Catalogue 2025-2026

Synopsis La mythologie raconte qu’Ariane fut abandonnée par Thésée sur l’île de Naxos, à l’aube. Le film explore l’écho contemporain de ce mythe. Texte de présentation "Ariane" (8 min) est un court-métrage expérimental tourné sur l’île de Naxos, en Grèce. Inspiré du mythe d’Ariane abandonnée par Thésée, le film propose une exploration sensorielle de l’abandon et de l'attente qui s’ensuit. Sans dialogues, il invite à une immersion dans les paysages de Naxos, en regard des corps d'une femme et d'un homme. Le film interroge le lien entre les corps et ces espaces, entre la chair vivante et la chair disparue. Il s’attache à capter ce qui subsiste après le départ. Il reprend ce vers des Héroïdes d’Ovide : « Je touche, autant que je le puis, tes traces au lieu de toi ». Ces traces oscillent entre matière minérale d'une statue, et pixels dans la lumière d'un écran. L'attente devient obsessionnelle, révélant également notre propre besoin de retrouver l'autre à travers le virtuel aujourd'hui. Quitte à se perdre soi-même. "Ariane" a été réalisé entièrement en autoproduction, avec une équipe professionnelle.

Née en 1991, Anna Ostasenko Bogdanoff sort diplômée de la Fémis section Décor en 2019. Elle signe en tant que réalisatrice et scénariste plusieurs courts métrages. Sa fiction expérimentale "Mon Corps livré pour Vous" (2020) est en demi-finale aux Oscars étudiants et remporte une mention spéciale au Sao Paulo International Short Film Festival. Son court métrage documentaire "Her Scents of Pu Er" (2021) dresse le portrait de Maître Tseng, première femme maître du thé dans l’histoire de la Chine. Le film est en sélection à Hot Docs, DOC NYC et Odense Film Festival entre autres. Anna clôture en 2022 une année de résidence au Musée des Arts Décoratifs. Elle a réalisé dans les locaux des films sur les collections et les expositions. Depuis, elle collabore avec divers artistes pour créer des films inspirés de leur travail. En 2023, elle co-réalise "Puisque tout brûle", un court-métrage explorant le skate sous le prisme du corps qui chute. En 2025, elle réalise le court métrage expérimental "Ariane", tourné à Naxos, Grèce, inspiré du mythe d’Ariane. Son prochain court métrage, soutenu par le CNC et la région Pays de la Loire, sera tourné en 2026. Elle écrit également son premier long métrage avec les Films du Poisson. Ces deux projets explorent des thèmes personnels tels que le deuil, le corps et l’héritage familial. Enfin, elle écrit son premier roman, une autofiction, qui sera publié aux éditions JC Lattès en septembre 2026.

Over a haze of shifting images, a narrator recounts a series of surreal encounters. Drifting from an uneasy New Year’s party to eerie treadmill sessions that verge on astral projection, she moves through the streets and subways of a fever-dream city. Alternately gripped by dread and transcendence, she sinks into a world increasingly untethered from reality. Part meditation and part paranoid fable, White Knuckle explores the dark paradox of late-capitalist consciousness: the intoxicating freedom we discover in detachment.

Allyson Packer is an artist working across video and installation to explore the affective experience of living in a post-real culture. Her work has been presented at Vapaan Taiteen Tila in Helsinki, Nahmad Projects in London, The Torrance Museum of Art in Los Angeles, The Henry Moore Institute in Leeds, UK, Hošek Contemporary in Berlin, La Box in Bourges, France, and the OSTRALE Biennale in Dresden, Germany, and has been featured in publications including The Guardian and Artmirror. Based in Brooklyn, Packer is Teaching Assistant Professor of Visual Art & Technology at Stevens Institute of Technology and is represented by birds + Richard in Berlin.

There is a south-facing house in Gyeonggi Province. In this house, there are four people: my mom, dad, grandfather, and me. They spend their days in their own space. Sounds traverse the house, both from inside and out.

Born in Gunpo, South Korea. He studied Film and Media at Dongguk University. Not good at writing original scripts, he seeks fiction through found moments, fragments, and given materials. His film, A South-facing House in Gyeonggi Province, has been screened at the DMZ Docs, Punto de Vista, and ARKIPEL, etc.

Under the merciless yoke of the all-powerful white man, nature and mankind are quickly tamed. Colonization, like a forced and destructive transplant, leads to ruin, desolation, and the enslavement of fauna, flora and humans. The colonialism, capitalism, their impact on humanity.

