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Gaetano Liberti is an independent filmmaker with a background in visual art practices and acting, he received a Bachelor degree in Film Directing from the Film.factory - SFA in Sarajevo under the mentorship of Béla Tarr. From 2004 till 2012 he has been working as theatre performer in the productions of several Italian theatre companies. From 2005 he began to deepen the work with the image, producing video works, performances, installations and researching on new devices. Through a work on the boundaries and the language of the cinema-device he investigates the relationships between body, matter, memory, perception and the human mystery in general. His video works and installations have been presented internationally. His film “J? was premiered at FID Marseille 2018. He worked as DoP in the feature film “M-1” by Luciano Pèrez Savoy, winner of the Best International Documentary Award at the Torino Film Festival 2017 and Best Mexican Feature Length Documentary Award at the Monterrey International Film Festival 2018.

Gaetano Liberti is an independent filmmaker with a background in visual art practices and acting, he received a Bachelor degree in Film Directing from the Film.factory - SFA in Sarajevo under the mentorship of Béla Tarr. From 2004 till 2012 he has been working as theatre performer in the productions of several Italian theatre companies. From 2005 he began to deepen the work with the image, producing video works, performances, installations and researching on new devices. Through a work on the boundaries and the language of the cinema-device he investigates the relationships between body, matter, memory, perception and the human mystery in general. His video works and installations have been presented internationally. His film “J? was premiered at FID Marseille 2018. He worked as DoP in the feature film “M-1” by Luciano Pèrez Savoy, winner of the Best International Documentary Award at the Torino Film Festival 2017 and Best Mexican Feature Length Documentary Award at the Monterrey International Film Festival 2018.

At the speed of light a conversation is heard, learned and remembered. Through unmeasured distances two men share stories about their travels. In the deep waters someone, wandering, dreams dream rooms where no dreams are dreamt.

Gaetano Liberti and Luciano Pérez Savoy both studied the BA in Film Directing at the Film.Factory programme, founded and mentored by Béla Tarr in Sarajevo. Gaetano’s video works and installations have been presented internationally, and his film "J" premiered in FID Marseille 2018 and was also in the official selection at IFFRotterdam 2019. Luciano’s first feature-length film, titled "M-1", premiered in the 35th Torino Film Festival and won the prize for “Best International Documentary” as well as the prize for “Best Mexican Documentary” at the Monterrey International Film Festival. Have You Seen This Place? is the name under which Gaetano Liberti (Italy, 1983) and Luciano Pérez Savoy (USA/Mexico, 1993) are developing works that, departing from cinema, expand into other hybrid formats and in-between mediums. Their collaboration began in 2019, and “Can Someone Meet Me In Dark Alley?” is the first co-directed film they have produced, premiered in the International Competition in FIDMarseille 2022. They are currently working on an installation titled “Dreaming Dream Rooms Where No Dreams Are Dreamt”.

The starting point of this work is a single image, or rather, multiple images from the same moment: the Annunciation. The image which represents the moment of the Annunciation is a map. The map was used as a guide to construct the space. A single space that contains two places: a room in a film and a waiting room. The frame of projection and the sound constantly connects these two places and time itself. Light-air-time. A boy who lives in two levels connected by a frame discovers the image of himself through the sounds that come from another place. ON THE AIR DOCUMENT* is a document, a video transcription, a visual and sound trace that stands as a document of the project ON THE AIR ? The Annunciation. Project for a waiting room (installation and videowork).**

Gaetano Liberti (1983). In 2004, after finishing the Arts School in Trento, he attends the High Training Course for the Actor conducted by Cesare Ronconi (Teatro Valdoca), and he begins a personal search on the use of the body, physical movement, voice and sound. From 2005 to 2008 he works as actor for Teatro Valdoca in Landscape with broken brother and in special projects. In 2006 he works as actor for Motus in A place [that again]. Since 2006 he is working with the artistic research group Opera. In 2005 he created brailleway, an identity by which he produces filmworks, performances, installations and research on new devices. He collaborates and has worked with various contemporary realities in the italian and international theatre and the artistic panorama. At the moment part of his investigation focuses on the sound, the boundaries of the cinema-device, the remembrance, the frame and the off-screen.

