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"Ombazu yaKouHerero yazikama okuza kororowa." A studio in Berlin-Kreuzberg. Simon Tjimbawe has chosen this location to answer questions sent by a museum in Braunschweig. The museum is exhibiting Chief Kahimemua’s belt, which will be soon given back to Namibia. Kahimemua was an Ovambanderu leader, who was executed by Germans in 1896. His descendants are related to Tjimbawe’s family.

Laura Horelli is a visual artist and filmmaker living in Berlin. She has been researching the historical relations between Namibia and Germany since 2016, particularly the relationship of the liberation movement SWAPO and the East German state during the Cold War. Horelli was born in Helsinki, grew up partly in Nairobi and London. www.laurahorelli.com Simon Tjimbawe is a Herero born in West Berlin. His father was a member of the liberation movement SWANU who studied economics in Leipzig in the 1960s. He is a film sound mixer and lives and works in Berlin.

Je devais trouver un moyen par lequel ma personnalité consciente et mon côté obscur (inconscient) pouvaient coexister à l'intérieur de moi. J'ai décidé de regarder au plus profond de moi et de projeter cette image de mon côté obscur pour que je puisse l'observer. Pour rendre visible ce qui ne l'est pas.

“The night between Ali and I”, is a fictional reenactment of one of the key events that happened in Lebanese and Levantine contemporary History: the highjack of 39 hostages at the Bank of America in Beirut, on October 18th, 1973. In this event four armed young fellows from the Lebanese Socialist Revolutionary Movement entered the bank, in Downtown Beirut, and asked from the authorities ten million dollars for the Arab fight against Imperialism in the region and the release of a few Arab political prisoners. They also requested that their demands and manifesto be published in the newspaper. The installation displayed as a tryptich with three main voices: Amer Farrough, one of the 4 men, Mariam, Ali’s sister and our own narration of the events. The images evoke in a particular way what happened during the night of the 26 hours that lasted the hijack but very much as we imagine things happen during the assault, and how the interaction between hostages and guerrilla gunmen in our view with a particular dance, a “deconstructed” dabke.

A collaboration between Nadia Hotait and Laila Hotait. Nadia Hotait is a multimedia artist that has exhibited her work at different international venues among others the Zolla/Lieberman gallery in Chicago, the Biennial of Young art in Moscow, Isabel Igancio Gallery in Seville and Digital Marrakesh. Nadia is recipient of INJUVE art award and the Generaciones 2015 art award and previously she was funded by LaCaixa to study at the School of the Art Institute of Chicago. She studied her BA in audiovisual Communications in between Complutense University in Madrid and Waseda University in Tokyo. Laila Hotait is a filmmaker and artist with a PHD in audiovisual communications as a Fulbright grantee she studied filmmaking at San Francisco State University and her first film, Crayons of Askalan which was supported by AFAC in association with Sundance Documentary Institute, the DFI and Screen Instittute Beirut has played in over twenty international festivals.

In 1978, the Saudi-Lebanese contractor Rafiq Hariri who made his wealth at the service of the Saudi royal family after the 1970’s global oil crisis, returned to Lebanon at the beginning of the civil war to deploy, in the name of reconstruction, one of many transnational developments in the town of Kfar Falous. Petrodollar recycling is the allocation of incredible funds to the benefit of disputed or untimely developments. “New Sidon Sun” is a video installation that tries to interrogate this model of failed modernity by surveying absence in the the Kfar Falous Science Complex as a petrodollar spill.

Maxime Hourani (Beirut, 1982) is an artist and architect who works with time-based media. He explores in his work the poetics and politics of land transformation while locating affective encounters between the history of nature and the nature of history.

Ap02 est une performance immersive fondée sur un maillage complexe de logiciels et d?ordinateurs modifiés qui rend perceptibles des systèmes informatiques sous-jacents. Le numérique rendu physique, audible, et visible au travers de systèmes de code complexes, dans les couches quasi géologiques de la machine. Les algorithmes des données enregistrées en direct, ap02 transforme l?espace de la performance en un laboratoire ouvert. En temps réel, jouant avec un équipement récupéré, altéré, modifié, amoncelé, à peine fonctionnel, et des logiciels qui deviennent physiquement perceptibles au travers de sons/bruits et images/signes. ap02 présente une performance complexe, structurée par des processus qui passent dans les machines; le flux symphonique d?un essai de mettre ensemble une systématique fuguée est joué contre/sur le bruit de la dislocation/l?effondrement et le crash des machines aux frontières désertées du contrôle.

