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Résidence des limites est un film fait à partir de photographies numériques prises depuis 2005 à travers le monde, et en particulier à travers le cinéma, pour le cinéma, autour du cinéma. Les photographies sont spontanées, jamais mises en scène, mais leur agencement, leur montage dessine un nouvel axe de lecture, une infra-fiction, les signes d?un récit intime et exporté, exposé au regard de celui qui le découvre. C?est aussi un film sur le temps qui passe, les visages qui se métamorphosent, les coïncidences qui existent et qui se manifestent au bord du cadre. Et que la bande son rend visible. Une musique patchwork qui jaillit du début à la fin, sans discontinu, mix du cinéma tel qu?il existe (des symphonies cinétiques) et du cinéma en train de se faire (des ébauches sonores venues d?horizons différents, à peine sortis du Nagra, sans traitement). Résidence des limites est un peu la rencontre du cinéma des mythes et du cinéma en train de se faire. Matthieu Orléan Septembre 2012

Matthieu Orléan est collaborateur artistique à La Cinémathèque française, chargé des expositions temporaires depuis 2003. Il a été le commissaire des expositions ¡ Almodóvar Exhibition ! (2006) et Dennis Hopper et le Nouvel Hollywood (2008). Il a également co-dirigé les ouvrages Renoir/Renoir, ¡ Almodóvar Exhibition !, L?Image d?après (Prix du plus beau catalogue 2007) et Dennis Hopper et le Nouvel Hollywood. Il écrit depuis 1998 sur le cinéma et les arts plastiques pour la presse (Cahiers du Cinéma, Trafic, Vertigo, Synopsis, Purple, Numéro) et pour différents ouvrages (Chantal Akerman, Autoportrait en cinéaste et Raymond Hains, J?ai la mémoire qui planche aux éditions du Centre Pompidou ; Trésors Publics, 20 ans de création dans les Fonds régionaux d?art contemporain aux éditions Flammarion). En 2011, sort aux Editions de l??il son ouvrage consacré au cinéaste Paul Vecchiali, La Maison cinéma. En 2007, il a co-réalisé avec Christian Merlhiot Des Indes à la Planète Mars, présenté en Compétition officielle au FID et sorti en salles à Paris en avril 2008. Il a écrit les scénarios des deux derniers films de Philippe Terrier-Hermann : en 2009, La Dérive (sorti en salles à Paris), et en 2012 La Tétralogie américaine (présenté au festival Hors pistes).

In a Peruvian city corroded by an eternal and indifferent winter, an androgynous man faces a future without his lover, who suffers from an unknown disease.

Peruvian filmmaker and alumnus of La Fémis - Université d'été, Berlinale Talents, Oberhausen Seminar, and Talents Buenos Aires. His passion as a filmmaker arose from the memories of his family, his identity as a member of the LGBTIQ+ community, and social justice. Since making films, Carlos has developed an interest in recreating different worlds within absence and faith. He’s currently developing his first hybrid feature film, The Scent of Walls (Moulin d’Andé Residency 2024). In 2023, he won the Mastercard Enablement Program Fellowship for the project TranStories at the 73° Berlin Film Festival. This project is a one-of-a-kind creative documentary lab for the trans community in Peru. ? His recent fiction short film, “The Distance of Time,” has been selected in over 20 film festivals, including Locarno, Oberhausen, and Raindance. His second fiction short, The Weight of Air (Greek Film Center Award), won the Peruvian National Fund and is currently in post-production. In 2019, he published “The borders of transsexuality in Latin American cinema,” an article about the representation of trans women in six Latin American films. For seven consecutive years, Carlos worked collaboratively in the production field of Song Without a Name by Melina León (51° Quinzaine des Réalisateurs).

"A Wandering Eye Studies" est une série de vidéos et d'extrait sonores qui explore le langage visuel de l'observation électronique.

Ed Osborn est un artiste sonore et media, qui a présenté ses travaux de part le monde. Ses ?uvres d'art peuvent prendre plusieurs formes, comme les installations, sculptures, radio, vidéo, performance, et projets publics. Ils démontrent un sens viscéral de l'espace, du son et des mouvements, combiné à une précise économie de matériel. Allant de ventilateurs vrombissant et de bruyants trains électriques à des boites à musique gémissante et des réseaux délicats de feedback, les ?uvres audibles et cinétiques de Osborn marchent comme des systèmes de résonance qui sont tour à tour joyeux et obliques, engageant et énigmatiques.

