Catalogue > Faire une recherche

− e est le récit d`un voyage dans le nord du Japon à la recherche d`un territoire inaccessible : un territoire transformé, meurtri par un tremblement de terre d`intensité 6,7 sur l`échelle de Richter en juin 2008. La montagne déplacée, ouverte en quelques minutes par le choc violent des éléments, est une cicatrice ouverte d`une étrange beauté dont le sort reste indéterminé Cette cicatrice qui ne peut se refermer, reste un paysage d`une grande beauté, un grand canyon qui pourrait devenir un parc d`attraction, un « ecopark » qui attirerait les touristes, faisant de la catastrophe un argument de vente, .. − Nous survolons ce territoire, tentons d`y accéder malgré les barrages qui le clôturent. Ne peuvent y accéder que les camions des travailleurs à la reconstructions et les résidents reclus. Ceux qui ont vécu le tremblement de terre racontent et rejouent ces instants violents. Apprivoiser la catastrophe est une attitude culturelle japonaise. Si on ne peut apprivoiser le futur, on peut le prévenir.

Née en 1967 à Grenoble, Natacha Nisic poursuit des études d`art à l`ENSAD de Paris, et de cinéma à DFFB de Berlin et à la Femis. Son travail se situe à la frontière des différents supports de l`image en mouvement, Super 8, film et vidéo, mais aussi par la photographie et l`installation. Elle réalise de nombreuses expositions en France, Printemps de Cahors, Centre National de la Photographie, Le plateau-Frac Ile-de-France. Ses films ont été récemment présentés au Centre Georges Pompidou à Paris, K21, Düsseldorf, Metropolitan Museum of Photography, Tokyo, British Film Institute, Londres.

OSORESAN Natacha Nisic & Daimaru Ken 3 channels installation, stereo sound, 17’, 2018 The Itako are women who train to become spiritual mediums in Northeast region of Japan and to evoke departed spirits for the living seeking to communicate with the dead. Most of them have visual disabilities and learn language and rites to describe a rich spiritual world entirely through oral communication. Our first meeting wit Nakamura Take took place in Hachinohe city in Jully 2015. Fiming a blind person is a challenge, in one hand, we would see what she would never share with us, and on the other hand, it seems that she « sees » things that we aslo don’t see. We met her two times in 2015 and in 2017. Each sequence was very short between clients who were regularely knocking at her door. Those fragments of her life, moments of remembering songs, rites and legends were too short to build up a large portrait. They became elements of a constellation we wanted to draw : balancing her humility and modesty versus the huge scale of the desaster which happened not so far fom a living region. Her way to travel in unknown countries of dead and spirits, using a treasure of words, notes, incantation, has been guiding own journey into the landscapes revealing the traces of the post catastrophy. (imprégnant par ses paroles chacune de nos visions des paysages que nous traversions). She told us the legend of «Oshirasama», the founding tail for Itakos, a cruel story of a father, a beloved daughter and a horse. As we crossed the city of Soma, we remembered the Horse Festival organized by the city just one year after the disaster. The horses are still there, waiting. The desire to make peace with the dead motivates each one visiting an Itako. What could help us to make our own peace with the heritage of the post catastrophy ? What kind of political individual gestures could face the large scale of political environmental decisons ? We still have to deal wih nuclear threat. As a symbol of fear, the mount Osoresan, a lansdcape of ashes, smoke and dark water, responds to the hyptnotic beauty of the fragmentation of alpha an beta rays displayed at the Rokkasho PR Center. Fear, to be acclimated must show a fascinating face, as Itakos used to be represented ; stranges, unreachable and dangerous figures of women. Witches. We discovered a touching, smily, opened woman. We realized that Take Nakamura is a monument of Japan history. Very precious, rare and fragile. With participation of Take Nakamura and Itakos of Osorezan Cast: Satoko Abe, Fumie Kubota, Yohei Kobayashi, Kyoko Takenaka, Mika Shigemori

Au coeur de Saint-Désir l'Exil se trouve une piscine. Au coeur de la piscine se trouvent les corps nocifs. A côté de la piscine, ma maman vit ses derniers instants sous le soleil.

