and poetic reworking of the bizarre story of Sealand, a tiny, unrecognized micronation on an abandoned World War II gun tower in the North Sea. The tower has been occupied since the 1960s by a British family, who claim the artificial territory as their own, independent from state power. Originally intending to use the tower to broadcast pirate radio, the family worked with two cyber-libertarians in the early 2000s to establish the world's first data haven—what they described as "pirate internet." The data haven promised to be a refuge for unregulated data - the only truly safe place in the world to keep information. HAVEN's experimental narrative approach speculates on the rift that occurred between the family and the data haven's founders. It also touches on other failed utopias and neoliberal ventures, such as the libertarian Seasteading project, which aims to build floating communities that they describe as 'start-up countries', and Microsoft's Project Natick, the world's first undersea data center. HAVEN incorporates these references to question the possibility the sea provides for extraterritorial places — spaces beyond the territory of the state — while also critically analyzing the often capitalist and colonialist ideologies behind such ventures.

Born 1981, Hobart. Lives and works Hobart and Lisbon, Portugal. James Newitt has created a body of work that consistently engages with specific social and cultural contexts through personal, observational and performative approaches. Recent work has increasingly embraced speculative forms of storytelling as an extension of the more documentary tendencies he continues to explore. In 2012 Newitt was awarded the prestigious Samstag International Visual Arts Scholarship. James has exhibited in galleries, museums and film festivals including: Galeria Boavista (solo), Lisbon, 2023; Edith-Russ-Haus for Media Art (solo), Oldenburg, Germany, 2023; Samstag Museum of Art (solo), Adelaide, Australia, 2023; Porto Photography Bienal 2021; Carpintarias de São Lázaro (solo), Lisbon, 2020; Appleton Cultural Association (solo), Lisbon, 2019; the Art Gallery of New South Wales, 2013 and 2019; Perth Revelation International Film Festival, 2019 and 2020; Contemporary Art Tasmania, 2007 and 2018 (solo); Tasmanian Museum and Art Gallery, 2011 and 2021 (solo); Centre for Contemporary Art, Glasgow, 2018; Ar Sólido, Lisbon, 2016; Carriageworks, Sydney, 2015; Lumiar Cite (solo), Lisbon, 2013; Queensland Art Gallery, 2012; the Museum of Contemporary Art, Sydney, 2010; the Gallery of Fine Arts (solo), Split, Croatia, 2010; Rosalux (solo), Berlin, 2009 and 2010; and the Art Gallery of South Australia, 2008.

What happens when two enterprising young artists abandon the sheltered sphere of art school decadence for life in the real word? A frank portrait of excess, indulgence, and dysfunction, "A Hand on the Doorknob of Greatness" follows its protagonists down a path toward inner enlightenment... and never emerges. As it turns out, the "real world" for this precocious pair of partners in their prime is one in which the most ordinary of gestures ? dressing, sitting, speaking, being ? adopt the most profoundly meaningless overtones. A veritable smorgasbord of meaninglessness ensues: Are they trapped, much like their captive audience, in a prison of their own making? Is there any escape? Who holds the keys? And does it matter? A thoroughly underachieving anti-video art art piece for the contemporary age, "A Hand on the Doorknob of Greatness" asks this and more, finally begging the question: What did I just watch?

Gigi Ng is an artist living in New York City. She graduated from a combined degree program with Tufts University and the School of the Museum of Fine Arts, Boston, with a BA in Psychology and a BFA in Film & Video. Having recently completed a series of Rorschach paintings, Gigi is now squarely focused on a film about the Hindenburg and ongoing projects with her 'partners in prime' partner. Gigi works for The Mill, a world-leading visual effects company, with aspirations of becoming a special effects artist. David Thacker is a Boston-based artist and music critic for Boston?s Weekly Dig magazine. Having graduated from Tufts University and SMFA, Boston, with a BA in Women?s Studies and a BFA in Sculpture & Media Arts, he has since metamorphosed into an IT professional for the Massachusetts state government. David?s recent work is concerned with complicating the boundaries of art and enabling viewer participation in sculptural environments.

Et si chaque journée était juste une répétition pour la suivante? Seriez-vous satisfait de l'état des choses? Vous remettez en cause un système, mais fonctionne-t-il pour vous? Les routines et leur valeur. Nous combattons cela chaque jour.

Over fifty years ago in the United States, thirteen female pilots were tested to see if they were capable of going into space as astronauts. The program was cancelled prematurely, but this medical experiment became a call for two of them, Jerrie Cobb and Janey Hart, to petition for a Congressional Hearing in an attempt to change the requirements so that women could become astronauts alongside their male counterparts. Huong Ngo and Or Zubalsky took this act of resistance as a departure point for their album and film, "Shadows Making Shadows." These videos, which combine appropriated period footage with newly shot 8mm film, serve as a love letter to these thirteen women and a contemporary reflection on systems that exclude specific bodies from representing our future.

