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Hector Rodriguez
INFLECTIONS
Vidéo | dv | noir et blanc | 3:0 | Espagne, Hong Kong | 2012
INFLECTIONS is a real-time generative system that temporally rearranges video sequences based on mathematical equations. It explores the relationship between duration, simultaneity, and expectation. The technical concept of the work is based on the idea of a one-dimensional random walk: a mathematical representation of a journey along a linear path. The path contains several nodes or decision points. At each node along the path, the walker decides at random whether to go forward or backwards. In this work, the ?path? is the timeline of a movie clip. The program identifies a set of "inflection points" (or ?decision points?) along this timeline. An inflection point is a moment that contains no motion, where movement comes to a standstill. It is thus a good point to change direction. Imagine now the computer program walking along a movie timeline. When it reaches one of those inflection points, it makes a yes-no decision, either to go forward or move back. In this project, the walk is not random, because the program relies on some non-linear dynamical equation to make each decision. Inflections uses equations that exhibit chaotic behavior and for this reason can be used to simulate a random process.
Hector Rodriguez is a digital artist and theorist. His animation Res Extensa received the award for best digital work in the Hong Kong Art Biennial 2003 and has been shown in India, China, Germany, and Spain. His essays about film theory/history and digital art have been published in Screen, Cinema Journal, and Game Studies, and he has participated in various art and technology conferences. He was Artistic Director of the Microwave International Media Art Festival, where he has also taught workshops on Java programming and organized an exhibition on art and games, and is now a member of the Writing Machine Collective. He currently teaches at the School of Creative Media, City University of Hong Kong. He has taught courses on game studies, generative art, software art, media art theory, contemporary art, and film history.
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Francisco Rodriguez Teare, Francisco Rodriguez Teare
Gois
Vidéo | mp4 | couleur | 27:53 | Chili, France | 2020
Avec Vanja et d'autres amis, nous allons nous baigner chaque été dans les rivières de Góis. Nous avons commencé à y aller en 2016, lorsque nous sommes arrivés en Europe et que nous cherchions un lieu qui nous rappellerait les montagnes du Chili, là où nous avons grandi. Chaque année, de nouveaux amants arrivent et de nouveaux couples se font ou se défont. Tout se remet à chaque fois en mouvement. Un après-midi de baignade, mon ami Rodrigo me raconte qu'il y a quelque temps, il a commencé à pratiquer une forme de fétichisme avec son copain : ils se font de petites entailles dans la peau avec des lames de rasoir et se sucent le sang l’un l’autre.
Francisco Rodríguez Teare is a Chilean artist and filmmaker based in France with a moving image practice working predominantly with cinema, video and installation. Since 2015 he has been creating film and video works and exhibiting them internationally both in film festival circuits and contemporary art contexts. His work explores the flow of power within fluid global networks and territories, opacity of violence, the traces of the dead in the world of the living, oral traditions and their intersection with personal memory and popular myths. Recently his work has been presented at Stedelijk Museum, Taipei Biennial, Film Society of Lincoln Center, VIDEONALE, FID Marseille, Collection Lambert, CPH:DOX, Shangai Film Festival, Courtisane, Doc Lisboa, Viennale, Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, Govett-Brewster Art Gallery, Birkbeck Institute for the Moving Image. He has received awards at the Valdivia Film Festival, Festival Punto de Vista and the Fondation François Schneider, among others.
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Alberto Rodríguez Collía
Ley Aurea (Golden Law)
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 7:4 | Guatemala, Brésil | 2014
This video speaks about the exploitation and its institutionalized discrimination (economic and racial) and slavery. The location is Brazil, because this one of the most unequal countries worldwide and was the last to declare slavery illegal (Aurea Act of 1898).
Lives and works in Guatemala. With his work tries to explore the historical memory, sordid aspects of the human being and the ridicule of the societies that are imposed over others. He graduated as Engraver from Art School no. 10 of Madrid, with his final project received the Honourable mention at Aurelio Blanco awards. He was awarded with the residencies of FONCA / CASA of Oaxaca, Mexico; Des.Pacio of San Jose, Costa Rica, Fundaçao Armando Alvarez Penteado in Sao Paulo, Brazil, and AIT in Tokyo, Japan. Also participated in 32nd. Biennial of Ljubljana, in the XVI and XVII Biennial of Guatemala and the VII Central American Biennial. In 2007 he co-founded the TEGG, the only engraving workshop in Guatemala, where he teached and organized exhibitions related to graphic arts. From 2010 to 2014 he was in charge of the Cinematographic Art Center of the CCEG, coordinating films screenings and workshops of cinema. Rodriguez also coordinated the Contemporary Film Festival (MUCA) and has worked for the human rights oriented film festival “ Memoria, Verdad, Justicia ” since 2013. He participated in the films "Even the Sun has spots" that won "Prix Espérance" and "Honourable Mention" in the FID of Marseille.