« Threshold I » constitue la première des trois parties du cycle vidéo « Threshold » sur la mémoire retrouvée. L?artiste dit être actuellement ? ce qu?il considère être un attribut de l?esprit ? dans un état de distraction, de perte, avec la sensation de se trouver toujours au commencement et de devoir « reprendre le fil ». Aller ? mettre en ordre ? devoir. Trouver un score de vitesse qui permette d?éliminer le temps et la distance pourrait seulement amener ? par définition ? à un échec. Le seuil d?où l?on observe les choses n?a ni emplacement, ni durée. L?acte de se rappeler implique toujours un échec et une naissance. « Threshold I » : Caméra subjective. Deux lieux. Deux maisons. Deux personnes chéries. Deux grand-mères. La proximité des objets, des choses ? la distance avec laquelle nous les regardons. Ici, le temps n?existe pas. Comme si tout était à sa place et bien rangé ? comme cela arrive au début, dans les ténèbres de l?entrée ? avec ce tapis continuellement soulevé. Plutôt que la lumière qui met toujours les choses à leur place.

Gaetano Liberti est né en 1983 d?une mère croate et d?un père napolitain. En 2004, après avoir fini les Beaux-Arts de Trente (Italie), il rencontre Cesare Ronconi et Mariangela Gualtieri du Teatro Valdoca de Cesena (Italie), dont il suit le cours de théâtre intensif et commence des recherches personnelles sur l?utilisation du corps, sur le mouvement physique, sur la voix et le son. En 2005, il réalise « Brailleway » et commence ses propres recherches artistiques, en utilisant la vidéo dans le script et la direction. Il travaille actuellement sur l?incapacité d?évoquer ses souvenirs, sur le mouvement en arrière, sur le silence et sur le concept de dispositif et d?éternité. Depuis 2005, il travaille comme acteur, artiste, et réalisateur de vidéo, en collaboration avec différents milieux du théâtre contemporain et du paysage artistique italien.

«In this glass air bubbles do not trace any world map.» «It seemed so, at first sight but then?» (from Storm dialogues) FIRST SYNOPSIS Two people (two voices) ? in a hotel room using an unknown language ? are talking about the making of a film. LAST SYNOPSIS Two people (two voices) ? in a hotel room using an unknown language ? are talking about the film that we are watching. They are wondering if a storm could kill. Three ?true images? of three real storms that have been filmed by somebody are interrupting, suspending, breaking up. It feels as if someone is falling down, but the fall is not visible. The characters are trying to reconstruct some kind of truth starting from words, conversations, questions and answers: the language. Their gaze ? in a long subjective shot ? is constantly returning images of crossing over in an endless shifting between the inside and the outside. Storm seems to exist close to something ? a window, a word, the film itself ? neither inside nor outside, constantly swinging between what is happening (or not) inside or outside the room, inside or outside the speech, in the objectivity of the (etymological) rule or in the uncertainty of the insight. (Storm is an unknown chapter part of ?F ? Anthology of failure from a survey on the next desert?.)

Gaetano Liberti. Filmmaker, performer. He collaborates and has worked with various contemporary realities in the Italian and international theatre and the artistic panorama. In 2005 he created Brailleway, an identity by which he produces filmworks, performances, installations and research on new devices. At the moment part of his investigation focuses on the filing systems of the instant, the boundaries of the cinema-device, the remembrance and the frame.

"How do we know what we know?" Le journaliste en studio s?adresse à l?envoyé spécial qui n?a pas pu avoir accès à la zone de conflit évoquée dans le reportage qu?il a fabriqué à partir d?images amateures. Il y a quelques années à peine, on pouvait encore entendre dire que c?étaient les médias qui décidaient du début d?un conflit, à partir du moment où les journalistes se rendaient sur place. La multiplication des images tournées par les protagonistes eux- mêmes, couplées à leur diffusion quasi-instantanée, modifie cette équation. Avons-nous encore besoin des journalistes ? Les images sont des outils et des armes pour la conduite des guerres. Ce n?est pas nouveau en soi, mais ce qui l?est sans doute davantage est la multiplication de leurs sources. C?est par conséquent un moment propice pour ques- tionner le travail journalistique « classique », celui qui s?appuie notamment sur le témoignage rarement contesté des correspondants de guerre. Tout l?appareillage entourant cette couverture médiatique paraît déjà un peu dépassé et sera peut-être bientôt caduc : les envoyés spéciaux, les équipes de tournage, les camions satellite, les hôtels de guerre, les « flash info » et autres « breaking news », le jingle dramatique du téléjournal... Qu?est-ce qu?une « bonne » image de conflit ? Où se fabriquent-elles et comment seront-elles construites demain ? Comment en faire une critique par d?autres images ? La production et la diffusion médiatiques créent des dis- positifs dans lesquels nous sommes pris, et auxquels nous contribuons plus ou moins volontairement. Ce sont les détails ? parfois bénins en apparence ? de ces dispositifs qu?on peut essayer de décrire, pour pouvoir les penser et peut-être s?en dégager.