Natacha Nisic,born in 1967 in France. Studies at Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs of Paris (1986-90) and at the Deutsche Film und Fernseh Akademie of Berlin (1989-91), and at the Fémis, Paris. Natacha Nisic continually explores the invisible, even magical relationship between images, words, interpretation, symbol and ritual. Her work interweaves links between stories, accounts of the past and the present, to reveal the complexities of the relationship between what is shown and what is hidden, the spoken and the unspoken. Her fixed and moving images function as substrata of memory, memory torn between its value as proof and its loss, and are all statements about the status of images and the possibilities of representation. She exposed in France, Japan, Italy, Germany, Spain, United Kingdom, Korea and Argentina. Her most notable personal exhibitions in Paris (France) are Haus/raus-aus (Le Plateau, Frac Ile-de-France), Effroi (Musée Zadkine), La porte de Birkenau (Mémorial de la Shoah) Nord, Carmel (Centre Georges Pompidou), and Echo (Galeries nationales du Jeu de Paume). Abroad : KW Complex (Atelier Hermès, Seoul, Korea), Trying to land (MACRO, Rome, Italy), Loop Barcelona (Dominique Fiat, Barcelone, Spain). She has participated in several group exhibitions in France and abroad, such as Regard fatigué (with Christophe Marchand-Kiss, Schloß Solitude, Stuttgart, Germany, 1998), Contemporary Utopia (Centre d’art contemporain Letton, Riga, LT, 2001), Tempered Ground (Museum of Garden History, Londres, UK, 2004), elles@centrepompidou, les artistes femmes de la collection du Mnam ( Centre Georges Pompidou, FR, 2009), Yebisu international festival for new vision tokyo (Metropolitan Museum of Photography, JP, 2010), and Immigrantes in Arte Contemporeano (Munfret, curator Diana Wechsler, Buenos Aires, AR, 2015). She won almost 10 grants, among the Arbeitstipendium (Senatsverwaltung für Wissenschaft, Forschung und Kultur, Berlin, Germany). She also stayed at the Villa Medici (Rome, Italy, 2007) and two times at the Villa Kujoyama Duo (Japan, 2001 ; 2016).

L`usine Desurmond à Tourcoing a fermé en 2004. C`était la dernière usine de filature de cette région. Les ouvriers se sont regroupés en association afin de faire valoir leurs droits et créer une communauté, au delà de la perte du travail. Les hommes puis les femmes ont reproduits la chaine et les gestes du travail à la chaine dans cette filature. Certains y ont travaillés en équipe de nuit pendant 35 ans.

Née en 1967. Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris, poursuit des études à la Deutsche Film und Fernseh Akademie de Berlin et à la Femis à Paris pour l`écriture de scénario. Elle réalise de nombreuses expositions et films où la question de l`image est mise en jeu. Elle utilise pour cela différents médiums : super 8, 16 mm, vidéo, photographie. Images fixes ou en mouvement fonctionnent comme substrat de la mémoire, mémoire tendue entre sa valeur de preuve et sa perte. Les différentes expositions personnelles comme au Plateau, Frac île de France, puis au musée Zadkine à Paris, sont des autant de prises de positions sur le statut des images et les possibles de la représentation.Ces oeuvres ont été montrées dans de nombreux pays, Allemagne, Espagne, Japon, Corée, canada, Argentine... Ses films sont diffusés sur Arte et au Centre Georges Pompidou à Paris. Pensionnaire de la Villa Kujoyama (2001) et Villa médicis (2007).

voir ouvrier 1

Voir ouvrier 1

Dans la tour de la ville de Malakoff "Et n’être que brume » met en place le cadre expérimental d’une improvisation.Plongés dans les brumes, les êtres se révèlent. L’écran de la fumée permet une libération des affects car au sein du brouillard se logent les souvenirs, les torpeurs et les désirs. Le film est en hommage à la Crimée annexée depuis 2014 par la Russie.