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Till Roeskens
Vidéocartographies : Aïda, Palestine - Un tour à Beer Sheva
Doc. expérimental | dv | noir et blanc | 4:39 | Allemagne, Palestine | 2008
J?ai demandé aux habitants du camp Aïda à Bethléem d?esquisser des cartes de ce qui les entoure. Les dessins en train de se faire ont été enregistrés en vidéo, de même que les récits qui animent ces géographies subjectives. À travers six chapitres qui forment autant de courts-métrages potentiellement indépendants, vous découvrirez pas à pas le camp de réfugiés et ses environs, vous suivrez les trajets d`hommes, de femmes et d`enfants et leurs tentatives aventureuses de composer avec l?état de siège sous lequel ils vivent. Un hommage à ce que j?appellerai résistance par contournement, à l?heure où la possibilité même de cette résistance semble disparaître.
Till Roeskens, né en 1974 à Freiburg (Allemagne), vit à Marseille. Amateur de géographie appliquée, Till Roeskens appartient à la famille des artistes-explorateurs. Son travail se développe dans la rencontre avec un territoire donné et ceux qui tentent d?y tracer leurs chemins. Ce qu?il ramène de ses explorations, que ce soit sous la forme d?un livre, d?un film vidéo, d?une conférence-diaporama ou autres formes légères, ne se voudrait jamais un simple rapport, mais une invitation à l?exercice du regard, un questionnement permanent sur ce qu?il est possible de saisir de l?infinie complexité du monde. Ses « tentatives de s?orienter » s?élaborent avec le souci récurrent de toucher un public non averti et de rendre les personnes rencontrées co-auteurs de l??uvre. A exercé entre autres au Plateau à Paris, à la Forteresse de Salses, à la Villa Saint-Clair à Sète, au Musée d?Art Moderne et Contemporain et au CEAAC à Strasbourg (Bourse de la Ville de Strasbourg), à Langage Plus (Québec), au Musée d?Art Moderne de Collioure (Prix Collioure), aux divers FRAC : Alsace, Languedoc-Roussillon et PACA où il élabore actuellement un premier long métrage documentaire. A récemment remporté le Grand Prix de la compétition française au FID (Festival International du Documentaire de Marseille) 2009.
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Axel Roessler
it's a small world
Film expérimental | | couleur | 2:0 | Allemagne | 2009
Die Idee zum Clip "It`s a small world" entstand, als ich in auf einem Flohmarkt in Los Angeles ein Fotoalbum kaufte, in dem alte Polaroidfotografien einer amerikanischen Familie zu sehen sind. Der kurze Film ist eine Art Hommage an das längst vergangene Südkalifornien der sechziger Jahre und stellt die Reise nach, die die fotografierten Personen damals unternomen haben.
Biographie Axel Rössler: - geboren 1966 in Langenhagen / Hannover - 1986 Abitur, danach Zivildienst - bis 1995 Studium an der Johann Wolfgang Goethe Universtät Frankfurt am Main, Diplomabschluß als Sprachsoziologe - parallel seit ca. 1990 verstärkt Interesse an Graphiksoftware, diverse Jobs die zum Glück ausreichend Zeit für die autodidaktische Aneignung allermöglichen Sound- und Graphikprogramme erlauben, Betrieb eines Schallplattenlabels für Singles (?Stetzer?) - 1998 Gründungsmitgleid von saasfee*, einem Label für Medien, Design, Kunst und elektronische Musik, dabei Schwerpunkt Animationen und 3D sowie Musiklabelarbeit - seit 2000 diverse Musikvideos, Auftragsarbeiten und Experimentalfilme, Ausstellungen u.a. in Genf, Basel, Turin, München, Hamburg und Frankfurt - seit 2006 verstärkte Arbeit an www.countrytrouble.com zusammen mit Ellen Wagner - seit längerem befreundet mit Bertram Ritter, der hier die Musik beigesteuert hat. Bertram ist aktiv in diversen Frankfurter Bands, aktuell als Schlagzeuger bei ?Das grüne Hemd?, ?Perfumed Chambers? und ?Nachttierhaus?. Auch als Solokünstler aktiv.
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Alicja Rogalska
What If As If
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 13:31 | Pologne, Royaume-Uni | 2017
What if As If explores legal fictions in international immigration law in collaboration with refugees, asylum seekers and immigrants based in the UK who trained as lawyers in their countries of origin. The video was filmed in a former courtroom and greenscreen, a device for filmic fiction, is used throughout. Legal fictions are used in legal reasoning when something is believed or assumed to be true - they allow for the law to be applied, without changing its text. For example, a refusal to accept an inheritance is legally possible if the inheritor is declared dead and having died before the person who left the legacy; another example is corporate personhood - i.e. treating companies as if they were persons. Immigration law is full of such artificial constructions: legal fictions of sovereignty, political community, the concept of entry, as well as fictions in welfare and employment law, and finally - citizenship and its terms and conditions. The lawyers` expertise and legal imagination combined with their personal, embodied experience of being exposed to the inherent contradictions and absurdities of immigration law, influences the way they see law in society. Legal fictions are used in the video as a vehicle for questioning existing legal structures, a tool for creative lawmaking and exploring speculative legal frameworks as possible resistance.
