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Dans "Proposal" un groupe est assis en cercle dans un bureau. Les membres du cercle sont en train d'écouter un message qui a été laissé sur leur répondeur. Un conservateur ou représentant d'une galerie leur propose de participer à une exposition dans cette galerie. Une longue liste de questions et de restrictions s'ensuit. La voix exprime emphatiquement son espoir qu'ils ne soient pas découragés par le peu que la galerie peut leur offrir. Le collectif d'artistes polonais Azorro Group ne manquera jamais une occasion artistique de ridiculiser cette même occasion, et eux y compris. Dans leurs performances, photos et vidéos, ils se manifestent comme un couple de clowns qui se moquent du cercle des expositions et des conservateurs dans son ensemble. Cela ne suppose pas beaucoup de paroles ou d'écrits mais plutôt beaucoup de pauses et de rires. Les actes niais sont leur marque de fabrique.

« Gig » est une vidéo de trois minutes sur des personnes qui assistent à un concert dans un club. Au lieu d?attirer l?attention sur la scène et les musiciens, la vidéo se concentre sur les regards croisés des habitués du club, qui s?observent les uns les autres.

Liisa Lounila est née en 1976, vit et travaille actuellement à Helsinki. Ses principaux médiums sont le film et la vidéo expérimentaux, la photographie et la peinture. Ses ?uvres traitent généralement d?obscurs besoins de changement, de grandes attentes et des lieux pleins de potentiel. Habituellement, ses photos, fixes ou en mouvement, tirent leur origine des films, de la presse à scandales, des magazines d?art de vivre et des paroles de chansons pop.

"to conceal what one is, rather than to pretend to be what one is not" Film in triptych format with common soundtrack. Three channelled video. 13 mins. The film focuses on the vocabulary, tools and human representation in the various types of software that is used for modelling and tracking crowd behaviour. Featured in the film are examples from online crowd simulation tutorials: coordinated swarms, mass body crushes, campsites and religious gatherings such as the Hajj in Mecca. These examples are juxtaposed with newly shot scenes of gestures and postures drawn from the simulated crowd agent, the default character, pre-programed behaviour re-enacted by dancers and images from human tracking devices and. images from human tracking devices and The voice-over interlaces the information and the instructions from the software tutorials generated by a speechedit software/robot voice, with the artist's own voice and thoughts. The film addresses the aesthetics and politics of these softwares and tracking system where these digital tools used for monitoring today´s crowd flows and behaviour are becoming increasingly political while facing ethical dilemmas. Sheding new light on the digitisation and simulations of crowds, their interconnected technologies and their inherent potentiality to predict and model our future collective behaviour. This film is part of my ongoing research, practice-based PhD at the Royal College of Art in London, Prediciting Crowds. The aesthetics and politics of digitized and simulated crowds.

Anna Adahl is a visual artist and researcher working in various mediums such as film, installations, performance and collage. She uses the tools of assemblage and montage where found footage meets newly shot images and where ready-mades are used as props in spatial narratives. In 2015 she started her practice-led PhD adressing the aesthetics and politics of digitized and simulated crowds. Over the past decade the notion and politics of crowds has been central in Anna Adahl's artistic practice. In numerous works she has been observing and examining the relationship between the individual and the mass as well as the language of the body in relation to the psychological, physical or political space that surrounds it. Within her current practice based research her focus has turned towards the conditions, the aesthetics and the politics of contemporary crowds, operating in a new computational realm. Her work has been presented and exhibited internationally including: Marabouparken Art Gallery, Stockholm (2018); Moderna Muséet, Stockolm (2018); Festival des Cinémas Differents et Experimentaux de Paris (2018); Nanjing International Art Festival, China (2017), Whitechapel Gallery, London, UK (2016); Lofoten International Arts Festival, Norway (2015); CCA Derry-Londonderry, Northern-Ireland, UK (2015); FRAC Champagne-Ardenne, Reims, France (2013).

