Catalogue > Liste par artiste

M+M steht für die künstlerische Zusammenarbeit von Marc Weis, geb. 1965, und Martin De Mattia, geb. 1963. Das deutsch-luxembourgische Künstlerduo überschreitet in seinen Arbeiten die klassischen Gattungsgrenzen zwischen Film und Rauminstallation. Sie erhielten u.a. den Villa Massimo Preis Rom, das Stipendium Villa Aurora L.A oder den ADC Award. Einzelausstellungen fanden in den letzten Jahren statt u.a. im Museum für Fotografie, Berlin, im MAMBo - Museo d’Arte Moderna, Bologna, im Casino - Forum d’art Contemporain, Luxembourg, in der Galerie im Taxispalais, Innsbruck oder im Musée d’Art Contemporain, Montreal/Canada. Zudem waren sie in zahlreichen Gruppenausstellungen vertreten: u.a. Museum Folkwang, Essen, Biennale Venedig, Emscherkunst, Kunstmuseum Bonn, Neue Galerie, Graz, Haus der Kunst, München, Hamburger Kunsthalle.

Das VR-Projekt Olympic Vertigo läßt uns in eine Parallelwelt eintauchen, welche der realen Situation im Münchener Olympiapark nachempfunden ist, diese aber musikalisch wie narrativ erweitert. Die Besucher:innen werden überrascht von einer eigentümlichen Atmosphäre und bizarren virtuellen Gästen, menschengroße Gottesanbeterinnen. Der User hat durch seine Bewegungen die Möglichkeit dieses belebte Panorama und dabei fünf musikalische Zeitphasen der letzten 5 Jahrzehnte ausgiebig zu erforschen. Olympic Vertigo trägt gleichermaßen Züge einer halluzinatorischen Erinnerung und einer Zukunftsvision. Innerhalb ihrer musikalischen Ebenen, aber auch in einer unerklärlichen Bedrohung schwingt die Geschichte des Olympiaparks mit. Dieser Ort ist durch Ausgelassenheit bei Sportereignissen und Konzerten geprägt, aber auch durch eine unterschwellige Angst vor einer Zäsur der Gewalt, wie sie sich durch das terroristische Attentat von 1972 in unser kollektives Gedächtnis eingeschrieben hat.

M+M steht für die film-künstlerische Zusammenarbeit von Marc Weis und Martin De Mattia seit 1994. Das Duo lebt und arbeitet in München, Deutschland. Der künstlerische Schwerpunkt von M+M liegt auf narrativen Mehrkanal-Filminstallationen, die durch die Aufhebung linearer Erzählung ein komplett neues Zeitgefühl entstehen lassen. Diese Installationen wurden in einer Vielzahl internationaler Ausstellungen gezeigt. Aktuell arbeiten die Künstler an einer Makro-3D-Trilogie, in denen die Protagonistinnen von Gottesanbeterinnen und Stabheuschrecken dargestellt werden. Teilweise stößt das deutsch-luxemburgische Duo auch kooperative Prozesse an und lädt KünstlerInnen ein, auf aktuelle Fragestellungen zu reagieren. So entstand mit dem kollektiven Filmprojekt „The Scorpion’s Sting“ eine Neuinterpretation des politisch motivierten Buñuel Films „L’Âge d’Or“ (1930).

Loitering Theatre uses customized ipad controlled drones to fly beyond the normal street view to access and film previously inaccessible and unseen views of Dublin city. Some of the most prevalent alternative vantage points on our streets are the security cameras, police helicopters, traffic camera monitoring systems and high-rise boardroom views controlled by governmental authorities and corporations. These different and unusual viewing points are rarely accessible to the individual citizen or in our control. Loitering Theatre focuses on the democratisation of surveillance that drone flight affords. It instigates a simple but radical change of the view that arises from the detachment of the vantage point from the physical apparatus of the body. Loitering Theatre tries to imagine a more playful and poetic form of urban surveillance that might instead serve to critique the city`s structures and established systems from on high. Along the way we look statues of forgotten statesmen in the eye; discover an old lady`s house behind hoardings - her own island of resistance to Dublin?s property developers; and, in a reversal of fortune, peer in the European Headquarters of the data gathering Google and Facebook HQ?s.

Loitering Theatre is a collaboration between visual artist Nina McGowan and filmmaker Caroline Campbell, both of whom live and work in Dublin city Nina McGowan is an Irish artist based in Dublin. She holds an MA in Visual Arts Practices from DLIADT (MAVIS) and a H/Dip in Landscape Architecture (UCD). Architectural humanities, design and the hunt for a ?condensed contemporary visual currency? inform her position. Caroline Campbell works as part of the collective of filmmakers associated with the Irish based Still Films. She holds post-graduate qualifications in Contemporary Art Theory (NCAD) and Film Theory (TCD). Her work has screened both in gallery installation and in film festivals internationally.

