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A mom cries, photos fly, cats spy, and bodies collide in this sci-fi soap opera about people who are desperately searching for ways to cure their fears of loneliness. Dad is dying, mom can’t sleep, and Nancy is determined to find a photograph so she can forget something that she saw. Linda relives a past trauma and fears what might happen while she is away from home. Meanwhile, her boyfriend Mark entertains a mysterious stranger, who is secretly conducting a deadly experiment.

Mike Olenick’s perverse films focus on memories, reproduction, appropriation, transformation, and forbidden desire. His films have screened at Slamdance, Fantasia International Film Festival, Fantastic Fest, Palm Springs ShortFest, Hamburg International Short Film Festival, and the World Wide Video Festival; streamed on MUBI; and won awards at the Slamdance, Ann Arbor, Big Muddy, and Chicago Underground film festivals. For nearly fifteen years Mike was a video editor in the Film/Video Studio residency program at the Wexner Center for the Arts. He’s worked as an editor on projects for Guy Maddin (including “Keyhole” and “The Forbidden Room”), the Quay Brothers, Sadie Benning, and Lucy Raven, among others. Since 2003 he has edited numerous films for Jennifer Reeder including “A Million Miles Away,” which screened at Sundance. He also edited her feature “Knives and Skin,” which premiered at the Berlin Film Festival and is distributed by IFC Midnight. Projects he has worked on as an editor are in the collections of MoMA, the Guggenheim, the Whitney, and the Tate. Mike has an MFA in Photography from the Cranbrook Academy of Art. In 2016 he was awarded a fellowship at the inaugural Shudder Labs.

Dans cette animation des scènes d?horreur et des scènes de thriller typiques se succèdent : un corbeau, un téléphone qui sonne sans cesse, des escaliers qui craquent, une ombre passe en glissant, un rideau qui flotte dans le vent et des gens qui marchent dans la rue tels des zombies. Tous ces éléments semblent se retrouver dans une fin surréaliste. Une ombre bouge derrière la fenêtre d?une maison qui flotte. Est-ce que ce que nous avons vu plus tôt pouvait être la visualisation de ses pensées ? Ceci n?est probablement qu?une des diverses histoires possibles. Chaque spectateur peut construire une histoire différente grâce aux éléments disponibles.

L'animation 'Comfort' nous éclaire sur la manière de travailler de Jacco Olivier. L'histoire qu'il a en tête au départ, peut évoluer en fonction des idées qui peuvent se dégager pendant le processus de création. De cette façon, une animation peut éventuellement se construire à partir de diférentes histoires. Les différentes intrigues sont reliées grâce à des images qui se font écho : de la queue rouge d'un Boeing à l'arrêt, au logo rouge de Vodafone, et de là à un téléphone qui sonne. l'animation semble également s'auto-examiner lorsque la caméra plonge en profondeur et retires les couches successive d'un tableau une par une, pour ensuite ressortir par la couche supérieure. On reprend le fil de l'histoire sans effort. Contrairement à ce que le titre suggère, ce qui prédomine dans ce travail est une atmosphère de peur et d'oppression.

Le film fut filmé en utilisant une camera digitale a haute vitesse depuis un métro arrivant dans une gare très fréquentée. Le résultat est un plan sans fin des personnes sur un quai passant au ralenti. Le mouvement tranquille de la caméra et le calme des gens dépeints donne de la place pour une chaîne de pensées et d'associations hypnotiques. Le quai semble avoir été transformé en scène sur laquelle les gestes quotidiens et simples des gens se changent en performance.

Erik Olofsen est né aux Pays-Bas en 1970. Ses installations ont été exhibé dans plusieurs pays et mêlent différents supports tels que la sculpture, des éléments architecturaux, de la vidéo, des photos et du son. Il a aussi introduit de nouvelles technologies dans son travail d'artiste, entre autres, des robots industriels et cameras digitales à haute vitesse. Il a été résident à la Rijks Académie à Amsterdam, au Centre Chinois d'art Européen a Xiamen et au Bilbao Arte. Ses prix comprennent le prestigieux grand prix hollandais Prix de Rome pour l'installation "Remotly Here", le prix international espagnole Vidalife pour son oeuvre "Divine methods/ Hidden motives" et le prix Media Forum au Festival International du Film de Moscou pour sa vidéo "In Places".

Images of a comprehensive school in West Germany that was built between 1972 and 1978. At the time it was very modern and progressive, both in the way of its education as well in its interior design. An example is the integrated disco in the cellar where up untill today schoolchildren can dance during their lunch break.

Arianne Olthaar (1970, Netherlands) is making experimental films, photographs and miniature models. Her work has a strong focus on the once-luxurious interiors of public spaces that were built in the 1970s and 80s, such as primate enclosures, dining cars, hotel nightclubs, discotheques, a school interior. Interiors that once represented an explicit modern luxury but nowadays have an aura of faded glory and are increasingly disappearing by renovation or demolishment. Her work has been presented in a variety of exhibitions as well as numerous international film festivals, including Cinematexas; Media City Film and Video Festival, Windsor; International Short Film Festival Oberhausen; EMAF Osnabrück; New York Film Festival; Onion City Experimental Film and Video Festival, Chicago; VIDEOEX; Zürich, International Film Festival Rotterdam; Rencontres Internationales, Paris/Berlin.

The film is inspired by the once huge and luxurious hotels in the former Eastern Bloc designed in the 1970s and 80s. In the meantime their glamour is considered out of date and most of the hotels have been shut down, renovated or demolished.