Hương Ngô is an artist and educator, born in Hong Kong, and based in Paris, FR and Brooklyn, NY. Her work, often collaborative and performance-based, has been supported by the New Museum, Rhizome, LMCC, The Kitchen, EFA Project Space, iLAND, CulturePush, Eyebeam, Tate Modern, Vox Populi, The Aldrich Contemporary Art Museum, The Museum of Contemporary Art in Chicago, the Madison Museum of Contemporary Art, and the National Museum in Prague. She is a part of the collective Fantastic Futures, is a recent Whitney Independent Study Program Fellow, and earned her MFA from the School of the Art Institute of Chicago. Or Zubalsky a programmer, artist, musician, and collaborator. He is a lover of sound, listening, collaboration, open source, questions, language, exchange, walking, and low technology. He is also a part of the collectives Fantastic Futures and Trade School, and music projects Juviley and The Youngest.

Thuy-Han Nguyen-Chi's film Into the Violet Belly is a striking work blending family lore, mythology, science fiction, and digital abstraction. The film captures the experimental collaboration between the artist and her mother, Thuyen Hoa, who survived a perilous sea journey while fleeing Vietnam after the end of the American War. The film oscillates seamlessly between multiple voices, visual registers, and timescales,—was it seven months or seven thousand years?—creating an image of multitudes: migrating bodies swimming in an infinite blue, depicted as both a massive digital swarm and tiny avatars.

Thuy-Han Nguyen-Chi is a Milky Way-based artist whose practice mutates in and out of film, sculpture, installation, performance, and interdisciplinary research. Her work explores the epistemological, aesthetic, and political possibilities of the moving image at the intersections of art and science, documentary and fiction, personal/prosthetic memory and individual/collective histories. Having studied Fine Arts at the Städelschule and Film at the School of the Art Institute of Chicago, she is currently pursuing PhD research in Film at the University of Westminster. Thuy-Han’s work has been presented in both the art and cinema context, including Akademie der Künste, Berlin; Atletika, Vilnius; Belvedere 21, Vienna; Centro di Musica Contemporanea di Milano, Milan; De Appel, Amsterdam; Gene Siskel Film Center, Chicago; Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen; Kunsthall Trondheim, Trondheim; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt; Museum of Contemporary Art and Design, Manila; Nottingham Contemporary, Nottingham; Sàn Art, Saigon; Villa Medici, Rome; Whitechapel Gallery, London; the 12th Berlin Biennale, Berlin; the 12th BlackStar Film Festival, Philadelphia; the 20th Copenhagen International Documentary Film Festival, Copenhagen; the 19th 25FPS International Experimental Film and Video Festival, Zagreb; the 60th New York Film Festival, New York; Rencontres Internationales, Paris; the 20th Reykjavík International Film Festival, Reykjavík; the 33rd Singapore International Film Festival, Singapore; among other spaces. She is working on her first feature-length film.

Phill Niblock travaille entre autres avec la musique et le son, le cinéma, la photographie, la vidéo et les technologies informatiques. Il crée un bourdonnement dense, intense, dans lequel vibrent des microtons de timbres instrumentaux, qui induisent à leur tour un série d'autres sons sur le lieu de la performance. Il présente simultanément des films et des vidéos qui fixent le déroulement des gestes de personnes au travail, ou bien des images flottantes, dirigées par ordinateur et abstraites en noir et blanc. Phill Niblock est né en 1933dans l'Indiana, depuis le milieu des années 60 il fait de la musique et des performances intermédiaires qui ont été internationalement présentées et réalisées dans différents lieux et institutions, entre autres: The Museum of Modern Art; The Wadsworth Atheneum; the Kitchen; the Paris Autumn Festival; Palais des Beaux Arts, Bruxelles; Institute of Contemporary Art, London; Akademie der Künste, Berlin; ZKM; Carpenter Center for the Visual Arts at Harvard; World Music Institute at Merkin Hall NYC. Depuis 1985 il est directeur de la Experimental Intermedia Foundation à New York (www.experimentalintermedia.org), dont il est membre depuis 1968 comme artiste . Depuis 1973 il est producteur/organisateur de musique et de présentations intermédiales à l'EI (env. 1000 performances)et administrateur du label de l'EI XI. En 1993 il a été co-fondateur de l'Experimental Intermedia Organization à Gent, Belgique- EI v.z.w. Gent - qui offre à des artistes dans le cadre de résidences la possibilité de séjours de travail, mais apporte aussi son soutien à des installations intermédiaires. Des enregistrements de Phill Niblock sont sortis aux labels XI, Moikai und Touch. Un DVD de ses films et de sa musique est disponible chez Extreme. www.kunstradio.at

Le traditionnel parc d'attraction viennois le "Prater", vu par ceux qui y travaillent, le gérant du parc et toute l'équipe. Comment sont-ils arrivés dans ce parc de renommée internationale et quelles attentes avaient-ils ? Fokus Pokus ?uromatik montre la réalité : la vie d'un employé de parc d'attraction tient peu du charme viennois. Les travailleurs, dont la majorité vient d'anciens pays communistes, racontent l'histoire de leur quotidien, de leurs occasions ratées, de l'argent, d'une société où la migration économique est devenue pour beaucoup une obligation et où l'identité ne se définit plus uniquement par la nationalité.