ap (Martin Howse + Jonathan Kemp) a été créé en 1998, pour la recherche de développements de systèmes technologiques dans le domaine de l?art, en ayant recours à de nouveaux modes de description et de fonctionnement de logiciels et de systèmes informatiques (software et hardware), dont les implications sont politiques au sens large. ap est actif dans la création de systèmes numériques physiques ouverts, et réalise des performances dans le monde entier. Il développent des disques durs et des logiciels, et organise une conférence annuelle à Londres (24 mars 2006).

The Flood recontextualise un épisode historique d’inondation survenu dans les années 1960, un événement qui avait submergé et partiellement détruit une serre horticole ainsi que la propriété attenante, au sein des infrastructures urbaines contemporaines et de leur dette persistante envers les interventions sur le territoire. À mesure que les images intérieures et extérieures se heurtent, l’inondation prend un double sens : celui d’une submersion physique et celui d’une remontée psychique à la surface.

Ruth Höflich est une artiste visuelle travaillant l’image en mouvement et la photographie. Née à Munich, elle est actuellement basée à Naarm/Melbourne. Son travail a été projeté et exposé à l’international, notamment à la National Gallery of Victoria, chez Gertrude Contemporary, au Rotterdam International Film Festival, à Images Festival, au Pravo Ljudski Film Festival et à l’Art Gallery of NSW. Elle est actuellement chercheuse associée au Powerhouse Museum de Sydney, où elle développe un nouveau film. Elle est titulaire d’un MFA du Bard College, New York.

Starting from a gunman involved in a murder case, I seek to reflect the collective unconscious within society and politics through the gunman's multiple peculiar roles—a filmmaker, a killer, a gangster, and a patriot. In 1984, when Taiwan was still under Martial Law, a Taiwanese American writer Henry Liu was shot to death in his own house in the US by a Taiwanese assassin. Afterward, due to the intervention and investigation of the US government authorities, this case was eventually confirmed to be a political murder jointly committed by the Military Intelligence Bureau and the biggest mafia United Bamboo Gang in Taiwan, as the government paid the mafia to kill Henry Liu. The protagonist of this work, Wu Dun, is the assassin who fired the shot at the time. After the case was exposed, the Taiwanese authorities were pressured by the US, and Wu Dun was thus sentenced to life imprisonment. However, he was given amnesty and discharged from prison after six years. After he got out of prison, Wu Dun remained an important member of the United Bamboo Gang, and he established a film company as a producer with the support of his mafia influence, making several “wuxia films” – refers to specific traditional Chinese swordplay films. In this work, I revisited the film studio that was once used by Wu Dun and is now deserted to recompose the fragments of the political assassination and the scenes of wuxia films, and I cooperated with a 3D scanning team—their job is to provide forensic scanning service at crime scenes—to make a digital double of Wu Dun.

Hsu Che-Yu (b. 1985) is an artist based in Taipei and Amsterdam. Previously, Hsu obtained a master’s degree from the Graduate Institute of Plastic Arts, Tainan National University of the Arts (Taiwan). Since 2019, he had participated in the residency program in HISK (Ghent, 2019–2020) and Le Fresnoy – Studio national des arts contemporains (Tourcoing, 2020–2022). In 2022, he begins his two-year art residency in Rijksakademie in Amsterdam. Hsu has solo exhibitions at Liang Gallery (Taipei, 2022), Vanguard Gallery (Shanghai, 2020), Taipei Fine Arts Museum (2015), Kuandu Museum of Fine Arts (Taipei, 2012), SAT Society for Arts and Technology (Montreal, 2012). He has participated in the Theater der Welt (Frankfurt, 2023), Bienal de São Paulo (2021), Seoul Mediacity Biennale (2021), Sonsbeek20?24 Quadrennial public program (2021), Techniques of Becoming (Württembergischer Kunstverein, Stuttgart, 2021), VIDEONALE.18 (2021), Shanghai Biennale (2018), London Design Biennale (2018), Asian Art Biennial (Taichung, 2017), and film festivals IFFR International Film Festival Rotterdam (2023, 2022, 2020, 2018), NYFF New York Film Festival (2020)and Rencontres Internationales Paris/Berlin (2020, 2019, 2018). He was awarded the Videonale Award of the Fluentum Collection (Kunstmuseum Bonn, 2021), the Loop Barcelona Video Art Production Award (Han Nefkens Foundation, 2020), the Taishin Annual Grand Prize (Taishin Bank Foundation for Arts and Culture, 2016), and was a finalist for HUGO BOSS ASIA ART (2019).

