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Ecoutons le guide pour un parcours touristique balisé, aux étapes attendues, entre statues des Grands hommes et sites qui furent le théâtre d?une geste mémorable. Regardons le paysage urbain de Madrid, un jour de janvier 2012. Deux fils se déroulent. Du frottement de oeil et de l?oreille, s?ouvrent des interstices.

Los Hijos audiovisual collective formed in september 2008 by Javier Fernández Vázquez (1980), Luis López Carrasco (1981) and Natalia Martín Sancho (1982). They work in Madrid, Spain.

material. (lat.: materiālis). 1. adj. Having substance or capable of being treated as fact; not imaginary. 2. adj. Derived from or composed of matter. 3. adj. Having material or physical form or substance. 4. adj. Directly relevant to a matter especially a law case. 5. adj. Concerned with or affecting physical as distinct from intellectual or psychological well-being. 6. adj. Concerned with worldly rather than spiritual interests. 7. n. Artifact made by weaving or felting or knitting or crocheting natural or synthetic fibers. 8. n. Things needed for doing or making something. 9. n. Information (data or ideas or observations) that can be used or reworked into a finished form. 10. n. The tangible substance that goes into the makeup of a physical object.

In 2008, Javier Fernández (1980), Luis López Carrasco (1981) y Natalia Marín (1982) found the artistic collective Los Hijos, devoted to the research of cinematic form and the mechanisms of audiovisual representation. With their first work, El sol en el sol del membrillo, they competed in the official section of DocumentaMadrid. Afterwards, this short film has been selected in several other festivals as well as art galleries. Afterwards, they finished their second short-film, Ya viene, aguanta, riégueme, mátame, video essay that attempts to question certain sequences which have become iconic in the history of Spanish cinema. Los materiales, their first feature-length film won the Jean Vigo award to the best direction in Punto de Vista International Documentary Film Festival of Navarre and a Jury?s Special Mention in FidMarseille 2010. Their second, feature-length film, Circo, was selected in the competition section section of Documentamadrid 2010. Currently, all their works are being screened at several contemporary art museums and art centres throughout Spain. In november 2010, Los Hijos enjoyed their first retrospective of their work in Mar del Plata Film Festival.

Cet Air la is a famous french song from 1963, sung live by NY singer April March in acapela with Julien Gasc. The couple is singing while flying over a superimposed 16mm projection of a stop motion animation of a series of clouds, birds, bubbles, smoke machines and glitters?the song has the texture of a dream. Part of Residency Unlimited Project.

Marie Losier, born in France in 1972, is a filmmaker and curator working in New York City. She was born in 1972 in Boulogne, France. She has shown her films and videos at museums, galleries, biennial and festivals, including this year for the 2006 Whitney Biennial with her on Richard Foreman, The Ontological Cowboy and at MOMA with Electrocute Your Stars. Also P.S.1, Tribeca Film Festival, Rotterdam International Film Festival, The Seoul Film Festival (Korea), The Lausagne Film Festival (Swiss), Andrew Kreps Gallery, White Column Gallery, The Black Maria Film Festival, The Biennial of Saint Etienne (France), The York Underground Film Festival, Lake Placid Film Festival, Pleasure Dome (Toronto), Anthology Film Archives, Ocularis, British Film Institute (London), Au Grand Action (Paris) and many others. In 2000, she became the film programmer at the French Institute / Alliance Francaise in New York City, where she presents a weekly film series. She has hosted many notable directors and artists, including Raoul Coutard, William Klein, Claire Denis, Isabelle Huppert, Chantal Akerman, Jane Birkin, Jeanne Moreau, Tavernier, and Anouk Aimée. She also programs experimental films at the Robert Beck Memorial Cinema (now at Participant Gallery, NYC) and Ocularis in Brooklyn and bring programs in Europe and all over in the States. She has also performed in films by George Kuchar, Mike Kuchar, and Jackie Raynal, and in plays by Juliana Francis, and Tony Torn. She is currently completing a short documentary on musician and filmmaker Tony Conrad and starting one on the musical genius Genesis P-Orridge, and her band Psychic TV.

"Un toit de San Francisco est arpenté par de grands enfants en tutu jouant insoucieusement à se coller des tartes au visage. Avec George Kuchar." "Cinq charmantes damoiselles pique-niquent sur le toit d'un entrepôt dans la non moins charmante ville de Long Island, forêt de gratte-ciel se reflétant sur la rivière. Mais lorsqu'une nuée de mouches vient interrompre leur festin composé de bretzels au chocolat et de tartes à la crème, les jeunes femmes perdent tout contrôle d'elles-mêmes.