Director, videographer and scriptwriter, Pocas Pascoal was born in Luanda where she trained in visual arts and became the first female Angolan camera operator. In France, she graduated in editing and worked for 15 years as an editor. In 1998, she made her first short film Pour Nous. She participated in various exhibitions including the Havana Biennial, Bordeaux Architecture Biennial and Luanda Triennial. Two other documentaries followed: Childhood Memories in 2000 and There's Always Someone Who Loves You in 2004. In 2008, she turned to fiction with the short film Demain Sera Différant. Based on her personal experience, she shot the feature film Alda and Maria in 2012. This film was part of the official selection of the Locarno Film Festivals, and she won seven international awards, such as Best Feature Film at the Los Angeles Independent Film Festival, the EU Award at FESPACO and the Best Feature Film at the IndieLisboa FF in 2012. In 2021, she directed the Tv film A Palavra Magica and the documentary Blow, which won the Arvore da Vida Award for Best Film at the IndieLisboa FF 2021. In 2022 she was invited by the Natural History Museum of Lisbon to create a video installation. In 2024 she participated at the Dakar Biennale and in the collective project GREENHOUSE, which represented Portugal at the 60th International Art Exhibition — La Biennale di Venezia. With the film Time to Change, which is currently touring international festivals, having been presented, among others, in Clermont-Ferrand IFF, Curtas Vila do Conde IFF; RIDM, Uppsala, FilmFest Dersden and premiered in theaters in Portugal in July 2025. Currently in development, the feature film Sarah Maldoror.

Saaret navigates the city of Helsinki as an environmental archipelago composed of heat and energy islands, insulated atmospheres, and artificial climates, leaking both from the past and future. Through stories that connect different areas of the city, a hybrid narrator voice emerges as an ecological subjectivity produced by and through sensing, at once abstract and embodied into different physical forms and temporal perspectives. Each narrative moment provides a glimpse into the complex layers of time and space, offering perspectives that transcend traditional boundaries between nature, technology, and the urban environment. The essay film alludes to the now-extinct genre of the city symphony, while the Super8 film format creates a dreamlike temporal ambivalence reminiscent of travel films and nature documentaries. The image frames appear as fragile envelopes themselves. The work ultimately creates a sensory, cinematic reflection on the interactions between human life, urban infrastructure, and the natural world.

Paolo Patelli (1984) manipulates architecture, research and artistic practice. His work is scaffolded in observations, excavations and mediations in lived space, media and archives. Through artistic methods and collaborative enquiries, he engages with the materialities, scenes and atmospheres at the intersections of space and society, technologies and environments. Paolo is currently a Postdoctoral Researcher at Aarhus University, where he investigates the architectural contexts of environmental data construction through multi-modal methods, as part of the Design and Aesthetics for Environmental Data project headed by Jussi Parikka. He was a Research Associate at the Research Center for Material Culture (2020-22), a 2020/2021 Fellow at the Akademie Schloss Solitude; a 2019/2020 Research Fellow at Het Nieuwe Instituut; artist-in-residence at the Jan van Eyck Academie in Maastricht in 2017/18; IdeasCity Fellow at the New Museum (2016). He holds a PhD in Architecture and Urban Design from Politecnico di Milano (2015). He collaborated with the Programme d’Expérimentation en Arts Politiques (SPEAP) directed by Bruno Latour at Sciences Po (2016–2018), and taught at The New School’s Parsons Paris. He was a tutor and associate lector at the Design Academy Eindhoven (2017–2021) and a core tutor in the Studio for Immediate Spaces (Sandberg Instituut, 2019–2022).

A creative dance documentary, Otherwise in Istanbul, follows the Istanbulian dancer Mihran Tomasyan, in a narrative told through his Armenian family history and identity, woven with archives, a collectively improvised choreography and the bamboleo of contemporary Istanbul. Otherwise in Istanbul looks at life in Istanbul through Mihran’s story - a look at life through affirmation and communitarianism embodied in dancing together and living otherwise.

Biography Didem Pekün (b. 1978, Istanbul) is an award-winning artist-filmmaker and academic based in London and Istanbul. She works across moving image, text, photography, sound and theory. ? Both in her education and in her approach as an artist and educator, Didem’s work is characterized by a synthesis of theory and practice. She has made several works that address political violence, displacement, and their many intersections. Her films and installations are shown internationally at festivals, museums, and exhibitions. ? For her, both artistic practice and pedagogy have always been about becoming—ephemeral communities working together toward a shared goal. Whether on a film set, in a classroom, or in a garden with more-than-human collaborators, she is driven by work that is liberatory while also being ecodependent; thinking through the combination of the two is her core motivation. ? Didem received her BA (Hons) in Music from SOAS and holds an MA and a PhD in Visual Cultures from Goldsmiths. She has held fellowships at UdK Berlin, the Artistic Research Fellowship, and the Institute for Advanced Studies at Central European University. After faculty positions at CEU, Koç, Sabanc?, and Bo?aziçi universities, she currently teaches at Goldsmiths. ?