This video was created in response to Joanne Wardrop’s curatorial project “Matrimonial rituals, gender studies and false facial hair”, an imaginative attempt to understand rituals, objects and customs found in the Pitt Rivers Museum’s Collection. In the video the artist re enacts a song from the Bollywood director Mehboob Khan’s movie “Anmol Gahri” released in 1946, just before India gained freedom from British rule in 1947. The film was a musical hit and is still remembered for its music by Naushaad and became the highest grossing film at the Indian Box Office in 1946. By re enacting the song the artist questions the status of women in 21st Century Indian patriarchal society, when India is on the brink of becoming one of the world economic powerhouses in the coming years. Although the translation of the song reads primarily as a sad romantic song but its connotations of a woman surrendering to a male dominated society can not be sidelined, especially as she is conditioned to take a man as the savior of her destiny and strongly believes in her annihilation without his protection. The superimposed artificial paper beard adds to this conundrum of identity. The project of which this video is a part was inspired by an artificial beard collected by Antoinette and Diana Powell-Cotton in Angola in the 1930s that is currently on display in the University of Oxford`s Pitt Rivers Museum. Such beards were worn by young Kwanyama girls as part of their marriage ceremonies, which the Powell-Cotton sisters filmed in the early 20th century.

Sabrina Osborne lives and works in London & New Delhi. She has her MA from Goldsmith London University. She has produced an extensive body of work – combining photography, installation and video. In her work she deals with the subjects of displacement, loss and identity. The theme underlying the work is trauma and how this is experienced through melancholia, solitude and alienation. Her projects have been exhibited widely including London Tate Britain, National Gallery Bangkok, Museum of Contemporary Art : Sofia, Belgrade Art Fair, Mine Gallery Istanbul, Espacio Enter: Tenerife Spain, Tenderfelix -Tenderpixle Gallery: London, Galerie Muller and Plate: Munich, Id Art Fest: International Dynamic Contemporary Art Museum : Macerata Italy, OED Gallery: Cochin India and Pitt Rivers Museum Oxford. In 2012, her video was short listed for Celeste Prize and at Culture Cloud at New Art Exchange Nottingham.

In this particular work "Bird", I have negotiated with images of the journey towards the unknown and obscure destination. The image is put together with the sound of an echoing traditional Indian wedding Vidai songs sung at farewell ceremony to the bride by her family. Daughters are referred as birds in these traditional songs as they migrate to faraway unknown lands. The work also has subtly undertones of pathos brought in by issue around forced marriage and honor killings in South Asian patriarchal communities. My self-referential works are tinted with concerns of identity and memory with undercurrents of anxiety, fear, loss and belonging.

I was born in 1971 in a small northern Indian city called Aligarh .I moved to Delhi in 1990 to go to art school of Delhi University and did my BA & MA. I won international scholarship and lived in Mexico in 2000.Meanwhile, my works were shown in several national and international solo and group exhibitions. In 2007, I came to London to do my MA Art Practice. Since graduating from Goldsmiths, London University in September 2009, my works have been exhibited at London Tate Britain, National Gallery Bangkok, Museum of Contemporary Art : Sofia, Belgrade Art Fair, Espacio Enter: Tenerife Spain, Tenderpixle Gallery: London, Galerie Muller and Plate: Munich, Id Art Fest: International Dynamic Contemporary Art Museum : Macerata Italy, OED Gallery: Cochin India and Pitt Rivers Museum Oxford. As part of ?Time is Love- 6? video screenings my video work traveled to Tehran, New York and Norway. In 2012, my video was short listed for Celeste Prize and Culture Cloud at New Art Exchange Nottingham. I curated and organized six video screenings in India and Spain. I have been writing art exhibition reviews for established art magazines in India.

SWALLOWTAILS 2022, experimental documentary, 17 min Authors: Yana Osman, Anton Khamchishkin Swallowtails in science fiction is the division of time into several streams, each of which has its own actions. In parallel time-space, the characters have different lives.