Borjana Ventzislavova,(1976, Sofia, BG) est diplômée de l'université des Beaux-Arts de Vienne et membre de Dezentrale Medien et du groupe Nebudu. Mirosllav Nicic (1975, Djakovica, YU) étudie les arts multi-médias et les arts numériques à l'université des Beaux-Arts de Vienne. Il est diplômé de l'univesrité de sciences économiques de Sofia. Il est membre du groupe Nebudu.

Quatre travestis sont amenés dans une chambre d'hôtel la même nuit. L'un après l'autre ils se prêtent au jeu du réalisateur : s'allonger sur le lit et rester dans la chambre vide avec une caméra. Ils se recréent un personnage et à travers celui-ci ils commencent doucement à se dévoiler : leurs rêves, leurs espoirs, leurs interrogations et leurs expériences dans les rues de Sao Paulo.

Diplômée en Cinéma et Vidéo à l'Université de Sao Paulo en 1999, Kika Nicolela a débuté sa carrière comme assistante réalisateur pour des longs-métrages. En 2002, après avoir terminé des cours de cinéma à UCLA (Université de Californie), Kika fonde sa propre société de production, Dilema Studio, basée à Sao Paulo. Depuis, elle a produit et réalisé plusieurs vidéos expérimentales et documentaires. Ses ?uvres ont été exposées dans plusieurs festivals dans le monde entier.

Regions that remain inaccessible and deserts of ice that extend beyond sight. Geographies that have attracted the thought of explorers and navigators fascinated by the end of the world. Situated in the southern region of the Andes mountain range, the Patagonian Ice Fields represent the largest mass of ice in South America. The exodus of the forgotten explores the impulse that drives humans to leave everything behind to immerse themselves in an unknown territory. In their fascination for the abyss and the search for the unreachable, they are united in a strange act of intensity.

Alors que tout s’était arrêté et que le confinement s'étendait à toute la planète, je me suis consacré à créer de nouvelles musiques originales et à revoir certaines de mes œuvres antérieures, avec du matériel qui avait été laissé de côté lors de leur postproduction initiale. C'est ainsi que j'ai abordé de nouveau l'expédition dans les champs de glace de Patagonie, un projet que j'ai réalisé en collaboration avec des membres d'une équipe de sauvetage en montagne. La Patagonie est affectée dramatiquement par les changements climatiques et par le réchauffement de la planète. Les glaciers disparaissent sous nos yeux. Dans ce contexte, un groupe de personnes se retrouve perdu dans un labyrinthe de glace. Unis et isolés, ils envisagent l'effondrement de leur univers.

Charly Nijensohn est né Buenos Aires (Argentine) en 1966. Il vit et travaille à Berlin, et est artiste multidisciplinaire. Son travail artistique comporte plusieurs niveaux. Charly Nijensohn travaille sur l'idée d'une confrontation entre l'être humain et les forces naturelles de l'univers qui nous entoure. La relation entre l’humain et l'espace qui l'entoure représente un conflit à la fois réel et existentiel. Il a représenté l'Argentine avec une exposition personnelle à la 50e Biennale de Venise (Italie). Son travail a été notamment présenté à la BienalSur, Buenos Aires (Argentine) [2017], et à la Mediations Biennial, Poznan (Pologne) [2012]. Il a exposé à la Biennale de Valence (Espagne) [2001], dont le curateur était Peter Greenaway; à la Biennale de Singapour (Singapour) [2008], dont le curateur était Fumio Nanjo; et à la Dojima River Biennale, Osaka (Japon) [2009]. Il a également présenté son travail dans de nombreux festivals, notamment à la Transmediale, Berlin (Allemagne); à Videobrasil, São Paulo (Brésil); aux Rencontres Internationales Paris/Berlin – qui se sont tenues à la Haus der Kulturen der Welt, Berlin (Allemagne), au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid (Espagne), et au Centre George Pompidou, Paris (France); au Monitoring, Kassel (Allemagne); à Visions of Nature, Kunst Haus Wien, Vienne (Autriche) [2017/2018]; à Video Art in Latin America, LAXART, West Hollywood (USA) [2017]. Il a également exposé au Kröller-Müller Museum ["Windflower, Perceptions of Nature", 2011], Otterlo (Pays-Bas); au Morsbroich Museum ["Radical Shift"], Leverkusen (Allemagne); à la Akademie der Künste ["Realidad y Utopía, Argentiniens künstlerischer Weg in die Gegenwart", 2011], Berlin (Allemagne); à la Whitechapel Gallery [2010], Londres (Royaume-Uni); à Políticas de la diferencia, MALBA - Museo de Arte Latinoamericano, Buenos Aires (Argentine); et à Latin America: Video Views - Latin American Artist of the Twentieth Century, MOMA – Museum of Modern Art, New York (USA).