Jean a 84 ans. Devant la caméra, il consulte des photos de son passé en Algérie, souhaitant le « revivre pour oublier ». A 20 ans, il y a été appelé. Des archives amateures entrent en résonance avec ses visions, dévoilant le paradoxe entre un discours politique colonialiste et paternaliste, et la réalité d’une guerre qui aura duré 7 ans. Il raconte pour exorciser. « On tuait des civils. On avait torturé le type.» C’était dans le désert, et il y avait un puits, source de vie, qui ne résiste pas à la contamination d’une guerre qui n’en avait pas le nom.

Chris Pellerin, née à Brest en 1970, étudie le théâtre en Angleterre puis la littérature étrangère moderne en Italie, où elle intègre un laboratoire théâtral shakespearien. Autodidacte en dessin et en peinture, elle rentre en France et obtient un diplôme national supérieur d’expressions plastiques aux Beaux-Arts de Caen. Elle y développe une pratique mêlant dessin et vidéo, conçue comme un journal de bord, où l’intime et l’éphémère se rejoignent. Elle fonde ensuite des laboratoires d’expérimentations plastiques et visuelles dans des lieux d’enfermement – hôpitaux psychiatriques, prisons, hospices – pour redonner une voix et une image à ceux dont l’identité est souvent effacée. Son travail explore l’autoportrait et l’autoreprésentation comme moyens d’émancipation. Les participants deviennent acteurs du processus créatif, se racontant au-delà des mots, dans ce qui surgit malgré soi. Sa démarche privilégie l’évocation de l’intime à travers des dispositifs plastiques, notamment le dessin, afin d’éviter toute lecture voyeuriste. Ce cinéma protéiforme nourrit une filmographie expérimentale et narrative, dont Vue d’intérieurs (centre psychiatrique) et Fort intérieur (prisons). Installée entre la France et la Belgique depuis 2010, elle y réalise En attendant le déluge et En plein désert il y avait un puits, films primés dans de nombreux festivals.

Pour Gaël Peltier, la vidéo est avant tout le moyen d’enregistrer une performance dont la répétition n’est pas envisageable. Il s’agit d’un art de l’instant qui, comme ici, conduit à une destruction mécanique violente. La proximité avec le cinéma tient dans les procédures des actions auxquelles il se livre, se mettant volontiers en danger et acceptant comme un cascadeur les contraintes et les risques d’une opération minutieusement préparée. Au-delà de cette parenté technique et de références auxquelles on pense inévitablement, tel Crash de David Cronenberg d’après le roman de J. G. Ballard, tout dans cette œuvre s’oppose au cinéma. Il n’y a pas de récit, on se concentre sur un accident, sur l’accélération qui l’y conduit et sur le choc brutal auquel se soumet le performeur. Celui-ci se place entièrement dans le réel ; seuls les protections et le harnachement du conducteur distinguent ce crash volontaire d’un événement fortuit, tel qu’il s’en produit souvent sur la route. Cette similitude intrigue l’œil et indique l’existence d’un désir latent, non seulement de voir mais de participer à ce qui généralement n’est perçu que comme un événement dramatique aux conséquences souvent mortelles.

Gaël Peltier développe une pratique où l’attitude prévaut sur la production d’objets, de ready-mades ou de films, inscrivant son travail dans la lignée d’artistes sans œuvre. Il se définit comme un « artiste infra-conceptuel par défaut », adoptant une position latérale où un protocole appliqué au réel devient matériau. Ses projets mobilisent des engagements précis : prise de 30 kg de surpoids à New York pour un rôle inexistant (La Conjuration, 2010), collision automobile comme action critique (Percussion Mécanique, 2018), ou interventions qui troublent légèrement une situation ordinaire. La vidéo enregistre ces processus, non pour produire un effet, mais pour rendre visibles les conditions d’apparition dans un contexte réel. Il est exposé en France et à l’étranger depuis 2002.

