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This program of videos new to the EAI collection includes work by artists with very different histories and creative strategies. Seoungho Cho's "Snap" (2006) continues his exploration of minimalist and dynamically visual video art. Michael Snow's "WVLNT" (2003) is a highly conceptual video reworking of his influential experimental film "Wavelength" (1967). Seth Price's "Digital Video Effect: "Editions" (2006) is a witty and engaging edit of excerpts from his editioned video works. Finally, Sophie Calle and Fabio Balducci's "Unfinished" (2005) is a revealing and humorous investigation of the artistic process.

Electronic Arts Intermix (EAI) est l?un des plus important centre mondiaux de ressources et de recherches sur l?art vidéo et les nouveaux médias. Fondé en 1971 par le galeriste new-yorkais Howard Wise, dont la galerie éponyme de la 57ème rue fut à une époque l?épicentre de l?art cinétique et des travaux multimédias, l?EAI avait pour objectif d?affirmer le rôle de la vidéo comme moyen de communication et d?expression artistique. En 36 ans d?existence, l?EAI a soutenu inconditionnellement les artistes et leur travaux, jouant un rôle fondamental dans le développement de l?art vidéo, disséminant dans la monde plus de 3000 ?uvres réalisées par près de 175 artistes. Aujourd?hui, l?EAI se concentre sur la distribution et la préservation de sa phénoménale collection d??uvres. Une collection qui regroupe aussi bien des travaux historiques des pionniers de la vidéo que des ?uvres contemporaines d?artistes émergeants. Une collection, véritable mémoire des arts vidéos et nouveaux, disponible, et consultable en partie, sur le catalogue en-ligne de l?EAI (http://eai.org/). Mais, si l?EAI soutient les artistes, en mettant à leur disposition des outils digitaux et analogiques de montage, si l?EAI distribue et préserve son catalogue, l?EAI est avant tout un acteur culturel engagé, dans la promotion des arts nouveaux et dans leur vulgarisation. Elle met à disposition du public une salle de visionnage, où l?intégralité du catalogue est consultable. Elle organise des expositions et des programmes publics.

“Are you familiar with American poetry?” The question sounds like an accusation as posed by Hanns Eisler in a heavy German accent during his interrogation in 1947 by the House Committee on Un-American Activities. Simultaneously Veronika Eberhart's GARTEN SPRENGEN shows a man (performer: Ian F Svenonius) wandering down a virtually endless hotel corridor. Yet it is the elaborate blue, yellow and cream colored pattern of the hotel's carpet floor that sticks out. Its haptic quality becomes directly translated into imagery during a different montage sequence: a hand sensitively glides along a window ledge, another likewise touches the neck of a guitar, and a third caresses the armrest of a sofa. These images attempt to grasp the ghosts of an historical place, specifically the Biltmore Hotel in downtown Los Angeles. This previous site of the Academy Awards was also where Eisler's hearing at the beginning of the McCarthy era took place... more info: https://www.sixpackfilm.com/en/catalogue/2787/

Visual artist, filmmaker and musician, born 1982 in Bad Radkersburg. Studied sociology in Vienna and Copenhagen, visual arts at the Academy of Fine Arts Vienna and at the Friedl Kubelka School for independent film, Vienna. Various exhibitions and film festivals, most recently at Mackey Garage Top, MAK Center, Los Angeles (2020), Kunsthalle Vienna (2019), Kharkiv Municipal Gallery (2019), New Jörg, Vienna (2019), Kunsthalle Exnergasse, Vienna (2018), rotor Graz (2018), Bazament Art Space, Tirana (2018), A-GALLERY, Tokyo (2017)

Sept colombiens, victimes de la violence de leur pays, chantent des chansons, qu'ils ont composés eux-mêmes, en réponse à leurs expériences.

Juan Manuel Echavarría est né en Colombie en 1947. Il vit et travaille entre New York et Bogota. Après la publication de ses romans et de ses nouvelles, il arrête son activité d'écriture. La société colombienne étant dominée par la violence et le pouvoir toujours grandissant des cartels de la drogue, il est frustré par la désintégration de la vie colombienne et par l'isolation sociale nécessaire pour l'écriture. Il débute son travail photographique, en allant vers l'exploitation des possibilités métaphoriques de l'image photographique. L?art d?Echavarría vise à susciter une prise de conscience, à transcender la violence généralisée de la société colombienne. La question de la représentation de cette violence est le pivot autour duquel se construit son travail. Il confère une dignité aux victimes du conflit extrêmement violent de la guerre civile. Les conflits entre l'armée, la guérilla de gauche et les paramilitaires de droite peuvent être retracés depuis les années 50, et les cartels de la drogue depuis les années 80. Chaque cycle brutal successif transmet au pays une psychose nationale de violence, un état d'esprit dans lequel le carnage et la peur omniprésente sont des états naturels d'existence. Les belles images dérangeantes de Juan Manuel Echavarria évoquent l'effroi et les pertes humaines dans cette guerre sans fin, mais sans présenter de corps ensanglantés. Ces photographies récurrentes montrent des hommes et des femmes, des villages abandonnés, leurs objets mélancoliques. Des réinterprétations grotesques mais non horribles de dessins botaniques, une théâtralisation des rituels entourant la mort, qui sont particuliers à l'héritage colombien. (Calvin Reid) Son travail a été présenté à l'Irish Museum of Modern Art, Dublin, Irlande, au Centre Regional d?art Contemporain Languedoc-Roussillon, Sète, France, au Musée d'art Moderne de New York, à la 51ème Biennale de Venise, au Musée d'art moderne de Buenos Aires, à EMAF Ossnabruck en Allemagne, au musée d'art moderne de Bogota, à la Biennale de Kwangju en Corée, au musée Reina Sofia à Madrid, au festival du film d'Oberhausen.