Alicja Rogalska is a multidisciplinary artist based in London and Warsaw and working internationally. She graduated with an MFA in Fine Art from Goldsmiths College and an MA in Cultural Studies from the University of Warsaw. In 2017 she was an artist in residence at KulturKontakt in Vienna and IASPIS - Swedish Arts Grants Committee`s International Programme in Stockholm. She was also a recipient of 2016-17 Artsadmin Bursary in London. Exhibitions include: For Beyond That Horizon Lies Another Horizon, Edith-Russ-Haus für Medienkunst (Oldenburg, 2017), Gotong Royong. Things We Do Together, Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle (Warsaw, 2017), Dreams and Dramas. Law as Literature, nGbK (Berlin, 2017), Social Design for Social Living, National Gallery (Jakarta, 2016), All Men Become Sisters, Muzeum Sztuki (Åódź, 2016); No Need For References, Kunsthalle Exnergasse (Vienna, 2015); Critical Juncture, Kochi-Muziris Biennale (Kochi, 2014); A Museum of Immortality, Ashkal Alwan (Beirut, 2014), IMS Project, Flat Time House (London, 2013); Melancholy In Progress, Hong-Gah Museum (Taipei, 2012); Jour de Fête, The Private Space Gallery / LOOP Festival (Barcelona, 2011); To Look is to Labour, Laden Für Nichts (Leipzig, 2010) and No Soul For Sale, Tate Modern (London, 2010).
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Alicja Rogalska
Dark Fibres
Vidéo expérimentale | 4k | couleur | 5:16 | Pologne, Georgie | 2021
A song about scavenging, economic exploitation and post-internet reality performed by a Georgian polyphonic choir and based on a story of Hayastan Shakarian - an elderly, illiterate woman from the village of Armazi near Mtskheta, who in 2011 allegedly cut the internet cable connecting Georgia and Armenia whilst looking for scrap metal to sell. The story became global news though Shakarian denied any involvement, famously saying she had never heard of the internet, and many people disputed its veracity. The lyrics were sung to the tune of Chakrulo, a medieval Georgian song about peasants preparing for armed rebellion against their feudal master. The song was sent into space in 1977 on Voyager 2.? Commissioned by Arts Territory for Myth exhibition, Artisterium Festival, Tbilisi (song), filmed at Fraunhofer Institute for Applied Optics and Precision Engineering IOF and supported by the DAAD Artists-in-Berlin program (video).?
Alicja Rogalska's practice is research-led and focuses on social structures and the political subtext of the everyday; she mostly works in specific contexts making situations, performances, videos and installations in collaboration with other people to collectively search for emancipatory ideas for the future. She recently presented her work at National Gallery of Art (Vilnius, 2023), Scherben, Berlin Art Prize (2022, winner), Manifesta 14 (Prishtina, 2022), Temporary Gallery (Cologne, 2021-22), Kunsthalle Bratislava (2021), Kunsthalle Wien (Vienna, 2020-21), OFF Biennale (Budapest, 2020-21), Art Encounters Biennale (Timis?oara, 2019), Tokyo Photographic Art Museum (2019), Biennale Warszawa (2019), Museum of Modern Art (Warsaw, 2019), Kyoto Art Centre (2019) and Muzeum Sztuki (?ódz?, 2019). Rogalska was a fellow of the DAAD Artists-in-Berlin program (2020-21), and took part in residencies at City of Women Festival (Ljubljana, 2019), Stuart Hall Library (London, 2019), Paradise AIR (Matsudo, 2018), Museums Quartier (Vienna, 2018) and IASPIS (Stockholm, 2017), amongst others.
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Sophie Roger
C'est donc un amoureux qui parle et qui dit :
Film expérimental | hdv | couleur | 6:15 | France | 2015
Pages arrachées du Fragment d`un discours amoureux de Roland Barthes dans un grenier de montagne. La réalisatrice regarde et dessine les paysages qu`elle voit au travers des planches ajourées. Un papillon la suit jusque dans la neige.
Depuis plusieurs années, le travail de Sophie Roger fait dialoguer dessin et vidéo, lectures et quotidien. Cinéma d`essayiste, elle travaille seule et prend le temps. Ses films arpentent ses territoires les plus intimes (maison, jardin) tout en gardant comme horizon une pensée de l`autre et de l`ailleurs.
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Graeme Roger, Kevin REID
Critique of Styrofoam Villians at Chris' art Farm
0 | dv | | 10:0 | Royaume-Uni, USA | 2004
Critique de Stryofoam Villians à Chris?s Art Farm. Par Graeme Roger & Kevin Reid.Alors qu?ils ont des projets de résidence à Memphis et New York en 2004, ROGER & REID ont pris l?habitude d?ouvrir leur chemin dans le monde des libres à coup de canon à patate haute puissance. Dans cette ?uvre, ils détruisent des méchants crées par des étudiants de la Memphis School of Art.Ils s?entraînèrent davantage au tir sur cible au Musée d´art Moderne PS1 de New York, où le groupe de rock The Prairie Oysters, formé pour l?occasion, joua à la gloire de la panse de brebis farcie et de la gelée, accompagnés par le dieu du Rock ?Justice?