The film Default Character focuses on the vocabulary, tools and human representation of the softwares proposing and tracking the crowds behaviour, adressing the impact of how default settings produces an image of the algorithmically programmed human body. The film include images from online tutorials of crowd simulation programs ,human tracking devices and newly shot scenes (performed by dancer Pelle Andersson). The featured examples given by these tutorials and showreels are perfectly coordinated swarms, mass body crushes, camp sites and religious gatherings such as the Hadj in Mecka. Crowd simulations which are mainly used for crowd management and Hollywood production use a multi-agent simulation framework which is a computational methodology that allows building an artificial environment populated with autonomous agents which are capable of interacting with each other. The human tracking devices, track, study and accumulate statistics on our collective behaviour, while the crowd simulation proposes it. The voice over in the film, interlaces the tutors voice of informative instructions from the software tutorials with the artist´s personal voice and commentaries.

Anna Adahl is an artist and researcher working in various mediums such as film, installations and performance. She uses the tools of assemblage and montage where found footage meets newly shot images and where ready-mades are used as props in spatial narratives. Her ongoing Fine Art practice-based PhD at the Royal College of Art in London, UK, adresses the aesthetics and politics of crowd simulations analyses, using the physical body as tool and reference, the identity and human representation in crowds generated and supervised by new computational technologies. Her works has been exhibited and presented internationally and she is also a member of the editorial team of OEI magazine.

À travers une expérience immersive, ce film aborde la façon dont la notion et le terme de "flux" et les "états de flux" ont été monétisés par notre économie actuelle, et l’accélération de notre société de consommation, de production et de performance 24 heures sur 24, 7 jours sur 7. Ce film navigue à travers les différents flux, depuis les origines de cette notion dans les traditions d'inclusion et de nature bouddhistes et taoïstes, en passant par les vaisseaux sanguins informatisés, les chiens fractals créés par Deep Dream, le cosmos, jusqu'aux graphiques des flux de migrants, et à la méditation en pleine conscience véhiculée par les clips de relaxation en ligne et les "sleeptubes", ainsi que leurs forums de discussion permanents. Ces nouveaux modes de relaxation et de pleine conscience jouent un rôle déterminant dans l'activation du flux continu associé à notre système économique actuel et à nos modes de production accélérés, agissant comme des pauses artificielles pour assurer une meilleure endurance corporelle et une meilleure performance. La notion de flux, inhérente à notre système de survie physique par la circulation du sang, de l'oxygène et des nutriments, est désormais détournée par notre système économique. En fin de compte, la notion de flux a été transformée en un outil bio-politique, dont le but est d'optimiser l'efficacité et le potentiel de performance de nos comportements individuels et collectifs.

Anna Ådahl est artiste plasticienne et chercheuse. Elle travaille avec différents supports tels que le film, les installations et la performance. Ses outils de prédilection sont l’assemblage et le montage, où le found footage rencontre des images nouvelles, où les ready-made servent d’accessoires dans des récits spatiaux, et où le corps est utilisé comme outil d'investigation dans les performances mises en scène. Depuis plus de dix ans, la notion de foules et leur aspect politique sont au cœur de sa pratique artistique. Sa recherche fondée sur la pratique des beaux-arts, "Inside the Postdigital Crowds", au Royal College of Art de Londres (Royaume-Uni), porte sur l'esthétique et la politique des conditions numériques dans lesquelles les foules contemporaines sont opérées et gouvernées.

Après avoir manqué un appel tant attendu, une femme se réveille seule dans un espace vide. Par le geste et le son, elle s’adonne à un étrange rituel dans l’espoir d’une réponse qui l’aiderait à sortir de sa hantise. Sous la forme d’un huis clos somnambulique, Akousma propose une incursion dans la boîte crânienne d’un corps à l’affût, coincé entre le monde des vivants et celui des morts. Ce premier court-métrage du jeune artiste plasticien Geoffrey Badel met en scène la chorégraphe Mathilde Monnier pour laisser aux fantômes l’occasion de revenir.