« Une étrange épidémie s'est récemment propagée Parmi la population, Si bien que beaucoup, dans leur folie, Se sont mis à danser. Ils ont continué jour et nuit, Sans interruption, Jusqu'à perdre connaissance. Beaucoup en sont morts. »

Carlos Pereira, né à Lisbonne, étudie la réalisation cinématographique à la Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin (DFFB). Ses films ont été projetés dans des festivals tels que Locarno, San Sebastián et Rencontres Internationales Paris/Berlin. Son film Slimane (2023) a remporté le Prix de la critique cinématographique allemande du meilleur court métrage. Son premier long métrage, Remote Islands, écrit lors d'une résidence à la Fondation Bergman sur l'île de Fårö, est actuellement en préproduction.

This short film is about the first manned balloon flight in the United States, in 1793, when the country was only 17 years old. The aeronaut (balloonist) for this adventure was the celebrated Frenchman Jean-Pierre Blanchard. The idea that the 18th century United States was empty territory to be overtaken by settlers was, in part, supported by the new technology of balloon flight. The film carries us along with the story of Blanchard’s famous journey but by the end we find ourselves in contemplation of a five-hundred year old oak tree called the Clement Oak that sits, damaged from climate-catastrophic storms, behind a Walmart Supercenter in New Jersey. Blanchard’s flight is described in Journal of my 45th Ascension, Being the First Performed in America, on the 9th of January 1793.

Jenny Perlin’s work in film, visual art, and writing engages documentary traditions, incorporating innovative stylistic techniques to engage issues around truth, misunderstanding, and personal history. Her projects look closely at ways in which social machinations are reflected in the fragments of everyday life. Perlin’s work has been shown in numerous exhibitions and film festivals, including at the Whitney Museum of American Art, the Guggenheim Museum, the Museum of Modern Art, the New York Film Festival, the Berlin Film Festival, the Rotterdam Film Festival, and others. In addition to her work as an artist and educator, Perlin is director of?The Hoosac Institute, a platform for text and image focusing on works that exceed or challenge conventional disciplinary narratives.?

Tourné dans les gorges du Haut-Allier, Le quotidien est le portrait d’un homme qui a fait le choix de vivre seul et à l’écart, dans une cabane à l’orée d’une forêt. Les images sont la capture de ses gestes quotidiens, liés aux besoins essentiels de l’être humain : boire, manger, se laver, réparer, recommencer. "A la manière d’un cinéaste anthropologue, Jean-Baptiste Perret choisit un terrain, souvent rural, et s’y immerge pour de longues périodes. Il noue des relations avec les personnes qu’il y rencontre, filme leur habitat et leurs savoir-faire. Tourné dans les gorges du Haut-Allier, Le quotidien est le portrait d’un homme qui a fait le choix de vivre seul et à l’écart de la société humaine, dans une cabane à l’orée d’une forêt. Le vidéaste capture ses gestes quotidiens, liés aux besoins essentiels de l’être humain : boire, manger, se laver, réparer, recommencer. Le film s’inscrit dans une recherche plus globale sur les parcours de vie marginaux dans des contexte ruraux, qui inventent un autre lien au vivant, au territoire et à l’écologie." (Work Method, Guillaume Désanges et Coline Davenne)

Après des études scientifiques en écologie, Jean-Baptiste Perret a travaillé pendant plusieurs années à la protection de l’environnement au sein de collectivités territoriales. Diplômé en 2018 des Beaux-arts de Lyon, il poursuit son intérêt pour le milieu rural à travers une pratique cinématographique qui prend la forme de films et d’installations vidéo. Sa production est traversée par la question du soin qu’il envisage comme une attention à la vulnérabilité, inséparable de la puissance régénératrice des individus. Sa démarche s’appuie sur des enquêtes documentaires et utilise des méthodes issues de l’anthropologie qui interrogent les critères d’objectivité, plaçant ainsi l’affect au centre même du travail de recherche. Il s’inspire également du courant de la microhistoire qui cherche à se détacher des récits officiels des masses pour se concentrer sur les individus et leur propre vision du monde. Jean-Baptiste Perret filme des personnes qu’il rencontre dans des situations quotidiennes ; il s’intéresse à leur parcours de vie, leur environnement et leurs savoir-faire. À travers divers degrés de mise en scène qui laissent volontiers la place à l’improvisation, récits subjectifs et procédés fictionnels s’entremêlent. Son travail a notamment été présenté à l’Institut d’art contemporain (IAC) de Villeurbanne dans le cadre de la 15ème biennale de Lyon, au Musée d’art contemporain de Lyon, à la fondation d’entreprise Ricard (Paris), au musée de la Chasse et de la Nature (Paris), à la Chapelle Saint-Jacques (St Gaudens), à l’Institut national d’histoire de l’art (Paris), au FID Marseille, au Festival Hors-Pistes Centre Pompidou, aux États généraux du documentaire de Lussas, et plus récemment au 66ème Salon de Montrouge. Jean-Baptiste Perret est représenté par la galerie Salle Principale à Paris.