Arianne Olthaar (1970, Netherlands) graduated as a painter from the Hagues? Royal Academy of Art in 1992. She is making experimental films, photographs and miniature models. Her work has a strong focus on the once-luxurious interiors of public spaces, built in the 1970s and 80s (primate enclosures, dining cars, hotel nightclubs, discotheques, a school interior). Interiors that once represented an explicit modern luxury but nowadays have an aura of faded glory and are increasingly disappearing by renovation or demolishment. Her work has been presented in a variety of exhibitions as well as numerous international film festivals, including Cinematexas; Media City Film and Video Festival, Windsor; International Short Film Festival Oberhausen; European Media Art Festival, Osnabrück; New York Film Festival; Onion City Experimental Film and Video Festival, Chicago and International Film Festival Rotterdam.

Hezurbeltzak est un mot basque qui n?apparaît dans aucun dictionnaire. Il s?agit d?un mot inexistant qui permet de désigner, d?un ton péjoratif, des groupes de personnes socialement invisibles. Traduction littérale: aux os noirs.

Azkoitia, 1979. Elle est licencié en Beaux-Arts par l?Université du Pays Basque et spécialisée dans la peinture et dans la branche de la communication audiovisuelle, plus précisément le film d´animation. Elle a registré sa thèse portant sur la figure de l?Antihéros et ses formes de représentation dans l?art contemporain. De plus, elle fait régulièrement des expositions auprès de la galerie Epelde-Mardaras de Bilbao. Elle dirige des ateliers d?animation pour enfants et elle a participé au projet d´animation Berbaoc, mené par Isabel Herguera dans le centre Arteleku de Donostia.

"Night Time (extended)" - Hans Op de Beeck 2015 Full HD video, black and white, sound, 2015 (19 minutes 20 seconds) ‘Night time (extended)’ is a dark, enigmatic animation without text based on a large series of monumental monochrome watercolours which Op de Beeck steadily realised over the past five years, in between all his other multidisciplinary projects. All the watercolours were painted by the artist at night in complete solitude and concentration.This nightly atmosphere is a tangible presence in the metropolitan landscapes, the images of nature, the buildings, interiors and characters which the artist brings to life in the film. "Night time (extended)" is conceived as a mysterious dream in which all proportions, perspectives and environments are fictitious. In this way, intimate close-ups are made to alternate with sweeping images; every image clearly and visibly the product of deliberate construction. The film is comforting and soothing, yet also exudes a sense of dormant danger and derailment, just as in the film noir tradition. Here, Op de Beeck brings together an anachronistic whole of both classical and distinctly contemporary themes into an effortless blend of both highly cultivated and more visceral subcultural elements.

Hans Op de Beeck produces large installations, sculptures, films, drawings, paintings, photographs and texts. His work is a reflection on our complex society and the universal questions of meaning and mortality that resonate within it. He regards man as a being who stages the world around him in a tragi-comic way. Above all, Op de Beeck is keen to stimulate the viewers’ senses, and invite them to really experience the image. He seeks to create a form of visual fiction that delivers a moment of wonder and silence. Over the past fifteen years Op de Beeck realized numerous monumental ‘sensorial’ installations, in which he evoked what he describes as ‘visual fictions’: tactile deserted spaces as an empty set for the viewer to walk through or sit down in, sculpted havens for introspection. In many of his films though, in contrast with those depopulated spaces, he prominently depicts anonymous characters. Hans Op de Beeck was born in Turnhout in 1969. He lives and works in Brussels and Gooik, Belgium. Op de Beeck has shown his work extensively in solo and group exhibitions around the world. He had substantial institutional solo shows at the GEM Museum of Contemporary Art of The Hague, The Hague, NL (2004); MUHKA Museum of Contemporary Art, Antwerp, B (2006); Centraal Museum, Utrecht, NL (2007); the Smithsonian’s Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC, US (2010); KunstmuseumThun, CH (2010); Centro de Arte Caja de Burgos, Burgos, ES (2010); Butler Gallery, Kilkenny, IRL (2012); Kunstverein Hannover, D (2012); Tampa Museum of Art, Tampa, USA (2013); the Harn Museum of Art, Gainesville, FL, USA (2013); FRAC Paca, Marseille, F (2013); MIT List Visual Arts Center, Cambridge, Boston MA, US (2014); MOCA Cleveland, OH, US (2014); Sammlung Goetz, Munich, D (2014), … Op de Beeck participated in numerous group shows at institutions such as The Reina Sofia, Madrid, ES; the Scottsdale Museum of Contemporary Art, AZ, US; the Towada Art Center, Towada, JP; ZKM, Karlsruhe, DE; MACRO, Rome, IT; the Whitechapel Art Gallery, London, GB; PS1, New York, NY, US; Musée National d’ArtModerne, Centre Pompidou, Paris, FR; Wallraf-Richartz Museum, Köln, DE; Hangar Bicocca, Milano, IT; the Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo, JP; 21C Museum, Louisville, Kentucky, US; The Drawing Center, New York, NY, US; Kunsthalle Wien, Vienna, AT; Shanghai Art Museum, Shanghai, CN; MAMBA, Buenos Aires, AR; Haus der Kunst, Munich, DE; Museod’ArteModerna di Bologna, Bologna, IT; Kunstmuseum Bonn, Bonn DE, … His work was invited for the Venice Biennale, Venice, IT; the Shanghai Biennale, Shanghai, CN; the Aichi Triennale, Aichi, JP; the Singapore Biennale, Singapore, SG; Art Summer University, Tate Modern, London, GB; the Kochi-Muziris Biennale, IN, and many other art events.

Hans Op de Beeck`s film `Staging Silence (2)` is based around abstract, archetypal settings that lingered in the memory of the artist as the common denominator of the many similar public places he has experienced. The video images themselves are both ridiculous and serious, just like the eclectic mix of pictures in our minds. The decision to film in black and white heightens this ambiguity: the theatre like approach of the video invokes the legacy of slapstick, as well as the insidious suspense and latent derailment of film noir. The title refers to the staging of such dormant decors where, in the absence of people, the spectator can project himself as the lone protagonist. Memory images are disproportionate mixtures of concrete information and fantasies, and in this film they materialise before the spectator`s eyes through anonymous tinkering and improvising hands. Arms and hands appear and disappear at random, manipulating banal objects, scale representations and artificial lighting into alienating yet recognisable locations. These places are no more or less than animated decors for possible stories, evocative visual propositions to the spectator. Op de Beeck`s film is accompanied by a score which, inspired by the images themselves, has been composed by composer-musician Scanner (UK).