An unseen narrator tells his experience of wrongful imprisonment in an unnamed country and his random release. Based on a letter sent to Amnesty International, by the filmmaker’s father, and a surreal interview given about it. ‘Prison with Songbirds’ is a documentary and fiction hybrid in which dream-nightmare and digital-celluloid collide.

Ewan Macbeth (born 1992, UK) is a Scottish artist filmmaker based in Rotterdam. After studying Fine Art Photography at Glasgow School of Art he did an MA in Lens-Based Media at The Piet Zwart Institute. His work has been seen in International Film Festival Rotterdam, Ji.hlava International Documentary Film Festival, EYE Filmmusuem Amsterdam, EMAF Osnabrück, CCA Glasgow, RSA Edinburgh; amongst others. He is currently a member of Time Window collective and developing his first feature film.

A group of skaters take refuge in a shopping mall, making it their playground. As they spend time skating the empty hallways the stillness creeps in. It's a dead end.

Mário Macedo is graduated in 2010 in Sound and Image by the Portuguese Catholic University of Porto (UCP). In 2011 finished the film course at the European Film College in Denmark. Two of his short documentaries, ’Tio Rui’ (2011) and ‘Maria Sem Pecado’ (2016), premiered at DocLisboa Festival, having the latter won the National Grand Prix at FEST 2017 and consequentially shown at RTP, the Portuguese public television. Both films were also part of the New Visions of the Portuguese Cinema at the Portuguese Cinematheque in 2017. His first fiction short film ‘Terceiro Turno (Skin River)’ premiered in 2021 at Curtas Vila do Conde IFF in the National Competition and it won the award for Best Director. It also made its international premiere at Cairo Film Festival 2021. Has two new short films to release, 'Cul-de-sac' and 'Takvog Te Volim', co-productions between Croatia and Portugal. Right now, he's developing a new short film together with Dornaz Hajiha, part of Factory and will premiere at the Cannes Film Festival 2023. Also, he's preparing a feature film in Berlin, 'Purple Milkweed', together with Christian Tranberg, and finishing writing his first solo feature film 'The Robbery'. Will soon release his first photobook 'Running Away Into You' by the publisher Lebop. At the moment, he divides his time between Copenhagen, Zagreb, Berlin and Portugal. Vanja is a Croatian director with a BFA in Film and Television at Savannah College of Art and Design (USA). He directed several short films: Insomniac (2002, Cannes Film Festival/ Director's Fortnight), Wayking (2003), Carver is Dead (2012, Zagreb Film Festival) and Lora Wears Black (2019, Zagreb Film Festival). Vanja is experienced in directing TV commercials for leading brands such as T-Mobile, Vodafone, as well as for international clients such as Sony Asia Pacific. He participated in Berlinale Talent Campus and Sarajevo Talent Campus. He is developing his first feature film, Blok 62 (Ekran+, Connecting Cottbus).

Quote: "While I was watching you, exotic words drifted across the mirror of my mind as summer clouds drift across the sky". Unquote.

Sandro Aguilar (1974) studied film at the ESTC. In 1998 he founded the production company O Som e a Fúria. His films have won awards at festivals such as La Biennale di Venezia, Locarno FF, Gijón, Oberhausen,Vila do Conde, Indielisboa FF and shown in the most relevant festivals worldwide. Two times nominated for the EFA – Best european short film. Retrospectives of his work have been programmed at Rotterdam IFF, BAFICI, New York Film Festival, Arsenal-Berlin and Oberhausen FF.

The film was shot on location in Kilamba Kiaxi, a new underpopulated city outside Luanda, Angola built by Chinese construction company CITIC and financed by Hong Kong-based China International Fund. The film follows a young municipal worker who lives by night in the old city centre of Luanda and works by day as a groundskeeper at the new city of Kilamba Kiaxi far away.

Michael MacGarry is a multi-award winning visual artist and filmmaker, having exhibited internationally for ten years including TATE Modern, Guggenheim Bilbao, 19th VideoBrasil, 62nd Short Film Festival Oberhausen, International Film Festival Rotterdam and Les Rencontres Internationales. He holds an MFA from the University of the Witwatersrand (2004). MacGarry has been researching narratives and histories of socio-economics, politics, forms and objects within the context of contemporary Africa for over a decade. Frequently focused on marking key registers of modernism – MacGarry creates sculptures, films, installations and photographs which look at the contextual specifics of things and their place; how they are simultaneously distributed both as ideas and as objects in the world. His sculptural work is formed through processes of grafting and mutation, to produce fictional hybrids principally designed to question systemic paradigms: sovereign nationality; logics of making and meaning; power relations; notions of value, equity and progress as well as the relationship between industrial technology and African resources. In his filmmaking and photographic work these macro concerns often take the form of micro narratives, personal memory and subtle identity politics in spaces where contemporary life is in a state of invention and flux.