Né en 1994 à Montélimar (France) Vit et travaille à Montpellier (France) Geoffrey Badel est un artiste qui explore les mondes silencieux à travers des installations immersives sous la forme de dessins, de films, d’installations et de performances. Il situe son travail dans des environnements surréalistes et leur confère des attributs magiques et analeptiques, avec une approche qui cherche à transformer les situations. Diplômé de l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Montpellier en 2017, Geoffrey Badel a remporté la Bourse Jeune Création MAIF du Drawing Room la même année. Il participe au post-diplôme Saison 6, créé en 2018 par le MO.CO. structuré en trois temps de résidences : Cochin (Inde), Venise (Italie) et Istanbul (Turquie). En parallèle de ces expériences, en France ou à l’étranger, il intervient dans les milieux scolaires et médico-sociaux afin de proposer des ateliers et de transmettre sa pratique. Depuis 2024, dans la continuité de ses recherches sur le langage, il s’engage dans la communauté sourde dans l’intention de contribuer à l’accessibilité dans l’art. De 2022 à 2024, ses expositions récentes individuelles ou collectives incluent : le MO.CO. de Montpellier, le FRAC – Occitanie de Montpellier, le Musée d’art contemporain de Sérignan, la Fondation Bullukian de Lyon, l’Atelier Blanc de Villefranche-de-Rouergue, le 67ème Salon de Montrouge et le Centre Pompidou de Metz.

“Can we imagine the universe from which we ourselves come as something physical, but at the same time as something virtual?” To portray the social circumstances of our contemporary society, characterised by a hybrid state of physicality and virtuality, choreographer Howool Baek combines body movement with technology. In “BETWEEN_in VR”, an imaginary and deeply 'immersive' universe emerges in which our body parts such as the hands, feet or navel lead us into an unfamiliar world. Using the overwhelming 360° VR spatial experience, we discover a new type of in-between space that merges the solid boundaries between the physical and the virtual, the body and the data, the analog and the digital, and the viewer and the performer.

Choreographer Howool Baek works on discovering individual body fragments without a face and proposing a different perspective of the body by deconstructing and transforming the body. Through breaking stereotypes about the body, she wants the audience to see society from a different perspective. Lately she has expanded her stage concept towards the digital space, carrying out new artistic experiments to transplant her choreographic method to the digital stage. Her first directed film Foreign body (2022) won the Best Film at Minimalen Short Film Festival - Multiplie Dance Film (Norway) in 2024. And VR film BETWEEN (2023) was awarded the Best Virtual Reality at Digital Media Fest (Italy) in 2023.

Une personne vêtue de blanc court à en en perdre haleine à travers Rotterdam. Elle escalade des sculptures d'artistes célèbres mises en scène dans toute la ville, évoquant un parcours de santé.

Ruth Baettig est née en 1964 à Lucerne en Suisse. Elle vit et travaille à Paris ainsi qu'à Lucerne. Etudiante à l'Atelier Médias-Mixtes de l?Ecole supérieure d?arts visuels de Genève, elle obtient en 1999 un complément de formation universitaire à l'Ecole des Beaux-Arts de Cologne, avant de s?inscrire au Programme de recherche de l?Ensba de Paris en 2000. Depuis 1995, elle participe à de nombreuses rencontres autour de la vidéo et expositions d?arts plastiques en Allemagne, en Suisse, en Belgique, en France, au Brésil, au Liban et en Arménie. Elle vient de publier VAGABONDAGE, disponible dans les librairies d?art parisiennes.

Un être blanc marche, se tient en équilibre, flâne, se glisse, saute, grimpe, s'agite sans aucun sens ni bût sur les ruines d'architectures alpines. Elle y croise des promeneurs de dimanche et d'autres touristes du week-end. Irrité et déconcerté, on voit partir l'être blanc... La vidéo a été filmée dans les montagnes suisses, à la frontière italienne. Les différentes composantes - panorama montagneux, figure artistique, mouvements ? créent un comique de l'image absurde.

Né le 7 avril 1964 à Sursee 1992-96 Ecole Supérieure d?Art Visuel, Atelier Medias-Mixtes Silvie & Cherif Defraoui, Genf (CH) 1997 ? 2000 Etudes supérieures à la "Kunsthochschule für Medien" à Cologne (D) 2000 ? 2002 Programme de Recherche, Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts, Paris (F)

One of the series of labodoble experiment of the natural(organic) film developers. The structure of the film is based on the chemical formula of the Rhus Typhina`s developer. The main protagonist of the film is a species of flowering plant in the family Anacardiaceae which leaves and berries have been mixed with tobacco and other herbs and smoked by Native American tribes. We tried to apply the properties of the Rhus Typhina in the photochemistry. The film catches the research, experiments, harvesting and preparation of the film developer in which latter original negative was developed. The nonlinear structure of the chemical formula as well as nonlinear research of the process reflected in a order of the frames. There is no post-production except sound all editing work is made while film was loaded in camera before chemical development.