Natacha Nisic is an artist and filmmaker. She weaves links between history, representation and memory and its implications in the political, social and cultural fields. She explores the invisible relationship between images, words, interpretation, symbol and ritual. Her work questions the nature of the image through different media: Super 8, 16MM, video, photography and drawing. She created The Crown Letter (2020), an international platform of women artists, in response to the Corona virus crisis. She directed “Rather Die Than Die” (2018) a documentary essay on the First World War and the art historian Aby Warburg as part of the commemorations of the Centenary of the First World War, and, for Arte, “Andrea’s Sky” (2014) on a Bavarian shaman initiated in South Korea. Natacha Nisic exhibits worldwide — recent exhibitions include, MNAV, Uruguay, 2023, Frise, Hambourg(2023), Leopold Hoesch Museum (2022), Centre Pompidou (2020), Sharjah Film Platform (2019), the Yebisu Film Festival, Tokyo (2018), the Media City Biennale in Seoul (2016), Bienal de la Imagen en mouvement in Buenos Aires, Munfret in Buenos Aires (2016). In 2014, about his highly acclaimed solo exhibition, Echo at the Jeu de Paume in Paris, the Art Press newspaper writes “His work offers a mediation on cultural differences, on the necessary struggle to consolidate memory against oblivion”. Natacha Nisic created the Children’s Memorial at the Shoah Memorial in Paris in 2005, questioning the question of the monument and its evolution over time. Nisic has obtained numerous scholarships and residencies, notably at the Villa Kujoyama, Tokyo in 2001 and 2016, at the Gyeonngi Creation Center, South Korea (2010) and at the Villa Medici, Rome in 2007. Education: Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, Paris; Deutsche Film und Fernseh Akademie, Berlin; La Femis, Paris. Born in Grenoble, France, in 1967.

The man’s presence lingers in the room that for years served as his study. Present and past intertwine as he follows threads of his memory and recalls events from the time of his participation in the colonial war against Ethiopia in 1935-36.

Rossella Nisio [IT] is a visual artist based in Rotterdam whose work has a strong focus on notions of memory, imagination and space. She has a background in the theory of cinema and performing arts; she pursued her practical training first within the field of documentary photography, eventually moving towards a more autonomous approach to still and moving image-making. She completed the advanced photography studies in Ar.Co in Lisbon in 2017 and earned an MA in Fine Art and Design at the Piet Zwart Institute in Rotterdam in 2019.

"Le temps de chaque séquence, il arrive quelque chose aux choses que représentent ces images pourtant presque fixes. Il arrive quelqu?un qui déplace, dérange ou modifie un point précis du cadre, pour faire un usage précis des lieux - exploration fastidieuse ou simple passer-par-là. Dans le cas précis de ces narrations minimales, la vidéo est une photographie qui dure longtemps." Eléonore Espargillière

Je suis née en 1976, je vis et travaille à Paris. La galerie Frédéric Giroux représente mon travail depuis l?exposition collective Le corps en perspective où elle m?avait invitée en 2004. La galerie m?a permis de faire une exposition personnelle en mai-juillet 2005 et m?a fait participer à plusieurs foires d?art contemporain : Artissima, Turin, Italie ; FIAC 2004 et 2005, Paris. J?ai réalisé des projets d?exposition et de résidences dans deux centres d?art contemporain : Le Domaine de Kerguéhennec, Bignan, où j?ai présenté à l?issue de ma résidence de 3 mois un projet personnel, l?espace de l?image, dans les étages délaissés du château (en 2000). Le Domaine départemental de Chamarande m?a invité cette année à réaliser un travail photographique et vidéo autour de la mémoire du château du domaine. Quelques travaux, notamment vidéos, ont été montrés dans le cadre des journées du patrimoine, en septembre 2005. Le Fonds National d?art contemporain vient de faire l?acquisition de deux photographies réalisées au Domaine de Chamarande. J?ai déjà exposé en Allemagne, à Brême, à l?école d?art et de Musique (Hochschule für Künste Bremen). L?école m?avait conviée à participer à la présentation des ?uvres des étudiants de l?école, Hochschultage. J?y ai réalisé une installation vidéo in situ spécialement conçue pour l?occasion. Concernant d?autres interventions, l?Institut Marcel Rivière, hôpital psychiatrique situé à la Verrière (78), met actuellement à ma disposition un pavillon en friche depuis 2 ans. Mon projet consiste à travailler dans les différents espaces de l?hôpital et en relation avec les patients et soignants. Dans le cadre de ce projet, je viens d?obtenir en 2005 l?aide individuelle à la création de la DRAC Ile-de-France. J?ai effectué une courte résidence à La Casa de Vélasquez, Madrid, dans le cadre du projet de mise en scène Sin Escenario1 Identité et Image de David Ferré. Je suis intervenue en tant que scénariste photographe du projet (en 2001). J?ai obtenue mon Diplôme National Supérieur d`Expression Plastique, avec les félicitations du Jury, à l?Ecole supérieure des Beaux-Arts d`Angers en 2000 et mon Diplôme National d?Art Plastique, avec mention, à l?Ecole supérieure des Beaux-Arts du Mans en 1998.