LOGLINE
A poetic re-imagining of Death in Venice, featuring a West African immigrant to Italy who embarks on a journey from the Alpine mountains to the seaside and ultimately, on a doomed voyage home. SYNOPSIS
The form of the film is one of a fable, that grafts Thomas Mann’s 1925 novella, Death in Venice, to the contemporary issue of African refugees and immigrants in Italy. The film takes Mann’s book as a nexus point and expands upon a number of themes inherent in it. In Sea of Ash, Mann’s character Tadzio is an immigrant to Italy from West Africa (Senegal) who has survived the treacherous and often fatal journey by sea. While the lead character of the original – von Aschenbach – is embodied in the unseen filmmaker himself. The narrative of the film follows Tadzio on a short journey from the remarkable Brion Cemetery at San Vito in the mountains of Northern Italy to the coastal area of the Venetian lagoon. On Lido Island he visits the famous Hotel dés Bains as featured in Luchino Visconti’s 1971 film version of Death in Venice. The film concludes on the dés Baines beach, with Tadzio embarking on a doomed attempt to return home.

Michael MacGarry is a visual artist and filmmaker based in Johannesburg, South Africa. He holds a Masters Degree in Fine Art from the University of the Witwatersrand. MacGarry is a fellow of the Gordon Institute of Performing and Creative Arts (GIPCA) at the University of Cape Town and recipient of the Standard Bank Young Artist Award 2010 (Visual Art). As a filmmaker he has written and directed five narrative short films, and five feature-length video artworks, and is a recipient of an El Ray Award - Excellence in Narrative Short Filmmaking, Barcelona Film Festival 2015 as well as a nominee for the Huysmans Young African Filmmaker Award 2015. As a visual artist Michael has exhibited internationally for more than ten years including TATE Modern, Guggenheim Bilbao, Kiasma Museum - and has published four monographs on his work.

"3 Months New York/Toronto" est la première oeuvre d'une série en cours qui utilise l'information GPS (Global Positioning System). Durant trois mois passés à New York et à Toronto, Gwen MacGregor a enregistré tous ses déplacements à l'aide d'un appareil GPS. On peut voir l'accumulation de trois mois de déplacements à New York (à gauche de l'écran) et à Toronto (à droite). Les lieux où l'artiste s'est rendue chaque jour font l'objet de dessins, puis ils s'effacent pour permettre en quelque sorte à chaque jour d'être considéré dans son unité avant de faire partie d'une accumulation. La strucure d'une telle accumulation, avec ses répétitions et ses changements au quotidien, est déterminée par les mouvements de l'artiste, eux-mêmes dictés par les rues des villes. Résultat de cette démarche, la vidéo condense trois mois d'activité à New York et à Toronto en trois minutes d'animation.

Gwen MacGregor, artiste établie à Toronto, évolue dans le domaine de la vidéo et de l'installation. Son travail reflète une observation précise du temps, dont l'écoulement fait naître de petits drames ou assombrit des situations familières. En 1998, son travail a été l'objet d'une exposition en solo à la Southern Alberta Art Gallery, puis en 2001 il a été présenté à travers la série 'Present Tense Project' à la Art Gallery of Ontario à Toronto. Gwen MacGregor a également pris part à de nombreuses expositions de groupe au Canada, à Mexico City, Londres, Prague, Venise, Shangai et Los Angeles. En 2003, elle a reçu le prix 'Friends of the Visual Arts' à Toronto, et l'année suivante, le prix 'Canada Council New York Studio'. Gwen MacGregor est représentée par Jessica Bradley Art et Projets à Toronto.

Dallas joue avec la nature éponyme de la série TV, diffuse dans de nombreux pays, qui st devenu un image pour le glamour et la corruption aux Etats-Unis, attirant et séduisant les publiques dans le jeu et le cliché de cette série infinie. Macrae déconstruit cette fantaisie en remixant les épisode de 1980. En synchronisant les gros titres des séquences, les images translucides sont superposées et mélangées en utilisant des techniques habituellement associées au DJ. Les évènements notoires sont référencés et les lignes délivrées dans un collage d?images, créant une qualité hantante de disjonction. C?est une culture qui fut à un moment familière et désorientante, Dallas apparaît comme la vision d?un rêve do?rdre différent, plus un cauchemar qu?une échappatoire.

Sheena Macrae est née dans les Caraïbes et elle excelle dans la compression, la vitesse et la nostalgie. Elle a commencé à étudier à Vancouver, au Canada où elle a été diplômée d?un BFA en film. Tout en continuant à faire des films, elle a travailler en post production pour des studios comme la Warner Bros, la 21th Century Fox, Disney et Cartoon Network. Elle a déménagé à Londres pour étudier à Goldsmith College, diplômée d?un master en beaux-arts en 2002. Elle a exposé et fait des discours dans toute l?Europe, l?Amérique du Nord, l?Australie et la Nouvelle Zélande. Cet été, ses films ont été montrés au Moscow International Film Festival et au Imaginaria Internazionale di Cinema Libero, Conversaro en Italie, où son ?uvre à emporté le Best Video Art Prize. Elle travaille pour le moment pour un des spectacles collectifs et solo à Londres, Amsterdam Helsinki et Brisbane.