Alexandra Moralesová was born in 1989 to Czech mother and Argentinian father. She studied at the Centre of Audiovisual Studies at The Film faculty of the Academy of Performing Arts in Prague (FAMU). Beyond the inspiration by the practices of experimental film, she`s mainly interested in remediation of found footage and found objects. Through various ways of viewing it, those objects represent for her its own possibility of de/construction in order to cross the frontier between analog and digital media and so disrupt the spectacle and alternate existing narratives. It`s been several years that she explores the post-production tools as for example the editing table or film viewers. The output of her works is often a performance, film screening or installation. Georgy Bagdasarov was born in Armenian family in 1978 to the sounds of rockets taking off into space from Kazakhstan. He never boarded any of those rockets and spent all his life living in various locations throughout Eurasia. Now he lives and works in Prague. His work explores the space between analog and digital, and merges them together. His works are created under strong influence of structural films, cooking recipes and syntax of computer codes. He combines different media: digital and film stock as well as music and food.

Pro(s)thetic dialogues is more like a recording of a theatre performance playing out on a computer desktop. Here the human operator creates the conditions for exploring the performativity of a philosophical zombie pieced together from neural networks. The operator/stage technician merely directs the flow of mathematical operations pretending thought and creates a space in which the philosophical discourses are dissolved

Since 2013 Alexandra Moralesova and Georgy Bagdasarov form a filming and experimenting duo Labodoble. We run an artistic and curatorial platform under the same name. We mainly focus on photo-chemical experimental film processes but we are interested in other kinds of media practices. We like to question media and to reshape the relation of machine-operator into machine-performer. We merge technical skills with media theory and philosophy. We do films, performances, installations and workshops.

Des effets bons marchés ne peuvent pas faire qu'un performeur mélodramatique se sente mieux.

Jeremy Bailey poursuit actuellement son MFA d'Art Vidéo à l'Université de Syracuse dans Syracuse NY. Son oeuvre se base souvent sur la technologie et est fondamentalement liée à la question de l'autorité et de l'authenticité. Il est aussi programmateur vidéo pour SPARKVIDEO, une série vidéo à succès réalisée à l'Espace d'Art Contemporain Spark à Syracuse.

The Remains of the Father: Fragments of a Trilogy (Transhumance) is an experimental film and installation. It considers marginally remembered Italian colonial history in Eritrea and Ethiopia between 1930 and 1941. An Eritrean researcher Lula Teclehaimanot discovers an archive of non-official ethnographic literature collected by a Bolognese couple Giovanni Ellero and Maria Pia Pezzoli who had worked for the ?Ministry of Italian Africa? in Eritrea and Ethiopia during that period. Lula has been tasked by the municipality of Asmara to translate from Amharic into Tigryna: A contribution to the birth of the colonial style, an unpublished manuscript written by Ellero promoting the rationale of a modernist Ethiopian architectural vernacular. While she works Lula listens to a radio interview conducted in Italian, Tigryna and Amharic about the contemporary relevance of proverbs in Eritrean and Ethiopian societies. Set within a single room of a derelict house in Bologna which had been built for retired fascist army officials, is also the imagined office of Ellero. Many of the documents laying about the office; Eritrean and Ethiopian proverbs, hand drawn maps, and family emblems and curiously amongst these are the traces of her own family history, collated by Ellero before she was born.

Bridget Baker is an artist from South Africa. She is based in London and Cape Town. Baker?s work is situated at the intersection of documentary and myth creation, forming a series of complex visual fragments realized through film making, installation and documented re-stagings. Baker`s practice and visual language, while based on in-depth research, is often speculative and nomadic, seldom offering a finite position on events or histories. Her work has been exhibited extensively but also at The Museum of African Art (NYC), MAMbo (Bologna, Italy) Centro des Artes Contemporanea (Burgos, Spain), Palazzo delle Papesse (Siena, Italy), Neue Berliner Kunstverein (Berlin), the 2nd Johannesburg Biennale (Cape Town), Bow Arts Centre (London), Glasgow Film Festival (Scotland), Dak?art 2012 (Senegal), Wapping Project (London), South African National Gallery (Cape Town), the South Africa National Arts Festival (Grahamstown, South Africa), and the Oberhausen Short Film Festival (Germany).