Graeme Roger & Kevin Reid ont étudié au Duncan of Jordanstone College of Art de Dundee, Ecosse, & ont travaillé en groupe depuis 2002. Ils ont exposé leurs ?uvres en Europe et aux Etats-Unis.
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Sophie Roger
Le point aveugle
Doc. expérimental | hdv | couleur | 30:0 | France, Chili | 2012
Synopsis Dans l`espace clos d`un jardin normand, on observe de très près un monde végétal et animal. Les gestes de la cinéaste-jardinière sont précis: elle plante et déplace les végétaux, égraine, protège. Elle soigne aussi régulièrement son oeil malade. Le territoire quotidien devient un jardin hanté : par un ailleurs (Le Chili) et un passé (la dictature) qui insistent, une atmosphère de catastrophe rodant autour, insinuant son inquiétude dans l`intime le plus apparemment protégé. Gestes de soin, aux plantes et à soi, pour panser des plaies qui restent mystérieuses, que l`on devine partagée avec l`autre, l`amie qui passe comme un fantôme, le temps d`un double portrait. On ne saura rien de l`origine du désir mais il sera présent dans les fleurs de courge et de gunnera, de rose et d`artichaut.
Note biographique rédigée Sophie Roger réalise depuis de nombreuses années une oeuvre libre et singulière, hors des feux de l`actualité et du commerce parisiens. Dessins ou films, son oeuvre s`ancre dans son territoire le plus familier, ce coin du Pays-de-Caux, au nord de son Havre natal, où elle vit et travaille à la campagne, non loin de la falaise. Depuis ce territoire intime, son travail ne cesse d`interroger l`ailleurs, la relation à l`autre, quel qu`il soit : amis, voisins, peuples lointains, habitants du passé, malades d`aujourd`hui. En 2010, son film Les Jardiniers du Petit Paris (en lisant Tristes tropiques, de Claude Lévi- Strauss) est une des révélations du Festival International du Documentaire de Marseille. De derrière sa fenêtre, Sophie filme ses voisins cultivant un potager collectif au fil des saisons, tout en lisant des passages de Tristes tropiques, quittant régulièrement son poste d`observation pour entrer dans le champ, rencontrer ses voisins, leur demander de poser pour de magnifiques portraits filmés. La rigueur et la simplicité du dispositif filmique produit la plus émouvante et universelle des pensées : qu`est-ce qu`un voisin ? Qu`est-ce que le proche, qu`est-ce que le lointain ? En 2011, Sophie Roger réalise le bouleversant Contre-Jour, dans le cadre d`une résidence dans un hôpital de sa région, avec des malades du sida. Là aussi, elle sait trouver le dispositif juste pour recueillir les récits de vie et instaurer un échange avec des patients qui acceptent de se confier tout en voulant rester anonymes. Le Point Aveugle prolonge ces deux films, en renouant plus précisément avec les questionnements des Jardiniers du Petit Paris. En resserrant le point de vue : il s`agit de son jardin, de ses plantes et de sa maison, filmés comme le lieu intime d`où une pensée du monde est possible. Ses films sont des essais, dans la haute tradition de Montaigne : Sophie se met à l`essai, essaie de se penser, elle face au monde, elle en rapport à l`autre, à l`opposé de toute forme de narcissisme ou de complaisance. Si elle se met en scène, c`est sur un mode burlesque ou inquiet, toujours à distance, avec rigueur et un grand sens de l`auto-dérision. Extrait d`une note de production écrite par Cyril Neyrat
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Sophie Roger
Les vagues
Doc. expérimental | hdv | couleur | 18:0 | France | 2017
On connait cet art du détour que Sophie Roger pratique pour nous mener par des chemins inattendus avec l’amitié comme fil, déplié avec Le point aveugle (fiD 2012) ou Les Jardiniers du petit Paris (fiD 2010). ici ce sera, tissée tout en délicatesse à l’écran, l’amitié avec Mohamed, réfugié soudanais au Havre. faite de partage, d’attention, d’écoute et de rire, et de vagues en vagues, celles du texte éponyme de Virginia Woolf qu’elle lui lit, à celle de Courbet au musée du Havre, qu’il animera de son regard. (NF)
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Joyce Rohrmoser
Surviving in China
Vidéo | dv | couleur | 19:0 | 0, Chine | 2007
Surviving in China DVD 19 min, 2007 Ich lerne seit nunmehr 4 Jahren chinesisch. Seit gutem einem Jahr mache ich für eine italienische Firma Modefotos und Videos in China. In meiner Freizeit versuche ich das Leben dort zu meistern. Dafür habe ich eine Strategie entwickelt: Videominiaturen, in denen ich jeweils unterschiedliche Rollen übernehme. Es sind Situationen, die mir als Frau aus dem Westen fremd sind. Die Unterschiede zwischen meinem Tun als Darstellerin und Videomacherin, zwischen mir als Subjekt und Objekt, zwischen Bild und Abbild, werden beseitigt. Dieser Vorgang ist eine Anlehnung an die Praxis der Performance-Künstlerinnen der 70er Jahre. Ein Umstand, der mir hilft, meine Auseinandersetzung mit China kritisch und humorvoll zu hinterfragen.