Dans un paysage désertique bien connu des voyagistes, des touristes européens en vacances “all inclusive” découvrent l’attraction majeure de ce pays africain : un lac salé. Se promenant entre le grotesque et un désir d'aventure, ces groupes sont baladés dans un environnement sensationnel qu’ils ne regardent pas forcément. Comme éteint, ils suivent les guides d’un véhicule à un autre. Ils restent ensemble selon leurs langues parlées, ne choisissent ni les activités qu’ils vont faire ni les lieux qu’ils vont visiter : L’hôtel payé d’avance, décide pour eux.

Après une école hôtelière et trois années de jobs expatrié en Irlande, en Angleterre et en Espagne, je décide de me réorienter vers le milieu artistique en 2018 en effectuant une année préparatoire au Beaux-Arts de Marseille. J’obtiens ensuite le Diplôme National d’Arts à la Haute École des Arts du Rhin (HEAR) de Strasbourg et je suis diplômé du master en photographie de L’Ecole Nationale Supérieure des Arts Visuels de la Cambre à Bruxelles. En entremêlant différents médiums comme la photographie, les images imprimées et l’installation, le travail de Camille Peyré explore les hiérarchies sociales et leur construction historique. Il se joue des structures politiques et des rapports de classe qui façonnent nos trajectoires, en décortiquant leurs représentations visuelles présentes dans notre quotidien. Il crée un répertoire d’images allégoriques, nourries par les expressions artistiques de la contestation et s’empare des paradoxes qui traversent nos sociétés L’appréhension de ces tensions se traduit dans son travail par l’utilisation du détournement, de l’hybridation et de la parodie, empruntées aux pratiques militantes et/ou populaires. En utilisant des matériaux du quotidien et de récupération, il s’empare de leurs caractéristiques utilitaires pour mettre en abyme les objets qu’il choisit de construire avec. Qu’il s’agisse de rejouer des portraits d’hommes d’État avec des uniformes de seconde main, de confectionner des vêtements de travail cousus avec des matériaux de récupération liés à leur profession, ou de bâtir une chapelle au néolibéralisme inspirée des théories de David Graeber, chaque projet devient un espace de friction critique, par les références qu’il fait dialoguer ensemble. À travers l’humour, l’utilisation du texte et l’ac cumulation des matériaux, des formes de dissidence douce sont inventées, où l’on interroge la norme et les esthétiques du pouvoir

Une marche nocturne pré-apocalyptique vous entraîne à travers une forêt en flammes pour être témoin d’une destruction imminente. Le feu, dans la forêt, annonce soit un désastre sur le point de survenir, soit une porte métaphysique ouvrant sur d’autres réalités.

Le duo Pink Twins, composé de Juha et Vesa Vehviläinen et basé à Helsinki, œuvre depuis 1997 dans les domaines de l’art médiatique, de l’image en mouvement et de la musique électronique. Les limites de la perception humaine, l’immersion et la physicalité sont au cœur de leurs recherches. Leurs animations complexes sont réalisées grâce au design paramétrique et à la programmation. Leurs œuvres ne se déploient pas seulement dans des expositions et des festivals, mais aussi sous forme de performances live mêlant musique et projections vidéo. Pink Twins se sont produits sur tous les continents, dans des lieux aussi variés que des salles de concert, des festivals, des théâtres ou des églises. Ces dernières années, ils ont également créé des œuvres audio et vidéo spécifiquement en ligne, comme la pièce sonore Infinity pour la collection d’art numérique du Kiasma.

This pseudo diary film is made of found materials from an unfinished 16mm film. Potenciais à Deriva is a film started by a Brazilian artist under a pseudonym while living in exile in Los Angeles, California. Isolated shots and previously assembled scenes reveal an intention to create a mysterious film comprised of disembodied interviews, empty rooms, radio recordings, soccer games, and sudden apparitions of the filmmaker that slowly ruminates on Brazil's colonial past, imperialism, and the military dictatorship of the time in a paranoid and anxious manner. Be aware that the film's final version never came to exist. This version presented is my mere attempt to produce a film with these otherwise lost images.