I deploy the technique of 3D scanning on the body of the first conjoined twins in Taiwan and use it as materials to reenact their memory from the youth. In this work, I explore the layer of biopolitics and the demonstration of one’s memory. The first conjoined twins underwent the separation surgery in 1979 and the whole surgeon process was broadcast on TV. In that period, Taiwan was under martial law. Therefore, this surgery was often interpreted as a metaphor for the relationship between Taiwan and China. Forty years later, I revisit the iconic figures and reconstruct the narration of their memory within personal and public experiences. Back in 1979, in order to rehearse for the separation surgery, the hospital invited an artist to make a cast of the conjoined twins. However, because it was difficult to control the babies during the molding process, the attempt to make a cast was unsuccessful. In this project Single Copy, I have re-casted the body of the now 43-year old Chang Chung-I, and also use 3D scanning technology to archive his body. The data from the archive are then used as sources for capturing memories from Chang’s earlier life.

Hsu Che-Yu was born in Taipei in 1985. Earning his master’s degree from the Graduate Institute of Plastic Arts, Tainan National University of the Arts. From 2019 to 2020, he began to join the post-academic research programme HISK (Higher Insititute for Fine Art). Hsu Che-Yu works as an artist who primarily creates animations, videos and installations that feature the relations between media and memories. What matters to the artist is not simply the history of events traceable through media, but also the construction and visualization of memories, be they private or collective. The exhibitions he once participated include: 2020“International Film Festival Rotterdam”(Rotterdam), 2019 “HUGO BOSS ASIA ART” (Rockbund Art Museum, Shanghai), “Pre-biennale screening program- Seoul Mediacity Biennale 2020” (Seoul Cinema, Seoul), 2018 “Shanghai Biennale: Proregress” (Power Station of Art, Shanghai), “London Design Biennale: Emotional States” (Somerset House, London), “Osmosis Audiovisual Media festival” (CCI Fabrika, Moscow), 2017 “Asian Art Biennial: Negotiating the Future”(National Taiwan Museum, Taiwan), “EXiS, Experimental Film And Video Festiva” (Sonje Art Center , Seoul), “ifva Festival” (Hong Kong Arts Centre, Hong Kong), 2016“Public Spirits” (Center for Contempoary Art Ujazdowski Castle, Warsaw), “Time Test: International Video Art Research Exhibition” (CAFA Art Museum, Beijing)

In 1995, there was a human-shape balloon on the top of Chongxing Bridge in Taipei, and there was also the attempt of suspending all kinds of items in the air, such as washing machine, boiling hot pot, the statue of Chiang Kai-shek, and sex doll, trying to crash them to the ground. But the plan failed eventually; nothing was destroyed. Before everything started, it ended because of the self-explosion of the human-shape balloon. The same year under Chongxing Bridge, there was also a large scale fight. The people present there that day slashing each other with iron rod or sashimi knife. When we found the people invovled, however, they told us it was actually a fight between political factions. Re-rupture assembles two seemingly unrelated historical fragments: "People`s Taxi riot" and "Taipei Breaking Sky." I invited five drivers who participated in the fight at the time to return to the event site, while hanging a guitarist Li Na-shao on the top of Chongxing Bridge to play music.

Hsu Che-Yu was born in Taipei in 1985.Earning his master’s degree from the Graduate Institute of Plastic Arts, Tainan National University of the Arts. Hsu Che-Yu works as an artist who primarily creates animations, videos and installations that feature the relations between media and memories. What matters to the artist is not simply the history of events traceable through media, but also the construction and visualization of memories, be they private or collective.