JOYCE ROHRMOSER 1954 Geboren in Mailand, Italien AUSBILDUNG: 1972-74 Studium der Photographie im Istituto Europeo del Design, Mailand, und London College of Printing, London 1982 Doktorat in russischer Literatur und Kunstgeschichte Workshops bei Nan Goldin, Verena von Gagern, Dieter Appelt Lebt als freischaffende Foto- und Videokünstlerin in Salzburg 2006 Beginn der Auseinandersetzung mit der chinesischer Sprache und Kultur. Längere Aufenthalte in China.
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Billy Roisz, dieb13
TWIXT
Performance multimédia | 4k | couleur | 45:0 | Autriche | 2019
TWIXT is the brand new duo-project of Billy Roisz and Dieter Kova?i? a.k.a. dieb13, bringing together their works as film directors and their activities as live musicians. Over the years, the two have directed and produced several experimental short films dealing with classical film genres like western, horror film or road movie. The films explore the inner mechanisms of well established cinematic conventions and turn them into an immediate sensual experience. TWIXT uses re-arranged footage of these short films as a score for a live soundtrack and fuses abstract and concrete imagery and sounds into a synaesthetical and synecstatical media-meltdown.
Billy Roisz and Dieter Kova?i? have been active in Vienna’s electronic, improvised, noise music and experimental film scene since the 1990s. Billy Roisz’s work focuses on the links and gaps between visual and auditive perception, using various electronic instruments, electric bass guitar, cathode ray tube TVs, video projectors, synchronators and sometimes computer to generate sound and image. Dieter Kova?i? aka dieb13, best known for his turntable music activities and as founder of the experimental music platform klingt.org uses turntables, self-cut vinyls and self written software for his musical works in many different fields. His film works include photo films (‘schnitzel’) as well as abstract digital and analogue works. Their collaborative film works have been shown at Berlinale, Karlovary Film Festival, IFF Rotterdam, Hongkong Film Festival, Edinburgh Film Festival and SXSW Texas, a.o.. They performed their audio visual projects live at Bienal São Paulo, Nya Perspektiv (Västeras), 25FPS (Zagreb), BAWAG Foundation (Vienna), FBI (Osaka), Suoni Per Il Popolo (Montreal), Sonic Acts (Amsterdam), Transmediale (Berlin), Sonica (Ljubljana), Unconsciuos Archives Festival (London) a.o..
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Miguel Angel Rojas
Border Panic
Installation vidéo | dv | couleur | 4:33 | Colombie | 2007
?Walking through downtown Bogotá it is common to find blood traces, witnesses of the violence that the lives in the city?s party nights, when excesses come next to crime. Border of Panic in the record of a trace left by someone who was injured, who probably ran in panic away from death. I wanted to exorcise those terrible moments going through the same path, slowly and continuously drawing from one blood drop to the other, turning this morbid happening into a plastic event. In the meanwhile I thought that by doing this I synthesized the efforts to reinterpret reality through art, that have oriented my work y the work of many other artists worried by this environment so distant from the utopias of balance and justice. ?
Born in 1946, Rojas made his first works on sexual difference during the eighties, long before the topic was introduced in the international sphere of the arts. Throughout the nineties, the artist left photography and personal themes aside to arrive to more universalizing themes, such as drug trafficking, the third world and uneven concentrations of power, amongst others. The work of Miguel Ángel Rojas, as a whole, has the stamp of an artist that has kept certain distance with the art market, has worked with vast creative independence and has grown to be a decisive referent in the history of Colombian art. Printmaking and photography have been relevant in the process of academic formation that Rojas took at the National State Univesity. Photography is precisely one of the media with which the artist has experimented the most, working with fragmentary enlargements, reductions to minimal scales and partial developments, that cast the referent for his most recognized works: ?Subjetivo,? an installation that recreates the atmosphere of the bathrooms in the ?Faenza Theatre? using sound, printmaking and drawing; and ?Grano / Grain,? an installation made with soils and vegetal coal powders over a floor that has been covered with paper, defined by the artist as both the construction of an urban ground with the dirt and soil of the countryside and a metaphorical expression of displacement. The work of Miguel Ángel Rojas has been extensively shown and acquired by different institutions, among others: The Sao Paulo and Havana Biennials. Museum of Modern Art (New York); Daros-Latinamerica Collection (Zurich) Ludwning Museum; Whitney Museum of American Art (New York); ?La Caixa? (Barcelona).