Cette vidéo résulte d?une performance réalisée pendant le déjeuner des patients et des soignants au restaurant de Institut Marcel Rivière, hôpital psychiatrique de la Verrière. Elle a été réalisée en collaboration avec Régis Bouchet-Merelli et Dominique Larcher, de la compagnie de danse contemporaine K-Denza. La performance a duré 25 min, seules 2?32?? ont été retenues pour créer cette vidéo, basée sur les mouvements des corps en lien avec l?architecture. La vidéo de cette performance est rythmée par le bruit ambiant du repas (assiettes, couverts, discussions?). Cette performance a été conçue en relation avec le contexte historique et architectural du restaurant : la salle dans laquelle se déroule la performance était réservée au repas des soignants dans les années 60. Cette pièce carrée est séparée par de grandes baies vitrées d?une autre salle de plus grande dimension, où déjeunaient les patients. A l?époque, ces baies vitrées servaient pour l?observation et le diagnostic des patients pendant le déjeuner. Aujourd?hui ces pratiques ne sont plus exercées, mais les soignants déjeunent dans cette même salle et les patients dans l?autre salle. La performance avait pour but que tous déjeunent dans le même espace, que l?espace à la fois ouvert et fermé par les verrières devienne un espace de performance, où les objets perdent leur fonction : Les tables sont assemblées - désassemblées, pour former un « plateau de danse », les chaises ne servent plus à s?assoire. Une tentative de perturber l?espace du repas, les habitudes de chacun, en créant une architecture mentale.

Je suis née en 1976, je vis et travaille à Paris. La galerie Frédéric Giroux représente mon travail depuis 2004. J?y ai réalisé une exposition personnelle en mai 2005 et la galerie m?a fait participer à plusieurs expositions collectives et foires d?art contemporain : Artissima, Turin ; FIAC 2004, 2005 et 2006 Paris. J?ai réalisée des projets d?exposition et de résidences dans deux centres d?art contemporain : Le Domaine départemental de Chamarande m?a invité en 2005 à réaliser un travail photographique et vidéo autour de la mémoire du château du domaine. Quelques oeuvres ont été montrées dans le cadre des journées du patrimoine, en septembre 2005 et seront exposées dans l? exposition « L?esprit des lieux » du 25 novembre 2006 au 5 février 2007. Le Domaine de Kerguéhennec, Bignan, m?a permis de présenté à l?issue de ma résidence de 3 mois un projet personnel, l?espace de l?image, dans les étages délaissés du château (en 2000). Le Fonds National d?art contemporain a fait l?acquisition de deux photographies réalisées au Domaine de Chamarande en 2006. J?ai déjà exposé en Allemagne, à Brême, à l?école d?art et de Musique (Hochschule für Künste Bremen). L?école m?avait conviée à participer à la présentation des ?uvres des étudiants de l?école, Hochschultage. J?y ai réalisée une installation vidéo in situ spécialement conçue pour l?occasion. Concernant d?autres interventions, L?Institut Marcel Rivière, hôpital psychiatrique situé à la Verrière (78), met actuellement à ma disposition un pavillon en friche depuis 2 ans. Mon projet consiste à travailler dans les différents espaces de l?hôpital et en relation avec les patients et soignants. Dans le cadre de ce projet, j?ai obtenu en 2005 l?aide individuelle à la création de la DRAC Ile-de-France et l?allocation d?installation (aide matérielle). J?ai effectué une courte résidence à La Casa de Vélasquez, Madrid, dans le cadre du projet de mise en scène Sin Escenario1 Identité et Image de David Ferré. Je suis intervenue en tant que scénariste photographe du projet (en 2001).