Hans Op de Beeck Situating the artist and his oeuvre Visual artist Hans Op de Beeck lives and works in Brussels, where he has developed his career through international exhibitions over the past ten years. His work consists of sculptures, installations, video work, photography, animated films, drawings, paintings and writing (short stories). It is his quest for the most effective way of presenting the concrete contents of each work that determines the medium that the artist ultimately selects. The scale can vary from the size of a small watercolour to a large, three-dimensional installation of 300m2. The artist not only uses a very wide variety of media, but also deliberately employs a diversity of aesthetic forms, ranging from an economical, minimalist visual language to overloaded, exaggerated designs, always with the aim of articulating the content of the work as precisely as possible. Thematically, the work concentrates on our laborious and problematic relationship with time, space and each other. Op de Beeck shows the viewer non-existent, but identifiable places, moments and characters that appear to have been taken from contemporary everyday life, aiming thereby to capture in his images the tragicomic absurdity of our postmodern existence. Key themes are the disappearance of distances, the disembodiment of the individual and the abstraction of time that have resulted from globalisation and the changes to our living environment that developments in media, automation and technology have brought about. Hans Op de Beeck sometimes calls his works ?proposals?; they are irrefutably fictional, constructed and staged, leaving it up to the viewer whether to take the work seriously, as a sort of parallel reality, or immediately to put it into perspective, as no more than a visual construct. His work is nourished by a keen interest in social and cultural reflection. The artist also questions the difficult relationship between reality and representation, between what we see and what we want to believe, between what is and what we create for ourselves in order to make it easier to deal with our own insignificance and lack of identity. The visual output of that investigation often produces slumbering, insidious, melancholy and astonishing images.

"The Girl" is a slow, suggestive, perception-oriented animated film in which the viewer is transported to the strange world of a silent, 14-year-old girl. The dreamy landscape images show a dark forest, a vast landfill, a gas station, a highway landscape, a meadow, a factory site and a mysterious lake. Amidst all this stands an old caravan. The scene seems to suggest that the protagonist leads a lonely life on these premises. For a further unspecified reason, she must at one time have left her parental home, which is presented to us at the beginning of the film, both in perfect condition, and later in a neglected, abandoned state. In a variety of different landscapes, we see the girl perform small acts such as gather usable waste or pick herbs. We often get to see her cargo bike; the vehicle she uses to gather the bear necessities in order to survive. Nighttime, breaking dawn, wind, rain, fog, cold and warming fire are present throughout the film. Occasionally, we get to see the girl “resting serenely” from up close, as if we were right beside her, and could feel her breath. At the end of the film we understand that she is resting on a raft in the lake, floating, passive, as a metaphor for surrender. An original soundtrack for the film was composed by Tom Pintens, on a text by the artist.

Hans Op de Beeck produces large installations, sculptures, films, drawings, paintings, photographs and texts. His work is a reflection on our complex society and the universal questions of meaning and mortality that resonate within it. He regards man as a being who stages the world around him in a tragi-comic way. Above all, Op de Beeck is keen to stimulate the viewer’s senses, and invite them to really experience the image. He seeks to create a form of visual fiction that delivers a moment of wonder and silence. Over the past twenty years Op de Beeck realized numerous monumental “ sensorial ” installations, in which he evoked what he describes as “ visual fictions ”: tactile deserted spaces as an empty set for the viewer to walk through or sit down in, sculpted havens for introspection. In many of his films though, in contrast with those depopulated spaces, he prominently depicts anonymous characters. Hans Op de Beeck was born in Turnhout in 1969. He lives and works in Brussels and Gooik, Belgium. Op de Beeck has shown his work extensively in solo and group exhibitions around the world.

The medium-length film `Sea of Tranquillity` is a combination of live video recordings of actors and digitally-generated 3D environments in which the viewer makes a night-time visit to a mysterious, mythical cruise liner, the `Sea of Tranquillity`. This fictitious cruise liner has been designed by Hans Op de Beeck, following a short residence at Saint-Nazaire in France in 2008, during which the artist became intrigued by the remarkable Second World War story and postwar reconstruction of this harbour town, whose shipyards produce the worlds largest cruise liners. It seemed to the artist that the Queen Mary 2, then just completed, was, like the Burj Khalifa in Dubai (the highest building in the world), a suitable metaphor for our belief in spurious values and in such concepts as work, leisure time and luxury consumerism. We nowadays use such categories as the highest, the first and the biggest, but what do these terms say about the actual quality of things?

Hans Op de Beeck est un artiste belge, il vit et travaille à Bruxelles. Sa pratique se déploie sous une diversité de médiums : sculpture, installations, vidéo, photographie, film d?animation, dessin, peinture, écriture de nouvelle, avec une recherche constante du médium le plus approprié au contenu de chaque ?uvre. L?échelle pourra ainsi varier, de la taille d?une aquarelle à une installation tridimensionnelle de grande ampleur. L?artiste utilise également une diversité de formes esthétiques, couvrant aussi bien un langage visuel minimaliste et sobre, qu?un dessin surchargé, exagéré, dans le but de toujours articuler la forme au contenu de l??uvre, avec la plus grande exactitude. Du point de vue thématique, le travail se concentre sur notre relation laborieuse et problématique avec le temps, l?espace et les rapports humains. Op de Beeck montre l?inexistence du spectateur, mais des lieux identifiables, des moments ou des personnages qui semblent captés de la vie contemporaine, pour saisir dans ses images l?absurdité tragicomique de notre existence postmoderne. Les thèmes essentiels de son travail sont la disparition des distances, la désincarnation de l?individu et le caractère abstrait du temps, qui résultent de la globalisation et des changements de mode de vie que les médias, l?automatisme et les technologies ont suscités. Hans Op de Beeck nomme parfois son travail « propositions », elles sont de manière irréfutable fictionnelles, construites et mises en scène, laissant au spectateur le choix de prendre l??uvre au sérieux, comme une sorte de réalité parallèle, ou de la mettre immédiatement en perspective, comme une construction visuelle. Son ?uvre se nourrit des champs de réflexion sociale et culturelle. L?artiste questionne aussi les relations entre la réalité et la représentation, entre ce que nous voyons et ce que l?on veut croire, entre ce qui est et ce que nous créons pour nous-mêmes pour rendre plus simple notre rapport à notre propre insignifiance et notre manque d?identité. Le résultat visuel de cette enquête produit souvent des images somnolentes, insidieuses, tristes et étonnantes.