YANA OSMAN Filmmaker, audiovisual artist. Born into a multiethnic family: father - from Afghanistan, mother was from Ukraine. Spent her childhood between Afghanistan, Russia, Ukraine, and after remained to live in Russia. Participated in international film labs, markets and pitches: DOK Co-Pro Market of DOK Leipzig (Germany), Rendez-vous Industry of Festival de Cannes (France), East West Talent Lab of GoEast (Germany); B2B Doc (Sweden), IDFF Artdocfest (Latvia), Clermont-Ferrand Short Film Market (France), Chimeres (France) etc. Winner of a grant for mentoring support from the Documentary Association of Europe (2021). Audiovisual works and documentary films were presented at festivals and exhibitions in USA, Germany, Argentina, Ukraine, Netherlands, Turkey, France, Finland, India, China, Hong Kong, Russia etc. The last short film - Swallowtails (2022) - was selected to the Official Competitions of DOK Leipzig 2022, Hong Kong International Film Festival 2023, Movies That Matter 2023, Tampere Film Festival 2023, where was nominated for European Film Award, and took part in Short Film Corner of the Festival de Cannes and Clermont-Ferrand Short film Market. Another short film - Triptych (2022) - got Grand-prix of the International Film Festival «Spirit of Fire». Author of documentary podcasts and documentary musical novels. ANTON KHAMCHISHKIN Filmmaker, audiovisual artist. Participated in international film labs, markets and pitches: Rendez-vous Industry of Festival de Cannes (France), East West Talent Lab of GoEast (Germany); IDFF Artdocfest (Latvia), Clermont-Ferrand Short Film Market (France). Audiovisual works and documentary films were presented at festivals and exhibitions in USA, Germany, Argentina, Ukraine, Netherlands, Turkey, France, Finland, India, China, Hong Kong, Russia etc. The last short film - Swallowtails (2022) - was selected to the Official Competitions of DOK Leipzig 2022, Hong Kong International Film Festival 2023, Movies That Matter 2023, Tampere Film Festival 2023, where was nominated for European Film Award, and took part in Short Film Corner of the Festival de Cannes and Clermont-Ferrand Short film Market. Another short film - Triptych (2022) - got Grand-prix of the International Film Festival «Spirit of Fire». Author of experimental documentaries, documentary podcast "Now they will say" and series of documentary musical projects “There is no water in the Moon sea”, “res communis omnium”.

An essay film on the memory of dreams, how one recalls affections, investigating the politics of representation and observation in times of an ever-growing production of images. An onomatopoetic road journey in Italy and dream-storytelling.

1990, Bogota. Artist and filmmaker, he studied film directing at Universidad del Cine in Buenos Aires. He holds a BA in fine arts and video from Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), with an exchange in the MA in film at (ENS) École Nationale Supérieure Louis-Lumière in the suburbs of Paris. Since 2018 is part of the MA in fine arts at ZHdK. His performances, listening sessions, films and videoinstallations have been shown in Doclisboa, Bogoshorts, Manifesta 11, M12, across Europe, Hong Kong and South America.

"Incessant portrait of Fernando Vallejo" est un long-métrage documentaire sur l?écrivain colombien controversé exilé au Mexique. Même s?il a réalisé trois films et écrit cinq romans autobiographiques, Fernando Vallejo était quasiment inconnu jusqu?à la publication et l?adaptation cinématographique récente de "Our Lady of the Assassins" ("La Vierge des Tueurs"), réalisé par Barbet Schroeder. En exprimant sans pudeur ses amours et ses haines, Vallejo rompt avec une tradition littéraire bien ancrée : celle de l?écrivain omniscient qui voit et comprend tout. Le documentaire ne couvre pas seulement sa production littéraire mais également ses nombreux centres d?intérêt : films, musique, sciences et politique. Réalisé avec l?entière coopération et participation de l?auteur, le documentaire dépeint un portrait naïf et dérangeant de l?un des meilleurs écrivains hispanophones.

Luis Ospina Né à Cali (Colombie) en 1949. Il a suivi des études de cinéma à l?USC et la UCLA. Il a réalisé les films suivants : Pura sangre / Pure Blood (1982) et Soplo de vida / Breath of Life (1999), et plus de trente documentaires et courts-métrages, dont Agarrando pueblo (1978), Andrés Caicedo: Unos pocos buenos amigos (1986), Nuestra película (1993) et Capítulo 66 (co-réalisé par Raoul Ruiz, 1994). Ses films ont reçu plusieurs récompenses dans divers festivals de films internationaux : Oberhausen, Sitges, Toulouse, Havana, Bilbao, Huesca, Biarritz, Cádiz, Cartagena et Bogotá.

EPHEMERES MONUMENT Stories and traces of the body in open space. An audiovisual intervention made by young new Berliners, from Syria, Afghanistan, Iraq, Eritrea, Romania and Poland. The film is a collective creation, made between young people and local artists from Berlin (DIE KÖRPERGEMEINSCHAFT). Exploring in different methods of body work, performance and the audiovisual medium, the film is developed as a narration through the body and the image, about the personal identification that the young new Berliners, have about the German capital.

