Catalogue 2025-2026

For a broke actor, who works as a delivery man, a daily ride across Tbilisi morphs into a nightmarish vision of poverty, corruption and estranged, eerie characters from Georgia’s past and present.

Anka Gujabidze is a visual artist from Tbilisi who worked in photography for 17 years, a practice that shaped her deep sensibility for social issues, the environment, and contemporary stories. She has recently become a filmmaker. In 2024, she completed her first film Temo Re, composed entirely of black-and-white photographs, an elegy where stillness itself carries the rhythm of life. Temo Re received the Tiger Short Award and the KNF Award (Circle of Dutch Film Journalists), as well as the SFCC Critic’s Award at the Brive Film Festival, , and has since been traveling to festivals around the world. Her earlier works trace lives and places often overlooked, revealing resilience within decay, defiance within silence, and beauty within impermanence.

S’appuyant sur la vie de Jeanne d’Orléans (Jeanne d’Arc) et sur les idées de l’occultiste Cameron, le film de science-fiction spéculatif de Haines se concentre sur la notion de Messie féminin.

Margaret Haines (*1984) est une artiste, écrivaine et cinéaste née à Montréal, QC. Elle est ancienne boursière de la Rijksakademie van beeldende kunsten d'Amsterdam. Ses œuvres ont été exposées au SCHIRN de Francfort, au Festival Organ Vida du Musée d'art contemporain de Zagreb (2022), au MAC Musée d'art contemporain de Montréal (2021) et à Auto Italia (2018) à Londres, entre autres. Elle écrit actuellement un livre sur la vie et l'œuvre de l'artiste, poète, actrice et occultiste Marjorie Cameron ; a siégé au conseil d'administration de la Fondation Cameron Parsons ; et travaille périodiquement comme maître de conférences en histoire du cinéma occulte et contemporain à Sciences Po à Paris.

Hanakam and Schuller’s new animated work Cosmic Commissioner takes a satirical dive into the world of typical AI-generated styles such as new-age, comicesque and hyperrealism, which are based on creative commons and influenced by big tech, as well as their handling of diversity and material bases. The narrative character is the fictional Cosmic Commissioner – inspired by Victor Gruen, the exiled Austrian architect and urban planner – who reacts to burning environmental and security issues on Earth as a more-than-human being from the cosmos. In 1975 Gruen, godfather of the American suburban shopping mall, wrote his satirical book: Is Progress a Crime? Environmental planning instead of the End of the World. Gruen turned increasingly to environmental planning in the 1970s – under the influence of contemporary phenomena such as environmental destruction, the space race and nuclear armament. Scenes with architects, military personnel, urban planners and environmental activists are realised through short dialogues from Gruen’s texts on the level of lyrics and synthetic disco space sounds. The project links historical and current social challenges such as global security and environmental destruction. Cosmic Commissioner invites you to take a reflective, humorous look at the interfaces between AI, pop culture and social challenges – a visual and acoustic journey through time, space and digital realities.

Many of the artifacts of Hanakam & Schuller, an artist duo that lives in Vienna, are shapeshifters, changing their outer form and then reappearing in a variety of contexts. As artists and explorers, Markus Hanakam and Roswitha Schuller redesign the rules of the fine arts for their own purposes and create unconventional arrangements and new world designs in videos and objects. They also work with applied artforms. Their works have been shown in Berlin’s Haus der Kulturen der Welt, the Eyebeam art and technology center in New York, Paris’ Palais de Tokyo, Moscow’s Garage Museum of Contemporary Culture, Vienna’s MAK, the MAK Center for Art and Architecture in Los Angeles, and Tokyo’s National Art Center. Their video— animation The Borgia Device (Second Day) is part of the show ANTHROPOCENE ON HOLD — 20 artists address the impact of a global pandemic on arts ecosystems and earth's resilience and sustainability — by PCAI Polyeco Contemporary Art Initiative in Piraeus, Greece, curated by Kika Kyriakakou, accompanied by a catalogue with Hans Ulrich Obrist, Nadim Samman, Selina Nwulu (2020–21).

Hanté est un jeune artiste queer emporté dans une consommation narcotique des échappatoires au monde contemporain. Theremespare est une légende ésotérique inventée par un.e influençeuse dont il devient obsédé. Theremespare est un point de géolocalisation, qu’il poursuit à travers différentes couches d’illusions et fantasmes. Theremespare est un jeu de piste vers une réalité toujours s’échappant dans des trous de lapins.