Emanuel Licha est un artiste qui vit à Paris. Son travail s?intéresse à l?espace public et à l?architecture et l?amène à envisager les objets du paysage urbain comme autant d?indices sociaux, historiques et politiques. Ses projets récents en films et installations vidéo questionnent les moyens utlilisés pour observer et témoigner d?événements violents et traumatiques. emanuel-licha.com

MIRAGES se déroule dans un décor de village irakien au milieu du désert Mojave en Californie. Conçu et utilisé par l`armée américaine pour l`entraînement des troupes avant leur départ pour l`Irak, ce village a été construit et continue d`être opéré sous la supervision de techniciens de Hollywood. Les figurants qui jouent le rôle des habitants de ce village sont recrutés parmi la diaspora irakienne immigrée aux États-Unis. Ce camp d?entraînement est un dispositif optique. Il est fait pour apprendre aux soldats à voir la ?réalité? irakienne telle que fictionnée par l?armée et Hollywood, et à reconnaître les ?terroristes?. Il sert aussi à représenter une utopie de la guerre, et à éduquer le regard des spectateurs, notamment par l?intermédiaire du travail des médias qui sont les bienvenus pour couvrir les activités du camp. L?installation vidéo 2 canaux MIRAGES montre des images du camp d`entraînement et des interviews de ceux qui travaillent en coulisse: le décorateur, le maquilleur, l`artificier, le ?coach? d?acteurs, ainsi que des figurants américains et irakiens, qui évoquent leur perception de la réalité qu`ils contribuent à créer. Le rôle joué par les `journalistes de guerre` apparaît à travers des séquences montrant le dispositif mis en place pour les aider à produire les bonnes images.

EMANUEL LICHA vit et travaille à Paris et Montréal. Après l?obtention d?une maîtrise en géographie urbaine, il a poursuivi ses études en arts visuels à l?Université Concordia, Montréal, puis par le Post-diplôme de l?Ecole nationale des beaux-arts de Lyon en 2001. Son travail s?intéresse à l?espace public et à l?architecture et l?amène à envisager les objets du paysage urbain comme autant d?indices sociaux, historiques et politiques. Ses projets récents en installations vidéo questionnent les moyens utlilisés pour observer et témoigner d?événements violents et traumatiques. Ses plus récentes expositions personnelles incluent : Pourquoi photogénique?, Galerie SBC, Montréal; War Tourist, Loop 09, Barcelona; R for Real, galerie Cortex Athletico, Bordeaux; Une autre fête au même instant brille dans Paris, Centre culturel canadien, Paris; Agnes & Bruce, Ex-Teresa Arte Actual, México; Nothing Less, Nothing More, Just Transformed, Careof, Milan; In & Out, Galerie B-312, Montréal et YYZ, Toronto. Il a également participé à des expositions collectives dans les institutions suivantes: NGBK, Berlin; Art Gallery of Ontario, Toronto; Parsons The New School for Design, New York; Musée d?art contemporain de Montréal; University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa; Israeli Center for Digital Art, Holon; MACBA, Barcelona; Fabbrica del Vapore, Milan; Frac Franche-Comté, Besançon; HartWare MedienKunstverein, Dortmund; Witte de With Center for Contemporary Art, Rotterdam; Galerie im Taxispalais, Innsbruck; Tirana Biennial; Steirischer Herbst, Graz; Sarajevo Centre for Contemporary Art; Stiftung Binz39, Zürich; Montreal Biennial; Musée d?art moderne de la Ville de Paris. Son travail fait partie de plusieurs collections privées et publiques, dont: MACBA (Museu d`art contemporani de barcelona); Musée d?art contemporain de Montréal; Fnac (Fonds national d?art contemporain), Paris; Frac Franche-Comté; University of South Florida Contemporary Art Museum. Emanuel Licha enseigne à l?Ecole nationale supérieure d?architecture de Paris-La Villette. Il est actuellement doctorant au Goldsmiths College, University of London. www.emanuel-licha.com