En exploitant des techniques de films mainstream, ce travail constitue un paysage cinématographique qui induit un récit. Telle une série de plans sans fin, la séquence illumine richement l'éclat vert de tables de billard et des ombres noires et profondes, comme la surface saturée d?un verni. Les longs travellings hypnotisent la dérive entre les joueurs. Les scènes apparaissent comme des décors sur-articulés, qui correspondent en réalité au déroulement de la vie réelle, donnant une aisance inhabituellement naturaliste, mais convaincante, aux habitants de cette enceinte crépusculaire et à leur monde cinématographique hermétiquement clos.

Macrae a obtenu son Bechelor of Fine Arts à l?Emily Carr Institute en 1999 et son MA au Goldsmiths College en 2002. Elle a été exposée dans tout le monde, et a remporté des prix à une échelle internationale. Elle a récemment eu des expositions monographiques au Musée d?Art Contemporain du Val-de-Marne de Paris, au Center for Contemporary Photography de Melbourne et à la Fieldgate Gallery de Londres. Elle a été en résidence artistique à l'Université Monash de Melbourne. Elle travaille actuellement sur un projet de livre et présentera prochainement ses ?uvres au Festival Haip de Ljubljana et au Musée d'Art Moderne et Contemporain de Rijeka (Croatie).

Dans une zone reculée du nord de l’Espagne, le vent porte un nom : la Tramuntana. La Tramuntana prend ce qu’elle veut — vêtements, arbres, bateaux, et les habitants du paysage, qui vivent sous la menace constante d’être emportés par sa force. Ce film est un portrait lyrique de ce vent furieux, tissé à partir des récits transmis par les villageois.

Martí Madaula est un artiste et cinéaste basé à Madrid. Il est titulaire d’un diplôme en beaux-arts de l’Université de Barcelone, d’un Master of Visual Arts de la LUCA School of Arts de Gand (Belgique) et d’un Master of Fine Arts en film, vidéo, nouveaux médias et animation de la School of the Art Institute of Chicago. En 2019, il reçoit le Prix extraordinaire des Beaux-Arts de l’Université de Barcelone. En 2021, il obtient la prestigieuse bourse de la Fondation “la Caixa” pour poursuivre ses études aux États-Unis. Son dernier film, Tramuntana, a connu sa première mondiale au Museum of Modern Art (MoMA) de New York, dans le cadre de Doc Fortnight 2025, le festival international du film et des médias non fictionnels du MoMA. Son premier film, The Living Wardrobe, a été présenté en première mondiale dans la section Opening Scenes de Visions du Réel 2024, l’un des plus importants festivals internationaux de documentaire et de cinéma du réel. Madaula a participé à des résidences artistiques dans des institutions prestigieuses telles que le Centre Pompidou (Paris) ou la Haus der Kulturen der Welt (Berlin). Il a exposé son travail dans des expositions personnelles et collectives à l’international.

Inspirée et adaptée de la nouvelle de Marguerite Duras "La maladie de la mort" examine le parcours d?un homme dans sa quête d?amour. Il trouve une femme, dans un hôtel, dans une rue, dans un bar, dans un train. Elle viendrait avec lui. Peut-être pour plusieurs jours, peut être pour plusieurs semaines. Elle serait jeune et belle. Elle pourrait être n?importe quelle femme. Et ce sera elle qui découvrira qu?il est atteint d'une maladie incurable, cette maladie que l?on nomme la mort.

ASA MADER, (USA 1975) fut diplômé de la Brown University, où il a crée un diplôme indépendant d?études des Médias Visuels et Numériques. En 1997, il co-fonde un studio de design spécialisé dans les médias interactifs et numériques. Depuis 2002, Mader, a travaillé indépendamment comme réalisateur, partageant son temps entre New York et Paris. L?un de ses premiers films fut primé au Roberta Joslin Award for Excellence in Art. En septembre 2004, Mader a dirigé Anna Mouglalis dans ses débuts comme metteuse en scène au théâtre : "Héroïne" et Marguerite Youcenar ("Feux"). Programmé à l'ouverture du Festival d'Ortigia, à Siracuse dans le Castello Maniace, la performance se compose d'un film original et d'une vidéo de Mader avec une musique originale d?Emmanuel Deruty. La mise en scène et la lumière ont été pensé par A.J. Weissbard. En 2005, Mader a dirigé un docu-fiction de 52 minutes pour la télévision française ??Little Italy : Wiseguys, Bullets, Backrooms" sur la mythique disparition du voisinnage à New York, ce qui lui a donné l'occasion d'effectuer une seconde commande pour Paris Première, sur le voisinnage de Pigalle. ?La maladie de la mort? (2003) était le premier film présenté au Venice Film Festival . Mader prépare en ce moment son premier long métrage qui doit être tourné en 2006.