Hantédemos vit à Marseille, est diplômé.e de l’ENSAPC en 2015, du Fresnoy en 2025. Iel construit des univers fictionnels manifestés dans des films et performances. Avant 2022, parfois associé.e à la poète Gorge, iel créé des performances multimedia et queers revisitant des mythes antiques ou technologiques. Entre 2022 et 2024 iel alimente le terreau narratif d’un ensemble d’oeuvres appelé Velaraiqa, comprenant une performance, une compte TikTok et deux films ouvrant des extensions ésotériques dans le réalisme capitaliste, l’un est tourné en résidence au centre d’arts 40m cube à Rennes, l’autre lors de sa première année au Studio National du Fresnoy. Pendant la suite de son cursus iel créé une performance multimédia sur le rapport au non-humain et à l’incarnation. Son travail a été montré au Point Ephémère à Paris, au FRAC Aquitaine (MECA), à Mains d’Oeuvres à Saint Ouen, A Around Video à Lille, A Ugly Duck à Londres, ...

Traced through the degradation of a bog body, Sick Landscapes draws historical links between Reinhold Lingner, the GDR’s chief landscape architect, Israel’s aggressive demolition and control of occupied Palestinian land and Eva Kemlein, a holocaust survivor trained as a forensic photographer. Kemlein was hired to photograph the sick body of The Berlin City Palace before its set demolition in 1950. Using her scientific documentation, the Palace was rebuilt and re-opened as the Humboldt Forum in 2021. Its spirit was strong enough to survive. Lingner was one of many public figures who advocated to preserve the palace before its initial destruction. Historical idea’s which developed around architectural and landscape preservation inspired landscape planners, ecologists and Nazi’s to try and prevent the spiritual and literal erosion of German architecture and soil. Starting in the 1930s, there was a linguistic trend which anthropomorphized the German cultural landscape. It was often described as a mono-cultural organism, suggesting the possibility of a homogenous cultural spirit embedded into the land itself. The organism of the cultural landscape needed to be saved from degradation. Despite efforts to prevent spiritual erosion through landscape preservation, unhealthy spirits still infest Germany. They inhabit the soil, architecture and the language.

ZACH HART Zach Hart (NYC 1994) is an artist based in Berlin. His practice spans different disciplines while his background in experimental film, sculpture and literature inform his artistic work. He has a longstanding interest in artificial landscape design and urbanism. His moving image, sound and installation works often fictionalize history or draw upon documentary images in order to provoke new connections between historical discourses/image making practices and contemporary politics. From 2018, he has collaborated with Alexandra Wilson on a series of moving image installation works. He received a BA from Hampshire College and a Masters in Sound Studies and Sonic Arts at UDK, Berlin. ALEXANDRA WILSON Alexandra Wilson (NYC 1993), is a Barcelona-based multi-media artist working primarily in sculpture, costume/fiber, and film. Driven by her experience as a textile maker, her work concentrates on the process of fabrication. Tools (both domestic & industrial), schematic diagrams, and urban plannings are sources of inspiration. She integrates digital manipulations with traditional image making in order to shift perspective and dimensional understandings of quotidian objects. Since 2018, she has collaborated with Zach Hart on a series of moving image installation works. She received a BA from Hampshire College in 2016.

« Midville » était le nom pseudonyme donné à une école d’art des Midlands, au Royaume-Uni, lorsqu’elle fut étudiée pendant trois ans à partir de 1967 par deux sociologues. Le livre qui en résulta, Art Students Observed, publié en 1973, est devenu un document classique de la littérature sur l’enseignement artistique, l’endroit où l’art « romantique » et l’art « conceptuel » se sont affrontés pour la première fois. 58 ans plus tard, j’ai retrouvé les étudiant·es du livre et les ai interrogé·es sur leurs souvenirs et leurs expériences (parfois traumatiques). Nous avons recréé « Midville » sous la forme d’une mini-opéra collage de 13 minutes, assisté par IA, où les étudiant·es — tels qu’ils et elles étaient alors et tel·les qu’ils et elles sont aujourd’hui — livrent leurs témoignages à travers des voix générées par IA, des chœurs, des avatars et des images originales du monde réel.

Steve Hawley est un artiste basé à Ljubljana, appartenant depuis 1981 à la seconde vague des artistes vidéo britanniques. Son travail porte sur le langage, l’humour et la nature de la mémoire à travers le film et la vidéo d’archives. Ses œuvres ont été montrées dans des festivals vidéo et diffusées dans le monde entier. Ses travaux autour du mythe et de la ville incluent Ghost, réalisé à Hong Kong et projeté à la Quinzaine des réalisateurs à Cannes en 2000. War Memorial (2017) a été nommé pour le prix du meilleur court documentaire au Sheffield DocFest, et son livre Men, War and Film, consacré aux films de messages Calling Blighty de la Seconde Guerre mondiale, a été publié en 2022. Steve Dutton est un artiste et commissaire occasionnel basé dans le Sud-Ouest de l’Angleterre. Sa pratique s’étend au dessin, au son, à l’image en mouvement et au texte, avec une attention portée à l’exploration des intersections et des chevauchements entre langage, espace et temps. Il développe actuellement un nouveau corpus d’œuvres intitulé The Phantom Industry. Son travail engage les actes de lire, dessiner, peindre, parler et écrire, et pourrait être décrit avant tout comme une pratique fondée sur le langage.