?The Story of Hoping Island? was shot in a shipyard on Hoping Island in Keelung, which has 88 years of history. During the Japanese occupation of Taiwan, it was the Japanese government?s southernmost shipyard, and as such, it supported Imperial Japanese, southward expansion. After the retrocession of Taiwan, the shipyard played a key role in Taiwan?s economic takeoff. This shipyard represents a highly compressed, symbolic timeframe, from WWII to now. The shipyard reflects how the locals identify themselves based on their specific, local histories, and at the same time, how the national government encodes and directs history. To support this history, complicated traditions and myths are continually developed and developing. So Hsu, Chia-Wei shot this shipyard, a real space, and responded to the shipyard?s other historical side: the legend. The whole scene of ?The Story of Hoping Island? was shot in the shipyard in Hoping Island. Artist invited his grandmother to describe the situation in Japanese (She had received Japanese education). Through the process of narratives, this place seems remote and deserted caused of no people appeared in the video. (Actually, there are usually numerous of workers) In this work, artist regarded this shipyard as a memory crystal to develop the narratives. Through the complexity of place and memory, this place becomes an effective instrument to reproduce memory. In this video, an artist-created creature?Ni-Ku is the only element to connect to the narrative. It has weightless science-fictional characteristic: both the military detector and the luminary. Artist also put electronic music with shattered rhythms in the background. Through this tiny creature, this work responds to the grand era and so do the fictional narratives respond to the politics statement. It also permeates through history, memory and dream. Or we could say that history itself seems like memory and dream to some extent. There is many usage of ?light? in this work, including the luminous Ni-Ku in the narratives, sparkling gem-like light in the shipyard, the lighting in the end of the video, and also the physics light from projector in the space. In the illusory dimension, with its light-like non-material characteristic, this work transits the immense and heavy history to a legend. ?The Story of Hoping Island? lies in constantly-overlapped process of history and dream, image space and physical space, reality and fiction. While national governments continuously constructed its own identification, this work becomes a weightless, fictional space, and provides a breathing break.

My method is a specific kind of ?Narrative? -- a way of documenting that interferes with the reality of the text, by focusing on a site?s specific and peculiar characteristics, such as memory, imagination, or identification. With these characteristics in mind, I develop a narrative, and between the reality of the text and the fictional narrative, I construct a myth or a legend. I am also one of the members from Open-Contemporary Art Center in Taipei, Taiwan. This art space consists of numerous young artist and runs over 11 years. Through practicing organizing exhibitions and writing, I try to expand art influences to the society.

Huatung Village was located in Sijhih City in Taiwan and populated by the Amis people. In 1985, there were three Amis families farming vegetables by the Dakeng River Bridge along Provincial Highway No. 5. The next year, about ten Amis families built cabins and stayed there. That is how Huatung Village started. By 1996, it became a village of 215 families. It was a huge block of illegal buildings. The villagers used abandoned iron sheets and wood to build their houses. They also used those materials to build the traditional tribal lookouts, community meeting rooms, and churches. In 1997, the government evicted the whole village and moved them to subsidized government housing. Now, the site is covered by grass, and one can only find a few ruins left behind. My work was videotaping the actual site. Juxtaposing separate audio and video tracks, the chieftain?s voiceover talks about the village?s history, while the video track shows what the village looks like nowadays. Gradually, as day turns into night, the video?s structure changes from documentation to another approach: I wanted to constantly blend the layers between the location (documentation) and the scene (narrative).

1983 Born in Taichung, Taiwan, live and work in Taipei, Taiwan. 2005 graduated from Department of Fine Arts, National Taiwan University of Arts 2010 graduated from Graduate School of Plastic Art, National Taiwan University of Arts My method is a specific kind of ?Narrative? -- a way of documenting that interferes with the reality of the text, by focusing on a site?s specific and peculiar characteristics, such as memory, imagination, or identification. With these characteristics in mind, I develop a narrative, and between the reality of the text and the fictional narrative, I construct a myth or a legend. I am also one of the members from Open-Contemporary Art Center in Taipei, Taiwan. This art space consists of numerous young artist and runs over 9 years. Through practicing organizing exhibitions and writing, I try to expand art influences to the society.