Shot in an arid landscape of extremes on the outskirts of Cairo, My Father Looks For An Honest City is a film about cynicism and a persistent search for a seemingly essential unknown. In a reenactment of Diogenes of Sinope?s philosophical statement of carrying a lamp in daytime, Magdy filmed his own father while walking through what seems like a no man?s land where human existence seems seldom, other players like petrified wood, doves, fake palm trees, stray dogs, abandoned glass buildings and a flashlight evolve as protagonists. Diogenese, a contemporary of Plato, was one of the founders of the Philosophy of Cynicism. Although considered by many as one of the greatest Greek philosophers, none of his writings were found. Only his philosophical stunt of carrying a lamp in daylight remains as evidence to his beliefs. When asked why he did that, he explained that ?he was looking for an honest man?.

Born in Assiut, Egypt in 1977, currently lives and works in Basel and Cairo. Magdy works with different media including drawing, painting, film, video, animation, installation, sculpture, sound and printed matter to investigate the broad space between fiction and reality in the construction, distribution and assimilation of media-based knowledge and global culture. His work appeared recently in solo and group shows at Kunsthalle Wien, Vienna, Kunsthaus Baselland, Basel; Newman Popiashvili Gallery, New York; Argos Art Center, Brussels; Beirut Art Center, Beirut, Lebanon; Museum of Contemporary Art (MASS MoCa), North Adams; Institut Mathildenhöhe, Darmstadt; 1st D-O ARK Underground Biennial, Konjic/Sarajevo; 2nd Ateliers de Rennes Biennale d?art contemporain, Rennes; Neue Kunst Halle St. Gallen, St. Gallen; DEPO, Istanbul, MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León; MARCO - Museo de Arte Contemporáneo, Vigo, Spain; ACAF ? Alexandria Contemporary Arts Forum, Alexandria; Zendai Museum of Modern Art, Shanghai; SAW Gallery, Ottawa; Le Fresnoy, Tourcoing; Sala Rekalde, Bilbao; Townhouse Gallery, Cairo and Art in General, New York among others.

In his famous text titled "On Late Style: Music and Literature Against the Grain", Palestinian writer Edward Saïd explores how the late style of certain composers, writers and artists constitutes a space of creative freedom unmoored from the conventions of their epoch that opens onto new horizons of artistic expression. Inspired by these thoughts, “Late Gestures” is a journey through scenes taken from the later, often neglected films of a number of great filmmakers that in their prophetic untimeliness look towards new possibilities for cinema and the moving image. Silvia Maglioni and Graeme Thomson invite us to explore the hauntology of images through a shape-shifting montage of these “late cinematographic gestures”.

Silvia Maglioni & Graeme Thomson are filmmakers and artists whose works explore the porous borders between fiction and documentary, the visible and the invisible, cinema and installation, theory and practice. Their production includes the creation of films (both features and shorts), mixed-media installations, sound works, performances, radio shows, vernacular technologies and books. The artists often make use of cinema to reactivate lost, forgotten, silenced or neglected archives and histories and to create new modes of collective vision and engagement with contemporary thought and politics. In constant dialogue with literature, philosophy, music, science and the history of cinema their projects are research-based, process-oriented and trans-disciplinary. Their work has been presented at film festivals, in museums and independent art spaces worldwide.

Deux Athéniens décident de fuir leur ville pour échapper à la dette. Guidés par de mystérieux appels de corbeaux, ils parcourent la ville, avant d’atteindre une zone de passage, où ils sont entraînés dans une forêt ancestrale: le Royaume des Oiseaux. Ils y rencontrent la Hoopoe, mi-oiseau mi-femme, qui devient leur traductrice. Au milieu des forces magiques de la forêt, les oiseaux vivent en partageant leurs ressources. La rencontre entre humains, oiseaux et forêt sera une révélation pour tout le monde. Plus de 2500 ans après la création de l’original, "Common Birds" est une adaptation expérimentale des "Oiseaux" d’Aristophane. Entre une Athènes contemporaine marquée par la crise et ce qu’il reste de la forêt primaire de La Gomera, entre grec ancien et Silbo (langue sifflée en voie de disparition, qui fait partie d'une longue tradition de résistance), une histoire de fuite, de perte et de réenchantement, dans un espace végétal époustouflant, où de nouvelles alliances inter-espèces peuvent émerger.