LEONARDO PIRONDI (b. São Paulo, Brazil, 1999) is a filmmaker and artist who lives and works between Los Angeles, Porto, and São Paulo. His films create and inhabit alternate worlds that blur the lines between reality and fiction, challenging conventional storytelling structures. Pirondi's films have screened internationally at festivals such as the Toronto International Film Festival, the Tiger Short Competition in Rotterdam, the New York Film Festival, the Viennale, Mar del Plata, FICUNAM, the BFI London, the Festival du Nouveau Cinéma, Edinburgh, Melbourne, Guanajuato, Ambulante, and Media City, UNDERDOX, among others. His work has been presented in art centers such as CCCB (Spain), the Wexner Center for the Arts (USA), and REDCAT (USA). He has had solo shows at Galeria Mola in Portugal and Spectacle Theater in New York. Some of his films live in the UCLA Film & Television Archive collection, the James Baldwin Library at MacDowell, the Cinematheque of the Museum of Modern Art in Rio de Janeiro, and The Film-Makers' Coop. in New York City. He holds bachelor's and master's degrees in film from the California Institute of the Arts (CalArts), was named one of Filmmaker Magazine’s 25 New Faces of Independent Film in 2025, is a Sundance Institute Fellow, and was awarded a MacDowell Fellowship in 2025. His work has been featured in publications such as ARTFORUM, Filmmaker Magazine, MUBI Notebook, Senses of Cinema, Talking Shorts, and InReview Online. His short and feature films have been supported by the Instituto do Cinema e do Audiovisual of Portugal (ICA), the Locarno Residency, Projeto Paradiso, the Allan Sekula Social Documentary Fund, San Diego Underground Arts, and the Tim Disney Prize for Excellence in the Storytelling Arts. He is a programmer for the Climate Film Festival NYC and is part of the board of directors and selection committee for Badam Film and its film development fund.

Tales from the Source propose un regard sur les paysages de la République démocratique du Congo afin de traduire quelque chose de leur puissance, de leur diversité et de leur savoir insondables. Le paysage y apparaît comme un personnage à part entière — une entité vivante, habitée par les symboles des traditions congolaises. L’approche visuelle emprunte aux techniques de l’imagerie multispectrale, produisant une expérience d’un autre monde, traversée de lumières et de couleurs surréelles. Associée à une composition musicale originale de Bear Bones, Lay Low, l’œuvre nous plonge dans un dialogue sensoriel avec le paysage, un être intelligent et sans âge, en transformation constante, qui vient défier notre perception.

Léonard Pongo (né en 1988 à Liège, Belgique) est un artiste visuel et cinéaste vivant et travaillant entre la Belgique et la République démocratique du Congo. Son travail explore les complexités de la perception et de la représentation, tout en remettant en question les représentations conventionnelles de la RDC, en s’attachant aux récits et symboles traditionnels et à leur relation au territoire. Formé à l’origine au photojournalisme, Pongo entame son parcours artistique en 2011 lorsqu’il se rend en RDC pour couvrir les élections présidentielles. Cette expérience transforme profondément son approche : il passe d’une documentation objective à une pratique plus subjective et expérientielle. Sa famille et les communautés locales l’encouragent alors à dépasser sa perspective initiale pour développer un regard plus nuancé et intime sur la vie congolaise. Pongo est reconnu pour ses installations multimédias combinant textiles, photographie, techniques d’impression variées et images en mouvement. Son travail s’enracine dans les cosmologies et traditions orales congolaises, en particulier dans l’idée que « tout n’est pas visible ». Grâce à des techniques spécialisées — dont la photographie en spectre complet, qui capte des longueurs d’onde invisibles à l’œil humain — il révèle des dimensions du paysage et de l’expérience habituellement dissimulées. Son projet au long cours The Uncanny (2011–2017) explore le quotidien en RDC à travers des images en noir et blanc empreintes d’une atmosphère onirique, tandis que Primordial Earth (2017–en cours) se concentre sur le territoire, mobilisant photographie couleur, textiles et installations vidéo pour évoquer une sensation de spiritualité et d’interconnexion. Son dernier film, Tales from the Source (2021–2024), prolonge cet ancrage dans les récits traditionnels, en s’attachant aux cultures luba et en soulignant l’imbrication profonde entre culture et environnement. Sa démarche collaborative implique un travail étroit avec les communautés à travers la RDC, puisant dans leurs savoirs, récits et traditions, afin de créer des formes visuelles qui prolongent la lignée des traditions luba en forgeant des expressions contemporaines liées aux concepts et visions ancestraux. Son travail a été exposé à l’international dans des institutions majeures telles que le Bozar – Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, la Tate Modern à Londres, la Biennale de Dakar (Sénégal) ou encore le Nasher Museum of Art à Duke University. En 2023, sa première monographie The Uncanny est publiée chez Gost Books, et en 2025 il est sélectionné parmi les « Future Greats » d’ArtReview par le photographe Roger Ballen.