Narrated by Chinese Malaysian singer Fish Leong, the project ?March 14, Hong Kong Coliseum? follows her tour through different cities in Asia, including Shanghai, Hong Kong, Taipei, Singapore, Malaysia, Beijing, Guangzhou, Kunming, and Chengdu. In Chinese world, almost everyone knows Fish Leong and her voice. Here was a huge entertainment industry with a pan-Asian approach. The tour moved from city to city, and wherever it went, the stage, lighting, and songs at each event were similar, and each concert scene was also a confrontation between globalization and local cultures. In this exhibition, I present a single-channel version and make two images juxtaposed. The video shows an empty concert scene with neither the singer nor audiences. The real event becomes an enormous and fictional scene. Here, the concerts represent globalization, but the video work makes this connection drift apart.

I live and work in Taipei, Taiwan. I am now a full-time artist. My method is a specific kind of ?Narrative? -- a way of documenting that interferes with the reality of the text, by focusing on a site?s specific and peculiar characteristics, such as memory, imagination, or identification. With these characteristics in mind, I develop a narrative, and between the reality of the text and the fictional narrative, I construct a myth or a legend. I am also one of the members from Open-Contemporary Art Center in Taipei, Taiwan. This art space consists of numerous young artist and runs over 8 years. Through practicing organizing exhibitions and writing, I try to expand art influences to the society.

Dans les maisons, après les séparations, les mères étaient faites de larmes. Les fils se transformaient en verres vides. Et les berceuses devenaient une malédiction. Le film examine la souffrance et la résilience du peuple birman en s’appuyant sur les éléments politiques distinctifs qui, depuis plusieurs années, dérivent à la surface de l’océan d’opéra politique né des dictatures militaires répétées au Myanmar. La composition visuelle puise dans les couleurs du drapeau national birman, adopté en 2010 lors de la prétendue période de transition du pays. Ce drapeau, issu de la Constitution de 2008 imposée par un ancien dictateur militaire, contraste fortement avec la précédente loi sur le drapeau de 1974, puisqu’il introduit une définition formelle du drapeau. Le film déconstruit et interroge cette définition existante en jouant avec les couleurs, les objets et les séquences ; en utilisant des images de la Télévision de Propagande Gouvernementale montrant différentes générations sous des dictatures militaires successives ; en mêlant la voix glaçante de l’actuel dictateur, Min Aung Hlaing, récitant des berceuses hantées grâce à une technologie d’IA. Le film revisite également la chanson provenant de la dernière archive filmée d’une fête d’anniversaire de l’ancien dictateur birman, le général Ne Win, célébrée à l’hôtel Sedona à Yangon le 21 mars 2001, un an avant sa mort.

Lin Htet Aung (né en 1998) est un cinéaste originaire du Myanmar. Il a commencé par la poésie d’avant-garde avant de se tourner vers le cinéma en 2017. Ses courts métrages ont été sélectionnés dans plusieurs festivals internationaux, notamment le New York Film Festival, Vancouver, Tirana, le Karlovy Vary International Film Festival, l’International Film Festival Rotterdam, et ont reçu de nombreux prix, dont le Tiger Short Award à l’International Film Festival Rotterdam (IFFR). Ancien participant du TIFF Directors’ Lab, de Berlinale Talents, de la Locarno Filmmakers Academy, de l’Asian Film Academy, et lauréat d’un Prince Claus Seed Award 2023, il développe actuellement son premier long métrage, Making A Sea, qui a reçu l’Asian Cinema Fund ainsi que le Red Sea Award à l’Asian Project Market (APM). Après le coup d’État de 2021, il a rejoint le mouvement de désobéissance civile (CDM) durant ses études d’ingénierie au Myanmar et poursuit aujourd’hui sa formation à la Städelschule, en Allemagne.

The soldier's mind was a turbulent sea of anxiety and resolve as he arrived at the abandoned battle camp, where the hasty departure of others left him grappling with solitude and the weight of his duty.

Lin Htet Aung (1998, Myanmar) is a self-taught filmmaker based in Myanmar. In his earlier days, he wrote avant-garde poems and published underground poetry books. In 2020, his experimental short film Estate won the Silver Screen Award for Best Director at the Southeast Asian Short Film Competition at the 31st Singapore International Film Festival (SGIFF). In 2023, his short film Once Upon A Time There Was A Mom won the Silver Screen Award for Best Screenplay at the 34th SGIFF. His same short film won the Principi Award at Lago Film Fest and the Jury Prize at Bangkok ASEAN Film Festival (BAFF). His short films have been selected at International Film Festival Rotterdam, Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, Rencontres Internationales Paris/Berlin, LINOLEUM Contemporary Animation and Media Art Festival, Kurzfilm Festival Hamburg, among others. In 2024, he received a Script Development Fund for his debut feature project, Making A Sea, which won the Fellowship Prize at the Southeast Asian Film Lab at the Singapore International Film Festival 2023. He is one of the directing fellows for the CHANEL X BIFF Asian Film Academy 2023. He has also been nominated twice for SEA AiR Studio Residencies Cycle 1 and Cycle 2. He is also one of the Prince Claus Seed Awardees 2023 and a Locarno Filmmakers Academy 2024 participant.