Silvia Maglioni et Graeme Thomson sont réalisateurs et artistes. Leur travail explore les frontières poreuses entre fiction et documentaire, cinéma et arts visuels. Leurs œuvres ont été projetées à l’international dans des festivals, notamment au FID-Marseille (France); au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas); à la Anthology Film Archives, New York (USA); aux Rencontres internationales Paris-Berlin (France/Allemagne); au Thessaloniki International Film Festival, Thessalonique (Grèce); à la Berlin Critics Week (Allemagne); au BAFICI – Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independente (Argentine); au Ji.hlava International Documentary Film Festival, Jihlava (République tchèque); au Festival Hors-Pistes, Paris (France); et à Docs Kingdom, Lisbonne (Portugal).

"Underwritten by Shadows Still" is a film composed of subtitled photograms drawn from a wide range of films and accompanied by an electronic soundtrack containing sound samples that originate from spaces between voices. As the succession of subtitled stills passes before our eyes, a soundless voice begins to speak through the words printed on the images, forming a discourse that links them together, while gathering the characters into a dispersed community of ghostly apparitions. The narrative that traverses them soon begins to bifurcate into other lines, other voices which are no more than underwritten shadows yet which speak to us and to each other of their imprisonment, their desire to live, their dreams of escape. 

: Graeme Thomson & Silvia Maglioni are filmmakers and artists based in Paris. Their practice interrogates potential forms and fictions emerging from the ruins of the moving image and includes the creation of short and feature films, exhibitions, sound works, film-performances, radio shows, vernacular technologies and books. Their work often makes use of cinema in expanded form to reactivate lost or forgotten archives and histories and to create new modes of collective vision and engagement with contemporary thought and politics. Their work has been presented, screened and installed worldwide at international film festivals, museums, art spaces and alternative venues (including FID-Marseille, Bafici International Film Festival, Jihlava Film Festival, Festival Hors-Pistes, Doc`s Kinkdom, Il Vento del Cinema, Anthology Film Archives, European Media Art Festival, Eye Film Museum, Tate Britain, Serralves Museum, Centre Pompidou, MACBA, REDCAT, Ludwig Museum, The Showroom, KHOJ New Delhi, Museu de Arte Moderna de Bahia, Castello di Rivoli, Institute of Modern Art Brisbane, Whitechapel Gallery, Van Abbe Museum, CA2M). They are currently working on a new film, “Common Birds”.

In his famous text titled "On Late Style: Music and Literature Against the Grain", Palestinian writer Edward Saïd explores how the late style of certain composers, writers and artists constitutes a space of creative freedom unmoored from the conventions of their epoch that opens onto new horizons of artistic expression. Inspired by these thoughts, “Late Gestures” is a journey through scenes taken from the later, often neglected films of a number of great filmmakers that in their prophetic untimeliness look towards new possibilities for cinema and the moving image. Silvia Maglioni and Graeme Thomson invite us to explore the hauntology of images through a shape-shifting montage of these “late cinematographic gestures”.

Silvia Maglioni & Graeme Thomson are filmmakers and artists whose works explore the porous borders between fiction and documentary, the visible and the invisible, cinema and installation, theory and practice. Their production includes the creation of films (both features and shorts), mixed-media installations, sound works, performances, radio shows, vernacular technologies and books. The artists often make use of cinema to reactivate lost, forgotten, silenced or neglected archives and histories and to create new modes of collective vision and engagement with contemporary thought and politics. In constant dialogue with literature, philosophy, music, science and the history of cinema their projects are research-based, process-oriented and trans-disciplinary. Their work has been presented at film festivals, in museums and independent art spaces worldwide.

Deux Athéniens décident de fuir leur ville pour échapper à la dette. Guidés par de mystérieux appels de corbeaux, ils parcourent la ville, avant d’atteindre une zone de passage, où ils sont entraînés dans une forêt ancestrale: le Royaume des Oiseaux. Ils y rencontrent la Hoopoe, mi-oiseau mi-femme, qui devient leur traductrice. Au milieu des forces magiques de la forêt, les oiseaux vivent en partageant leurs ressources. La rencontre entre humains, oiseaux et forêt sera une révélation pour tout le monde. Plus de 2500 ans après la création de l’original, "Common Birds" est une adaptation expérimentale des "Oiseaux" d’Aristophane. Entre une Athènes contemporaine marquée par la crise et ce qu’il reste de la forêt primaire de La Gomera, entre grec ancien et Silbo (langue sifflée en voie de disparition, qui fait partie d'une longue tradition de résistance), une histoire de fuite, de perte et de réenchantement, dans un espace végétal époustouflant, où de nouvelles alliances inter-espèces peuvent émerger.

Silvia Maglioni et Graeme Thomson sont réalisateurs et artistes. Leur travail explore les frontières poreuses entre fiction et documentaire, cinéma et arts visuels. Leurs œuvres ont été projetées à l’international dans des festivals, notamment au FID-Marseille (France); au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas); à la Anthology Film Archives, New York (USA); aux Rencontres internationales Paris-Berlin (France/Allemagne); au Thessaloniki International Film Festival, Thessalonique (Grèce); à la Berlin Critics Week (Allemagne); au BAFICI – Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independente (Argentine); au Ji.hlava International Documentary Film Festival, Jihlava (République tchèque); au Festival Hors-Pistes, Paris (France); et à Docs Kingdom, Lisbonne (Portugal).