Le film "HERstory" est un film composé d’une succession d’extraits de vidéos réalisées dans le cadre des différentes expositions entre 2017 et 2019 en France et au Maroc. Réalisés en public, ces portraits participent de la création d’archives où les artistes et des activistes s’expriment à propos l’intersectionnalité, des disparités entre les hommes et les femmes dans le monde de l’art, ou encore de leurs engagements féministes. Dans un souci constant d’accessibilité, les portraits vidéo ont été postés en ligne sur la chaine Youtube HERstory. Nous avons choisi de contourner l’Histoire (History) pour en proposer de nouveaux récits, de nouvelles voix et de nouvelles archives: HERstory. Nous, artiste et historienne de l’art, souhaitons nous engager pour rendre visible, faire circuler et archiver les paroles féministes, queer et décoloniales. HERstory est un espace de réflexions intersectionnelles, de paroles, d’échanges et fabrication d’archives.

Julie Crenn est docteure en histoire de l’art, critique d’art (AICA – Association internationale des critiques d’art) et commissaire d’exposition indépendante. En 2005, elle a obtenu un Master recherche en histoire et critique des arts à l’université Rennes 2 (France), dont le mémoire portait sur l’art de Frida Kahlo. Dans la continuité de ses recherches sur les pratiques féministes et postcoloniales, elle reçoit le titre de docteure en Arts (histoire et théorie) à l’Université Michel de Montaigne, Bordeaux III (France). Sa thèse est une réflexion sur les pratiques textiles contemporaines (de 1970 à nos jours). Des pratiques artistiques mettant en avant les thématiques de la mémoire, l’histoire, le genre et les identités (culturelles et sexuelles). Julie Crenn est commissaire associée à la programmation du Transpalette – centre d’art contemporain de Bourges (France) [2018-2020]. Elle est également membre du Comité Technique d’Acquisition du FRAC – Fonds Régional d’Art Contemporain Poitou-Charentes (France) [2014-2020]. En 2018, Julie Crenn est directrice artistique de la résidence Les Ateliers des Arques, Les Arques (France). Pascal Lièvre est un plasticien qui apparaît sur la scène de l’art contemporain au début des années 2000, avec une série de vidéos musicales où des textes politiques, psychanalytiques ou philosophiques sont chantés sur des musiques populaires. Il explore la figure de l’exception au droit d’auteur qu’est le droit de parodie en exploitant le potentiel critique de l’imitation. Sa pratique de la performance passe d’abord par des reenactments de performances historiques surtout d’artistes femmes et ensuite de mise en forme de corpus théoriques via des pratiques sportives comme l’aérobic ou la figure du défilé. Ses œuvres sur toile rejouent l’histoire de l’art avec des paillettes, une queerisation des formes iconiques de l’art contemporain. Ses dernières années, il travaille sur des corpus théoriques féministes sous forme d’installation vidéo, de performance ou d’œuvres graphiques

« Il Sonno » montre une fascinante série de vues aériennes du Vésuve et du paysage environnant. Un chemin ascendant qui, après avoir survolé les quartiers délabrés des zones urbaines, s?achève au sommet du volcan. « Il Sonno » met en évidence les risques pris par ces territoires habités qui ignorent délibérément la menace imprévisible d?un volcan actif qui, en 79 après JC, détruisit les villes voisines de Pompéi et d'Herculanum.