Un jeune photographe ambulant et son assistant proposent à des nomades tibétains de les prendre en photo devant différents fonds.

Hu wei, né à Pékin en 1983, est un cinéaste et un artiste chinois. Il vit et travaille entre Pékin et Paris. Cinéaste et artiste plasticien, il a suivie diverses formations dans ces arts, successivement en Chine puis en France, notamment à l`Ecole Supérieure National des Beaux Arts de Paris (ENSBA) puis au Fresnoy-Studio national des arts contemporains.

Une maison s'envole et se balade à pieds dans le paysage. Description: une maison implantée à Fontaine-les-Dijon, à la frontière nord entre la ville et la campagne, est soudainement soulevée dans les airs. Transportée par une douzaine de porteurs, dont on peut voir dépasser les pieds, la maison décampe en ligne droite, traverse le lotissement et finit sa course dans la campagne, en disparaissant au-dessus de la ligne d'horizon.

Séverine Hubard (née en 1977) a étudié les Beaux Arts à l'Ecole des Beaux Arts à Dunkerque et à Nantes. Elle détennait déjà des bourses d'études de l'Aomori Art Center au Japon, de Saint-Jean-Port-Joli, au Québec (Canada), du FRAC du grand EST, à Dijon, et du programme AFAA, à Montréal (Canada). Ses oeuvres ont été présentés au cours d'expositions individuelles au Canada, en France, en Allemagne et aux Pays-Bas et lors de présentations collectives comme à la Biennale Izmir, FRAC Nord-Pas-de-Calais, à Lille, à la Kunst Ambassade, à Rotterdam (Pays-Bas), à l'Aomori Art Center, au Japon, et au Sirus Art Center à Cobh co Cork, en Irlande.

Poème graphique vidéo. Adaptation des dessins sur papier -Leporello de 20 pages . Depuis CHAOS HUMAINE (NOUTRES/Il faut prévenir les petites filles) 2020, je transpose les dessins en vidéo poèmes. C’est une autre façon de lire cette histoire de déplacements de la fée Utopia en cours d’écriture graphique. Il s’agit ici de l’épisode 2 de son échappée : Utopia a quitté secrètement son endroit de vie. Errance, pensées et rêverie, c’est aller vers "t·soi"..

Plasticienne, vj-dj, enseignante, organisatrice d’évènements artistiques et de collectifs,(B&b unlimited, le noyau, les Inapproprié.e.s, Femn’Furious) Dans l'équipe du Festival Jerk Off depuis 2019. Le métissage et les féminismes se matérialisent au fur et à mesure de ses choix techniques diverses mixés : Audio-visuelles, performances, Mix live, écritures graphismes et dans leurs connexions incessantes. Les sources peuvent être iconiques ou littéraires, sociologiques ou poétiques, passées ou actuelles, Historiques ou banalement crues Elle met en scène des personnages fictifs depuis1996, comme la fée UTOPIA que l’on retrouve dans des performances, des situations burlesques, dans les dessins, les photographies, les éditions, les installations ou les vidéos. Le rôle principal de sa démarche reste l’absurdité de notre comédie humaine autocentrée et anthropocentrée.