"Pour commémorer l'indépendance de la Colombie de la Couronne espagnole, Simon Bolivar commanda un service de porcelaine portant l'inscription 'Republica de Colombia para siempre' (République de Colombie pour toujours). Bandeja de Bolivar est une série de photographies, et une vidéo, qui documentent la destruction d'une réplique de ce plat qui, dans l'image finale, révèle un tas de poudre blanche, facilement identifiable comme étant de la cocaïne. Ces 30 dernières années, la Colombie a souffert de violence alimentée par le trafic de cocaïne. Cette violence, qui semble n'avoir pas de fin, ravage aussi bien les villes que les campagnes, où la guérilla surveille les trafics et la production. Les profits de ce commerce illégal sont gigantesques, la guérilla est devenue extrêmement puissante, forçant le gouvernement colombien à lui garantir une extension de territoire pour entamer des discussions pour la paix. Dans ces territoires, le gouvernement est absent. Dans cette vidéo, je cherche à montrer ce qu'il est arrivé à l'idéal de Bolivar.

Juan Manuel Echavarría est né en Colombie en 1947. Il vit et travaille entre New York et Bogota. Après la publication de ses romans et de ses nouvelles, il arrête son activité d'écriture. La société colombienne étant dominée par la violence et le pouvoir toujours grandissant des cartels de la drogue, il est frustré par la désintégration de la vie colombienne et par l'isolation sociale nécessaire pour l'écriture. Il débute son travail photographique, en allant vers l'exploitation des possibilités métaphoriques de l'image photographique. L?art d?Echavarría vise à susciter une prise de conscience, à transcender la violence généralisée de la société colombienne. La question de la représentation de cette violence est le pivot autour duquel se construit son travail. Il confère une dignité aux victimes du conflit extrêmement violent de la guerre civile. Les conflits entre l'armée, la guérilla de gauche et les paramilitaires de droite peuvent être retracés depuis les années 50, et les cartels de la drogue depuis les années 80. Chaque cycle brutal successif transmet au pays une psychose nationale de violence, un état d'esprit dans lequel le carnage et la peur omniprésente sont des états naturels d'existence. Les belles images dérangeantes de Juan Manuel Echavarria évoquent l'effroi et les pertes humaines dans cette guerre sans fin, mais sans présenter de corps ensanglantés. Ces photographies récurrentes montrent des hommes et des femmes, des villages abandonnés, leurs objets mélancoliques. Des réinterprétations grotesques mais non horribles de dessins botaniques, une théâtralisation des rituels entourant la mort, qui sont particuliers à l'héritage colombien. (Calvin Reid) Son travail a été présenté à l'Irish Museum of Modern Art, Dublin, Irlande, au Centre Regional d?art Contemporain Languedoc-Roussillon, Sète, France, au Musée d'art Moderne de New York, à la 51ème Biennale de Venise, au Musée d'art moderne de Buenos Aires, à EMAF Ossnabruck en Allemagne, au musée d'art moderne de Bogota, à la Biennale de Kwangju en Corée, au musée Reina Sofia à Madrid, au festival du film d'Oberhausen.

Guerra y Pa met en scène deux perroquets pendant neuf minutes. Ils ont chacun appris à répéter le mot «Guerra» pour l?un et «Pa» pour l?autre. Installés sur un perchoir, ils se battent et se disputent, dans une parodie des politiciens et des guérilleros quand ils parlent publiquement de la question de la paix et de la guerre en Colombie.

Juan Manuel Echavarría est né en Colombie en 1947. Il vit et travaille entre New York et Bogota. Après la publication de ses romans et de ses nouvelles, il arrête son activité d'écriture. La société colombienne étant dominée par la violence et le pouvoir toujours grandissant des cartels de la drogue, il est frustré par la désintégration de la vie colombienne et par l'isolation sociale nécessaire pour l'écriture. Il débute son travail photographique, en allant vers l'exploitation des possibilités métaphoriques de l'image photographique. L?art d?Echavarría vise à susciter une prise de conscience, à transcender la violence généralisée de la société colombienne. La question de la représentation de cette violence est le pivot autour duquel se construit son travail. Il confère une dignité aux victimes du conflit extrêmement violent de la guerre civile. Les conflits entre l'armée, la guérilla de gauche et les paramilitaires de droite peuvent être retracés depuis les années 50, et les cartels de la drogue depuis les années 80. Chaque cycle brutal successif transmet au pays une psychose nationale de violence, un état d'esprit dans lequel le carnage et la peur omniprésente sont des états naturels d'existence. Les belles images dérangeantes de Juan Manuel Echavarria évoquent l'effroi et les pertes humaines dans cette guerre sans fin, mais sans présenter de corps ensanglantés. Ces photographies récurrentes montrent des hommes et des femmes, des villages abandonnés, leurs objets mélancoliques. Des réinterprétations grotesques mais non horribles de dessins botaniques, une théâtralisation des rituels entourant la mort, qui sont particuliers à l'héritage colombien. (Calvin Reid) Son travail a été présenté à l'Irish Museum of Modern Art, Dublin, Irlande, au Centre Regional d?art Contemporain Languedoc-Roussillon, Sète, France, au Musée d'art Moderne de New York, à la 51ème Biennale de Venise, au Musée d'art moderne de Buenos Aires, à EMAF Ossnabruck en Allemagne, au musée d'art moderne de Bogota, à la Biennale de Kwangju en Corée, au musée Reina Sofia à Madrid, au festival du film d'Oberhausen.