Née à Brindisi, en Italie, Deborah Ligorio a étudié à Bologne, Milan et Paris. Elle vit actuellement et travaille à Berlin. Elle a reçu de nombreux prix et aides financières, notamment le Premio Arte Giovane, à la 15e Quadriennale de Rome (Italie) en 2008, ou le Prix Spécial ITALRE-GAI en 2004. Elle a été finaliste pour le Prix Querini-Furla. En 2003, elle a fait partie du MAK Schindler Artist and Architects in Residence Program de Los Angeles (USA) et a reçu deux prix de la Senatsverwaltung Forschung für Wissenschaft und Kultur de Berlin (Allemagne). Ses ?uvres sont exposées dans les biennales d'art contemporain MANIFESTA 7 et Sharjah (8e édition), dans plusieurs institutions et fondations d'art telles que Signal à Malmö (Suède), Bürofriedrich à Berlin, Villa delle Rose à Bologne (Italie), DeAppel Filmmuseum à Amsterdam (Pays-Bas), Fondation Sandretto ReRebaudengo à Turin (Italie), Link project à Bologne, Palazzo della Triennale à Milan (Italie), ainsi que dans des espaces publics, des studios d'artiste et des projets web.

Crossroads is a three-part animated series. Aesthetically, the series mixes the imagery of classical painting with socialist propaganda art, while its narrative fuses the idioms of Greek mythology with that of traditional Chinese ghost tales. The piece offers insight into many facets of China’s political and social condition, shedding light on the country’s decades-long struggle between westernization and insulation.

Taking an interdisciplinary approach to link Chinese cultural heritage with social and environmental research, Lily & Honglei, the immigrant artist collaborative produces cross-platform projects reflecting upon contemporary China in the context of a global age. Their multimedia artworks embrace both traditional art forms and new technologies such as digital animation, Virtual Reality in cyberspace, and Augmented Reality on mobile devices. Lily & Honglei’s artworks have been presented at numerous national and international venues for contemporary art or new media art, and receive support from The Jerome Foundation, Greater New York Arts Development Fund, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts via Creative Capital, New York Foundation for the Arts, Queens Arts Fund (QAF) in New York, Jamaica Center for Arts & Learning NY commission grant, name a few. Lily & Honglei`s multimedia projects are collected by The Rose Goldsen Archive of New Media Art, sponsored by The Division of Rare and Manuscript Collections at Cornell University. The awards they received include People`s Choice Award of Moving Paper Film Festival at Museum of Art & Design in New York, Creative Capital 2015 Award for Moving Image & Visual Arts, and NYFA Fellowship 2015 in Interdisciplinary Work.

Après s'être absenté plusieurs mois pour des raisons professionnelles, Tom retourne dans sa famille pour quelques semaines. Durant ce laps de temps, il s'aperçoit que ses enfants, George et Julie, se sont éloignés de lui. Pat, sa femme, tente d'intervenir afin de rapprocher ses enfants de leur père. Malgré ses efforts, Julie se dispute de plus en plus avec son père et George devient complètement indifférent à la situation. Après avoir fait une découverte choquante dans la chambre de Julie, Pat affronte celle-ci qui éclate en sanglots, et perce ainsi un secret qui menace l'intégrité de toute la famille.

Joshua Lim est né à Malacca et a immigré à Singapour avec sa famille alors qu'il était agé de six ans. À Singapour, Joshua s'est inscrit à un cours de science accéléré avant d'entamer ses études universitaires. Il a développé un respect et un intérêt profond pour la science ainsi qu'un véritable penchant pour le cinéma et les arts. Après son service militaire obligatoire de deux ans et demi, Joshua a étudié le cinéma à l'Université de Californie du Sud, à Los Angeles. Il a choisi des cours qui mettent l'accent sur l'écriture et la réalisation. Pendant ses quatres années d'études, Joshua a écrit et réalisé six courts-métrages. Une fois diplômé, Joshua est retourné à Singapour, où il a tourné She May Try.

"Many cities or countries have a distinct malaise. They are places that could be Portugal, so sunk in a painful longing of the past, and where each tension of the present is only the tip of an iceberg that is explained in successive retreats that can go straight until origin of the species, at least. This feeling common to many latitudes is often presented as a diagnosis, a denial of a painful present as opposed to the desire to return to a glorious past." Pedro Penim

Jorge Jácome was born in Viana do Castelo (Portugal) in 1988 and spent is childhood in Macau. He completed is degree in cinema in 2010 at Escola Superior de Teatro e Cinema and in 2016 graduated with ‘felicitations du jury’ from Le Fresnoy - Studio national des Arts Contemporains. His work is based on a strongly intuitive and sensorial process resulting in films made of narrative drifts, unexpected relationships and unusual encounters. His short films have been shown at film festivals in Portugal, Spain, France, Germany, Slovenia, Poland and Israel, and in retrospectives at the New Bedford Whaling Museum, Palais de Tokyo, Maison Européenne de la Photographie, CalArts - California Institute of the Arts and at Georgetown University.