Inauguré fin 2004 à Bucarest en Roumanie, le MNAC (Musée National d`Art Contemporain) occupe les 16000m² de l?aile E4 de l?immense Palais du Parlement, deuxième bâtiment le plus grand du monde après le Pentagone. Connu aussi sous les sobriquets de "palais du peuple" ou de "palais de Ceausescu", le Palais du Parlement est une véritable projection pornographique du pouvoir, une érection mégalomaniaque. Lieu marqué par une histoire totalitaire, le Palais, après avoir accueilli le Parlement roumain et un centre international de conférences, accueil aujourd?hui un espace dédié à la dynamique des idées et au dialogue artistique. Le MNAC est un projet ambitieux. Un projet pris au piège de la situation roumaine, instable et toujours proche de la régression. Un musée d?art contemporain gigantesque, le plus grand de l?Europe de l?Est, avant-gardiste et novateur qui doit réussir à faire le lien entre une population "provinciale", qui reste à éduquer, et sa programmation ambitieuse. Le MNAC est le fruit de l?opiniâtreté de quelques personnalités roumaines d?envergures, Mihai Oroveanu, Directeur Général du musée qui a porté pendant plus de dix ans le projet, et Ruxandra Balaci, sa Directrice Artistique et Scientifique. Aujourd?hui, le conseil d?administration du musée est peuplé d?une véritable dream team internationale, où siège Ami Barak (conservateur et Président de l?International Association of Curators of Contemporary Art), René Block (Directeur de la Kunsthalle Fridericianum de Kassel), Nicolas Bourriaud (Co-Directeur du Palais de Tokyo à Paris), Heiner Holtappels (Directeur du Netherlands Media Art Institute ? Montevideo/TBA à Amsterdam), Anders Kreuger (Conservateur indépendant et ex- directeur du Nordic Institute for Contemporary Art de Stockholm), Enrico Lunghi (Directeur du Casino Luxembourg, Forum d`Art Contemporain à Luxembourg) et Catherine Millet (Directrice d`Artpress). Le MNAC se voit comme un espace vivant, malléable et polémique, un espace animé par un réseau d?intellectuels dans lequel l?Est et l?Ouest sont des partenaires, un laboratoire ouvert à la recherche dans le domaine du visuel.

Critique et commissaire d?expo, Ruxandra Balaci a dirigé la Galerie Gad à Bucarest, en Roumanie. Aujourd?hui, elle est co-rédactrice de la revue Artelier et la directrice adjointe, ainsi que la directrice scientifique et artistique, du Musée National d?Art Contemporain(MNAC) de Bucarest.

Letters from the Ceresco community tracent la fragilité de l’harmonie, le rêve d’une vie en association, les frictions qui finissent par se muer en fracture. Les membres de la phalange s’éloignent les uns des autres, dérivant vers des recoins privés, suspendus dans un temps spéculatif.

Ben est cinéaste et enseignant, basé à Milwaukee, dans le Wisconsin, où il est professeur de cinéma, vidéo, animation et nouveaux genres à l’Université du Wisconsin–Milwaukee. Ses films les plus récents explorent les histoires et les survivances des idéaux sociaux radicaux et des formes de vie communautaires. Ces projets mêlent recherche archivistique et divers modes de fabrication d’images pour réfléchir à des manières alternatives d’habiter le monde. S’inspirant de la fiction spéculative, de la théorie critique et de la poésie utopique, son travail revisite souvent les sites d’écoles expérimentales aujourd’hui disparues et de communautés intentionnelles, utilisant le cinéma comme un espace à la fois de recherche et d’imagination. Mêlant paysages réels et imaginés, ces films mobilisent la mémoire collective tout en spéculant sur des futurs au-delà des limites du capitalisme. Au début de sa pratique, Balcom travaillait avec l’abstraction, l’introspection et l’expérimentation formelle, explorant les tensions entre perception et communication, et sondant la matérialité même de la pellicule. Ces lignes de force continuent d’informer son approche en mouvement du cinéma non fictionnel et poétique. Les films de Balcom ont été projetés internationalement dans des lieux et festivals tels que le Museum of the Moving Image, l’International Film Festival Rotterdam, l’European Media Arts Festival, IndieLisboa, Media City Film Festival et le Ann Arbor Film Festival. Il a reçu des distinctions de l’Onion City, de l’Athens International Film + Video Festival et d’Ann Arbor. En 2023, il a été chercheur invité au Center for 21st Century Studies. Il est également cofondateur de Microlights Cinema, un microcinéma actif de 2013 à 2023, dédié à la diffusion du cinéma expérimental et de la vidéo d’art auprès des publics de Milwaukee.