Silvia OSPINA was born in Bucaramanga, Colombia. She's is a dancer, choreographer and video artist based in Berlin. Her work focuses on the dialogue between dance, performance and media-arts, and explores the possible narratives through the body and the image, in different formats (stage, film, performance, video ...) For 7 years, she conducted the Movement Laboratory for the Physical Theater and Acting department at the Folkwang Universität der Künste, where she teaches Movement training, Improvisation and Composition classes. Her coaching has taking place too at the Kunsthochschule für Medien Köln, Universidad Nacional de Colombia and at UIS-Artes Bucaramanga. In 2017 she founded together with Oktavia VÖHRINGER, DIE KÖRPERGEMEINSCHAFT, an international and interdisciplinary artists’ network in Berlin. The members have many years of experience of working artistically in a wide range of different countries and cultural contexts. In DIE KÖRPERGEMEINSCHAFT they interweave their expertise: from dance, movement therapy, film, theatre and performance; to pedagogy and (inter)cultural education. The uniting interest in DIE KÖRPERGEMEINSCHAFT is encounter, exchange and the artistic work that is happening in Berlin. DIE KÖRPERGEMEINSCHAFT is a constantly expanding network. Its structure enables the creation of long-term, professional works that explore the potential of this diverse community.

Entourée par le bruit des animaux nocturnes, une jeune fille tombe dans un profond sommeil. Peu à peu, nous sommes entraînés dans son rêve, qui se transforme en un voyage cosmique à travers les prairies d'Erpe-Mere, une commune rurale de Belgique.

Noemi Osselaer est née à Alost (Belgique). Elle a étudié les arts audiovisuels à l'Académie royale des Beaux-Arts de Gand (Belgique). Son film de fin d'études, "Erpe-Mere", a été présenté dans plusieurs festivals, notamment à Dok Leipzig (Allemagne) et au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas). De janvier 2021 à décembre 2022, elle sera artiste en résidence au HISK - Institut supérieur des Beaux-Arts de Gand (Belgique).

"Collage ludique avec soleil et glaces pour une fantaisie aquatique en compagnie de surfeurs fous, de tigres crawleurs, de sirènes plongeantes? ?Pourquoi ne pas réaliser un film de plage pour changer ? (...) J?ai utilisé des images filmées au cours de mes voyages avec ma caméra super 8 et une mini DV, auxquelles j'ai ajouté des archives. C?est une sorte de journal. Un pur divertissement.?

Née à New York, Vivian Ostrovsky étudie à la Sorbonne la psychologie et le cinéma. Elle débute sa carrière de réalisatrice en 1980 en tournant des films sur la danse. Dans son travail, elle met en scène les lieux où l?urbanisme domine et pointe nos travers et nos petites passions. Ses oeuvres font partie des collections de plusieurs institutions culturelles prestigieuses, la consacrant comme une artiste plasticienne incontournable.

Film-hommage à Chantal Akerman, le nouveau court de Vivian Ostrovsky s’amorce avec leur première rencontre au début des années 70. Mêlant ses propres films à ceux de Chantal Akerman, la réalisatrice fait revivre quelques instants la personnalité de Chantal. Quarante années d’amitié condensées en quatre minute.

Vivian Ostrovsky, (b.1945, New York) grew up in Rio, studied film studies and psychology in Paris. When she started filming in 1980, she focused on using analog formats - especially Super8 - for experimental cinema. Her signature collage shorts and avant-garde documentaries have been shown at the main film festivals (Berlin, Rotterdam, Viennale, Tribeca) and have been part of collections such as the MOMA, NY, the Centre Pompidou in Paris and the Freunde der Deutschen Kinemathek in Berlin. Her moving image work is noted for its span of super 8, 16mm, video and digital media, found footage and immersive installations. This screening includes films connected to Latin America and more particularly Brazil. Whether more personal or historical projects, they are always infused with dreamlike playfulness and intimate nostalgia.

Visionnant des mini DV filmés ces dernières années, je suis tombée sur des images tournées comme nous nous quittions après un dîner à Montparnasse, Chantal Akerman Sonia Wieder-Atherton et moi. J’ai décidé d’en faire un petit film en hommage au travail de son de Chantal, en particulier à sa collaboration avec la violoncelliste Sonia Wieder-Atherton avec laquelle elle a fait plus de 20 films. Et, comme New York, Paris, Moscou sont des lieux que nous avions toutes les trois en commun, j’ai mêlé quelques-unes de mes images aux siennes.