La bibliothèque d'Alexandrie était le lieu de recherches le plus important du monde de l'Antiquité. Détruite dans des circonstances encore inexpliquées, elle a repris vie sous l'égide du gouvernement égyptien et de l'UNESCO et a rouvert en 2002. Les Egyptiens eux-mêmes sont très fiers de leur projet, et les responsables font leur possible pour faire renaître le mythe de l'ancienne bibliothèque. La réalisatrice Anke Limprecht; elle-même bibliothécaire, dresse un portrait du quotidien dans la plus grande salle de lecture du monde, - une pierre supplémentaire apposée à l'édifice de l'histoire de la bibliothèque. http://www.khm.de/~ankel/Filme/Bibliotheca_Alexandria/alexandria_eng_/alexandria_eng_.html

"Née en 1967 à Biberach/Riss. Après cinq années d?activité professionnelle comme bibliothécaire, elle entame en 1998 des études à la « Kunsthochschule » de Cologne, centrées sur le film documentaire et l?art dans les médias. Elle mène de front ses études et un travail d?archiviste à la cinémathèque de Bonn. Elle prépare actuellement son prochain documentaire sur l?archivage à long terme du patrimoine culturel allemand et partage sa vie et son travail entre Bonn et Cologne."

La Bataille d'Alger recrée des scènes du film de 1966 du même nom, réalisé par l'italien Gillo Pontecorvo. Le film original est une reconstitution de la lutte nationaliste algérienne menant à l'indépendance en 1962. Le succès de la bataille réelle pour l'indépendance a été attribué à l'organisation nationaliste: une structure pyramidale de cellules autonomes. Utilisant des algorithmes informatiques, Lafia et Lin organisent le film selon une structure de cellules: les cellules des autorités françaises et celles des nationalistes sont représentées par des photos du film et bougent selon différentes règles. Quand les cellules de camps adverses s'interceptent, cela déclenche des cellules vidéo révélant les tactiques de chaque camp - selon les règles du système. Le public peut participer en déclenchant diverses trajectoires algorithmiques ou en créant de nouvelles organisations des cellules.

Marc Lafia a montré son oeuvre sur le plan international lors d'expositions séminales telles que Net Condition and Future Cinema, au ZKM, Let's Entertain au Walker Art Center ou dans des lieux comme le Centre Pompidou, l'ICC Tokyo ou d'autres musées et centres d'art. Dans son oeuvre, qui inclut films et photos, l'image n'est pas appréhendée comme l'enregistrement d'un événement mais comme un événement en soi. Pour Lafia, informatique et procédures algorithmiques permettent la production de nouvelles structures d'organisation de l'image et de l'information, ainsi que de nouvelles façons de distribuer les affects et les émotions. Il vit à Brooklyn, New York, et enseigne à l'unversité de Columbia. Fang-Yu Lin est né à Taiwan et vit à New York. Il est artiste média et designer dont l'art reflète l'interaction de l'expérience humaine, de la culture et de la technologie. Ses oeuvres ont été montrées dans de nombreux lieux, comme Whitney Artport, Tate online, SIGGRAPH, Sonar Festival, FILE São Paulo, Chelsea Art Museum, Felissimo Design House, Bauhaus Dessau et Seoul New Media Festival. Il a reçu la mention honorifique au Prix Ars Electronica (Net Vision) en 2005.

En 1964, quand Philippe de Broca tourne L?homme de Rio, Brasília est un vaste chantier. Avant d?abriter les hautes classes sociales recherchées, la ville doit composer avec une population indésirable mais indispensable, les constructeurs. Appelés aussi « candagos », cette population immigrée représente 55% de la population active, mais il n?est pas question pour le gouvernement qu?elle s?installe durablement dans le District fédéral. Aussi est-elle logée directement sur le chantier ou dans les villes satellites. La vidéo Os candagos est tirée d?un extrait de L?homme de Rio qui se déroule à Brasilia. Outre la dimension burlesque du film original, ce passage offre un point de vue exceptionnel sur la ville en 1964. La séquence est retravaillée image par image ; Belmondo y est effacé ainsi que toute trace de vie. Par ce geste j?ai voulu fondre les notions de matérialité et d?utopie en un même mouvement pour questionner les enjeux de la réalisation d?un projet tel que Brasilia. Les traces laissées par le processus d?effacement révèlent a fortiori une certaine présence ; celle des acteurs et des ouvriers. Le vent et la poussière règnent. Brasilia, point d?orgue du modernisme, devient ville fantôme.