Nuit. La lune est une pierre. Les oreilles sont bouchées. Une chaise équilibre sur le toit d’une maison. Une boîte argentée se compose d’elle-même : un instrument mystérieux. Une bille roule dans la tête de quelqu’un. Deux pierres tournent. Est-il possible d'arrêter l'esprit ?

Henricks est diplômé du Alberta College of Art and Design. En 1991, il s'est installé à Montréal où il a obtenu un baccalauréat en cinéma de l'Université Concordia. Henricks a récemment terminé un doctorat à l’Université du Québec à Montréal. Henricks a enseigné en histoire de l’art et en arts visuels à l'Université McGill, à l’UQAM et à l’Université de Montréal. Il est présentement chargé de cours à l'Université Concordia. Artiste et commissaire, Henricks est mieux connu pour ses vidéogrammes et ses installations vidéo, qui ont été présentés à travers le monde, notamment au MoMA (New York), dans le cadre de la série Video Viewpoints. Il a été récipiendaire du Prix Bell Canada d’art vidéographique en 2002, a reçu le Prix Giverny Capital en 2015, et le Prix Louis-Comtois en 2023. Une exposition de son travail a été présentée au Musée d’art contemporain de Montréal in 2023. Ses oeuvres sont dans la collection du Musée des beaux-arts du Canada, du MoMAr (New York), du Musée des beaux-art de Montréal, du Musée national des beaux-arts du Québec, le Musée d’art contemporain de Montreal, entre autres. Il est représenté par la galerie Paul Petro Contemporary Art.

A Bauta, un groupe de danseurs.ses professionnels.les revisitent l’histoire de la communauté afro-cubaine à travers la figure mythique de Legba, le gardien des routes, l’esprit médiateur entre le monde des humains et celui des dieux. Originaire du royaume Dahomey, Legba qui a traversé L’Atlantique au même moment que les captifs africains réduits en esclavage dans les champs de cannes à sucre en Amérique, va guider ces corps-machines, ces corps racisés, déshumanisés, dépaysés vers l’émancipation tout en renversant le narratif chrétien.

Né en Haïti en novembre 1988, Feguenson Hermogène a étudié la sociologie à l'Université d'État d'Haïti. Après avoir participé à plusieurs ateliers de réalisation et de production de documentaires à la Fondation Connaissance et Liberté (FOCAL Haïti), il a réalisé son premier documentaire « La déchirure » en 2016. Ce film, sélectionné dans plusieurs festivals internationaux, a reçu une mention honorable au « Festival Internacional De Cortometrajes Libélula Dorada de La República Dominicana ». En 2022, il a réalisé le court métrage « Cuando llegue la noche », qui a remporté le prix du meilleur court métrage au festival « Cine Plaza de Cuba, 2023 » et celui du meilleur court métrage étranger au festival « Mostra de Audiovisual Universitário e Independente da América Latina (22ª MAUAL) », au Brésil, en 2023. En 2023, il a également réalisé les courts métrages « La sombra de la ceiba » et « En mil pedazos » (Fragmented). Feguenson a travaillé sur plusieurs longs métrages en tant qu'assistant de production, notamment « Zombie Child » du réalisateur français Bertrand Bonelo et « Kidnapping Inc » du réalisateur haïtien Bruno Mourral. Avant de rejoindre la section documentaire de l'EICVT (Escuela Internacional de Cinema y Television de Cuba) en 2021, il a travaillé pour le journal haïtien Ayibopost. Cette expérience lui a permis de produire plusieurs reportages audiovisuels.

After opening a shoebox, Diego begins to feel severe fatigue that prevents him from performing everyday activities and leaves him bedridden. At the same time, his friend Liz suffers from a mysterious insomnia while working on a stage production.

Tijuana, 1997. Gaduated from the Faculty of Humanities at UABC. His work blends documentary, experimental, and autofictional methodologies through the record of his daily life. In his films he humorously addresses themes such as modes of protest, working conditions, student identity, the construction of emotional ties and the collective memory; challenging the dominant narratives around violence in Tijuana. His films have been awarded at FICUNAM, FIDMarseille, Ji.hlava, MIDBO, ZINEBI and FICENS. They have also been featured at Mar del Plata, FICValdivia, Ji.hlava, Márgenes, Black Canvas, Cámara Lúcida, Bogoshorts, FICMonterrey, Corriente – Latin American Non Fiction Forum, and the International Forum of Mexican Cinematheque. His work has been the subject of retrospectives at the EUREKA University Film Festival (2022, Bogotá) and at Spectacle Theater (2025, New York). His film Un techo sin cielo (2025) won the Silver Puma Prize for Best Mexican Film and a Special Metion of the Fosforo Jury in FICUNAM 15. Prince Claus Fund - Seed Award 2025 recipient (Netherlands).