Née à New York, aux États-Unis, Vivian Ostrovsky fait ses études secondaires à Rio de Janeiro, puis poursuit des études supérieures à Paris-Sorbonne, en psychologie ainsi qu’en cinéma. Elle commence alors son activité au sein de Ciné-Femmes International, organisme de diffusion luttant pour le féminisme et sa visibilité. Devenant elle-même cinéaste en 1980, elle abandonnera le militantisme. Associée au cinéma expérimental pour son approche de l’animation, du film-journal et de la notion de collage, Vivian Ostrovsky a, à ce jour, consacré plus de 40 ans à parcourir le monde, à embrasser d’un regard curieux et généreux, doublé d’un sens de l’humour taquin et ironique, le quotidien, la famille, le cinéma et l’histoire du cinéma. Elle vit actuellement aux États-Unis. Son travail a fait l’objet de nombreuses rétrospectives et d’expositions dans les musées et les festivals à travers le monde.

The video was made for an exhibition in Rio on Paulo Werneck one of Oscar Niemeyer?s collaborators. Werneck was the first to introduce mosaics in Brazilian Modernist architecture. P.W. shows the context of the artist?s work in Rio and Belo Horizonte in the 50s and the 60s as well as Brasilia at the time of its construction in 1960. It?s an inventive collage of archival footage, music and Werneck?s modernist mosaics.

Vivian Ostrovsky est née à Manhattan, New York et elle a vécu à Rio de Janeiro. Elle étudié le cinéma à Paris à la Sorbonne, à l?Institut d?art et d?archéologie (avec Eric Rohmer) et à la cinémathèque française (avec Henri Langlois). Dans les années 1970, elle a voyagé en voiture dans toute l?Europe pour la promotion et l?organisation de festivals de films de femme. Sa carrière dans la réalisation de film a commencé dans les années 1980. Elle tourne alors des courts-métrages avec la Super 8 et travaille avec le 16mm. Elle utilise désormais des caméra mini-DV pour ses films. Ses films ont été montrés partout dans le monde, dans des cinémathèques et des foires d?art contemporain. Elle a exposé dans des institutions prestigieuses : MOMA, NY, Lincoln Center, NY, Hirshhorn Museum, Washington DC, Centre Georges Pompidou, Paris, Anthology film archives NY, Pacific Film Archives, Berkeley CA. Elle curate également des programmes de film pour des événements, par exemple pour le Jerusalem Film Festival. Ses films font partie d?importantes collections, comme celle du MOMA, du Centre Georges Pompidou, de la Freunde der Deutschen Kinemathek, du Forum des images, Paris, de l?Israel film archives, du Ministère des affaires étrangères pour les Instituts français dans le monde.

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Cinéaste née à New York en 1945, Vivian Ostrovsky passe son enfance à Rio de Janeiro puis poursuit des études supérieures à Paris en psychologie ainsi qu`en cinéma. Elle co-fonde dans les années 1970 Ciné-Femmes, organisme dédié à la diffusion de films de femmes. Depuis 1980, Vivian Ostrovsky a réalisé plus de vingt films, la plupart tournés en Super 8, qui incluent souvent du found footage, des extraits de fictions, de documentaires, ou de home movies. Ses films exploitent le thème du déplacement et se situent, d`après Yann Beauvais, entre le "film journal" et le "film collage". Elle travaille également à la programmation du cinéma d`auteur et d`avant-garde du festival de film de Jérusalem. Son travail a connu de nombreuses rétrospectives et expositions dans les musées et les festivals à travers le monde ; à la fois pour ses films et ses " films- installations ".

Introspective et solitaire, Claire Lispector (1920-1977), écrivaine Ukrainienne et Brésilienne, est le personnage de ce film construit à partir d`une interview que la télévision n`a diffusée qu`aprés sa mort. Ce qu`elle disait en 1977 reste totalement pertinent et parle fort à tous ceux qui, comme moi, se sentent de plusieurs mondes.

Cinéaste née à New York en 1945, Vivian Ostrovsky passe son enfance à Rio de Janeiro puis poursuit des études supérieures à Paris en psychologie ainsi qu’en cinéma. Elle co-fonde dans les années 1970 Ciné-Femmes, organisme dédié à la diffusion de films de femmes. Depuis 1980, Vivian Ostrovsky a réalisé plus de vingt films, la plupart tournés en Super 8, qui incluent souvent du found footage, des extraits de fictions, de documentaires, ou de home movies. Ses films exploitent le thême du déplacement et se situent, d’aprés Yann Beauvais, entre le "film journal" et le "film collage". Elle travaille également à la programmation du cinéma d’auteur et d’avant-garde du festival de film de Jérusalem. Son travail a connu de nombreuses rétrospectives et expositions dans les musées et les festivals à travers le monde ; à la fois pour ses films et ses « films-installations ».