?Staging Silence? is based around remembered spaces; not any specific sites, but the abstract, archetypal settings that lingered in my memory as the common denominator of the many similar public places I have visited and experienced. The video images themselves are both ridiculous and serious, just like the eclectic mix of pictures in our minds. The decision to film in black-and-white heightens this ambiguity: the amateurish quality of the video invokes the legacy of slapstick, as well as the insidious suspense and latent derailment of film noir. But perhaps gravity and menace ultimately prevail. The title, ?staging silence?, refers to the staging of such dormant decors where, in the absence of people, the spectator can project himself as the lone protagonist, unhindered by others. Memory images are disproportionate mixtures of concrete information and fantasies, and in this film they materialize before the spectator?s eyes through anonymous tinkering and improvising hands. Arms, like those of faceless puppeteers, appear and disappear at random, manipulating banal objects, scale representations and artificial lighting into alienating yet recognizable locations. These places are no more or less than animated decors for possible stories, evocative visual propositions to the spectator. The film is accompanied by a score which, inspired by the images themselves, has been composed and performed by composer-musician Serge Lacroix.

Visual artist Hans Op de Beeck lives and works in Brussels, where he has developed his career through international exhibitions over the past ten years. His work consists of sculptures, installations, video work, photography, animated films, drawings, paintings and writing (short stories). It is his quest for the most effective way of presenting the concrete contents of each work that determines the medium that the artist ultimately selects. The scale can vary from the size of a small watercolour to a large, three-dimensional installation of 300m2. The artist not only uses a very wide variety of media, but also deliberately employs a diversity of aesthetic forms, ranging from an economical, minimalist visual language to overloaded, exaggerated designs, always with the aim of articulating the content of the work as precisely as possible. Thematically, the work concentrates on our laborious and problematic relationship with time, space and each other. Op de Beeck shows the viewer non-existent, but identifiable places, moments and characters that appear to have been taken from contemporary everyday life, aiming thereby to capture in his images the tragicomic absurdity of our postmodern existence. Key themes are the disappearance of distances, the disembodiment of the individual and the abstraction of time that have resulted from globalisation and the changes to our living environment that developments in media, automation and technology have brought about. Hans Op de Beeck sometimes calls his works "proposals"; they are irrefutably fictional, constructed and staged, leaving it up to the viewer whether to take the work seriously, as a sort of parallel reality, or immediately to put it into perspective, as no more than a visual construct. His work is nourished by a keen interest in social and cultural reflection. The artist also questions the difficult relationship between reality and representation, between what we see and what we want to believe, between what is and what we create for ourselves in order to make it easier to deal with our own insignificance and lack of identity. The visual output of that investigation often produces slumbering, insidious, melancholy and astonishing images.

Les Stewarts sont une famille imaginaire à la distribution soigneusement étudiée. Les différents membres de la famille apparaissent et disparaissent dans une pièce vide et blanche, telles des marionnettes à taille humaine vêtues de blanc. Comme d'habitude dans ce genre de théâtre de marionnettes, ils sont manipulés par des marionnettistes habillés en noir, ici, l'équipe présente sur le plateau : les assistants de la production, une maquilleuse et un coiffeur. Les membres de la famille sont déplacés à des points précis et classés en fonction de leur performance. Pour finir, les marionnettistes/assistant accrochent des ballons aux Stewarts et les coiffent de chapeaux pointus en carton. Tout cela se déroule dans le calme et le silence le plus total, pas un Stewarts ne montre l'ombre d'une émotion.

Hans Op de Beeck est né en 1969 en Belgique. Il a étudié à la Hogeschool Sint-Lukas à Bruxelles et à la Rijksacademie à Amsterdam. Artiste mutlidisciplinaire, il utilise différents médias comme la vidéo, l'installation, la sculpture, la photographie, le texte, l'animation et le croquis. Il adapte le média à la thématique choisie, dans une recherche continue d'une sorte de monde parallèle, un nulle part sans âge. Le monde que l'artiste nous présente est un no man's land inquiétant dans lequel les êtres humains n'ont pas vraiment leur place. Op de Beeck est à la recherche d'un "être en transit", une entité entre-deux, irraisonnée : l'outrancier, le chaos de l'indéterminé. Ses ?uvres ont été présentées à la Fondazione Bevilacqua La Masa à Venise, au GEM à La Hague et à la Galerie Xavier Hufkens à Bruxelles. Il a remporté le Young Belgian Painting Award en 2001, et le Prix Eugène Baie en 2006.

"The Building" est une animation numérique qui propose au spectateur une promenade nocturne au c?ur d?un complexe hospitalier conçu par un mégalomane. Cet hôpital présente la même architecture que les centres commerciaux, clubs de fitness, aéroports et autres non-lieux, qui sont à la fois médiocres et démesurés. Ces lieux, qui ont poussé comme des champignons dans tout le monde occidental, sont conçus pour accueillir des milliers de visiteurs. Il en émane une atmosphère d?aliénation et d?interchangeabilité. Il est frappant de constater qu?un lieu impersonnel comme ce complexe hospitalier soit le théâtre de moments personnels essentiels tels que les naissances, souffrances, maladies, morts et réconforts."The Building" n?adopte pas une narration linéaire, mais submerge plutôt le spectateur avec cette machine nocturne, ensommeillée, avec une caméra hésitant entre une observation neutre et le point de vue du patient.