La fée Utopia en 4 temps : ses colères chantées, ses spontanéités et galipettes magiques ponctuées de bruits de manifestation sociales et de musiques mystérieuses. Le fond de l?histoire : « Nous sommes complexes et les apparences sont trompeuses /que savez vous de moi en me regardant ? je pourrais être terroriste, infirmière, astronome ? je te souris, mais tu me dégoûtes? La colère d?être petite et pleine d?espoir face à la fatalité médiocre. Même les fées bleues qui font des bulles peuvent être bourrées, et demain ça ira mieux?.

v.hubert, née en 1970, vit et travaille à Alfortville/Paris représentée par la Galerie Quang Paris "Depuis une dizaine d`années, Véronique Hubert élabore une ?uvre complexe qu`il ne faut pas réduire à l`humour agité qui la traverse. Travaillant dans la multiplication des compétences, sa dispersion contraste avec la rigueur et la constance de son propos. Son ?uvre se dessine dans la superposition de ses expressions ; vidéos, tracts, dessins, photographies et écrits, réalisés depuis 1995. Une connaissance aiguisée de l`histoire de l`art, du cinéma, du milieu médical, de la musique électronique ainsi qu`une curiosité sans limites fournissent à l`artiste un matériau très riche qu`elle déploie dans des constructions fictionnelles, des petites histoires ou saynètes interprétées par des personnages "prétextes" faussement enfantins, aux dérives paranoïaques. " extrait de "la bonne position", France Valliccioni, 2004

Chez les Yéniches, communauté de gens du voyage, le respect des aînés et la ferveur religieuse côtoient indifféremment le vandalisme. Fred Dorkel est l'un d'entre eux : craint et estimé par les siens, il vit du vol de voitures. Une nuit, sa vie bascule : un ange lui apparait. Pour Fred, c'est le signe d'une seconde chance qu'il doit saisir. Il décide de se ranger, mais ce choix va l'opposer à sa famille...

Jean-Charles Hue (né en France en 1968) vit et travaille à Paris. Après des etudes à l'École Nationale d'Arts de Cergy-Pontoise, l'artiste est sélectionné pour la résidence "Villa Medicis Hors-les-murs" à Monterrey au Mexique, où il tourne plusieurs films, dont Carnaval Pitbull qui reçoit le premier prix au festival Loop Barcelona en 2006. En 2009, il retourne au Mexique pour tourner une serie de films. Il a été récompensé par le "Golden award" du festival de film Impakt à Utrecht, le prix Mulhouse 002, et nominé pour le prix Gilles Dusein. Ses films sont souvent projetés dans des programmations et festivals du monde entier (Festival Hors pistes - Centre Pompidou-Paris, Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid, Art Forum - Berlin, festival Courtisane - Gent, Impakt Film Festival - Utrecht...). Jean-Charles Hue a déjà réalisé huit expositions personnelles en France, en Hollande et au Mexique (Ricard Foundation, Galerie Michel Rein, Alliance Française in Mexico, Villa Steinbach of Mulhouse...) et ses travaux ont étés présentés dans de nombreuses expositions collectives.

Sur le terrain des Dorkel (Une famille de gitan-voyageur), le temps s`écoule comme toujours entre chourav (vol) et braconnage. Rien n`aurait dû changer pour Fred, l`aîné des fils, s`il n`avait rencontré un ange, son ange.

Jean-Charles Hue, né le 22/06/68 à Eaubonne. Je vis et travaille à Paris. Diplômé de l`école d`art de Cergy-Pontoise. C`est à travers divers médium ; objets, écrits et films, que je tente de créer un parcours de vie. C`est principalement celui du monde gitan (Voyageur) qui m`a adopté depuis une dizaine d`années. Mais c`est aussi la tentative de se construire une mémoire qui comme un kaléidoscope renverrait une multitude d`images vécues ou bien désirées. Les images atteignent les bons jours une certaine féerie qui trahit bien un désir naïf de voir s`envoler le morceau de bidoche que nous sommes vers un ailleurs. En cela, mon cousin Fred le gitan m`a donné l`une des plus belles occasions de ma vie de retranscrire dans un film (Un Ange) non pas l`ailleurs, mais la tentative quasi désespérée de l`envol.

Aequador est une relation de voyage sans parole: une dystopie équatoriale évoquant les dérives d`un rêve progressiste et moderniste en Amérique latine pendant le XXe siècle. Nous avons imaginé un temps révolu où une idéologie extrémiste se serait lancée à la conquête du territoire amazonien. Le film décrit, sous une forme composite et volontairement fragmentaire, ce présent parallèle où les fausses ruines et reliques d`architectures utopiques en 3D côtoient les constructions vernaculaires et la vie quotidienne d`êtres humains.