Né à Montereau (77) en 1978, titulaire d?un Diplôme Supérieur d?Arts Appliqués (Ecole Boulle, Paris, 2002) et d?un DPLG (ENS Malaquais, Paris, 2007), Guillaume Linard-Osorio questionne dans son travail la notion de projet et les outils de représentation du réel. L?acte de déconstruction et l?acte de construction y sont des processus similaires qui permettent de révéler les fondements de notre environnement, la face cachée, l?insondable parfois. Ses compositions, quel que soit le medium utilisé, s?apparentent à des formes architectoniques libérées de toute fonctionnalité ou à des matériaux bruts, en attente de mise en forme. Sa production se situe en quelques sortes dans l?épaisseur même du décor. Partant d?une confrontation du monde des images à celui de la matière, son travail oscille entre documentation du réel et fiction pour finalement s?encrer dans un territoire insolite, à mi-chemin entre mécanique et illusion. S?intéressant davantage aux conditions de l??uvre qu?à l??uvre elle-même, Guillaume Linard-Osorio perçoit le monde physique comme un système d?objets dont les connexions seraient redevenues conceptuelles. Dans son travail l?interprétation vacille, les objets cohabitent avec leur fantôme, le temps est suspendu, étiré, parfois inversé, rien est accompli. Tout reste en puissance.

The work deals with the nature of ephemeral substances and its immanent processes and thus approaches the contrast between the materiality of fleetingness and the human need for control and rather clear forms. In AGENS, clouds and fog come and go, however only featured in interiors. Everyday scenes of the ephemeral - such as smoke from a cigarette, steam coming from a kettle or a dishwasher - gradually turn into peculiar cloud and fog phenomena. While becoming denser and more surreal, familiar vapors get increasingly detached from their conformed functionality. When their fleeting materiality meets the solid and clear structure of the architecture, it seems as though these textures slowly merge into each other. The inner driving force of the ongoing processes inherent in ephemeral substances becomes a mysterious protagonist.

Steffi Lindner grew up in Berlin, where she lives and works, creating videos, drawings, objects and installations. She finished her postgraduate studies at the Academy of Media Arts Cologne in 2013, has received various grants and fellowships and participated in exhibitions & festivals e.g. at Images Festival, Gallery YYZ (Toronto), Art Cologne, Erarta Motion Pictures (St. Petersburg), NADA Art Fair Miami, Liste Basel, Festival International Exit (Creteil), Interfilm-Festival (Berlin), Capla Kesting Fine Art Gallery (NYC). Lyoudmila Milanova was born in Varna, Bulgaria and has been living and working in Cologne, Germany since 2000. After achieving a M.A. degree in media science at the university in Cologne, she finished her postgraduate studies at the Academy of Media Arts Cologne 2011. In her artistic work she deals with natural phenomena, technology and time processes. Her installations and videos have been awarded numerous scholarships and grants, as well as internationally exhibited, including shows in Berlin, Seoul, Kyoto, New York, Rotterdam and Moscow.

une femme et sa horde de paparazzis...

Fiona lindron vit et travaille à dijon, elle obtient son dnsep l?ENSA Dijon en 2006. Les vidéos, photographies et installations émanent de rencontres humaines et géographiques. Elles font référence au genre cinématographique mais ne livre aucune explication ni dialogue. Ces images sont le reflet de l?état mental des personnages, de son rapport fantasmé aux rencontres. Elle participe de 1998 à 2002 à des événements collectifs au Point éphémère, au Batofar, à Mainsd?oeuvre Paris(France), à l?emaf festival Osnabrueck (Allemagne). Le travail de fiona lindron a été montré au Wharf centre d?art contemporain Basse Normandie 2007 Hérouville st clair(France), au festival bandits-mages Bourges 2007(France), à Opticafestival 2007 Gijon (Espagne), à Nuitblanche 2007 Paris(France), au Oneminutefestival 2007 Araau(Suisse)... Elle réalise actuellement en résidence à bandits-mages un film fantastique tourné sur un navire dans l?Océan Indien.