THE TITLE WAS SHOT was commissioned for a conference of film theoreticians in Berlin in 2009 entitled: The Cinematic Configurations of the ?I? and ?We?. Composed of fragments from over 25 films dating from the 1920s to the 90s, this whimsical short features cowboys, Indians and damsels in distress. Tarzan, Jane, a transgender gorilla, and a menacing lion tango from frame to frame, prodded by Wittgenstein, Gilles Deleuze and Slavoj Zizek?s philosophical considerations. A fast-paced, heart-pounding cinephilic farce. Date: April 2009 Length: 9? Sound: Mono Color and B&W 4/3 1.33 Shooting format : Mini-DV Screening format : Beta SP pal / MINI DV pal / DV CAM pal / DVD Language : English, French English subtitles JET LAG Productions Director: Vivian Ostrovsky Editing: Vivian Ostrovsky, Ruti Gadish, Claude Mercier Sound: Vivian Ostrovsky, Claude Mercier

Vivian Ostrovsky Jet Lag Productions BIOFILMOGRAPHIE Née un 17 novembre à New York (USA), Etudes secondaires à Rio de Janeiro (Brésil), Etudes universitaires à Paris (Psychologie, Cinéma). . ACTIVITES CINEMATOGRAPHIQUES: - Distribution de films ; - Programmation pour plusieurs festivals de films - Programmations d?avant-garde de films et videos - Réalisation de films et videos - Comission d?achats de films d?artistes pour le Musée (Centre G. Pompidou) - membre du Conseil d?Administration du Film Forum, New York . FILMOGRAPHIE: - CAROLYN 2, 1980, avec Carolyn Carlson, co-réalisé avec Martine Rousset (expanded cinema) ; - TOP TEN STYLISTS, 1981, avec Thierry Mugler, Issey Miyake, Karl Lagerfeld, etc, co-réalisé avec Soft Ware Prod. ; - MOVIE (V.O.), 1982 ; - COPACABANA BEACH, 1983 ; - ALLERS-VENUES, 1984 ; - STALINGRAD, 1984, installation pour "Le Génie de la Bastille" ; - U.S.S.A., 1985 ; - * * * ( TROIS ETOILES), 1987 ; - PROPOS DECOUSUS, 1987, expanded super 8 - EAT, 1988 ; - M.M. IN MOTION, 1992 ; - UTA MAKURA (PILLOW POEMS), 1994 ; - PUBLIC DOMAIN, 1996. - AMERICAN INTERNATIONAL PICTURES, 1997 - Interview avec Woody Allen pour le Fest. De Jerusalem, 1997 - WORK AND PROGRESS, 1999, co-réalisé avec Yann Beauvais - NIKITA KINO, 2002 - ICE/SEA, 2005 - TéLéPATTES, 2007 - FONE FUR FOLLIES, 2008 - P.W. ? Paineis e Pincéis, 2008 - NE PAS SONNER, 2009 - TATITUDES, 2009 . PRINCIPALES PROJECTIONS - Musées: Centre Pompidou, (rétrospective), Auditorium du Louvre, Musée d`Art moderne de la Ville de Paris, M.A.M. Rio de Janeiro (rétrospective) et le M.O.M.A. de New York, Musée Hirshhorn de Washington, Kunsthalle Basel - Festivals de Toronto, Londres, Berlin, Rotterdam, Clermont-Ferrand, Rio de Janeiro, Viennale, Jérusalem,, etc ; - Universités de Berkeley (Pacific Film Archives) ; Yale ; Paris VI ; - Manifestations internationales d?art contemporain: Arco à Madrid et Biennale de São Paulo ; - Manifestations diverses: Sydney, Montréal, Tokyo (Image Forum), Chicago, San Sebastian, Sorrento, Osnabrück, Copenhague, Bruxelles, Francfort, Anthology Film Archives de New York, London Filmmakers Coop, Scratch/Olympic Entrepôt à Paris , etc. . ACHATS: - Centre Georges Pompidou ; - Vidéothèque de Paris ; - Cinémathèque de Jérusalem ; - Min. des Affaires Etrangères (p/les Instituts Français dans le monde) - M.O.M.A, New York - Freunde der Deutsche Kinemathek, Berlin

An intimate film made on the occasion of the 30th annniversary of her father, Rehor Ostrovsky?s death. Re-collecting snippets of my first 8m and super 8 films, old photos, letters, and other memorabilia. À slow pan through my adolescent years, family trips, holidays and everyday scenes. Listening for lost accents, impromptu songs at the dinner table, and bits of conversation.A landscape of flickering memories somewhere between home movies and photo albums.