"Marie Losier est réalisatrice et conservatrice à New York. Elle est née en 1972 à Boulogne, en France. Ses films et ses vidéos ont été présentés au sein de musées, galleries, biennales et festivals, notamment au P.S.1, au Tribeca Film Festival, Rotterdam International Film Festival, au Seoul Film Festival (Corée), au Festival du Film de Lausagne (Suisse), à la Andrew Kreps Gallery, à la White Column Gallery, au Black Maria Film Festival, à la Biennale de Saint Etienne (France), au York Underground Film Festival, au Lake Placid Film Festival, au Pleasure Dome (Toronto), à l?Anthology Film Archives, à l'Ocularis, au British Film Institute (Londres), Au Grand Action (Paris) et beaucoup d?autres. En 2002, elle est devenue programmatrice au French Institute/ Alliance Française à New york, où elle présente une série de films chaque semaine. Elle a accueillie de nombreux rélisateurs et artistes réputés, tels que Raoul Coutard, William Klein, Claire Denis, Isabelle Huppert, Chantal Akerman, Jane Birkin, Jeanne Moreau, Tavernier, et Anouk Aimée. Elle programme également des films au Robert Beck Memorial Cinema (à présent à la Participant Gallery, New York City) et à l?Ocularis à Brooklyn et propose des programmes en Europe et dans tous les Etats-Unis. Elle a également joué dans des films réalisés par George Kuchar, Mike Kuchar, et Jackie Raynal, et dans des pièces mises en scène par Juliana Francis, et Tony Torn. Actuellement, elle tourne un court documentaire sur le musicien et réalisateur Tony Conrad. On a récemment annoncé que le film de Marie sur Richard Foreman, The Ontological Cowboy, avait été sélectionné pour la Biennale de Whitney de 2006.

Music video Papal Breakdance by PTV3-Genesis P-Orridge With Genesis Breyer P-Orridge and many friends. A campy music video in the style of a scopitone from the early 1960s, with the wonderful cast of 10 boys in sexy red singlets and girls in red tutus, all dancing with joy with Genesis P-Orridge in a boxing ring?all the ingredients for a slap stick boxing match in music.

"Le théâtre est une question de sexe". En tout cas selon Richard Foreman, le fondateur du Ontological Hysterical Theater. "The Ontological Cowboy" illustre l'appel de Foreman, invoquant la 'destinée manifeste' du théâtre d'avant-garde, tandis que King Cowboy Rufus descend de San Jan Hill avec un soupir, en secouant son mouchoir. Foreman joue son propre rôle, le reste de la distribution mime ses préoccupations. Si "l'équipe des acteurs souffre ainsi," c'est pour une bonne cause : la renaissance du théâtre américain dans la violence, avec Foreman pour sage-femme.

Née à Boulogne (France) en 1972, Marie Losier est à la fois réalisatrice et conservatrice à New York City. Elle a présenté ses films et ses vidéos dans des musées, galeries, biennales et festivals, dont la Biennale Whitney 2006, à laquelle elle a participé avec son film sur Richard Foreman, "The Ontological Cowboy". Les autres évènements auxquels elle a pris part sont : P.S.1, Tribeca Film Festival, le Festival international du film de Rotterdam, le Festival du film de Séoul (Corée), le Festival du film de Lausanne (Suisse), la galerie Andrew Kreps, la galerie White Column, le Festival du film Blck Maria, la Biennale de Saint-Etienne (France), le Festival du film underground de York, le festival du film de Lake Placid, Pleasure Dome (Toronto), Anthology Film Archives, Ocularis, British Film Institute (London), Au Grand Action (Paris) et bien d'autres encore. En 2000, elle prend en charge la programmation des films à l'Alliance française de New York City, où elle organise une séance de films hebdomadaire. Elle a reçu de nombreux metteurs en scène et artistes renommés, dont Raoul Coutard, William Klein, Claire Denis, Isabelle Huppert, Chantal Akerman, Jane Birkin, Jeanne Moreau, Tavernier, et Anouk Aimée. Elle programme également des films expérimentaux au cinéma Rober Beck Memorial (désormais à la Participant Gallery de New York) et à Ocularis à Brooklyn. Elle organise des programmations en Europe et à travers les Etats-Unis. Marie Losier a également joué dans des films de George Kuchar, Mike Kuchar et Jackie Raynal, ainsi que dans des pièces de Juliana Francis et Tony Torn. Elle achève actuellement un court-métrage documentaire sur le musicien et réalisateur Tony Conrad. Son prochain documentaire, déjà en court, se concentre sur le génie de la musique Genesis P-Orridge et son groupe Psychic TV.

Un plan-séquence saisit le paysage depuis une voiture, le long d?une crête battue par les vents et bordée de grandes éoliennes. La nuit vient. Le film est ponctué par l?apparition de titres : une filmographie fabulée.

Julien Loustau est né en 1971 à Salies-de-Béarn. Il vit et travaille à Paris.

Pendant ce temps, depuis des siècles, les norias tournent. Elles chantent le courant de l`Oronte. Des bords de Seine, un dialogue les rejoint....