RÉQUIEM NN is a film about a ritual of resistance of the people of Puerto Berrío, Colombia ? people who have lived continuous cycles of violence for many decades. The recovery of bodies from the Magdalena River,their burial, the favors local townspeople ask of the souls of the NN (No Names), and the baptism of these unknown corpses is a collective ritual that has taken place for over 30 years.

JUAN MANUEL ECHAVARRÍA was born in Medellín in 1947. He wrote two books, "La Gran Catarata" (1981) and "Moros en la Costa" (1991), before turning to photography in 1996 when he began to investigate the violence in Colombia through art. His photographs have been exhibited in different museums in Colombia and in towns like Mampuján (Bolívar) and Puerto Berrío (Antioquia). Internationally he has shown his work in many different places such as the Biennale of Sydney, Australia (2012); the Venice Biennale, Italy (2005); the Mois de la Photo, Montreal, Canada (2011); Kumu Art Museum in Tallinn, Estonia (2011); Museum of North Dakota, Grand Forks, USA (2005); among others. "La Bandeja de Bolívar: 1999? was his first video; then "Guerra y Pa" (2001) and "Bocas de Ceniza" in 2003. His videos have been featured in the Robert Flaherty Film Seminar, USA (2009), the Musée du Jeu de Pomme, Paris (2006); MOMA, New York, USA (2005) and many more. From 2006 to 2012 he worked on "Novenarios en espera", showing the transformation through time of the NN tombs of Puerto Berrío. "Réquiem NN" (2013) is his first film.

Juan Manuel Echavarría parle de la guerre qui échappe au regard, dans les territoires reculés de Colombie. Les lieux, vides de toute présence humaine, évoquent l’histoire violente du pays et l’impératif de nouveaux possibles. Jussie Nsana Banimba interroge la mémoire des murs de Brazzaville, qui deviennent des espaces témoins, entre le passé et le présent. Dominik Ritszel place le son comme protagoniste principal de son film, dans une ville devenue laboratoire de perception où la civilisation est en suspens. Hans Op de Beeck crée un film d’animation à partir de ses aquarelles, introduisant un degré de fiction supplémentaire dans ce qui n’est jamais la reproduction d’une réalité. Mike Hoolboom reprend les images filmées en 1967 par Jeffrey Paull, dans un hôpital psychiatrique. Cinquante ans plus tard, il interroge Donna Washington, autiste et pensionnaire de cet hôpital à l’époque, qui raconte sa propre histoire à partir des images du film.

Juan Manuel Echavarría was born in Medellín, Colombia in 1947. He resides in Bogotá. A writer before becoming an artist, he published two novels, La gran catarata (Bogotá: Editorial Arco, 1981) and Moros en la costa (Bogotá: Ancora Editores, 1991). As of 2015 Echavarría has presented over thirty solo exhibitions and participated in well over a hundred group exhibitions, screenings and film festivals. His first solo gallery exhibition was in New York in 1998. Since then, his work has been shown at the Venice Biennale, the Korean Kwangju Biennial, Daros Latin America, Zurich, the Kiasma Museum of Contemporary Art in Helsinki, Finland at the Irish Museum of Modern Art in Dublin. As well as, El Museo del Barrio, New York, at the Musée du Quai Branly and the Cartier Foundation in Paris, France and at Sammlung Goetz at Haus der Kunst in Munich, Germany. His first solo museum exhibition in the U.S, Mouths of Ash, was organized by the North Dakota Museum of Art in 2005 and traveled to the Weatherspoon Museum of Art in 2006 and the Santa Fe Art Institute in 2007 – 2008. He’s had two very important shows in Colombia at the Ciudadela Educativa y Cultural América in Puerto Berrío as well as the Museo La Tertulia in Cali. In 2011 his works were shown in Tallinn, Stonia for the 15th Tallinn Print Triennial, in Tel Aviv, Israel at the Center for Contemporary Art, at the Museo de Antioquia in Medellín, Colombia and at the Museum of Latin American Art in Long Beach, California. In the next part of the year, his work was shown at the Bienal Do Mercosul in Porto Alegre, Brazil, Le Mois de la Photo à Montreal in Canada and at the Centre for Contemporary Culture Strozzina in Florence, Itlay. In 2012, he was invited to the Sidney Biennale All Our Relations to show Silencios and Requiem NN. In 2015 he will show his work at the Musée d’Aquitaine in Bordeaux and at the Université Catholique de Lovain in Belgium. His videos have been screened at many festivals and exhibitions throughout the world such as Colombia, the United States, Canada, Israel, England, France, Spain, Hungary, South Korea, Colombia, Argentina, Brazil, Mexico, Australia, Germany and Afghanistan. In 2013 he showed Réquiem NN, his first feature length film, a world premiere at the Festival Internacional de Cine de Cartagena followed by the North American premiere at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York City.