The Disco is a nonfiction experimental portrait of Queer Deaf DJ Simon Eilbeck formed from a collection of 16mm film and location sound recordings encountering members of the queer, trans, alternative and non-binary communities who gather at his monthly disco Hot Mess at The Poetry Club, in Glasgow, Scotland. Encounters include artist and academic Conal McStravick, who responds to the film’s footage alongside their ongoing research on the filmmaker and AIDS activist Stuart Marshall, Trans femme artist Nat Walpole in her studio and interview with Leyre Mann Vadillo, who has attended the disco since its inception. The Disco considers the contingencies, intimacies and tensions of encounter, between filmmaker and subject, recorded at a time of precarity, austerity and crisis but contain illuminations on radical forms of assembly, queer dreaming, hapticality, on hospitality, care and consent. The film makes reference to Hours for Jerome by Nathaniel Dorsky, Wittgenstein by Derek Jarman and the biography and works of Belgian experimental composer Henri Pousseur. It is his first work for cinema.

Alex Hetherington is a visual artist who works with 16mm film. Recent films include The Disco (2025), which opened the Glasgow Short Film Festival, 2025 and has screened at Queer North Film Festival, Elevation Film and MIX NYC Queer Experimental Film Festival; An Actress Prepares (2025) with artist William Joys based on historic 16mm documentation of Joys' live performances, with screenings including the ICA, London; Hybrids, a film for television (2023), Sister Films (2023) commissioned by CCA Annex, accompanied by an essay by Jessica Higgins published by MAP magazine and Ilam Actual (version) (2023) with Luke Fowler commissioned by Arts&Heritage. During summer 2022 he presented SEEN AND NOT SEEN, an installation of new 16mms at the CCA, Glasgow alongside recent works by Berlin-based artist Scott Caruth. His recent cinematography credits include film work for Hannan Jones at The Common Guild, Glasgow and Collective Gallery, Edinburgh and on her short film Dear F… (2022), Alia Syed’s exhibition at CCA, Glasgow in 2025, and Conor Baird at Glasgow Project Room in 2024. He recently presented a 16mm camera workshop Taking Time/A cinema of small gestures with LUX Scotland, July 2025. His writing on film includes commissions on works by Rosalind Nashashibi, Margaret Salmon, Karen Cunningham, Savinder Bual, Helen McCrorie and Laida Lertxundi. 

Tiphaine, 30 ans, déménage à Berlin pour devenir une artiste, mais découvre rapidement qu'elle a atterri dans la ville de l'échec et qu'elle ne semble même pas écrire son propre destin. Quel est cet homme mystérieux qui semble raconter sa vie ?

Manon Heugel est née à Paris en 1981 et a commencé à travailler comme actrice avant de terminer ses études cinématographiques à la Femis (Paris) avec un master en écriture de scénario en 2013. Elle vit entre Paris, en France, et Berlin, en Allemagne. Son premier court métrage, La Fille du gardien de prison, produit par Lumina Films, a été sélectionné dans quinze festivals internationaux en 2015. En 2019, son installation vidéo EROS, réalisée en collaboration avec la chorégraphe de danse contemporaine Meritxell Checa, présentée au Palais de la Découverte (Paris), abordait les questions de genre et de race dans la sexualité. Manon a également écrit "NO FUTURE ! Les années punk" et "La vie en positif" (sur les survivants du sida), deux documentaires pour ARTE, la chaîne de télévision franco-allemande. Elle utilise de nombreux médias pour travailler sur la narration, mélangeant souvent fiction, documentaire et art vidéo. Son roman graphique, "Forté", a été publié en 2019 par Dargaud. Elle a écrit et réalisé de nombreux podcasts narratifs et créatifs pour Louie Media.

Between sleeping and waking, a dreamscape charts fragile ecologies through the destructive forces of late capitalism. Found footage and wilderness travels overlap to evoke a hybrid condition of collective paralysis. This trance-like state navigates paradoxes of therapy and disturbances, isolation and connectivity.