In October 2010, Simon Norfolk began a series of new photographs in Afghanistan, which takes its cue from the work of nineteenth-century British photographer John Burke. Norfolk?s photographs reimagine or respond to Burke?s Afghan war scenes in the context of the contemporary conflict. Conceived as a collaborative project with Burke across time, this new body of work is presented alongside Burke?s original portfolios. The exhibition takes place in conjunction with an earlier complementary exhibition in March 2011 at the Queen?s Palace in the Baghe Babur garden in Kabul, supported by The World Collections Programme and the Aga Khan Trust for Culture, which resulted from a series of workshops with Afghan photographers, featuring work by Fardin Waezi and Burke alongside Norfolk?s own work.

Simon Norfolk was born in Lagos, Nigeria, in 1963 and educated in England, finishing at Oxford and Bristol Universities with a degree in philosophy and sociology. After leaving a documentary photography course in Newport, South Wales, Norfolk worked for far-left publications specializing in work on anti-racist activities and fascist groups, in particular the British National Party. In 1994 he gave up photojournalism in favor of landscape photography. His book For Most of It I Have No Words: Genocide, Landscape, Memory, about the places that have witnessed genocide, was published in 1998. The work was exhibited at many venues, including the Imperial War Museum in London, the Nederlands Foto Instituut, and the Holocaust Museum in Houston, Texas. Photographs of the war in Afghanistan in 2001, published as Afghanistan: Chronotopia, won the European Publishers` Award for Photography and an award from the Foreign Press Club of America and was nominated for the Citibank Prize. In 2004, Norfolk won the Infinity Award from the International Center of Photography in New York and in 2005 Le Prix Dialogue in Arles. His most recent book, Bleed, about the aftermath of war in Bosnia, was published in 2005. His work appears regularly in the New York Times Magazine and the Guardian Weekend.

The film Thirst is a post-human choreography of machines and displaced plants. Millions of tons of Estonian peat end up in greenhouses in the Netherlands, where it is used as a soil substrate for tropical Phalaenopsis orchids. Meanwhile, local communities in Estonia are left with dry wells and a lack of drinking water as their fragile wetlands are drained for peat extraction. The orchids from the Netherlands then find their way back to supermarkets and homes in Estonia. It is a thirst for luxury and abundance that keeps the capitalist machinery running. Thirst is one episode from Kristina Norman’s Orchidelirium film trilogy. Commissioned for the Estonian Pavilion at the 59th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia. Author and director: Kristina Norman Cinematographer: Erik Norkroos Composer: Märt-Matis Lill Choreographer and cast: Mari Mägi Produced by Rühm Pluss Null in collaboration with CCA Estonia

Kristina Norman (b.1979, lives and works in Tallinn) is an artist whose interdisciplinary work includes video installations, sculpture, and projects in the city space, as well as documentaries and performance. She is interested in the issues of collective memory, the memorial uses of the public space, but also the subtle sphere of the body politic that transgresses the boundaries between the public and the private. In 2009 she represented Estonia at the 53rd International Art Exhibition – La Biennale di Venezia, with a solo project; a multilayered mixed media installation entitled After-War. The project was a study of a conflict around the relocation of a Soviet monument in Tallinn. In 2022 at the 59th edition, the artist again represented Estonia with an ecocritical exhibition “Orchidelirium. An Appetite For Abundance”, a duo show with Bita Razavi, curated by Corina Apostol. Norman’s experimental film trilogy commissioned for the Estonian Pavilion, offers multiple ways to reflect on the legacies of colonialism from a specifically Eastern European perspective.

Réalisée lors des Ateliers Sahm (Rencontre Internationale d’Art Contemporain, qui se sont tenus du 15 novembre au 15 octobre 2012 à Brazzaville, « Bimbanbukila », première vidéo de Jussie Nsana pose le problème de mémoire. Cette première réalisation de l’artiste nous emmène au cœur de Brazzaville où l’artiste magnifie le mur sous toutes ses coutures. Des murs qui deviennent des espaces témoins, de ponts entre le passé et le présent.