L'AVAM, Artistes Visuels Associés de Madrid, est une association professionnelle qui représente les artistes qui résident dans la Communauté de Madrid et qui agit comme représentant et interlocuteur des artistes visuels devant les administrations locales et autonomes. Elle s'occupe de défendre des artistes et leurs oeuvres et travaille à l'obtention d'un meilleur soutien de la création, de la formation et de la diffusion des arts visuels. L'AVAM fait partie du Conseil de la Culture de la Communauté de Madrid et est membre de l'UAAV, Union d'Associations d'Artistes Visuels, la fédération qui regroupe les associations professionnelles des diverses communautés autonomes, et qui actuellement compte environs 3.500 partenaires. L'AVAM fait également partie (à travers l'UAAV) de l'EVAN, European Visual Artists Network. Le fonctionnement de l'AVAM est démocratique et se structure autour de deux organismes, l'Assemblée Générale de partenaires et l'Assemblée Directive, constituée actuellement de 19 membres, et déléguée par l'Assemblée dans les tâches de direction, administration et représentation de l'association

Ricardo Echavarría a étudié les beaux arts, la musique et architecture à la Faculté d'Art de Cuenca, au Conservatoire Professionnel de Musique de Cuenca et à l'Université Menéndez Pelayo. Son oeuvre a été largement exposée, lors d'expositions individuelles et collectives, dans divers lieux d'Espagne et d'Europe. Parmi les expositions individuelles on peut noter : Abraham. Espace Contemporain Archives de Tolède (ECAT) (Tolède, mars 2005) ; Galerie Grand Forvm-Chantall (Tarragone, décembre 2004) ; Galerie Bs-Blanca Bosquet (Madrid, novembre 2004). Parmis les expositions collectives, on peut mentionner : Art Navas 2006 - août - Navas de le Marquez (Avila) ; Transvasements, Artistes espagnols en Vidéo, (le Pérou, l'Argentine et le Mexique août- novembre 2000) ; Germinations X - (Athènes, Grèce octobre 1998, Flandres, Belgique. Mai, 1999) ; Los Angeles Center for Photograpic Studies (Los Angeles USA, 1994). L'oeuvre d'Echevarría a été récompensée par divers prix et bourses.

Supervivencias (Survivals) is a multichannel video installation that merges from an investigation I made of political distances in our Colombian territory. I took multiple journeys through the country, in order to hear the pulsating beats of a territory that has experienced the conflict, controversies and discords for many years; in order to sense how a land gets scorched while being traced by boundaries as well as crossroads, and how that stories, histories get calcined. This piece– executed on the basis of their own rhythm, forces and times – betoken vital ferments, trepidations and a foreboding darkness. Sol Astrid Giraldo a Colombian art critic wrote about Supervivencias " The land cannot be tranquil in the wake of sacrifices: It is a restless land, plowed by presences as much as it is by absences, limited not only by physical boundaries of blood and fire but by invisible ones as well, of added terrors and secrets. Such is the land of war, which won´t fit in with pacifier narratives. How can it be named then? How can it be made visible?".In Supervivencias a house emerges with its atavistic symbolism in full display: doors opening and closing, corridors leading who knows where inscrutable nooks and corners. Then, finally, an invasion of ghostly, overflowing presences, The ancestral house, the sheltering one, the dwelling and the refuge is now ridden with porosities that cannot curb the exterior pressure.” www.clemenciaecheverri.com

BIO Clemencia Echeverri lives and works in Bogotá. She got her BA in Fine Arts in Colombia and Masters degree in Fine Arts at Chelsea College of Arts, London. She has worked as an arts professor in Colombia. Having dedicated herself to sculpture and painting until the mid-nineties, Clemencia started to work on installation, video, sound and interactive works inspired by the political and social problems that have marked her time. At the moment she is preparing Nóctulo, for Nce–Arte in Bogotá (2015). Relevant and recent works: Treno/ Waterweavers curated by José Roca, at Bard Graduate Center New York.(2014) Sacrificio at the I International Bienal de Arte in Cartagena, and at 43 Salon (inter Nacional de Artistas)Curated by Gabriela Rangel, Medellin (2013-2014). Supervivencias at Alonso Garcés Gallery and Versión Libre (nominatedin the VI Luis Caballero award (2011) The Liverpool Biennial (2010)No longer empty sound project. CENART Mexico (2011) Cosmovideografías Latinoamericanas. A solo site specific show at Museo Nacional de Colombia. Biennal de la Habana (2000), Bienal de Bogotá 1998. Treno at Daros-Latinamerica Museum, Zurich (2009); Don’t Stare at the sun in Poland; Galeria GAK Bremen. Electronic arts festivals such as ISEA in Helsinki-Stockholm and Tallin; Artes Electrónicas Banquete in Madrid; Ars Electronica in Austria; international fellowships such as those given by Yadoo, arts residency in New York, The Arts Council, London; Canada’s Daniel Langlois Foundation; and the Bienal de las Artes award in Colombia. Collections; Daros–Latinamerica National Bank in Colombia, Los Angeles (MOLAA); the Museo MEIAC, Spain; the Essex Latin American Collection,England, as well as by a number of private collectors. www.clemenciaecheverri.com

The Virtual Reality soundwalk Toter Winkel by media artist Leon Eckard (idea and implementation) and architect and sound artist Nathalie Brum (architecture) plays with spatial and acoustic paradoxes that reveal our – often deceptive – perception. The space and sound of the soundwalk are inspired by Dutch graphic artist M. C. Escher, English mathematician and theoretical physicist Roger Penrose and American cognitive scientist Roger Shepard. Its an ever ongoing cycle, which gives the illusion of a continuous tunnel, whereby the reflection about it reveals its paradox nature. The audiences for this VR work can move interactively through the virtual space and see whether they discover the blind spot. Deceptive perceptions can be found everywhere in human perception, and so Leon Eckard argues in his project that we should constantly question our own blind spot.