Hans Op de Beeck est né en 1969 à Turnhout (Belgique) et vit à Bruxelles. Ses ?uvres ont notamment été présentées au Centraal Museum, Utrecht (Pays-Bas) ; au MuHKA, Anvers (Belgique) ; au Musée d'Art Contemporain de La Hague, au Centre d'Art Contemporain de Moscou, au Towada Art Center (Japon), au Musée d'Art Contemporain d'Arnhem (Pays-Bas) ; au MACRO, Musée d'Art Contemporain, Rome ; au ZKM, Karlsruhe (Allemagne) ; aux Rencontres Internationales, Paris ; à la Biennale des nouveaux médias, Centre pour l'image contemporaine, Genève ; à la Biennale de Shanghai ; au forum d'art contemporain du Luxembourg ; au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles ; au Whitechapel, Project Space à Londres et au P.S.1-MoMA, New York.

"All together now?" est un portrait tragicomique vivant de trois groupes de compagnons de table, représentés lors de trois occasions différentes: un groupe de personnes de près de quatre-vingts ans assis à une table sur laquelle il y a du café et des gâteaux, après un enterrement ; une mariée nostalgique, son futur époux et leur famille dans une salle des fêtes excessivement décorée ; et un dîner d?anniversaire organisé pour un père de famille nanti dans un intérieur de designer froid. Ces moments autour d?une table sont peut-être les situations où les gens se rassemblent le plus clairement d?une manière plus ou moins artificielle. Les rancunes mutuelles, les sentiments inavoués et les tensions entre les membres de la famille sont cachés entre les lignes du rituel. La caméra fait un lent panoramique des personnes autour de la table. Cette chorégraphie miniature des actions, des conversations et des regards entendus de six minutes clarifie les relations autour de la table. Certains personnages sont comiques, d?autres plutôt tragiques ou touchants. Grâce à la technique de ralenti, chaque détail devient franchement visible. "All together now?" est un portrait contemporain d?êtres humains autour d?une table, dans lequel le vide, qui fait réfléchir, après la fête peut déjà être détecté pendant la fête.

L?artiste visuel belge Hans Op de Beeck est né à Turnhout en 1969. Il crée d?énormes installations à taille réelle, des sites urbains imaginaire à l?échelle, des installations vidéo, des sculptures, des photos, des dessins et des films d?animation. Pendant plusieurs années, il s?est investi dans beaucoup de projets individuels et d?expositions collectives qui se sont succédés rapidement. Son travail a été exposé à travers l?Europe et les Etats-Unis. En 2002-2003 il a été artiste résident au MoMA-PS. à New York. Au Art Unlimited (Art Basel 2004), il a exposé un restaurant d?autoroute à taille réelle qui surplombait une autoroute, de nuit. Dernièrement il a exposé au MARTa à Herford, au Kunstverein à Hannover, au MuHKA à Anvers, au Casino du Luxemburg, au Shanghai Art Museum, au PSK à Bruxelles, au GEM-Museum of Contemporary Art à La Hague et The Drawing Center à New York.

Before the Rain (A Village) shows us the daily events in this South Indian region, which combines a mineral, eroded landscape with rice fields, sheep herds and the impressive ruins of the Vijayanagara dynasty (1336-1565). During the rain season the artist stayed in the remote South Indian village, where humans and animals live together in small huts and sheds. He filmed only just before the onset of a new shower of rain—a time when the light becomes very diffuse and the sky becomes strangely, vaguely white. Oddly enough, as a result the Indian village bathes in a typically subdued, Western European light that is very unusual in the south of India. The film is constructed as a series of silent tableaux vivants that are filmed with a static, frontal camera on a tripod. Op de Beeck quite deliberately sought the small, everyday things we share beyond cultural borders, and consciously stayed away from the spectacular and that which is explicitly related to religion, mysticism or “being different”. Thus with this film he tried to create a sort of imaginary, universal village that speaks about how time silently passes in a small community, while avoiding the “exoticizing” glance of the idealizing idyll. The work invites a silent, sensory perception and reflection.

Hans Op de Beeck (° 1969 - Turnhout, Belgium) Lives and works in Brussels, Belgium Education/ Programs/ Awards 2009: Catholic University of Leuven Culture Prize 2009-2010 2006: Winner of the Prize Eugène Baie 2003-2005, Antwerp 2002-2003: Artist at the MoMA-P.S.1 Studio Program, New York 2001: Winner of the `Prix Jeune Peinture Belge 2001`, Palais des Beaux Arts, Brussels 1998-1999: Participant at the Rijksakademie, Amsterdam (post-MA) 1996-1997: Participant at The Higher Institute for Fine Arts-Flanders, Antwerp (post-MA) 1992-1996: Masters Degree in Visual Arts, Higher Institute Sint-Lukas, Brussels Situating the artist and his oeuvre Visual artist Hans Op de Beeck lives and works in Brussels, where he has developed his career through international exhibitions over the past ten years. His work consists of sculptures, installations, video work, photography, animated films, drawings, paintings and writing (short stories). It is his quest for the most effective way of presenting the concrete contents of each work that determines the medium that the artist ultimately selects. The scale can vary from the size of a small watercolour to a large, three-dimensional installation of 300m2. The artist not only uses a very wide variety of media, but also deliberately employs a diversity of aesthetic forms, ranging from an economical, minimalist visual language to overloaded, exaggerated designs, always with the aim of articulating the content of the work as precisely as possible. Thematically, the work concentrates on our laborious and problematic relationship with time, space and each other. Op de Beeck shows the viewer non-existent, but identifiable places, moments and characters that appear to have been taken from contemporary everyday life, aiming thereby to capture in his images the tragicomic absurdity of our postmodern existence. Key themes are the disappearance of distances, the disembodiment of the individual and the abstraction of time that have resulted from globalisation and the changes to our living environment that developments in media, automation and technology have brought about. Hans Op de Beeck sometimes calls his works "proposals"; they are irrefutably fictional, constructed and staged, leaving it up to the viewer whether to take the work seriously, as a sort of parallel reality, or immediately to put it into perspective, as no more than a visual construct. His work is nourished by a keen interest in social and cultural reflection. The artist also questions the difficult relationship between reality and representation, between what we see and what we want to believe, between what is and what we create for ourselves in order to make it easier to deal with our own insignificance and lack of identity. The visual output of that investigation often produces slumbering, insidious, melancholy and astonishing images.