Gavin Hipkins (b. 1968) is a New Zealand-based artist. He holds a Bachelor of Fine Arts from the University of Auckland and a Master of Fine Arts from the University of British Columbia. He is currently an Associate Professor at Elam School of Fine Arts at the University of Auckland. His photographs and moving images interrogate how images create meaning through fragmentation and circulation. His work explores the nation-state, particularly in colonised countries in an era of re-imagined communities and ideas of social and political utopia. His recent moving image works engage film as a cinematic art that blurs conventional genres of essay film, documentary and experimental narrative structures. His work has been exhibited widely over the last two decades including: Baltic Centre for Contemporary Arts, Newcastle, UK (2024); Recontres Internationales Paris/Berlin (2023, 2020); CROSSROADS 2022, San Francisco Cinematheque (2022); Internationale Kurzfilmtage Winterthur (2021); 25FPS Festival, Zagreb (2020); Stuttgarter Filmwinter (2020); Videoex, Switzerland (2019); 9th Asia Pacific Triennial of Contemporary Art, Gallery of Modern Art, Brisbane (2018); International Film Festival Rotterdam (2018, 2015); International Short Film Festival Oberhausen (2017, 2016); The Jewish Museum, New York (2015); Museum of Arts and Design, New York (2014); Edinburgh Art Festival (2014); Armory Film, New York (2012); Centre Pompidou, Paris (2011); Austrian Museum of Applied Art and Contemporary Art (MAK), Vienna, (2011); Gallery of Modern Art, Brisbane (2010); San Diego Museum of Photographic Arts, San Diego (2007); International Museum of Photography and Film at George Eastman House, Rochester, New York (2006); Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne (2004); CCA Watts Institute for Contemporary Arts, California (2002); Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2000).

all through a life is a video installation that examines routines of care and control, and questions the possibility of imitating, demarcating, and regulating natural systems. The work invites viewers into an ambiguous environment. the space is filled with reverberating industrial sounds and two monitors arranged like surveillance or control-room screens. A slowly transforming colour field unfolds across one of these displays, alongside a looped film. Within this film a figure moves methodically through a space whose function remains undefined. This caretaker or scientist-like presence performs gestures of monitoring and documentation, enacting a rhythm of daily labour. A shell-based bioplastic receiver, reminiscent of a telephone, softly transmits a voice. If picked up and held to the ear, the voice gently informs the listener about tasks, routines, and the contours of their working environment. The film both documents a real location and opens up a fictional dimension within it. It references architectural spaces designed for containment or control, such as Biosphere 2 or the sarcophagus over the Chernobyl reactor—sites where the boundary between care and crisis, science and survival, is constantly negotiated. These are infrastructures that demand continuous regulation, where control is never absolute and systems must be maintained despite their inherent instability. The title all through a life refers to a song by the band Rites of Spring and also gestures toward the often-invisible material and political forces that permeate our lives and bodies. What seeps into our existence—wage labour, radiation, ambient toxins? What do we manage to control, and what always escapes us? The voice over was composed from an interview with the actual care-taker of the depicted space as well as from theory and fiction. The looped video itself depicts a loop of work: an everyday routine organized around maintaining a status quo. And yet, change creeps in—subtly, continuously. This is made tangible in the gradual de-synchronization of the colour field, which alter the ambient light and begin to “contaminate” the film from which they were originally extracted. Control proves to be porous; feedback and bleed-through occur despite all efforts to contain. There are no truly closed systems. In an era of Mars colonization fantasies, luxury survival bunkers, and geoengineering dreams rooted in mechanistic thinking, the line between science fiction and nfrastructural reality grows thinner. all through a life asks not only what we are trying to hold together, but at what cost—and with what illusions of stability.

Lisa Hoffmann works in-between art, research, film, and performance. Her installations, moving images, and collective actions are equally material- and concept-driven, engaging critically with the complex currents of ongoing ecological and economic crises and the decomposition of dominant cultural narratives. Often departing from a clichéd phenomenon—such as shells, palm trees, or fire—Hoffmann approaches these motifs with rigor and obsession, unpacking their layered cultural, ecological, and political meanings through experimentation and context-specific techniques. Her practice draws on Situationist tactics and more-than-human thinking, attending to absent presences and present absences. The result is a body of work that is referential, layered, and at times darkly humorous. Hoffmann studied Sustainable Product Design (MFA, Bauhaus University Weimar) and Art and Media (MFA, Berlin University of the Arts), where she was appointed Meisterschülerin. She is an active member of the climate-education collective Klasse Klima and a co-initiator of Studium Planetare, a pilot project for applied climate education at art and design academies. Her work has been presented internationally, including at Kunsthaus Dresden (2025, DE), Kommunale Gallerie (DE, 2024), BAK – basis voor actuele kunst (NL, 2023), KOMMET Art Space (FR, 2023), Hamburger Bahnhof (DE, 2022), Tampere Film Festival (FI, 2022), Roman Susan Art Foundation (US, 2020), Biennial of Photography Porto (PT, 2019), DL gallery (GR, 2019), Closer Art Space (UA, 2019), Triennial of Photography Hamburg (DE, 2018) and Kunstfest Weimar (DE, 2016), among others. She is the recipient of the UdK Art Award and Rundgang 50Hertz, and has held residencies at l’escaut (BE, 2025), an• other here and the Cité Internationale des Arts, Paris. Hoffmann lives and works in Berlin.