Jussie Nsana Banimba est née à Brazzaville en 1984 et elle vit et travaille actuellement à Pointe-Noire. Elle est diplômée de l`École Nationale des Beaux Arts de Brazzaville, en arts plastiques. Elle se considère comme une artiste à part entière et crée des peintures, des bandes dessinées, et des vidéos. Jussie à participé octobre 2015 au Festival International de la Bande Dessiné d’Alger en Algérie. Elle a exposée ses œuvres en novembre 2015 à l`exposition «Soul Power» au Musée-Galerie du Bassin du Congo à Brazzaville, en 2014 à l`exposition "Butselé" au Centre Culturel Basango à Pointe-Noire; en 2013 à l`Institut Français du Congo (IFC) à Pointe-Noire; en 2012 et 2013et 2015 elle a participé à la 1ère, 2e et 4e édition de la "Rencontre d`Art contemporain de Brazzaville" aux Ateliers SAHM. Comme elle-même le dit, Jussie transporte dans son « sac à arts », ses passions les plus artistiques, la BD, la peinture et la vidéo. Engagée avec la jeunesse, Jussie, avec une générosité hors du commun, transmet son savoir-faire et son amour pour l’art aux enfants et aux jeunes dans son espace Nsana – Arts’ Butsilé.

Duette Chöre Formationen Des formes masquées chantent un hymne, des personnages incertains célèbrent l'amitié, des filles chantent l'amour et le sexe, un chien à trois têtes et sa maîtresse font des rimes, un groupe de gamins entonne dans la forêt une mystérieuse mélodie et deux pendus s'apportent leur aide mutuelle pour présenter une chanson.

Monika Nuber vit et travaille comme artiste plasticienne et musicienne à Stuttgart. Elle a étudié à l'Académie des Arts de Stuttgart avec Joseph Kosuth et Joan Jonas, et à l'École Supérieure des Arts à Prague avec Milan Knizak. Des bourses d'études l'ont successivement conduite en Mongolie, en Chine et au Pakistan.

Zooming into two books containing mug shots from around 1880–1935, Under the Skin, draws lines from historical events to contemporary developments of control and surveillance. While describing what she sees in the books, the narrator intertwines subject areas like; how time changes perspectives on historical events, the role of archives as foundations for power and control, the possible brutality of bureaucracy, the current state of facial recognition and personal experience with the law enforcement. Under the Skin questions given structures of power and asks how we can take back the sovereignty of information.

Christof Nüssli (*1986, Zurich) is a visual artist, whose interdisciplinary approach involves moving images, photography, sculpture, installation, text and artist books. His work has been exhibited in various institutions and off-spaces. In 2019 his work was shown at Photoforum Pasquart (CH), Swiss Institute New York (US), Glue Factory (UK) and VideoEx (CH). Nüssli authored three artist books (Miklos Klaus Rozsa, Withheld due to:, googly eyes) which won international prizes. Since 2014 Christoph Oeschger and Christof Nüssli run the publishing project cpress, focusing on artist books. In 2018, Nüssli was an artist in residence at the Swiss Institute New York, the Andreas Zuest Library and in 2016 at the Istituto Svizzero di Roma. In 2013, Nüssli received a Master of Design from Werkplaats Typografie. Since 2018 he attends the Master of Fine Arts program at the Glasgow School of Arts.

"Ma Ling" (in Bahasa Indonesian can be mean: Thief) is an instant canned food from China. This work talks about stealing back terrors that have already been produced by television. Inspired by what happened in China for a pirated business product; taking something from a thing that already exists and reproducing it as something "new".

Etant donné qu'Eko Nugroho est un dessinateur de bande déssinée (comic book) excellent et productif, il utilise intelligemment des dessins simple ainsi que l'animation pour sa vidéo "Bercerobong" (le tuyau à fumée). Il tente de dépeindre ce qu'il se passe dans une communauté, en pariculier lorsque le programme politique change en Indonésie suite à la chute du régime de Soeharto. Tout le monde semble être tour à tour hommes politiques, soldats, officiers gouvernementaux, professeurs religieux ou autres. Tels des caméléons, il ont vite changé leur style de vie, leur façon de parler et leurs actes, s'ajustant ainsi à l'environnement et aux personnes à qui ils parlent.

The film “Franzosensand” centers on agricultural settlements founded by theGerman National Socialitst on newly built dikes on the mudflat of the Wadden Sea (North Sea). Of the settlements, the so-called “Adolf-Hitler-Koog”, was meant to be a prototype for a national socialist community.Today, the bleak and tidy landscape does not offer much testimony to its history. Excerpts of archived materials that are interwoven with present-day images make the present appear as a surface built on complex, deeper layers of the past.