Des briques s`unissent et se désunissent pour former des paysages toujours en mouvements et sans cesse renouvelés.

Patrick Lindsay est né à Marseille en 1972, il sort diplômé de l`Ensama puis de l`Ensad en 1997. Depuis 1999 il est basé à Marseille, ou il travaille comme graphiste et typographe. Inspiré par son enfance et ses jouets, le jeu est le thème principal de son travail. Il décline son univers coloré et ludique sur de nombreux supports : Affiches, illustrations, animations... A partir de 2001 il s`intéresse à la vidéo en temps réel, et participe à de nombreux événements (Friche Belle de Mai, Marseille. Territoires électroniques, Fondation Vasarely. Festival Arborescence, Aix...). En 2005, il crée le Typophone, expérience de typographie sonore.

Un train défile malgré la fumée onirique qui s`en échappe.

Patrick Lindsay est né à Marseille en 1972, il sort diplômé de l`Ensama puis de l`Ensad en 1997. Depuis 1999 il est basé à Marseille, ou il travaille comme graphiste et typographe. Inspiré par son enfance et ses jouets, le jeu est le thème principal de son travail. Il décline son univers coloré et ludique sur de nombreux supports : Affiches, illustrations, animations... A partir de 2001 il s`intéresse à la vidéo en temps réel, et participe à de nombreux événements (Friche Belle de Mai, Marseille. Territoires électroniques, Fondation Vasarely. Festival Arborescence, Aix...). En 2005, il crée le Typophone, expérience de typographie sonore.

L´éclipse de lune du 11 septembre 2003, documentée et traduite, en utilisant un film photosensitif. Au 4ème siècle avant JC, Aristote fonda le Lyceum, une école destinée à l´étude de tous les phénomènes naturels sans l´utilisation des mathématiques, car celles-ci étaient considérées comme trop parfaites pour pouvoir être appliquées à la sphère terrestre, trop imparfaite. Ce film est alors l´esprit de ...

Jeanne Liotta travaille et vit à New York oú elle réalise des films et autres travaux éphémeres dont des vidéos, photographies, travaux sur du papier et performances de projections live. Lors de la biennale de Whitney (2006), elle présentait son film en 16mm, "Eclipse" (2005). Son oeuvre a été projetée au festival du film de New York, à la Kunstfilm Biennale, Cologne, The Pacific Film Archives, Berkeley, le Musée d´Art Moderne, et le Musée Whitney d´art américain entre autres. Elle fait aussi de la recherche et est conférencière itinérante pour le collectif cinématographique Josepf Cornell aux archives du Film d´anthologie (Anthology Film Archives). Son dernier projet, "Observando el Cielo", consiste dans sa plus grande partie en un film en 16mm, qui est un enregistrement du ciel de nuit, à des intervalles réguliers. Il comprend une multitude de moyens dans un cadre Emersonien, entre science, art et philosophie naturelle. Elle enseigne aussi extensivement, par exemple the New School and Pratt Institute à New York, l´Institut d´Art de San Francisco, la Museum School à Boston, et actuellement à l´université (Milton Avery Graduate School for the Arts à l´Université Bard).

Sept années d'enregistrements celestes de differents endroits avec ce trepied tournant qu'est la terre, sortis du chaos du cosmos et inscrits sur un film 16mm. Ce travail n'est ni une metaphore ni un symbol, mais l'inscription d'un sentiment vers le mileu de la perception à travers duqule le temps passe. Ces enregistrements VLF de la magnetosphere en action permettent à l'univers de parler pour lui-même. Le Sublime est Present. Amor Fati

Jeanne Liotta vit et travaille a New York où elle fait des films et autres arts éphémeres tels que de la vidéo, de la photographie, des travaux sur papier et des performance projectionnées en direct. Son dernier projet "Observando el cielo" prend place en une constellation de mediums etudiants le paysage cosmique a la rencontre de l'art, la science et la philosophie naturelle.