1972 - born in Dubrovnik. 1997 - graduated as director of photography at Academy of Drama Arts, Zagreb. Lives and works in Zagreb and Dubrovnik. aopalic@globalnet.hr Selected Solo Exhibitions: 2008 - Self-portraits - Sebastian gallery, Dubrovnik 2007 - Afterwards - Kula Lotr?æak, Zagreb 2006 - Portraits - Josip Raèiæ gallery, Zagreb 2005 - Self-portraits - Heinz Bossert Galerie, Koln 2003 - Patterns Of Visibility - Museo Fortuny, Croatian Pavilion, 50th Venice Biennale 2001 - Self-portraits - Gallery of Fine Arts, Split 2000 - Self-portraits - Museum of Contemporary Art - Project Room, Zagreb Selected Group Exhibitions: 2008 - Seeking for a Place of Oblivion - Art Pavillion, Zagreb 2008 - In a landscape - Museum of Modern Art, Dubrovnik 2007 - Do we like watching other people? - Art Pavillion, Zagreb 2006 - Darmstadter Tage der Fotografie - Kunsthalle Darmstadt, Darmstadt 2005 - First Person Singular - Museum of Modern Art, Dubrovnik 2004 - Unframed Landscapes - Mile End Ecology Pavilion, London 2002 - Here Tomorrow - Museum of Contemporary Art, Zagreb 2001 - To Tell a Story - Museum of Contemporary Art, Zagreb

La vidéo a été réalisée dans les camps de réfugiés sahariens dans le Sud-Ouest d?Argélia, elle présente deux performances mises sur pied dans le désert. La première consiste d?une part en un récit de l?auteur, qui décrit comment sa mère a sauvé sa vie en l?enveloppant dans le drapeau chilien pendant le coup d?état du général Pinochet, et d?autre part, en une action de l?auteur-personnage, qui se couvre les yeux du drapeau de son pays. La deuxième performance consiste en l?imposition du turban par l?un des guerriers sahariens, suivi par l?auteur qui marque par ce rituel son soutien dans sa lutte pour la cause saharienne. Cette vidéo fait partie d?un plus grand projet qui réunit plusieurs performances et vidéos, dont un long-métrage, actuellement en montage, qui sera terminé en décembre prochain. Ces actions font du corps un acteur politique au sein d?une opération micro-politique et symbolique, ce sont des actions de résistance et d?avertissement dans un paysage vu comme scène politique. Elles tentent d?attaquer et de dissoudre l?injustice que font peser de grandes nations sur de plus petites.

Artiste plastique et réalisateur d?origine chilienne, il vit et travaille à Bogotá, il est professeur de l?Université Nationale de Colombie. Son oeuvre s?oriente actuellement vers les possibles relations entre la performance, l?audiovisuel, et la parole écrite. Interdisciplinaire, il en est venu à proposer des produit esthétiques ?dé générés? et fluctuants entre le contenu et le moyen, les narrations traditionnelles et expérimentales, qui l?ancrent plus dans la conduite créative que dans l?habileté disciplinaire, tendant à une possible subversion des limites et particularités des langages esthétiques, dans un regard critique sur le monde contemporain. Il participé à des événements d'envergure, telle la 50ème Biennale de Venise, les Rencontres Internationales du Cinéma et de la Vidéo Expérimentale au Centre Pompidou à Paris et au Musée Reina Sofia à Madrid. Il obtient le premier prix du MOLAA, en Californie, dédié à l'art latinoaméricain, il participe à des expositions collectives et individuelles à l'échelle internationale, et notamment à Santiago avec "Territorio fugitivo" en 2008. Il obtient plusieurs bourses et prix, dont la bourse Guggenheim en 2000 et le Prix Luis Caballero en 2008, et plusieurs récompenses et mentions pour son travail. Natalia Gutiérrez écrit un livre dédié à son travail, "MarioOpazo, Boomerang".

"Olvido de area" porte sur l'acte d'enfouir et de déterrer un coffre; au cours de ce processus, le coffre est rempli de sable et porte l'inscription du mot OLVIDO ("oubli"). Mario Opazo a eu l'idée de ce film après avoir assisté à un carnaval où les enfants, déguisés en anges, portaient sur leurs épaules des boîtes semblables à des cercueils. Pendant la procession, ils défilaient lentement dans les rues de la ville, vêtus de noir, le visage couvert de farine et l'air obéissant, accompagnés par les pleurs de leurs mères.

Mario Opazo est un artiste visuel et un producteur audiovisuel Chilien vivant en Colombie. Il enseigne à l'Université Nationale de Colombie et a participé à plus d'une centaine d'expositions dans le monde entier depuis 1991. Son travail a reçu le premier prix du XXXVI Salón Nacional de Artistas en 1999 et a été nominé pour la bourse Guggenheim par l'artiste conceptuel brésilien Paulo Bruscky en 1999. Il a représenté la Colombie à la 52e Biennale de Venise en 2007 avec son projet "Fugitive Territory". Il a remporté le premier prix du latin american art MOLAA (Etats-Unis).