Filmed on the former grounds of Black Mountain College, Looking Backward is a brief elegy to the legacy of a utopian college and other impossible projects.

Ben Balcom is a filmmaker and educator currently living and working in Milwaukee, Wisconsin. He is an assistant professor at the University of Wisconsin-Milwaukee and is the co-founder and programmer of Microlights Cinema, an artist-run microcinema which has been operating since 2013 and has hosted artists from around the world. Recently, his films have taken a lyrical approach to documenting the spaces and legacies of now-defunct experimental schools. Prior to that he made a series of introspective landscape films that engaged with Milwaukee’s progressive political past and contemporary anxieties about the future. Earlier films used abstraction to explore the tensions between perception and communication, with a reflexive attention on the medium itself. These films have been exhibited around the world at venues and festivals such as The Museum of Moving Image, European Media Arts Festival, International Film Festival Rotterdam, IndieLisboa, Media City Film Festival, Alchemy Film, and Slamdance. The films have received awards at Onion City Film Festival, Athens International Film & Video Festival, and Ann Arbor Film Festival. Recently, Balcom was a fellow at the Center for 21st Century Studies at UW-Milwaukee.

Inspired by the story of British serial killer Dennis Nilsen, Loverboy operates as a meditation on the dark side of human intimacy. The project’s approach rejects moral simplifications, offering a narrative that is less a linear story than an immersive dissection of isolation and obsession. Recurring dialogues, eerie distortions, and environmental shifts that envelope the viewer in a claustrophobic cycle of increasingly fractured reality. Designed to linger like an emotional imprint, Loverboy challenges viewers to exit the refuge of orderly modern life and confront the fragility of human empathy and connection.

Nicholas Baldas is a writer, director, and producer whose creative work utilises cutting-edge technology to explore the prohibited boundaries of human experience through psychological immersion. The Heraclitian principle "life is flux" is the only constant in his creative pursuits, his collaborator Michael Plumb is a writer, filmmaker and performer. He has a Phd in Econometrics from University of Oxford. His creative focus is on the art of storytelling, drawing on his background in academia and public policy to explore questions about society and humankind. Michael is fascinated by exploring different media - old and new - to bring stories to life and reach new audiences.

The War on Television est réalisé presque entièrement à partir d?images diffusées à la télévision, et plus particulièrement, provenant de problèmes d?interférences dans les transmissions utilisant la technologie numérique. Ces interférences sont retravaillées et manipulées de manière aléatoire, au moyen de différentes techniques d?altération numérique, qui accentuent encore la fragmentation par à coup. La vénération pour la perfection numérique, l?autorité et la fiabilité des informations 24 heures sur 24 à la télévision deviennent des abstractions, maltraitées dans le flot de bruit discordant et de balbutiement incohérent. Une célébration d?une antiesthétique numérique, de l?entropie de l?excès et de la faillibilité.

Steven Ball réalise des films, vidéos, du son et des installations depuis le début des années 80 A la fin des années 80, il a migré par mégarde vers Melbourne, en Australie. Il y a poursuivi son travail faisant de nombreux films et vidéos, a fait des travaux sonores et des installations. Il y a exercé diverses activités dans l?art militant, en tant que conservateur, dans l?administration, dans l?enseignement et l?écriture. Depuis son retour au Royaume-Uni en 2000, il travaille principalement la vidéo numérique, en réalisant une série de travaux qui, parmi d?autres choses, sont particulièrement liées aux processus numériques et à la représentation spatiale. Steven Ball est actuellement chercheur attaché à la AHRB British Artists` Film and Video Study Collection (Recueil pour l?Etude des Films et Vidéos d?Artistes Britanniques), au Central Saint Martins College of Art and design de Londres. Ses vidéos ont été projetées notamment au Festival d?Oberhausen, aux Pays-Bas, au World Wide Video Festival d?Amsterdam, à Impakt, Utrecht ; en Suisse à Videoex, Zurich; à Viper, Bâle. Les Rencontres internationales Paris/Berlin présentent depuis plusieurs années le travail de Steven Ball.