Levi, a young craftsman, drifts through the city streets with a restless sensitivity. He wanders day and night through dimly lit bars, pulsing clubs, and silent playgrounds, crossing paths with friends, strangers, animals, and even inanimate objects along the way. Each encounter is fleeting, each moment fragmented. Levi listens, touches, remembers—yet nothing fully coalesces in his grasp. Through Levi’s quiet journey, the film explores the trauma of displacement and the uncanny ways it warps memory and perception. Time loses its shape as past and present blur into a multitude of overlapping narratives. Voices, smells, and sensations from different moments merge together—at times overwhelming, at other times hyper-specific. As Levi seeks to feel and understand amid this blur, the film quietly meditates on the act of observation itself and on the emotional resonance of longing and transience. No one came from Afar was created during the director’s own exile in Germany. It draws upon the different yet emotionally similar experiences of displacement shared by the filmmaker and the lead actor, Levi Hartmann. This personal context subtly shapes the film’s perspective, grounding its poetic exploration of longing and transience in lived reality.

Mohammad Poori (b. 1987, Sari, Iran) is a filmmaker and curator based in Hamburg and currently a Master student in Film and Time-Based Media at HFBK. His work focuses on collective trauma, exile, and the politics of memory, with particular attention to how narratives are fragmented and reactivated under conditions of displacement. He is a recipient of the Neue Kunst in Hamburg travel grant (2024–25) and will be a fellow of the MAK Schindler Scholarship Program at the Mackey Apartments in Los Angeles (2026–27).

Do you remember the scene in Killer of Sheep (1978) où les enfants jouent sur des voies ferrées abandonnées ? La scène se déroule dans le quartier de Watts, en Californie. Le réalisateur Charles Burnett a emmené l’artiste Lúcia Prancha sur plusieurs lieux de tournage de ses films à Los Angeles

Lúcia Prancha (1985, Lisbonne) est une artiste qui vit et travaille à Barcelone. Lúcia est diplômée en peinture de la FBAUL (2009, PT) et a obtenu un Master en arts à CalArts – California Institute of the Arts (2015, USA). Son travail a été exposé au Pavilhão Branco, Museu da Cidade, Lisbonne ; au 19 Crac de Montbéliard ; au Centro de Arte Oliva ; au Sesc-Pompeia, São Paulo ; à LACA – Los Angeles Contemporary Archives ; au Hordaland Kunstsenter, Bergen ; à la Fondation Serralves, Porto ; à la Galeria Dynamo, Porto ; à la Galeria Leme, São Paulo ; au Musée Berardo, ainsi qu’à la Biennale de São Paulo. Ses vidéos ont été projetées à la Cinemateca Portuguesa ; à INTERSECCIÓN, La Corogne ; à Curtas Vila do Conde ; aux Rencontres Internationales Nouveau Cinéma et Art Contemporain de Paris ; et à la Haus der Kulturen der Welt, Berlin. Elle participe actuellement à « El vértigo de las imágenes », XVIIIe Biennale Internationale de Photographie – Fotonoviembre, au TEA – Tenerife Espacio de las Artes et au Centro de Fotografía Isla de Tenerife, ES. De septembre à novembre, elle sera en résidence artistique à la Cité Internationale des Arts à Paris.

Sur les ruines d'un célèbre haras de pur-sang, bientôt recouvert par une banlieue, le légendaire Nijinsky (danseur devenu cheval) revient sur son lieu de naissance pour une dernière représentation. D'après L'Après-midi d'un faune de Mallarmé, et le dernier film de la trilogie "Self-Portrait" de Prosser. Un drame satyrique.

Jordan Elliott Prosser est un artiste vivant à Toronto. Il a des références impressionnantes. Si vous avez aimé son film, faites-le lui savoir.