Les films de Laura Huertas Millan se situent à la lisière des arts plastiques et du cinéma et mélangent des registres différents, le documentaire, la science fiction ou le fantastique, le détournement d`archives. La question de l`image structure ce travail, souvent à travers des thématiques liées à la violence politique ou sociale. Depuis 2009 elle réalise ainsi une série autour de la notion d?"exotisme", dont « Sin Dejar Huella » (2009), « Voyage En La Terre Autrement Dite » (2011) et « Aequador » (2012). Née en 1983 à Bogota (Colombie), Laura Huertas Millan réside principalement en France depuis 2001. Elle est diplômée avec les félicitations du jury de l`Ecole des Beaux-Arts de Paris et du Fresnoy, Studio national des arts contemporains. Son travail circule dans des festivals internationaux de cinéma (FID Marseille, 25 FPS, Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid) ainsi que dans des évènements d`art contemporain, galeries ou musées, en France (Printemps de Septembre à Toulouse, Biennale Mulhouse 010, Galerie Edouard Manet Gennevilliers, LAM Villeneuve d`Asq...) et en Amérique Latine (Ciclo Nuevas Propuestas Alianza Francesa, MAMBO, MAC Santiago de Chile, Université de la Plata Argentine...). En 2012 elle intègre le programme doctoral de PSL (ENSBA, ENS Ulm) où elle développera une enquête filmique sur des "fictions ethnologiques".

Le rituel de fabrication de la poudre de coca verte (appelée "mambe" ou "Jiíbie") dévoile un mythe ancestral de parenté, dont la transmission se fait par tradition orale. Dans la communauté amazonienne Muina Murui, la plante de coca n’est pas un produit de consommation, mais une interlocutrice sacrée, le cœur battant d’un corps collectif.

Laura Huertas Millán est artiste et cinéaste franco-colombienne, sa pratique se situe à l’intersection entre le cinéma, l’art contemporain et la recherche. Sélectionnées dans les grands festivals de cinéma tels que la Berlinale, Berlin (Allemagne); le Toronto International Film Festival (Canada); le Rotterdam International Film Festival (Pays-Bas); le New York Film Festival (USA) et le festival Cinéma du Réel, Paris (France), ses œuvres ont été primées dans des festivals tels que le Locarno Film Festival (Suisse); le FIDMarseille (France); Doclisboa, Lisbonne (Portugal); Videobrasil, São Paulo (Brésil). Plus de vingt rétrospectives et focus de son travail ont été organisées mondialement, dans des cinémathèques telles que le TIFF Lightbox de Toronto (Canada); la Film Archive de Harvard, Cambridge (USA) ou encore la cinémathèque de Bogota (Colombie), et ainsi que dans des festivals de cinéma majeurs comme celui de Mar del Plata (Argentine), les Rencontres internationales du Documentaire de Montréal (Canada) et le Thessaloniki Documentary Festival, Thessalonique (Grèce). Ses dernières expositions personnelles ont eu lieu au MASP – Museu de Arte de São Paulo (Brésil); à la Maison des Arts de Malakoff (France) et au Musée d’Art Moderne de Medellin (Colombie). Elle a également exposé et projeté ses films dans de nombreuses institutions renommées (Centre Pompidou, Paris (France); Jeu de Paume, Paris (France); Guggenheim Museum, New York (USA); Times Art Berlin (Allemagne)) et dans le cadre de biennales (Liverpool (Royaume-Uni); FRONT Triennial, Cleveland (USA); Videobrasil, São Paulo (Brésil); Videonnale, Bonn (Allemagne)). Ses œuvres font partie de collections privées et publiques (Kadist, San Francisco (USA); CNAP – Centre national des arts Plastiques, Paris (France); Banco de la República de Colombia, Bogota (Colombie); CIFO Collection, Miami (USA); FRAC – Fonds régional d’art contemporain Lorraine, Metz (France), parmi d’autres). Elle détient un doctorat de pratique (programme SACRe), après avoir développé une recherche de pratique cinématographique autour de la "fiction ethnographique" entre l’Université PSL – Paris Sciences et Lettres (France) et le Sensory Ethnography Lab à l’Université de Harvard (USA). Elle travaille régulièrement comme enseignante. Depuis 2019, Laura Huertas Millán et la commissaire Rachael Rakes forment un duo de recherche autour de l’anthropologie critique, les esthétiques et les politiques de la rencontre.