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Karina Rojas Sandoval
Descomposición Aleatoria
Vidéo | hdv | couleur et n&b | 4:51 | Chili | 2015
Family archives around the figure of Lucila. She had Alzheimer`s and was my grandmother. Corruption of the material as the manifestation of a degenerative disease, set in a visual decomposition process based on the destruction of memory. Dismantled and fragmented memories, unified by the soundtrack.
Karina Rojas Sandoval born in 1992, in Santiago, Chile. Bachelor in Audiovisual Communication, Film and Television Degree (2016), by Universidad de Chile. Exhibits and works regularly in video art since 2015. She works mostly in experimental videos and documentaries, where she organizes her work around found footage and the manipulation and intervention of archive materials as a part of her narrative and artistic research. Her work has been selected in Festivals, Exhibitions, Shows and Contests in Chile, Colombia, Finland, Indonesia, Mexico, Portugal, United States and Venezuela. Major and recent exhibits events: ‘Comic Unity’ Exhibition, Flux factory, NY, USA, 2017; 6th Edition of Samples-Mexico: Transvideo: Borderless Image, Mexico-Finland, 2016; 3rd edition Festival Internacional de Video Experimental "Proceso de Error", Valparaiso, Chile, 2016; 12th FONLAD International Videoart & Performance Festival, Coimbra, Portugal, 2016; 2nd edition Festival Video Arte NodoCCS, Caracas, Venezuela, 2016 and 5th Concurso Nacional de Video Arte Universitario (Universitary National Video Art Contest) ‘Visiones del Arte’, Category ‘International Selection’, Mexico City, Mexico. At the last mentioned two she gets the first place with her video ‘Descomposición aleatoria’.
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Stéphanie Roland
Le cercle vide
Documentaire | hdv | couleur et n&b | 19:0 | Belgique, France | 2022
Rien ne survit vraiment ici. Le fond est si profond qu’aucune lumière n’y pénètre jamais. Très peu de bateaux y passent. On ne sait pas quand les chutes auront lieu. Ce documentaire expérimental dresse le portrait d’un objet spatial et sa chute jusqu’aux ténèbres d’un cimetière spatial, une scientifique nous dévoile son attachement pour cet objet et l’absence d’images documentant ce lieu mystérieux. Voyage de Science-Fiction inversé, cet essai mélange archives réelles et fictives pour nous guider, tel un stalker, aux périphéries d’un lieu invisible.
Stéphanie Roland est une artiste visuelle et réalisatrice, basée à Bruxelles. Elle réalise des films et des installations qui explorent, entre le documentaire et l’imaginaire, les structures invisibles du monde occidental, les larges échelles du temps et les hyperobjets. ?Son travail est régulièrement présenté au niveau international, ses projets ont été inclus dans des expositions d'institutions majeures parmi lesquelles la Biennale de Venise, le Centre Pompidou, le musée du Louvre, le musée Benaki, la Biennale internationale d'art de Kampala, l’ISELP et le Wiels, entre autres.
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Stéphanie Roland
Deception Island
Vidéo | 4k | couleur | 14:0 | Belgique | 2017
L’expédition antarctique belge (1897-1899) a été un épisode audacieux de l’exploration du continent blanc. Après avoir approché de nouvelles terres et fait de nombreuses découvertes scientifiques, le bateau se retrouve coincé dans les glaces, pendant près de treize mois. Durant cet hivernage forcé, le manque de lumière de la nuit polaire a causé des maladies, des dépressions et même des cas de démences, au sein de l’équipage. "Deception Island" est une oeuvre multidisciplinaire - entre performance, film et installation - qui explore la face invisible d’un mythe de l’exploration belge et développe la narration d’un non-voyage paradoxal. Cet épisode, amputé de l’histoire officielle, est rejoué silencieusement par des acteurs dans le site industriel du "New Belgica", qui est le projet de construction d’un nouveau bateau, réplique à l’identique du "Belgica" (le bateau original de l’expédition s’est échoué dans les fonds marins). A la fois source d’inspiration du projet, espace de performance et décor du film, ce squelette de bateau peut être considéré comme une métaphore de la reconstitution historique, toujours en évolution, fragmentée et incomplète. L’usage exclusif du travelling tout au long du film immerge physiquement le spectateur dans un univers flottant et hypnotique.
Diplômée de l’ENSAV - La Cambre en communication visuelle, Stéphanie Roland (1984, Bruxelles) a également étudié les arts des médias à l’UDK-Universität der Künste, dans la classe d’Hito Steyerl. De nombreux prix et bourses lui ont été attribués, notamment la bourse de la Fondation de la Vocation, le Prix Médiatine (public) et le Full Contact Award du festival international de photographie SCAN de Tarragone. Elle a aussi été nominée pour le Prix HSBC Photographie, le prix Oskar Barnack Leica, Le Grand Prix Images du festival de Vevey et le Salomon Foundation Award. Elle expose régulièrement son travail à un niveau international. D’Amsterdam à Buenos Aires, de Berlin à Los Angeles, ses projets ont été présentés dans des institutions majeures telles que le Musée Benaki, le Botanique, la Biennale Internationale d’Art de Kampala et le Bozar. Breda Photo, Belfast Photo Festival, Manifesto, Encontros da Imagem, MOPLA et Unseen font partie des festivals dédiés à la Photographie auxquels elle a pris part. En 2017, elle est sélectionnée dans l’exposition de groupe du Pavillon de l’Antarctique pour la 57ème Biennale de Venise. Elle y expose son installation vidéo "Deception Island".