Manhattan, New York was where I happened to be born. After 6 months of stress, I boarded the first plane to Rio de Janeiro, Brazil, to meet my parents and sister. My primary and secondary school was not too far from Copacabana Beach. My university years were spent in Paris, suffering from a Psychology major (Institut de Psychologie). To make life more pleasurable, I ended up seeing more films around the corner from the Sorbonne than attending classes. After my B.A. in Psychology I enrolled in Film Studies courses at Sorbonne-Paris 3, at the Institut d?Art et Archeologie (Eric Rohmer?s classes) and at the Cinemathèque Française (Henri Langlois? classes). In the early 70s I traveled throughout Europe in a rundown Renault pick-up, organizing women?s film festivals and distributing films made by women (the distribution company was called Cine-Femmes International). My debut as an experimental filmmaker came in 1980, when I co-directed CAROLYN 2 with Martine Rousset (starring choreographer/dancer Carolyn Carlson). It was an expanded cinema film/slide installation. Many films came afterwards, mostly shot in super-8 then blown-up to 16mm. These films have been shown in festivals worldwide (Toronto, Berlin, Locarno, Rotterdam, Tribeca, Vienna and others), in cinematheques and in art fairs such as the Sao Paulo Biennale and Arco in Madrid. Other venues have also screened them, such as : M.O.M.A., Lincoln Center, NY, Hirshhorn Museum, Washington DC, Centre Georges Pompidou, Paris, Anthology Film Archives, NY, Pacific Film Archives, Berkeley, CA. Simultaneously my film-related activities have expanded to curating programs for venues such as the Jerusalem Film Festival. My main interests are in Avant-Garde work and documentaries. My home is wherever I feel at home ? and that is usually in a plane on my way to an unknown destination with my camera and DAT recorder in my carrier bag.

Atopia is the non-existence of place, an experience masquerading as an environment - a set of pointers to sets of data which only exist in the encoded and mediated universe whose sole occupant is information - the World Wide Web. Our habits of speech lead us to believe that there is a destination at the end of a link, but there is no actual place - there is only a flow of data, an act of accumulation and disposal. This installation crawls the web from several randomly selected starting points, downloading all data, storing and representing it without regard for its intended structure. Levigation: the smoothing out of differences. We can only make sense out of this pseudo-environment because of a set of rules dividing a stream of zeroes and ones into files of different types. The heavily mediated nature of this project is all but invisible to us - we simply accept this mode of consuming information into our construction of 'nature'. In this project, all the structure and complexity of the encoded information is returned to the simplicity of the bitstream in the form of sound. The downloaded information is interpreted entirely as audio samples. The 'true' form of information, the foundation stone of atopia, remains insubstantial and always unreal. Apophenia: the imaginary perception of the meaningfulness of unrelated phenomena. The technologies we use to gather information from the World Wide Web are designed to move us through paths of meaning, which limit, define, and direct signification. If this information is simply taken en masse and at face value, devoid of its contextualization, we find ourselves in a wholly different mental environment. As one hears the files in sound form, they are simultaneously displayed: HTML code, images, etc., disassociated from the links and instructions which create the illusion of a unifying context, assemble and disassemble themselves in a constantly shifting collage.

A New York City native, Matthew Ostrowski has been working with electronics since the early 1980s, in improvised music, music theatre, and audio installations; with a continuing interest in density of micro events, rapid change, and using technology to stretch the bounds of perception and experience. His work has been exhibited or performed at festivals on four continents, including the Vienna Modern Festival, the Krakow Audio Art Festival, Sonic Acts in Amsterdam, PS 1 and The Kitchen in New York, the Melbourne Festival, and Unyazi, the first festival of electronic music on the African continent. His work appears on over a dozen recordings. Recently, after returning from an extensive concert and workshop series in the Balkans, the Czech Republic, and South Africa, he exhibited Draden, a work for amplified and processed fluorescent light bulbs, and is presently a member of Fair Use, a trio whose work orbits around spontaneous soundtracks to highly sped-up film classics.