Leon Eckard (*1995 in Neuss) ist ein deutscher Medienkünstler, Komponist und Musiker. Bereits mit sechs Jahren fing er an Gitarre zu spielen, was er schließlich im Hauptfach Jazz-Gitarre seines Studiums „Musik und Medien“ am Institut für Musik und Medien der Robert-Schumann Hochschule Düsseldorf vertiefte. Während seines Studiums von 2015 – 2021 fokussierte er sich zunehmend auf die Bereiche Visual Music, geleitet von Prof. Dr. Heike Sperling und Musikinformatik, geleitet von Prof. Julian Rohrhuber. Von 2019 bis 2020 verbrachte er ein Auslandssemester an der „Universidad de Barcelona“, wo er in den Bereichen Design und Medienkunst studierte und unter Anderem die Arbeit „Mise En Abyme“ entwickelte, die bereits in mehreren Ausstellungen zu sehen war. So zum Beispiel im Rahmen der Ausstellung „Mind over Matter“ in „technische Sammlungen Dresden“ im Frühjahr 2021. 2019 war er außerdem Teil des Residenzprogramms “Labor der Künste” in Montepulciano, Italien, wo er die Künstler*innen Francesco Marzano und Yoana Tuzharova kennenlernte. Mit diesen entwickelte er unter anderem das Projekt „Metamorphosen – Topology of the Captial“, was im Sommer und Herbst 2021 in verschiedenen Orten zu sehen war, wie dem Kunstmuseum Temporär in Mülheim an der Ruhr. Sein künstlerisches Feld hat Leon Eckard zwischen installativer und generativer Kunst sowie Musik und Klang aufgespannt. In seinen neusten Arbeiten beschäftigt er sich mit seiner unmittelbaren Umgebung, deren Klang und ihrer Beziehung zum Menschen. Dabei spielt die Frage nach subjektiver und objektiver Realität stets eine Rolle.

Ghosts is a short documentary film, in which ghosts, both real and imagined, haunt the lives of a rural community, in their small town in post-apartheid South Africa.

Teboho Edkins (*1980 in Tennessee, USA) grew up in Southern Africa and lives and works in Cape Town and Berlin. He studied photography and fine art at the Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town, South Africa and film at Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains in Tourcoing, France. This was followed by a degree in directing at the Deutsche Film und Fernseh-akademie in Berlin (dffb). Teboho Edkins’s films have shown at many festivals, group and solo exhibitions, including at the Centre Pompidou, Paris; Tate Modern, London; South London Gallery; Haus der Kulturen der Welt, Berlin; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt; Berlinische Galerie, Berlin; Weserburg-Museum für Moderne Kunst, Bremen; Museum of Modern Art, New York City. Some of the over 500 film festivals his films have screened at include the International Film Festival Berlin (Berlinale); International Short Film Festival, Oberhausen; and International Film Festival (IFFR), Rotterdam. His films have also been acquired by several public and private art collections including the Goetz Collection in Munich, von Kelternborn Collection in Frankfurt and the Collection KAI 10 | Arthena Foundation in Düsseldorf.

High in the mountains of Lesotho, Mosaku is anxiously awaiting the return of his older brother from an initiation ceremony. The initiates spend 5 months in a remote secrete location. When the boys return, they are grown men.

Teboho Edkins was born in the USA in 1980 and grew up in Lesotho, South Africa and also in Germany. He studied Fine Art at the University of Cape Town, followed by a 2-year post-graduate residency at le Fresnoy, studio national des arts contemporains in France and then a post-graduate film directing program at the dffb film academy in Berlin. His films show at film festivals, television, museums, win awards and have been acquired by private art collections. He currently lives between Berlin and Cape Town.

In Cape Town, South Africa, one of the world`s most violent and unequal societies, a young white film student sets out with his cameraman, leaving the comfort of his protected neighbourhood. He wants to make a Gangster Film, with real gangsters. After a lengthy search for a suitably `cinematic` character, he finds the perfect gang and settles into their everyday rhythm. The reality soon catches up and the claustrophobic gangster life doesn?t exactly fit to the expectations. 20 year after the first democratic election, South Africa remains a deeply divided society, one in which dialogue and understanding seem impossible, out of reach. It is a film between fiction and reality, where real truths are revealed and fiction stops being fiction, and when it stops mattering.

Teboho Edkins was born in the USA in 1980 and grew up mainly in Lesotho, but also Germany, South Africa, France and now lives in Berlin. He studied Fine Art at the University of Cape Town, followed by a 2-year post-graduate residency at le Fresnoy, studio national des arts contemporains in France and then a post-graduate film directing programme at the dffb film academy in Berlin. His films have been screened in over 100 festivals and galleries worldwide.