Horticulture, agriculture and animal care are taught in the agricultural department of the integrative August-Sander-School in Berlin Friedrichshain. Over the course of a school year, the film accompanies students with different learning capacities, behavioral issues and impairments in their everyday school life. A portray of adolescents at the crossroads between school and work, childhood and adulthood, struggling to find their place in the school system and society.

Heidrun Holzfeind is an artist and filmmaker based in Berlin. She studied at the Academy of Fine Arts in Vienna and at Cooper Union in New York. She is interested in how architecture interacts with people’s everyday life. Her works question immanent architectural and social utopias and explore the relationships between history and identity, individual histories and political narratives of the present.

The Flood recontextualise un épisode historique d’inondation survenu dans les années 1960, un événement qui avait submergé et partiellement détruit une serre horticole ainsi que la propriété attenante, au sein des infrastructures urbaines contemporaines et de leur dette persistante envers les interventions sur le territoire. À mesure que les images intérieures et extérieures se heurtent, l’inondation prend un double sens : celui d’une submersion physique et celui d’une remontée psychique à la surface.

Ruth Höflich est une artiste visuelle travaillant l’image en mouvement et la photographie. Née à Munich, elle est actuellement basée à Naarm/Melbourne. Son travail a été projeté et exposé à l’international, notamment à la National Gallery of Victoria, chez Gertrude Contemporary, au Rotterdam International Film Festival, à Images Festival, au Pravo Ljudski Film Festival et à l’Art Gallery of NSW. Elle est actuellement chercheuse associée au Powerhouse Museum de Sydney, où elle développe un nouveau film. Elle est titulaire d’un MFA du Bard College, New York.

Close to the Black Sea lie the Strandzha Mountains – a rough spot in Bulgaria and one of the oldest border areas in Europe. During the Cold War, people tried to escape from GDR-communism from west to east. Today, hundreds of people risk their lives every day to get from east to west on one of the alternative Balkan routes. Centuries ago, the Thracians settled in this grey zone between Asia and Europe. In memory of their ancestors, the locals celebrate mysterious, intoxicating feasts. The earth seems to hold transgenerational traumas as well as spiritual powers. The film approaches this last primeval forest in Europe, made up of soldiers, deeply religious fire dancers, sense seeker, traumatized children and mentally ill women. In this terra incognita the protagonists immerse themselves in ancient rituals and their own business practices. At the crossroads of traditions, generations, countries and languages, a multifaceted image of the border unfolds as a deeply human gesture, raising the question of what these mental or even manifest dividing lines do to people.

The photographer Pepa Hristova, born in 1977 in the middle of the Bulgarian Balkan Mountains, has been living in Germany for 27 years. She studied communication design with a focus on photography at the University of Applied Sciences, Hamburg. Since 2006 she has been working as a freelance photographer for various major maga- zines, as well as on her own projects, exhibitions and publications. Her book Sworn Virgins was published by Kehrer Verlag in 2013. 2006 to 2016 she was a member of the renowned photographer agency OSTKREUZ in Berlin. Her work is driven by her fascination with the fractured beauty of the east and her interest in social phenomena and archaic traditions, leading to an examination of the unknown, changing side of Europe. Hristova received multiple fellowships and awards including the C/O Berlin Talents Award, the Otto Steinert Award for subjective photography, a fellowship from the Berlin Academy of Arts, the Border Crossers grant of the Robert Bosch Stiftung, The N-ost Reportage Award. Her work has been on display at House of Photography/Deichtorhal- len, Hamburg, C/O Berlin, the Berlin Academy of Arts, Bozar, NRW Forum Dusseldorf, Stadtmu- seum Munich, The National Galerie Sofia, BOZAR Centre for Fine Arts Brussels and elsewhere.

Dans les maisons, après les séparations, les mères étaient en larmes. Les fils étaient transformés en verres vides. Et les berceuses devenaient des malédictions. Le film examine la souffrance et la résilience du peuple birman en utilisant les éléments politiques distincts qui ont flotté pendant plusieurs années sur l'océan de l'opéra politique sous les dictatures militaires répétitives en Birmanie. La composition visuelle s'inspire des couleurs du drapeau national du Myanmar, adopté en 2010 pendant la période dite de transition du pays. Ce drapeau, ancré dans la Constitution de 2008 imposée au pays par un ancien dictateur militaire, contraste fortement avec la loi sur le drapeau national de 1974, car il comprend une définition formelle du drapeau. Le film déconstruit et remet en question la définition existante du drapeau en jouant avec les couleurs, les objets et les séquences, en utilisant une forme d'images télévisées de propagande gouvernementale montrant différentes générations sous des dictatures militaires répétitives, en mélangeant la voix effrayante du dictateur actuel, Min Aung Hlaing, qui raconte des berceuses obsédantes grâce à la technologie de l'IA. Le film revisite également la chanson qui a été chantée lors des dernières images réelles d'une fête d'anniversaire organisée pour l'ancien dictateur du Myanmar, le général Ne Win, à l'hôtel Sedona de Yangon le 21 mars 2001, un an avant sa mort.