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Stéphanie Rollin, David Brognon
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Vidéo | hdv | couleur | 1:38 | Luxembourg, France | 2014
Debout devant une fene?tre, un jeune garc?on, refait me?thodiquement le me?me geste : observer son ombre porte?e dessine?e par le soleil, placer une bille de verre dans la ligne de partage entre la pe?nombre et la lumie?re, au point limite ou? son corps s’esquisse. Quelques billes aligne?es sugge?rent la re?pe?tition de ce rituel solitaire mois apre?s mois, anne?e apre?s anne?e. Ce geste simple offre une mesure litte?rale et applique?e de l’e?coulement du temps, une sorte de gnomon archai?que et incarne?. Temps cosmique versus temps de la vie. Entre jeu d’enfant et premie?re gravite? ne?e d’une conscience du passage du temps, ce geste re?pe?te? conserve sa poe?sie et son myste?re. L’enfant tente-t-il d’enrayer l’inexorable course du temps par cette limite de?risoire pose?e sur sa silhouette ? Souhaite-t-il, tel un petit poucet signifierchaque e?tape de son parcours de vie pour mieux la rappeler a? sa me?moire dans le futur ou ge?ne?rer son propre re?cit d’anticipation ? Le film esquisse un parcours initiatique, une sorte de parabole sobre et sublime sur notre propre temporalite? et la vanite? de nos actions.
David Brognon, né en 1978 à Messancy (B), et Stéphanie Rollin, née en 1980 à Luxembourg, vivent et travaillent à Paris et Luxembourg. Lauréats en 2013 du Best Solo Show à Art Brussels et finalistes en 2015 du Prix Fondation Entreprise Ricard à Paris, David Brognon et Stéphanie Rollin manipulent ainsi un matériau sociétal brut, souvent marginal, dont les motifs récurrents sont l’enfermement, l’attente et le contrôle. Des systèmes de confinement qu’ils confrontent à leurs propres systèmes de réfraction de la réalité. Avec Fate will Tear us Apart, les lignes de destinées recueillies dans la paume de consommateurs de drogues dures irradient les murs dans un éclair de néon. Le duo capte des étincelles avec des dispositifs qui mettent en tension permanente l’invisible et la lumière, l’intangible et le physique. Avec Cosmographia (Gorée Island), ils réalisent une pièce folle et monumentale qui archive physiquement la réalité de l’île: centimètre par centimètre, pendant 6 jours, les 2,4km du tracé de l’île sont décalqués sur papier. Leurs travaux font partis de plusieurs collections publiques : The Israel Museum - Jerusalem / MAC’S - Grand-Hornu, Belgium / Collection MUDAM, Luxembourg / FRAC (Alsace, Poitou-Charentes, Lorraine), France, ....
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Sébastien Rollot, Pierce Warnecke
Distances
Doc. expérimental | dv | couleur | 26:0 | France | 2009
A partir d`images filmées sur les îles de Java et de Bali, ce film vient restituer la sensation et l`abstraction de situations rencontrées au hasard de la route. Il n`y a aucun dialogue ni commentaire. Cette errance cinématographique s`est déroulée sans repérage. Qu`il s`agisse d`un regard caméra qui questionne la présence du spectateur, de l`effort physique d`hommes au travail, d`une cérémonie religieuse agitée. On ne voit que des visages, des corps, des expressions, sans véritablement connaître la situation en jeu. Elle est ici accessoire, elle importe peu. On ne s`intéresse alors qu`à la sensation et au mouvement dans lequel on est entraîné. Sans repère, on erre dans le film et l`on s`accroche au langage des corps, à l`émotion d`une image ou à l`histoire qu`elle peut nous raconter. Nous sommes dans un rêve, une mémoire fragmentée. On se laisse porter par la juxtaposition d`images brutes, sans artifices. Des hommes autour d`un feu, un train la nuit, des femmes qui se maquillent. Les séquences documentaires sont traitées de façon abstraite, sans visée anthropologique explicite. Ce film silencieux s`est prolongé par une collaboration sonore avec Pierce Warnecke, compositeur de musique drone.
Sébastien Rollot Né en 1983, Il étudie l`anthropologie et la sociologie en France et au Québec avant d`intégrer la formation de réalisation documentaire Creadoc à Angoulême. Installé sur Lyon, il est auteur réalisateur de films indépendants, membre du collectif Trois Petits Points qui regroupe des artistes travaillant autour de la musique et de l`image notamment. Ses différents films poursuivent une description documentaire du réel. Toujours dans un rapport qui privilégie la sensation et l`abstraction, ses réalisations se construisent sous forme d`essai cinématographique. Sans renier radicalement une narration linéaire, ses travaux se dirigent plutôt sur la piste d`un cinéma fragmenté et expérimental, essayant de questionner la frontière des relations entre le cinéma documentaire, l`art vidéo, et leurs fictions. Il travaille désormais sur l`écriture d`un film qui creuse la notion d`exil dans la ville. Cette réalisation débutera dans le cadre de la résidence des Inattendus dès 2011.