Une campagne Internet contribue à la libération d'un candidat à la présidentielle, emprisonné pour avoir parlé ouvertement de l'absence de démocratie. Oscillant entre une Kinshasa militarisée et Second Life (un chat virtuel tridimensionnel), le film examine le pouvoir subversif d'Internet pour la démocratie, tout en faisant un portrait inquiétant d'une capitale africaine.

Teboho Edkins est né aux Etats-Unis en 1980, et a grandi au Lesotho, en Allemagne et en Afrique du Sud. Il vit aujourd?hui à Berlin (Allemagne). Il a fait les Beaux-Arts de Cape Town et a été deux ans en résidence au Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains, en France. Il suit actuellement le troisième cycle du programme de l?Académie du Film DFFB de Berlin. Il a reçu de nombreux prix et bourses.

J?ai passé deux mois avec Jackals et ses amis dans un ghetto au cap, Afrique de sud. J?avais toujours eu l?envie de faire un film de gangster (comme un clip de MTV gangster rap mais réel). Plein d?attente, j'ai loué une grande bagnole, organisé un casting à Paris pour trouver une danseuse bien sexy. En effet, il me semble que ce qui fait un gangster c?est le contexte de la violence et de la pauvreté et mon film est devenu assez violent et bien que je filme une réalité ce n?est pas un documentaire.

Teboho Edkins est né aux Etats-Unis et a grandi au Lesotho, en Allemagne et en Afrique du Sud. Il est actuellement étudiant au Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains, en France. Il a réalisé quatre films, "Ask me I am positive", "Looking Good", "True Love" et ce qu'il appelle son "First Gangster Project". Il travaille actuellement sur un autre film de gangsters au Cap et partira à Berlin en septembre.

Gangster Backstage is a documentary film with gangsters in Cape Town, South Africa. As the film moves between a casting interview and scenes in an empty theatre, the sense of confinement within the space increases and becomes a feeling of being trapped, a square, boundaries, a sort of purgatory, the tempo of cigarettes, not knowing where the soul goes, fear, caught in one's thoughts, wanting to break free but can't… a cell.

Teboho Edkins was born in the USA in 1980 and grew up mainly in Lesotho, South Africa but also in Germany. He studied Fine Art at the University of Cape Town, followed by a 2-year post-graduate residency at le Fresnoy, studio national des arts contemporains in France and then a post-graduate film directing programme at the dffb film academy in Berlin.

During the darkest hours of the night a small disco light appears and shines lights to empty business premises. A minimalistic musical.

Jussi Eerola has worked as a cinematographer on many internationally awarded films since 1992. His directional debut was a documentary about electro-hypersensitive people titled Refugees of Technocracy (2009). The Return of the Atom directed together with Mika Taanila premiered at TIFF 2015 and won the NORDIC:DOX Award at CPH:DOX in 2015. Eerola’s first minimalistic short film Blue Honda Civic premiered at IFFR in 2020 and continued to many international festivals receiving three awards. Eerola is a founding member of the production company Testifilmi Oy started 2014 together with Mika Taanila and visual artist duo IC-98 (Patrik Söderlund and Visa Suonpää). Testifilmi emphasizes the vast potential of cinematic possibilities over standard formats and storytelling.

The romantic landscape paintings often portrayed weather condition, topography of national landscape, religious themes, spirituality of nature and hunting scenes. Obsidian Blue Pearl is a minimalistic road movie mirroring the emotions of the driver through the landscapes (s)he has chosen to look at.

Jussi Eerola (b.1969) has worked as a cinematographer on many internationally rewarded short films, documentaries and tv-features since 1992. He has collaborated with many visual artist’s e.g. Eija-Liisa Ahtila, Mika Taanila, IC-98, Elena Näsänen and Anu Pennanen. His directional debut was a documentary about electro-hypersensitive people titled Refugees of Technocracy (2009). Documentary film The Return of the Atom written & directed together with Mika Taanila premiered at Toronto IFF 2015 and was given the NORDIC:DOX award at CPH:DOX in 2015. In 2014 he started a production company Testifilmi Oy together with Mika Taanila and visual artist duo IC-98 (Patrik Söderlund and Visa Suonpää) and has produced several of company's films. Eerola's first short film Blue Honda Civic (2020) premiered at IFF Rotterdam and was awarded three times at international film festivals.

Places of Articulation: Five Obstructions takes the spectator on a journey across borders, from Northern Ireland to Tibet, passing through Germany, Albania and Flanders. However, it explores a more deeply engraved border, the invisible border of our oral cavity, which marks and defines the sounds we can emit and the words we can pronounce. Since biblical times and up till nowadays asylum procedures, this border is exploited to discriminate and divide. Moving between territories – sonic, anatomical and political ones – this installation examines how voice and pronunciation are used as identifiers, eventually become mobile checkpoints, determining fates and sometimes costing lives. Employing different imaging methods and visualisations, it renders these checkpoints visible, while questioning the limits of identification and revealing blurred lines or zones of ambiguity that defy binary categorisation.