Exercice de lumière, de temps et d?espace. Une manière de déloger la narration, de rechercher dans les structures mêmes de l?image l?instrument du montage comme unique appareil de capture, le montage et la projection comme espace qui dénonce l?ouvrier du système comme un acteur de l?image, le processus du montage comme en relation au geste performatif et d'appropriation, et en interrogeant les relations entre cinéma et vidéo.

Mario Opazo est un artiste visuel et un producteur audiovisuel Chilien vivant en Colombie. Il enseigne à l'Université Nationale de Colombie et a participé à plus d'une centaine d'expositions dans le monde entier depuis 1991. Son travail a reçu le premier prix du XXXVI Salón Nacional de Artistas en 1999 et a été nominé pour la bourse Guggenhein par l'artiste conceptuel brésilien Paulo Bruscky en 1999. Il a représenté la Colombie à la 52e Biennale de Venise en 2007 avec son projet "Fugitive Territory". Il a remporté le premier prix du latin american art MOLAA (Etats-Unis).

“Mountains look so beautiful that once you start looking at them you can’t stop. A glance lasts only a moment but it takes part of a whole metamorphosis” INTHEMOUNTAINS ponders over the role of the artist and the evolutionary dialogue with the mountain and its landscape; an essential role that welcomes the transformations of the contemporary mountain through the collective memory of underground dance music. Monte Pelmo is the starting point of the artist's journey of research. It was climbed by the first President of the London Alpine Club John Ball and witnessed the birth of alpinism in the Dolomites. The structure of the documentary has been progressively built through the vocal contributions of an on-air radio program over one year of broadcast on Radio Cortina, where Orbi invited guests in conversations about the landscape. Among many and different radio contributors, an artist Luigi Ontani, an astrologer Marco Pesatori, an editor Valerio Mannucci, an alpinist Pietro dal Prà and an architect Antonio de Rossi were selected by Orbi to feature as main characters in the documentary. The title of the project comes from “What the Thunder Said” the fifth section of The Waste Land by T. S. Eliot.

Giorgio Orbi (1977) is an Italian artist born in Rome. Before beginning to regularly exhibit his work in art spaces, he took part in the Italian underground music and art creative scene of the nineties. He is a writer, musician, filmmaker, photographer, visual artist and alpinist. In his work, Orbi has often related, through different media, with the concept of the mountain as both a natural and cultural “presence”.

"Paths" parle de structures sociétales, mentales et psychologiques qui contrôlent l´existence. Ce film met en évidence l´inconscient et les rêves en équilibre avec les paramètres de la société à travers les espaces sans supervision organisée comme la maison, la nature ou le sommeil.

Marika Orenius a étudié à l´Académie des Beaux arts d´Helskinki et de Gothenburg, et à l´ENSBA (Paris). Elle utilise le film, la vidéo, la photo, les performances et les nouveaux médias.

Résidence des limites est un film fait à partir de photographies numériques prises depuis 2005 à travers le monde, et en particulier à travers le cinéma, pour le cinéma, autour du cinéma. Les photographies sont spontanées, jamais mises en scène, mais leur agencement, leur montage dessine un nouvel axe de lecture, une infra-fiction, les signes d?un récit intime et exporté, exposé au regard de celui qui le découvre. C?est aussi un film sur le temps qui passe, les visages qui se métamorphosent, les coïncidences qui existent et qui se manifestent au bord du cadre. Et que la bande son rend visible. Une musique patchwork qui jaillit du début à la fin, sans discontinu, mix du cinéma tel qu?il existe (des symphonies cinétiques) et du cinéma en train de se faire (des ébauches sonores venues d?horizons différents, à peine sortis du Nagra, sans traitement). Résidence des limites est un peu la rencontre du cinéma des mythes et du cinéma en train de se faire. Matthieu Orléan Septembre 2012

Matthieu Orléan est collaborateur artistique à La Cinémathèque française, chargé des expositions temporaires depuis 2003. Il a été le commissaire des expositions ¡ Almodóvar Exhibition ! (2006) et Dennis Hopper et le Nouvel Hollywood (2008). Il a également co-dirigé les ouvrages Renoir/Renoir, ¡ Almodóvar Exhibition !, L?Image d?après (Prix du plus beau catalogue 2007) et Dennis Hopper et le Nouvel Hollywood. Il écrit depuis 1998 sur le cinéma et les arts plastiques pour la presse (Cahiers du Cinéma, Trafic, Vertigo, Synopsis, Purple, Numéro) et pour différents ouvrages (Chantal Akerman, Autoportrait en cinéaste et Raymond Hains, J?ai la mémoire qui planche aux éditions du Centre Pompidou ; Trésors Publics, 20 ans de création dans les Fonds régionaux d?art contemporain aux éditions Flammarion). En 2011, sort aux Editions de l??il son ouvrage consacré au cinéaste Paul Vecchiali, La Maison cinéma. En 2007, il a co-réalisé avec Christian Merlhiot Des Indes à la Planète Mars, présenté en Compétition officielle au FID et sorti en salles à Paris en avril 2008. Il a écrit les scénarios des deux derniers films de Philippe Terrier-Hermann : en 2009, La Dérive (sorti en salles à Paris), et en 2012 La Tétralogie américaine (présenté au festival Hors pistes).

Forest Futures est un film poétique et stimulant qui visite les écosystèmes forestiers anciens de la Terre, imagine les forêts du futur face au changement climatique et montre la forêt comme une école multi-espèces où les enfants pratiquent une co-existence plus-qu’humaine. Forest Futures explore la forêt comme un lieu du temps profond, de transformation écologique et d’apprentissage interespèces. Situé dans la région montagneuse du Tyrol du Sud, le film retrace un voyage depuis des forêts fossilisées anciennes, qui prospéraient il y a plus de 280 millions d’années, jusqu’à des visions spéculatives de forêts futures dans un monde en réchauffement rapide. Combinant recherche scientifique et récit imaginaire, le film réinvente la forêt à la fois comme enseignante et comme protagoniste.