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Stefan Roloff
LINDEN HOTEL
Installation vidéo | dv | couleur | 27:0 | Allemagne | 2010
LINDEN HOTEL, Video Installation by Stefan Roloff The phenomenon of political imprisonment is timeless. Yet, its victims can only speak to us from the past. It is its nature to be silenced in the present. The group of former Stasi- prisoners I interviewed have never before spoken on tape or in public. To remove the boundaries of time I have interviewed them as silhouettes. At first glance, this gives them an air of illegality. The viewer gets the impression that they can?t reveal their identity. Faces can be misleading. Beauty, gender, age, race or other categories disappear when we view a silhouette. What remains is the tone of their voice and their body- language, keys to their subconscious. It is my goal to bring the experiences of former political prisoners into the present and communicate the immediacy they feel. Though they were released from jail decades earlier, their trauma continues to haunt them and - as many of the interviews show ? it extends into the lives of their children. Initially, I projected the talking silhouettes of nine former prisoners on to the walls of their former cells at the Stasi- prison in Potsdam.
Stefan Roloff is an independent artist and film maker, working in New York and Berlin. In 1984, he was invited to experiment on prototypes of digital video and imaging computers at the New York Institute of Technology. Here, he created ?Face?, his first Moving Painting which, produced by Peter Gabriel, was the predecessor of his video ?Sledgehammer?. Subsequently, he continued to combine his paintings and videos in collaborations with musicians. (?Zaar? with Gabriel, ?Dominic Christ? with Suicide, ?Big Fire? with Jazz musician Andrew Cyrille.) From 1989 to 1999, he worked on the documentary film ?Seeds?. Traveling through remote areas of West Virginia, he followed the story of a 22- year old woman who committed suicide in 1981 in an isolation cell at the State Prison for Women. The film was combined with an installation, ?Pence Springs Resort?, a life-size three-dimensional photographic rendering of the isolation cell which the viewers could physically enter. His second documentary film ?The Red Orchestra?, is a portrait of his late father, Helmut Roloff, a resistance fighter against the Nazis. It was nominated best foreign film 2005 by the Women Critics Circle. Currently, Stefan Roloff is preparing "Cafe Holland", his first feature film, with Carola Stabe, a former GDR dissident.
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Aarnoud Rommens, Ingrid STOJNIC, Bert BALCAEN
Camouflage Comics: Dirty War Images
net art | 0 | couleur | 0:0 | Belgique, Pays-bas | 2005
"Camouflage Comics: Dirty War Images" a pour but d'éveiller des réflexions- autant dans sa forme verbale que dans sa matière visuelle- dans une intéraction entre l'art, la Direction et les droits de l'homme en général et en particulier, l'héritage de l'Argentine "dirty war" (1976-83), en se concentrant sur la bande-dessinée. Il existe plus ou moins deux parties dans Camouflage Comics. La premiére partie est effectuée par des graphistes et des scénaristes. Ces visuels ont été spécialement effectués pour ce projet et n'ont été publiés nulle part ailleurs (à part les travaux de Sergio Langer et de Guillermo Escalante). Ces nouveaux travaux sont des articulations picturelles qui traitent de la vie dans l' Argentine de nos jours, un pays hanté par le spectre de Proceso. En même temps toutefois- alors que le pays semble guérir de sa chute économique de 2001- l'Argentine ramène progressivement les problèmes de reconstitution et de responsabilité dans la sphère publique, un domaine autrefois marqué par l'amnésie et l'amnéstie institutionelle. La deuxième partie de Camouflage Comics contient des essais se concentrant sur des dessins et des bandes-dessinées publiés durant la dictature, ou pendant le temps de transition allant des lois militaires à la démocratie. Ces analyses, par la même préoccupées par la production culturelle d'un récent passé , fait aussi la lumière sur de nouvelles bandes-dessinées. En effet, ces deux lignes temporelles parallèles ne peuvent être dissociées. Au contraire, elles s'entrecroisent continuellement, nous encourageant à interpréter la "nouvelle" en considérant la "vieille"-et vice-versa. S'ajoute à cela, le site qui contient un blogue de discussions où ces sujets peuvent être explorés dans leur totalité, avec une vision qui génère de nouveaux essais visuelles et de nouvelles idées- pas forcément en rapport direct avec le "cas" de l'Argentine, mais recouvrant une large palette de sujets,s'étendant de la bande-dessinée, à la censure, aux pratiques artistiques (restrinctes), aux droits de l'homme, ou à l'institutionalisation de la mémoire,... Aarnoud Rommens PAST, PRESENT, TEXTE, IMAGE http://www.camouflagecomics.com/flash.php