Effi & Amir, nés et grandis en Israël, travaillent en duo depuis 1999 et vivent à Bruxelles depuis 2005. Ils ont étudié les beaux-arts à l'Académie Bezalel de Jérusalem et au Sandberg Institut d'Amsterdam et ont appris eux-mêmes, bien plus tard, comment faire des films. Leur travail, qui utilise les médias audiovisuels, la performance et les stratégies participatives, se situe à la frontière floue entre le documentaire et la fiction, et traite des mécanismes de construction - de l'identité, de l'appartenance au groupe, de l'histoire et de l'œuvre elle-même. Le travail d'Effi & Amir a récemment été primé dans des festivals de films documentaires (docAviv, IndieLisboa, En ville !, festival Jean rouch) et ils sont les lauréats du Prix de parcours documentaire audoiovisuel 2022 de la Scam.

WHEN ONE DOOR OPENS se déploie comme une exploration des dynamiques complexes entre autorat, représentation et histoire. S’inspirant des méthodologies décisives d’Arthur Jafa et des esthétiques évocatrices de Christian Marclay, le film s’écarte des cadres conventionnels du cinéma dominant pour plonger au cœur d’un riche tissu de found footage, exhumant et réappropriant les récits enfouis au sein des race films, principalement issus de la période qui suit immédiatement l’ère pré-Code. À cet égard, l’œuvre se présente comme un contrepoint aux propositions parfois unidimensionnelles de Marclay. À travers une narration en apparence sinueuse, WHEN ONE DOOR OPENS bouscule les notions conventionnelles d’identité et d’appartenance, invitant le spectateur à se confronter aux complexités de la représentation historique. Chaque image devient un passage vers une époque révolue, où les personnages évoluent dans des espaces architecturaux à la fois littéraux et métaphoriques. L’exploration du mouvement au sein de ces espaces résonne d’une forte charge symbolique, révélant le pouvoir transformateur du cinéma. Au final, le film se dresse comme un hommage à l’attrait durable du médium cinématographique et à ses espaces implicites, capables de saisir et de réinventer les multiples strates de l’expérience humaine.

EWA EFFIOM est un architecte, auteur et producteur belgo-nigérian basé à Londres. L’imaginaire visuel, le futurisme et la mythologie sont des thèmes récurrents dans son travail, avec une attention particulière portée à leur relation avec l’espace. Il a fait partie de la deuxième promotion du programme New Architecture Writers de l’Architecture Foundation, qui s’est conclu par un programme public salué par la critique. Ses textes ont été publiés dans Architect’s Newspaper, Dwell, The AJ, ICON, Wallpaper, Frame, OnOffice, Architecture Aujourd’hui, The Modern House Magazine, A Daily Dose, Ex Libris, entre autres. Son essai Architecture, Buildings and Conservation in MAJA a été nommé dans la catégorie Meilleur article aux Estonian Architecture Awards 2022, un an après avoir obtenu la deuxième place au concours de commissariat de la Tallinn Architecture Biennale 2021 avec une proposition intitulée Adaptive Re-use. Son film Eagle Mansions a été présenté en première au Urban Film Festival de Perth en 2021, puis projeté à la Melbourne Design Week 2022. Il a ensuite obtenu la résidence How To au Centre canadien d’architecture, sous le titre How Not To Be A Developer. En 2022, son second film Beck Road a été présenté en première au festival Open City, avant d’être projeté à la 18? Biennale d’architecture de Venise. Il a été Fellow LINA en 2023 et a reçu la résidence Film Lab du musée MAXXI à Rome, où il a réalisé When One Door Opens, présenté au Demanio Marittimo–Km 278 puis dans l’exposition Restless Architecture commissariée par Diller Scofidio + Renfro au MAXXI. Il a également participé à la résidence Staging Ground de Theatrum Mundi, avec une exploration collaborative des transformations infrastructurelles de Paris après les Jeux olympiques. Il est ensuite revenu au réseau LINA pour prononcer le State of Architecture Address 2025, salué par la critique — un plaidoyer pour que la discipline architecturale retrouve la voie de l’imagination. Bien qu’il n’enseigne plus dans le programme MA in Architecture + Urbanism de la Manchester School of Architecture depuis 2022, il demeure critique invité à l’Estonian Institute of Technology et à la London Metropolitan University.

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Born 1970 Lives and works in Oslo In the project "Proportional, Integral, Derivative: Registration of an expanding perimeter around Kunstnernes Hus" I utilise the board´s room in Kunstnernes Hus as a base for drone flying inside and outside of Kunstnernes Hus. The structures and Neo Classicist ideals of the Royal Palace Park create a web programmed into the drone. The Functionalism in Kunstnernes Hus defines the framework of video based piloting.