Lin Htet Aung (né en 1998) est un cinéaste originaire du Myanmar. Il a commencé par la poésie d'avant-garde avant de se tourner vers le cinéma en 2017. Ses courts métrages ont été sélectionnés dans plusieurs festivals internationaux, notamment ceux de New York, Vancouver, Tirana, Karlovy Vary et Rotterdam, et ont remporté plusieurs prix, dont le TIGER SHORT AWARD au Festival international du film de Rotterdam (IFFR). Ancien élève du TIFF Directors' Lab, de Berlinale Talents, de la Locarno Filmmakers Academy et de l'Asian Film Academy, et lauréat du Prince Claus Seed Award 2023, il développe actuellement son premier long métrage, Making A Sea, qui a reçu l'Asian Cinema Fund et le Red Sea Award à l'Asian Project Market (APM). Après le coup d'État de 2021, il a rejoint le CDM (Civil Disobedience Movement) pour ses études d'ingénierie en Birmanie, et étudie actuellement à la Städelschule art School, en Allemagne.

[ELEKTRO?ZOLASYON] (2021–2024) is a gesamtkunstwerk that brings together Emre Hüner’s practice in fiction, film and sculptural production. The film’s science-fictional vision portrays fragmented industrial and apocalyptic scenes across various sites in Istanbul. Actors playing multiple characters perform scripted or improvised actions in locations ranging from factories, shipyards, medical and electronic repair shops to auto garages, Byzantine ruins and offices. The speculative editing of the film and short animated sequences, including mechanical and organic repetitions in material and scale, suggest a techno-infrastructural entity. The narrative is punctuated by readings of lists of electrical terms and electronic equipment from dictionaries, news headlines and recordings based on photographic archives.

The artist’s recent solo exhibitions include, Substrata Styrene, (2024), Icononoclastic Nuclear Plastic, (Sylvia Kouvali, Piraeus, 2023), [ELEKTRO?ZOLASYON]: Unknown Parameter Extro- Record (Arter, Istanbul, 2021), Neochronophobiq (Protocinema, New York and STUK, Leuven, 2017), Hypabyssal (Marso Gallery, Mexico City, 2016), Floating Cabin Rider Capsule Reactor Cycle (CCA Kitakyushu, 2015), MAM Project 019: Emre Hüner, (Mori Museum, Tokyo, 2014) and Aeolian (RODEO, Istanbul, 2013). Hüner’s works also took part in various group exhibitions, including, to carry: 16th Sharjah Biennial (Sharjah, UAE, 2025), HOW TO HOLD YOUR BREATH, 9th Asian Art Biennial (NTMoFA, Taichung, 2024) CMD P for 2079 (Allard Pierson Museum, Amsterdam, 2020), Further Thoughts on Earthy Materials (Kunsthaus Hamburg, 2018), Planet 9 (Kunsthalle Darmstadt, 2017), 14th Istanbul Biennial (Istanbul, 2015), Manifesta9 (Genk,2012), Younger Than Jesus (New Museum, New York, 2009), 10th Istanbul Biennial (Istanbul, 2007). His work is included in the collections of Tate, UK, Arter, TR, Centre Pompidou, FR, Princeton University Art Museum, US, Spencer Museum, US, Van Abbe Museum, NL. Hüner attended Brera Academy of Fine Arts in Milan (2003) and participated in artist residencies at Art Explora (Paris, 2023), Artpace San Antonio (Texas, 2019), AGA LAB (Amsterdam, 2019), Frans Masereel Centrum (Kasterlee, 2017), ISCP (New York, 2014), Princeton University (2010), the Rijksakademie van Beeldende Kunsten (Amsterdam, 2010), Apexart (New York, 2009), and at the Platform Garanti Contemporary Art Center (Istanbul, 2009). He lives and works in Istanbul and Amsterdam.

A damned soul climbs toward the summit of a mountain. The ascent carves him out, bends him, empties him. He is not seeking salvation, but meaning, or at least a shape that resembles him. He is driven by his fragility disguised as strength, by blind ambition, by the desperate need to be seen by something that perhaps does not exist. Yet, at the top, something awaits. It does not speak. It does not console. It watches, and does not forgive. Ascended is the journey of the anti-hero, a synesthesia of dissatisfaction.