Aequare. The future that never was by Sammy Baloji, 2023, 21’04 The film swings between archival film clips dating from 1943 and 1957, sourced from INEAC’s colonial propaganda, and 21st century captures of the same Yangambi premises, like a pendulum that never moves time forwards. An acronym for the former National Institute for the Agronomic Study of the Belgian Congo, its post-colonial successor, the Institut national pour l’Etude et la Recherche Agronomique (INERA), is on film so suffused with past, colonial “coordinate systems” that the present looks inert and at a standstill, as if held hostage by frames of knowledge that refuse to abdicate. Decades after decolonization, that persistent hold is made explicit by an imposing and intact map of the Belgian Congo hung high on the wall, and by all the remaining rusty machines, labelled test tubes and rotting reports and specimens, dusty instruments of measure, and laboratories. Against the crumbling of these infrastructures, a devoted population of Congolese clerks seem to assist the preservation of the collected data and methods, in a choreography of gestures that the montage reveals to be inherited from the colonial decades. Amidst images of farmers burning trees to make the charcoal sold at surrounding markets, or those of clerks’ motivational posts proudly professing the exactitude of their pursuit, the atavism of colonial ecology seems apparent. Excerpt from: Sandrine Colard, FROM THE EQUATOR, I HAVE SEEN THE FUTURE

Since 2005, Sammy Baloji has been exploring the memory and history of the Democratic Republic of Congo. His work is an ongoing research on the cultural, architectural and industrial heritage of the Katanga region, as well as questioning the impact of the Belgian colonization. He touches upon a variety of media to translate his research into artefacts. His use of photographic archives allows him to manipulate time and space, comparing ancient colonial narratives with contemporary economic imperialism. His video works, installations, sculptures, andphotographic series highlight how identities are shaped, transformed, perverted and reinvented. His critical view of contemporary societies is a warning about how cultural cliches continue to shape collective memories and thus allow social and political power games to continue to dictate human behavior. His recent personal exhibitions include: Sammy Baloji, Goldsmiths CCA, London (2024), Unextractable: Sammy Baloji invites, Kunsthalle Mainz, Mainz (2024), Style Congo: Heritage & Heresy, CIVA, Brussels (2023), K(C)ongo, Fragments of Interlaced Dialogues. Subversive Classifications, Palazzo Pitti, Florence (2022) He has recently participated in the 35th Bienal de Sao Paulo (2023), the Architecture Biennale of Venice (2023), the 15th Sharjah Biennial (2023), the Sydney Biennial (2020), documenta 14 (Kassel/Athens, 2017) Sammy Baloji co-founded in 2008 the Rencontres Picha/Biennale de Lubumbashi. In September 2019 Sammy Baloji started a PhD in Artistic Research titled “Contemporary Kasala and Lukasa: towards a Reconfiguration of Identity and Geopolitics” at Sint Lucas Antwerpen.

Along the highway, herds of cows are often seen in a rice field. Some standing still and some grazing. At times we see them through the windshield, loaded onto the back of a running truck. This work is a collective of those reduced images and sounds looking as if they are in a controlled atmosphere.

Tanatchai Bandasak, Born in 1984, in Bangkok; lives and works in Paris and UdonThani. BA Film and Photography; Thammasat University Bangkok Thailand, currently in the final year at École Nationale Supérieure D`ARTS Paris-Cergy, France.

The camera leads our gaze closely across the surface of photographs. Small details of different moments become part of a movement: the searching, caressing gesture of filming. Projected on two adjoined screens, the images move together, towards each other and away again. The gaze becomes tactile, connecting what is seemingly separated by time, by distance and by the borders of the photographic image.

Myrthe Baptist (BE, 1994) is an artist and filmmaker based in Brussels. She works mainly with moving image, often starting from photographs, notes, letters and archival material. She has obtained a Master of Fine Arts at KASK School of Arts in Ghent.