Uriel Orlow est un artiste suisse qui vit et travaille entre Lisbonne, Londres et Zurich. En 2023, il a reçu le prestigieux Prix Meret Oppenheim / Grand Prix suisse d’art. Le travail d’Orlow est largement présenté dans des expositions internationales majeures, notamment à la Triennale de Dunkerque, à la Biennale de Kochi, à la 12e Biennale de Berlin pour l’art contemporain, à la Triennale de Katmandou, à Manifesta 12 à Palerme, à la 2e Biennale de Yinchuan, à la 13e Biennale de Sharjah, à la 7e Biennale de Moscou, à EVA International (Limerick), à la 2e Triennale d’Aichi (Nagoya), à Bergen Assembly, à Manifesta 9, à la 54e Biennale de Venise, entre autres. Ses expositions personnelles récentes incluent la Galeria Avenida da Índia à Lisbonne (2025) ; le MCBA à Lausanne (2024) ; la Casa da Cerca à Almada (2022) ; la Kunsthalle Nairs à Scuol (2021) ; La Loge à Bruxelles (2020) ; la Kunsthalle Mainz en Allemagne (2020) ; le Centre d’art de Privas (2019) ; Les Laboratoires d’Aubervilliers à Paris (2018) ; Market Photo Workshop & Pool à Johannesburg (2018) ; la Kunsthalle St. Gallen (2018), entre nombreuses autres. Les films d’Orlow ont été projetés au Tate Modern (Londres) ; au Festival international du court métrage d’Oberhausen ; sur Tank.tv ; à la Whitechapel Gallery (Londres) ; au Festival du film de Locarno ; à la Videonale du Kunstmuseum Bonn ; au BFI London ; sur le BBC Big Screen à Manchester ; à l’Arnolfini (Bristol) ; à l’Espace Croisé, CAC Roubaix ; ainsi qu’à la Biennale de l’Image en Mouvement à Genève, entre autres.

"A Wandering Eye Studies" est une série de vidéos et d'extrait sonores qui explore le langage visuel de l'observation électronique.

Ed Osborn est un artiste sonore et media, qui a présenté ses travaux de part le monde. Ses ?uvres d'art peuvent prendre plusieurs formes, comme les installations, sculptures, radio, vidéo, performance, et projets publics. Ils démontrent un sens viscéral de l'espace, du son et des mouvements, combiné à une précise économie de matériel. Allant de ventilateurs vrombissant et de bruyants trains électriques à des boites à musique gémissante et des réseaux délicats de feedback, les ?uvres audibles et cinétiques de Osborn marchent comme des systèmes de résonance qui sont tour à tour joyeux et obliques, engageant et énigmatiques.

En 1945, à Paris, est fondée la Fédération démocratique internationale des femmes (FDIF). Selon l’historienne Francisca de Haan, il s’agit alors de « la plus grande, et probablement la plus influente organisation internationale de femmes de l’après-Seconde Guerre mondiale ». Aujourd’hui encore, son héritage fait débat. Certains chercheurs, s’appuyant sur des rapports du FBI et du House Un-American Activities Committee, décrivent la FDIF comme une tentative communiste de manipuler les femmes. D’autres y voient un mouvement engagé pour les droits des femmes, et des chercheuses comme Elizabeth Armstrong soulignent son rôle dans les luttes anticoloniales et antiracistes menées par des femmes en Asie, en Afrique et en Amérique latine. En 1987, à l’époque de la perestroïka, la FDIF organise à Moscou le Congrès mondial des femmes, sous le slogan : « Vers l’an 2000 — Sans armes nucléaires ! Pour la paix, l’égalité, le développement ! » L’événement réunit 2 800 femmes venues de 150 pays. Parmi elles se trouve la grand-mère de la protagoniste, interprète qui consignait les mots surgissant de conversations venues du monde entier — des mots sans équivalents dans d’autres langues. En revisitant ses notes, des archives filmées et les lieux des délégations officielles, la protagoniste suit ces fragments jusqu’à une question : quels mots peuvent saisir le présent, lorsque le langage lui-même se dérobe, se dissout, et que des slogans empruntés étouffent peu à peu sa propre voix ?

Yana Osman, Anton Khamchishkin (Afghanistan, Russie) — artistes et cinéastes. Leur travail explore les zones manquantes du récit, comblant les non-dits et révélant des narrations en suspens entre réel et imaginaire, faits et spéculations. Leurs films ont été sélectionnés au Hong Kong Film Festival, à DOK Leipzig, à Slamdance, aux Rencontres Internationales Paris/Berlin, et ont bénéficié du soutien du CNC, de la Cité internationale des arts, d’Usage du Monde au 21ème siècle, de l’Institut français, entre autres

This is a poetic contemplation on the state of the world, as well as a reflection of the times in the authors' homeland, when under the influence of censorship they are forced to seek an alternative language to discuss significant issues. In this work, diverse realms intertwine: the game setting, ancient Greek tragedy, social utopia, and our contemporary era. It is a shared universe, enriched by the voices of many authors.

Yana Osman, Anton Khamchishkin (Afghanistan, Russia) Filmmakers and audiovisual artists. Their artistic practice, including video, photography, sound, performance, and poetry, delves into how personal, social, and political documentary contexts become anentry point to the fantasy worlds we live. Their works have been exhibited at festivals, museums, and contemporary art spaces in Armenia, China, Finland, Germany, Hong Kong, India, Ireland, Italy, Kazakhstan, the Netherlands, Russia, Turkey, and even Antarctica, as well as in France, supported and showcased by CNC, Cité Internationale des Arts – Paris, Usage du Monde au 21ème siècle, Maison Européenne de la Photographie – Paris, Institut Français, Théâtre Nouvelle Génération (TNG) – Lyon, among other.