Jacopo Iebba (Tivoli, Rome, March 23, 2005) is a 20-year-old independent filmmaker who grew up within the walls of Tivoli. Since childhood, he has nurtured a visceral passion for video games, books, and cinema: virtual worlds and illustrated films that offered him an early escape, a secret place to feed his imagination. During the 2020 lockdown, while the world stood still, Jacopo decided to take his dream into his own hands. He began studying animation entirely on his own, diving into tutorials, manuals, and open-source software. This is how his first dreamlike images were born: fragments of childhood memories transformed into motion. Each visual “experiment” became a piece of his mind brought to life, a personal attempt to animate his deepest dreams. In 2025, working completely alone and autonomously, he created his first animated short film, Asceso: an intensely personal work rooted in his own emotions. In it, Jacopo explores the morbidity of human ambition, that obsessive tension that makes us believe “wanting is enough to fly”—and transforms it into a claustrophobic visual journey. Asceso speaks a dreamlike, psychedelic, and synesthetic language: muffled sounds, blinding colors, and tight camera movements alternate to create a full sensory experience, translating mental fragility and inner turmoil into pure image. Firmly convinced that independent cinema is the most genuine ground for expression, Jacopo Iebba stands as a voice for original ideas and a sincere desire: to keep dreaming, to keep telling stories that shake the viewer and restore the power (and danger) of ambition without compromise.

Il y a bien longtemps, dans la maison de mes parents, ma chambre s’ouvrait sur une colline de glace où riaient les enfants. À travers la vitre, immobile face à ce théâtre d’hiver, je sentais déjà la fragilité des souvenirs et la lente érosion des impressions d’enfance. Ce film, bien des années plus tard, est une tentative de retourner dans cet espace intérieur où les rêves s’effacent et où les espoirs s’éteignent doucement.

Genrih Ignatov est né à Moscou en 1992. Il a étudié à la Moscow School of New Cinema, où il s’est formé dans l’atelier du cinéaste Artur Aristakisyan. Le travail d’Ignatov se distingue par une approche poétique et expérimentale de la forme, explorant souvent les thèmes de la mémoire, de l’identité et du passage du temps dans les relations humaines. Ses films ont été présentés dans de nombreux festivals internationaux et sont salués pour leur rythme contemplatif, l’usage novateur du son et de l’image, ainsi que pour la profonde sensibilité avec laquelle ils révèlent la vie émotionnelle de leurs personnages.

Wanderers est un film centré sur la manière dont la matière — et, par ricochet, nos corps — est mue par le magnétisme, l’impulsion ou le rythme porté par l’inertie terrestre. Un mouvement primordial, d’origine minérale, antérieur à la vie et à l’humain. Pour en rendre compte, le film adopte une perspective universelle sur la dynamique des oiseaux, la migration des corps, et la fascination humaine pour le vol, perçue comme une tentative de défier ces lois. Cette notion abstraite se déploie à travers deux phénomènes contemporains : la fauconnerie moderne pratiquée à bord d’avions commerciaux, et la passion des pilotes de répliques d’avions de ligne en radiocommandé. Ces deux pratiques dessinent la dichotomie entre l’évolution naturelle, notre matérialité physique et le désir de s’extraire de la réalité terrestre — des forces générales, de la gravité, de ce qui nous retient au sol.

Carlos Irijalba (né à Pampelune, Espagne, en 1979) Résident à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten (Amsterdam) en 2013–2014 et diplômé de l’UDK Berlin auprès du professeur Lothar Baumgarten, Irijalba a reçu de nombreux prix artistiques, parmi lesquels le NYC Culture Pair Program avec le Department of Design and Construction (DDC) en 2023, le Mondriaan Fonds (Amsterdam, 2022), le Sifting Foundation Art Grant (San Francisco, 2015) ou encore la bourse Marcelino Botín (2007–2008), entre autres. Il a exposé à l’international, notamment à la Biennale de Shanghai 2021, au CAB Art Center (Bruxelles), à la Triennale de Guangzhou 2017, ainsi qu’au MUMA (Melbourne, Australie). À la question : « Le monde a-t-il besoin de cet objet nouveau ? », la réponse est la plupart du temps « non ». C’est pourquoi le travail d’Irijalba se déploie selon un principe de pertinence, cherchant à rester en résonance avec les contextes. Dans des projets tels que Skins (2013), Hiatus (2022) et Pannotia (2016–en cours), il travaille avec la géologie et des matériaux industriels sensibles au temps, offrant de nouvelles perspectives sur les récits dominants de l’histoire occidentale. Ses œuvres figurent dans des collections publiques telles que le Museo Nacional Reina Sofía, la Netherlands National Collection, la Sammlung Wemhöner (Allemagne), la Taviloglu Art Collection (Istanbul) ou encore la Fondation Acciona (Espagne). Elles sont également largement représentées dans des collections privées en Amérique du Nord et du Sud, en Europe et en Asie, notamment les collections Pilar Citoler, Kells Collection, David Breskin Collection, entre beaucoup d’autres.