Paul Otchakovsky-Laurens est arrivé à Sablé-sur-Sarthe après la mort de son père en 1946. Il avait un an. Sa mère tombant gravement malade, il a été adopté par une vieille cousine qui l`a élevé jusqu`en 1962. Il s?est passé, durant sa vie là-bas, des évènements qui l?ont déterminée pour de longues années, des choses graves sur lesquelles le silence est tombé et qui sont devenues ce qu?on appelle improprement un secret de famille. C`est là aussi qu`il a découvert par hasard ses origines juives. Il s?est agi pour lui de rendre compte de l?espace de ces silences. Il a voulu rendre ces lieux, ces temps, une vie d?enfant, puis d`adolescent dans une petite ville de province immobile, refermée, épieuse. Se libérer du poids d?un secret, suppose, Freud nous l?aura appris, le travail de sa mise en lumière. Mais lorsqu?un tel secret se confond avec la forme d`une ville, c`est alors cette ville qui devient l?obstacle à éclairer, à franchir, à décrire, à exhumer pour la démanteler patiemment. Enquête sur le devenir d?une communauté de province, ses paysages, ses rues et ses habitants, recherche d?archives familiales et retour sur le récit de souvenirs personnels, c?est une telle tresse qu?a choisi de nouer le film. Refusant de privilégier aucun de ces trois fils, c?est autant du coup une lente et pudique confession que le portrait d?une certaine France qui est entrepris ici.

Paul Otchakovsky-Laurens a inauguré Hachette/ P.O.L en 1978 avec « La vie Mode d?Emploi », de Georges Perec, avant de créer sa propre maison d`édition, P.O.L, en 1983. Il s?est progressivement imposé comme un des éditeurs français indépendants le plus discret, le plus exigeant et le plus novateur, un véritable « passeur », qui a fait émerger la nouvelle poésie d?Olivier Cadiot ou Valère Novarina et gagné la confiance de Marguerite Duras, avant de rencontrer le succès dans les années 1990 avec Marie Darrieussecq, Martin Winkler ou Camille Laurens. Son intérêt constant pour le cinéma est moins connu : Dans les années 60, il a collaboré à la revue Jeune Cinéma et à la Fédération Jean Vigo des ciné-clubs. Au début des années 70, une de ses principales tâches a été l`organisation de la mise à jour, confiée à Bernard Eisenschitz, de l`"Histoire du Cinéma" de Georges Sadoul. Chez P.O.L il a pu aider Serge Daney à créer la revue "Trafic" qui en est aujourd`hui à son cinquante-troisième numéro. Il a assuré la relance, l`édition et la diffusion de "Positif" de 1992 à 1995. Il a publié également les dix-huit premiers numéros de "La Lettre du Cinéma". Plusieurs de ses textes ou de ses écrivains ont à voir de près avec le cinéma, de Jean Louis Schefer à Jean-Luc Godard, de Pierre Alferi à Emmanuel Carrère, de Santiago Amigorena à Jérôme Beaujour. Parallèlement il a réalisé et monté une soixantaine de petites vidéos, de trois à quinze minutes, lectures de textes par leurs auteurs, pour le site des éditions P.O.L.

Tourné avec des pellicules super 8, le film se présente comme un voyage, une rêverie le long du fleuve Narmada en Inde, entre les mythes du progrès et les mythes du fleuve. `Les barrages seront les temples de l?Inde moderne` proclamait Nehru à l?indépendance du pays. Bientôt, l`un des plus importants complexes de barrages conçus à ce jour sera achevé sur la Narmada. Une lutte sociale s?organise. Nous voyageons sur le fleuve jusqu?à l?océan, à la rencontre des habitants, des croyances et des imaginaires qui cohabitent et s?opposent dans cette vallée en pleine transformation.

Respectivement nés en 1982 et 1983, Manon Ott et Grégory Cohen sont tous deux cinéastes, ainsi que chercheurs en socio-anthropologie visuelle. Ils travaillent ensemble sur de nombreux projets. Ils sont issus d?une double formation en réalisation documentaire (MASTER 2) et en recherche en sciences sociales (doctorat). Depuis six ans, ils enseignent la photographie, donnent des ateliers d?écriture et de réalisation documentaire, ainsi que des cours de cinéma à l?Université d?Evry. En 2008, ils ont publié le livre de photographies Birmanie, rêves sous surveillance aux éditions Autrement (180 pages). Le premier film de Manon, « Yu », un documentaire sur l?attente et le parcours solitaire de Yu, une jeune demandeuse d?asile birmane venant d?arriver à Paris, a été sélectionné dans une quinzaine de festivals internationaux dont le Cinéma du Réel 2008. Grégory est notamment l?auteur du film « Petits aménagements avec l?Occident ». Le film Narmada (TS productions) qu?ils ont coréalisé, traite des transformations de la vallée du fleuve Narmada, en Inde, où sont construits de grands barrages. Le film sorti fin 2012 a déjà fait l?objet de nombreuses diffusions dans des festivals internationaux (Festival de Rome, IndieLisboa, Lussas,...) et de projections ponctuelles en salles, notamment à la Cinémathèque Française (cycle « la décision argentique, faste humaniste des années 2000 », séances cinéma avant garde/contre culture générale,?)