"Underwritten by Shadows Still" is a film composed of subtitled photograms drawn from a wide range of films and accompanied by an electronic soundtrack containing sound samples that originate from spaces between voices. As the succession of subtitled stills passes before our eyes, a soundless voice begins to speak through the words printed on the images, forming a discourse that links them together, while gathering the characters into a dispersed community of ghostly apparitions. The narrative that traverses them soon begins to bifurcate into other lines, other voices which are no more than underwritten shadows yet which speak to us and to each other of their imprisonment, their desire to live, their dreams of escape. 

: Graeme Thomson & Silvia Maglioni are filmmakers and artists based in Paris. Their practice interrogates potential forms and fictions emerging from the ruins of the moving image and includes the creation of short and feature films, exhibitions, sound works, film-performances, radio shows, vernacular technologies and books. Their work often makes use of cinema in expanded form to reactivate lost or forgotten archives and histories and to create new modes of collective vision and engagement with contemporary thought and politics. Their work has been presented, screened and installed worldwide at international film festivals, museums, art spaces and alternative venues (including FID-Marseille, Bafici International Film Festival, Jihlava Film Festival, Festival Hors-Pistes, Doc`s Kinkdom, Il Vento del Cinema, Anthology Film Archives, European Media Art Festival, Eye Film Museum, Tate Britain, Serralves Museum, Centre Pompidou, MACBA, REDCAT, Ludwig Museum, The Showroom, KHOJ New Delhi, Museu de Arte Moderna de Bahia, Castello di Rivoli, Institute of Modern Art Brisbane, Whitechapel Gallery, Van Abbe Museum, CA2M). They are currently working on a new film, “Common Birds”.

(Endless Wall) est un champ virtuel construit en VRML. Il peut être exposé simultanément comme une installation en espace d?exposition et comme pièce de net art. Quand on entre dans ce monde, on se trouve dans une vaste surface qui est contenue par un mur qui s?étend dans une distance aussi loin que l?on puisse voir. Au-dessus du mur, une belle et douce lumière grise émane du ciel et s?étire dans l?horizon. Le mur est infranchissable, et l?on peut marcher à sa base sans jamais trouver une faille ou moyen de le passer. Nous sommes (et nous avons toujours été) une société divisée. Nous avons construit depuis des millénaires, des barrières et des divisions qui ont segmenté la population du monde entre ceux « qui ont » et ceux « qui n?ont pas ». Depuis la terre et les richesses, jusqu?à la technologie et la liberté, nous avons socialement généré des déséquilibres entre les nations, les familles et les individus. Actuellement, alors que les technologies ont permis un potentiel énorme dans nos vies (à la fois physique et dans les mondes virtuels émergents), les mêmes technologies sont utilisées dans un renversement pour restreindre et contenir. Avec le mur de Berlin ou les firewall du DEC (En 1988 des ingénieurs du Digital Equipment Corporation (DEC) ont développé le premier système de flitrage connu, comme « packet filter firewall »), les gouvernements et les entreprises nous ont entourés de barrières infranchissables, présentées comme des protections, ou des sécurités.

Michael Takeo Magruder est né en 1974 aux Etats-Unis. Il a étudié la biologie à l?université de Virginie. Il vit et travaille actuellement à Londres. Il travaille dans le domaine des nouveaux médias et des médias technologiques. Il est également chercheur à l?Université de Londres, au King`s College dans le département nouvelles technologies et visualisation, où il travaille sur la capture de mouvement, les espaces immersifs et les environnements virtuels. Son travail artistique a déjà été présenté dans plus de 175 expositions, dans 30 pays, notamment au Courtauld Institute of Art, à Londres, à l?EAST International 2005, au centre Georges Pompidou, au Tokyo Metropolitan Museum of Photography et à la Trans-Media-Akademie Hellerau. Son travail est également présenté dans des festivals internationaux de nouveaux médias, comme Cybersonica, CYNETart, FILE, Filmwinter, SeNef, Siggraph à Split, ou VAD et WRO en Pologne. Il a été soutenu par la Fondation Esmée Fairbairn, le Arts Council England, le National Endowment for the Arts, USA, et par de nombreux musées publics au Royaume-Uni et à l?étranger. Il est également connu pour la création de pièces en ligne, avec la réalisation de commande pour des portails dédiés au net art, comme Turbulence.org et Soundtoys.net. Il travaille actuellement sur l?utilisation simultanée et l?analyse des nouvelles technologies, comme moyen d?exploration des structures formelles et des paradigmes conceptuels du champs numérique. Il cherche à créer des ?uvres d?art dans lesquelles il n?y a plus de divisions entre les technologies, l?esthétique et les concepts.