La zone de Tchernobyl – le site de la pire catastrophe nucléaire de l’histoire – a été occupée par les troupes russes le 24 février 2022, dans les toutes premières heures de leur invasion totale de l’Ukraine. Les Russes avaient transformé le territoire de la centrale nucléaire de Tchernobyl en base militaire pour leurs troupes, dans une tentative d’occuper la capitale ukrainienne, Kyiv, située à seulement une centaine de miles. Ils avaient capturé le personnel de la centrale, contraint de poursuivre ses fonctions sans repos ni sommeil. Le plan russe était de rester à Tchernobyl seulement trois jours : c’était le délai qu’ils imaginaient pour la chute de l’Ukraine. Au lieu de cela, les Russes sont restés coincés sur le site radioactif pendant cinq semaines, pour finalement voir leur armée s’effondrer dans la bataille pour Kyiv. La plupart de leurs activités illégales durant ces cinq semaines ont été enregistrées par le système de vidéosurveillance de la centrale, que les Russes n’ont pas réussi à empêcher de filmer. Special Operation est entièrement constitué de ces enregistrements. Ce film offre une perspective unique sur le fonctionnement interne de la machine militaire russe en Ukraine – et sur l’un de ses échecs les plus retentissants. Les caméras de vidéosurveillance ont enregistré chaque aspect de la présence criminelle russe sur le site contaminé de la centrale nucléaire de Tchernobyl – des violations flagrantes des règles de sûreté nucléaire aux visites mises en scène par les propagandistes de la télévision russe. Nous avons obtenu ce matériau exceptionnel – jamais rendu public auparavant – auprès des forces de l’ordre ukrainiennes dans le cadre de notre effort de longue durée pour documenter les crimes de guerre russes à Tchernobyl, et pour contribuer à mener leurs responsables devant la justice. Chaque plan de ce film est une pièce à conviction représentant un crime de guerre relevant du terrorisme nucléaire. Avec ce film, nous souhaitons rendre ces preuves visibles – et, ce faisant, exposer l’incompétence profonde, et inquiétante, de l’armée russe.

Oleksiy Radynski est un cinéaste et écrivain basé à Kyiv. Son travail filmique explore des formes documentaires expérimentales ainsi que des pratiques relevant du cinéma politique. Ses films ont été présentés dans des festivals et expositions à travers le monde, notamment la Berlinale, l’International Film Festival Rotterdam, Doclisboa, le Thessalonique IFF, Dokufest, l’Institute of Contemporary Arts (Londres), e-flux (New York), la Taipei Biennial, Docudays (Kyiv), Sheffield DocFest, le Krakow IFF, DOK Leipzig, entre autres. Ses œuvres ont reçu de nombreuses distinctions, dont le Grand Prix du Festival International du Court Métrage d’Oberhausen pour Chornobyl 22. Depuis le début de l’invasion russe à grande échelle en Ukraine, il collabore avec The Reckoning Project.

Through a collage of personal archive footage and photographs, the history emerges of a small, metaphorical city where all the streets are named after poets. The town’s psychogeography defines the mental and emotional state of its inhabitants, who live in a utopian illusion founded on poetry. When the system changes, and war begins, new neighborhoods emerge to accommodate the refugees, and the existing street names are replaced by new ones. Abrupt and sweeping upheavals lead to confusion among the city’s residents, who soon find themselves lost amid the memories of the forgotten poets.

Sara Rajaei is an Iranian-Dutch video artist and filmmaker based in The Netherlands. In her work, she studies the notion of time by reflecting on the absence of image, memory psychology, oral history, narrative techniques, and physical/psychological space. Her artistic oeuvre consists of short films and video installations, which remain in-between storytelling and imagery. After her graduation from the Royal Academy of Art The Hague in 2002, Rajaei attended a 2-year residency at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten Amsterdam. In 2009, she was shortlisted for the Prix de Rome. She is currently developing her first feature film with support of the funding scheme The Imagination (De Verbeelding) of Netherlands Film Fund.

Sous l’effet papillon déclenché par la deuxième vague de réformes et d’ouverture de la Chine, une petite famille se retrouve prise dans un ouragan continu. De nombreuses années plus tard, Yang Xiaolong reçoit quatre lettres de son père, disparu de sa vie depuis longtemps. Ainsi, le fil textuel — « le pays grandit et la famille se brise » — déverrouille en lui des souvenirs d’enfance longtemps enfouis…

Renjie ZHU, réalisateur et directeur de la photographie né en 1992, a vécu dans l’ancienne ville d’Anyang puis dans la métropole de Shenzhen en raison de circonstances familiales. Il réside aujourd’hui à Hangzhou. Diplômé de l’Académie des arts de Chine, où il a obtenu sa licence et son master, il y poursuit actuellement un doctorat en création filmique. Son travail a remporté le New Wings Promotion Award lors de la Golden Rooster Youth Short Film Season, ainsi que le prix Qilin Outstanding Short Film au In Moment Film Festival. Ses films ont également été sélectionnés au Beijing International Short Film Festival, au Light My Fire Youth Film Festival, entre autres.