With the installation ARCHIVAL GRID, Charlotte Eifler and Clarissa Thieme present a filmic analysis in three parts. The work explores the tools of evidence production, the legal impact of cartographic surveys and the social processing of collective traumata and war crimes, as well as the criticism of it by those affected. The source materials are videos from one of the most extensive publicly accessible archives on war crimes: the archive of the International Criminal Tribunal for the former Yugoslavia (ICTY). In 2001, the ICTY conducted site visits with witnesses in Sarajevo to prepare indictments related to the 1992–1996 siege of the city. The purpose of these site visits was the detailed reconstruction of war crimes, particularly the targeted shelling of civilians. Interviews with the local witnesses at the original sites were documented on video, combined with 360-degree photographs and geographical surveys. The first part of ARCHIVAL GRID combines the forensic materials gene- rated from the ICTY evidence documents with transcripts from the court proceedings and interviews conducted today with witnesses and former employees of the ICTY. These recordings of different surveying practices in the fictitious setting of a future archive architecture shape the cinematic discursive framework. This reflects close parallels of perspectives in the technologies of witnessing, evidence and testimony and juxtaposes them with the demands of the affected people for recognition of their suffering. In a second part, ARCHIVAL GRID analyses the historical backdrop of tools of inquiry and their database logic as well as their entanglements with governmentality and coloniality. Algorithms collect data from digital archives and constantly create, combine and re-organize existing and emerg- ing databases. Through historical surveying instruments, maps and globes from the Mathematisch-Physikalischer Salon in Dresden collected und used by the Electors of Saxony, Augustus (1526– 1586) and Augustus II the Strong (1670–1733), Eifler and Thieme reflect on the historic interplay between survey and data collection, its visual representations and absolutistic claims to power. A third part turns once again to the archival ICTY videos to reflect on the specific forms of image production. Juxtaposing the processes and practices of the ICTY film team and the artistic methods that were used in the production of ARCHIVAL GRID, Eifler und Thieme engage with their own positions as filming artists and their role in the interrelation with witnesses of the war.

Charlotte Eifler is an artist and filmmaker spanning performance, video, installation, XR, and sound. Her works address the politics of representation, abstraction, and computation, and are characterized by interdisciplinary forms of collaboration. Focusing on feminist approaches and elements of science fiction, she explores processes of image & history production and imaginations of alternative futures. Charlotte is co-founder and/or member of the networks Digital Critique Leipzig, G-Edit, cobratheater.cobra, FACES – gender,art,technology und feat.Fem. Since Nov 2020, she’s teaching in the department of Media Art/ Film at the Karlsruhe University of Arts and Design (HfG). Eifler’s works have been presented at ACM Siggraph Art, Los Angeles (US); Staatliche Kunsthalle Baden Baden (DE), Le printemps de Septembre, Toulouse (FR); Sapporo International Art Japan (JN); Haus der Kulturen der Welt, Berlin (DE); IMPAKT Utrecht (NL); Kurzfilmtage Oberhausen and RENCONTRES INTERNATIONAL Paris among others. Residencies and scholarships facilitated her research in Moskau (Rosa Luxemburg Foundation), New York (KdFs Foundation) and Mexico City (Institutio Nacional de Bellas Artes y Literatura). /// Clarissa Thieme works with film, performance, text, and installation, combining documentary and fictional methods to explore processes of memory and historical translation as well as their identity implications. For this purpose, Thieme often deals with subjective testimonies in the context of collective traumas and their reconstruction with technical and legal means to trace the fissures that open up between the languages of individual memory and their translation into processes of historical objectification. Her practice is research-oriented and takes a collaborative approach. In series, many of her works link together to form long-term studies that span several years. Since the early 2000s, various artistic projects have taken her to the post-Yugoslav space, where she has collaborated with various archival collections and initiatives.

Performance artist Jeroen Eisinga is seated at a small table in front of a wall, which is entirely covered by bees. The pulsating, squirming bee mass gradually covers the artist?s body and face as well. In this gruesome, yet beautifully filmed performance the artist balances on the border between life and death. A claustrophobic image of fearlessness and patience.

Jeroen Eisinga began to work in performance art and film in the early 1990s. He made a series of controversial films in which the idea of suffering and personal danger as artistic expression were central. In his first performance (40-44-PG, 1993) a Volkswagen Beetle without a driver, circles mechanically in circles around the blindfolded artist who walks in circles in the opposite direction. Eisinga`s work deals increasingly with death and transience.

The black-and-white 8mm film of the abandoned facilities of Turku County Prison (1835–2007), documents the layers of messages drawn, scratched and burned on the cell walls. The markings are passages to the shadow of an individual’s psyche, and expose an underbelly which a society simultaneously both generates and hides. The film becomes a codex of a collapsed civilization and evidence of a forbidden zone in the centre of the city. On top of the inmates’ messages, a second layer of graffiti by building squatters, trespassers and other participators has emerged, turning the walls into thickets of obscure visual information and indecipherable communication. The flow of images is punctuated by John Cage’s (1912–1992) composition “Perilous Night” (1964), described as a journey to the nocturnal side of the soul.

Saara Ekström works in film, photography, text and installation. Chronotopes where time and place densify, time that nurtures and erodes, the ambivalent desire to both remember and forget are at the core of her art. Ekström’s work has been shown extensively in various museums and festivals in Europe, the Americas and Asia. She received the Finnish media art prize AVEK-award in 2018 and the prizes of SW Finland in 2017, Finnish Art Society in 1995 and the Aboa prize in 1994. She has been the Helsinki Festival Artist in 2005 and was nominated for both Ars Fennica and Carnegie Art Award prizes in 2010.

Dans « 2 Avenue M », Hakima El Djoudi dépeint les scènes de conflits et de rupture très intenses et, apparemment très passionnées mais aussi très contrôlées et elliptiques, entre un homme et une femme de la haute bourgeoisie. Le développement de séquences dans un appartement luxueux sans éclairage artificiel, et le dialogue entre les deux personnages, intensifient la tension suffocante entre l?homme et la femme, et leurs conflits profonds, pris trop tard pour pouvoir revenir en arrière.

lives and works in Paris and Corsica