?A message to the sea? was developed during my stay in the old fishermen?s area near by the sea. Men on the land have always been dependent on the sea for fishing and trade. The intention behind the piece was to create a dialog between men and the sea, by sending a message back to the sea. The ship in the work is not a subject but an object, which holds a message.

Basir Mahmood (b 1985, Lahore) graduated in 2010 from Beaconhouse National University with a distinction. His interest in short films has won him various awards in the category of Best Director and Writer. ?Gheera Chaasma?, a short film, was nominated at the Zabist Film Festival in Karachi which was written, directed and produced by Mahmood. His one minute short film ?Dot in the line? was short listed in the Filminute Film Festival in 2011. Mahmood is the recipient of Akademie Schloss Solitude fellowship for the year 2011-2012 in Stuttgart, Germany and ARCUS Project, Japan. He will represent Pakistan at the Asia Pacific Triennial 2012 (APT 7) at Queensland Art Gallery in Brisbane, Australia and showing his video at the launch of Broad Museum launch at Michigan State University in April 2012. Mahmood is a part of III Moscow International Biennale for Young Art, 2012. Besides being part of various private collections, Mahmood?s video works were recently acquired by the Queensland Art Gallery Collection in Brisbane, Australia.

Blinded by Centuries navigates the evolution of consciousness in a speculative ??post-human landscape. A generation adrift, existing between earthly and mythical realms, traces history to imagine a future before transformation. Inspired by short-format contemporary music videos, it is an auto-fictional retelling of the Buddhist folktale rooted in Southeast Asia called “Phra Ros Meri” (‘Twelve Sisters.’)

Parinda Mai, like many of her generation in Thailand, grew up with the story Twelve Sisters, communicated across platforms, from oral history to soap operas and cartoon animations. The project 12 Kalpas Tales is the artist’s personal search and reinterpretation of the moral of this story and its implications for the interconnected humanity. Blinded by Centuries emerges from this project, and is intended to capture the core energy of this myth that involves invading, exploiting, and destroying something, then leaving it behind to later try to rescue it with one’s ethics. In Blinded by Centuries an esoteric folktale is played out globally in contemporary terms. Project website: https://the12kalpastale.online/

Arise (Zona) has as starting point the feature film A Zona, by Sandro Aguilar and emerges up from all the cinematic dirtiness inherent to the film material. These images in the wasted film, doomed to emptiness and total forgetting, lead us to the ambiguity and indetermination between life and death, in which narrative and temporal logic are suspended.

Born in 1983. Graduated in Audiovisual Comunication at the Instituto Politécnico do Porto. Works as a freelance professional in cinema, multimedia and audiovisual. Videoart Course at Fundação Caloute Gulbenkian. Since 2004 he has been exploring the concepts of live cinema and live manipulation of images and its relation with sound.

WAR ZONE explore les tensions entre les technologies et leur héritage militaire. La majorité des ruptures technologiques profondes étant issues de la recherche militaire, leur diffusion dans le domaine public n`est-elle pas une propagation des valeurs idéologiques dans lesquelles elles ont été produites? "Il n’est pas superflu de rappeler [...] le lien originel entre technologies militaires et technologies du réseau (l’arpanet, ancêtre d’internet, a été développé par la DARPA, l’agence américaine chargée des projets en recherche avancée pour la Défense). [...] L’artiste reconstitue en vision subjective trois trajectoires de missiles dans le logiciel Google Earth, à partir des coordonnées réelles. Celle d’un missile V2, développé par les nazis, tiré de la Hollande vers l’Angleterre en 1945 (dont l’impact est encore visible dans les images satellites actuelles), un Scud tiré du Koweït vers l’Arabie Saoudite pendant la guerre du golfe et, enfin, un missile air sol tiré d’Israël vers Gaza en 2014. «C’est grâce à la fusée V2 équipée d’une caméra qu’on a pu voir la première image de la Terre vue de l’espace et l’incurvation de la planète». Le résultat est hypnotique, générant un sentiment mitigé de fascination et d’effroi. En train de chevaucher notre missile à la manière d’un Docteur Folamour, on observe pensif l’évolution de ces instruments de mort, de la précision médiocre des V2 aux frappes chirurgicales d’Israël, la nation qui compte le plus grand nombre de start-up, notamment dans la cyberdéfense, et où l’armée est le principal creuset de l’innovation." Marie Lechner

The artist Nicolas Maigret exposes the internal workings of media, through a reflection on their errors, dysfunctions, limitations or failure thresholds. As a curator, he initiated the disnovation.net research, a critique of the innovation propaganda. After completing studies in intermedia art, Maigret joined the LocusSonus lab in France, where he explored networks as a creative tool. He teaches at Parsons Paris and cofounded the Art of Failure collective in 2006.