Bettina NUERNBERG (1976, Germany) was educated in art and film in Hamburg, Berlin and Toulouse. The work of the Berlin-based artist has been screened and exhibited worldwide. She founded the internet platform vestibuel-film. Dirk PEUKER (1970, Germany) studied film and art in Berlin and Vienna. The work of the experimental filmmaker and artist has been screened and exhibited worldwide.

The Nazis set up a concentration camp in Ebensee. Nürnberg and Peuker wonder what conclusions they can draw from the topography about dealing with the past. The takes remain static; a woman’s voice dryly contributing information from off screen is all that clarifies the context within contemporary history. A site that looks like a dirt road turns out to be the “Löwengang (Lion’s Walk),” which the camp’s prisoners were driven down like animals to reach a tunnel that had to be dug. As soon as the film moves to the residential area that was founded on the site of the concentration camp shortly after the end of the war, surprise at the lack of sensitivity in dealing with the past mixes into the off-screen commentary. What Zement aims to get at is the ambiguity of this proximity of commemorative site and settlement.

Dirk Peuker * 1970 in Friedrichroda 1998 – 2005 Studium experimentelle Filmgestaltung an der Universität der Künste Berlin und bildende Kunst an der Akademie der bildenden Künste Wien. 2006 Stipendium der Stiftung Kulturregion Hannover und der Nordmedia Filmförderung, Villa Minimo. 2007 DAAD Jahresstipendium 2008 Postgraduiertenstipendium des Freistaates Thüringen 2008 Meisterschüler der Universität der Künste Berlin 2009 NaFÖG Stipendium des Berliner Senats seit 2009 künstlerischer Mitarbeiter an der Kunsthochschule Berlin Weißensee

"What? Torture!?! I didn`t see any torture. Did you see some torture? Nobody saw any torture....."

Mark O`Connell probes and pushes the emerging representational, juxtapositional possibilities afforded by today`s expanding range of digital media. After a score of years in music--as a performer, composer, and producer--he now works with a variety of media: still images, video, film, music and text; all manipulated as digital information. The finished pieces are generally delivered via videotape or Quick Time computer files. His work has been exhibited in a wide range of venues.

Le dos d'une femme quelque peu à gauche du centre, remplit l'image. Elle se tient juste devant la caméra, qui de temps en temps enregistre un aperçu de l'homme qui se tient face à elle à quelques mètres de distance, quelque part dans une forêt. La caméra, l'homme et la femme bougent à peine tandis u'un voix off éclaire le contexte de ce qui est en train de se passer. La voix appartient probablement à l'homme duquel nous avons vu juste assez pour être capable d'estimer qu'il doit être un vieux gentleman. Il explique qu'il est sans cesse à l'affût de nouveaux défis, expériences et limites. Il se demande comment cela va l'affecter, quelque soit ce qu'il fera plus tard, ce dont le spectateur ne peut qu'avoir une idée. La voix off semble être basée sur une conversation ou correspondance qui se joue entre lui et la femme avant l'enregistrement. Il admet qu'il se sent embarrassé, gêné par cette situation et dans l'idée qu'il va faire une telle chose en sa présence, en la présence de l'équipe caméra et éventuellement d'un public. Puis, alors que la caméra se déplace un peu, nous pouvons voir qu'il commence à se dévêtir calmement. Il remet ses vêtements à la femme. Comment son corps va-t-il réagir en ces circonstances, va-t-il coopérer élégamment ou cela va-t-il l'embarrasser ? Il n'est pas un modèle ou un acteur, dit-il. Il regarde alternativement vers la femme ou la caméra, comme si il ne voyait pas la femme, ou sur les côtés ou vers le haut. Très calmement il exécute les actions acceptées et ce sur quoi elle lui remet un morceau de tissu et ses vêtements. "Deep Woods" pourrait être interprété comme une performance qu'effectue O'Daniel à travers quelqu'un d'autre. C'est une action pour laquelle elle a besoin de l'autre et s'implique en entier dans ce dont elle est en premier lieu témoin : elle se tient clairement entre l'homme et la caméra, et le spectateur. Derrière son dos on peut voir ce qu'elle voit mais seul celui qui est face à elle peut voir son visage. Et ce n'est pas elle mais vous qui êtes le voyeur, sûrement pour le moins gêné par ce que vous êtes en train de voir.