Julien Loustau est né en 1971 à Salies-de-Béarn. Il vit et travaille à Paris.

Le lac Vostok est prisonnier sous les glaces de l?Antarctique, isolé du reste du monde depuis des millions d?années. Cet environnement exceptionnel, privé de lumière, soumis à des températures et des pressions extrêmes, abrite peut-être des formes de vie inconnues.La seule technologie qui permettrait d?atteindre le lac sans risquer de le contaminer serait le Cryobot, une sonde conçue par la Naza pour l?exploration d?oceans subglaciaires sur Mars et sur Europe. En Chine, dans la région des Trois Gorges, on finit de construire le plus grand projet hydroélectrique du monde. Le barrage a déja noyé 600km de vallées, entraînant la disparition de centaines de villes et le déplacement de 1,8 millions de Chinois. Le long d?un voyage nocture sur le fleuve Yangtze, dans l?exploration distante de ses berges en sursis, le film envisage l?odyssée solitaire du cryobot à travers les glaces jusqu?au lac Vostok.

Julien Loustau est né en 1971 à Salies-de-Béarn. Il vit et travaille à Paris.

La conscience collective s'est forgée à travers les siècles, mais le navivre de la société vogue à toute allure sur les mers de la mondialisation. Des voix parfois très anciennes nous mettent en garde sur les risques qu'encourent les hommes, livrés à la démesure. Le film fait entendre des fragments de ces discours, qui de génération en génération, ont porté la ferveur et l’espérance citoyenne, devant une salle vide, symbole de notre désertion devant les réalités, signe de notre capitulation progressive, expression de notre renoncement. Dehors, il pleut de plus en plus et un vent terrible se lève. Le changement climatique est à l'horizon... Augmentez la vitesse!

Ariane Loze, Belgique 1988. Vit et travaille à Bruxelles, Belgique Ariane Loze étudie le développement d’une narration à partir d’images apparemment sans rapport. Dans cette série de vidéos, elle joue tous les rôles : elle est tour à tour actrice, réalisatrice et camera woman. Par le montage, ces images mettent en relation deux (ou plusieurs) personnages et l’architecture. Les videos d’Ariane Loze proposent au spectateur de prendre part à la création de la narration grâce aux principes du montage cinématographique: le champ / contre-champ, la continuité de mouvement, et la suggestion d’une narration psychologique. Le tournage de ces vidéos a été rendu public devenant donc une performance. Ariane Loze a étudié la mise-en-scène au RITCS de Bruxelles et a participé à a.pass (Advanced Performance And Scenography Studies) à Bruxelles. Elle était résidente au HISK (Institut Supérieur des Beaux-Arts) à Gand en 2016-17. Les expositions récentes incluent Videoformes Clermont-Ferrand (2015), Traverse Vidéo Toulouse FRAC Midi-Pyrénées (2015), Medienwerkstatt Berlin (2016), S.M.A.K. Etcetera Gand (2016), Fondation Boghossian Bruxelles (2016), De Appel "You are such a curator !" Amsterdam (2016), "Kunst om de lijf" Emergent Veurne, New York Anthologie Film Archive AXW projection (2017), Watch this space Biennale # 9 Lille-Bruxelles (2017), "Gemischte Gefühle" Tempelhof Berlin (2017), Salon de Montrouge Paris (2018), RIBOCA Riga Biennial of Contemporary Art (2018), Moscow Biennial of Young Art (2108) KANAL Centre Pompidou Brussels (2018), solo exhibition au Centre d’Art Contemporain Chanot, Paris, exhibition at Gallery Michel Rein Paris (2019, Urbane Künst Ruhr – Ruhr Ding : Territorien, commissaire Britta Peters Oberhausen (2019), Solo exhibition De Vereniging S.M.A.K., Ghent (2019), Solo exhibition Gallery Michel Rein Brussels (2019). Les vidéos d'Ariane Loze ont été sélectionnées pour le Prix Movimenta Video Art à Nice (2017) et le Prix Médiatine Brussels (2016) et récompensées au Art Contest Brussels (2015), par la Art For All Society de Macau (2016), Côté Court Festival Pantin (2017), Watch this Space Biennale #9 (2017) and Salon de Montrouge (2018) Ariane Loze sera résidente au ISCP New York sur l’invitation de la Foundation Salomon de janvier à juin 2020.

« Nous n’avons pas besoin de nous connaître à l’avance » est une œuvre vidéo hybride, qui alterne des moments de performance dansée, des images d'archives et des citations textuelles. Gabriela Löffel s'appuie sur l'aspect politique de l'espace public pour construire sa réflexion et développe un essai visuel qui met en scène la "performativité des corps dans cette zone d'action politique". En puisant dans l'œuvre écrite de Judith Butler, philosophe et théoricienne du genre états-unienne qui a travaillé sur la question du corps et de sa représentativité normée dans nos sociétés contemporaines, Löffel donne véritablement une corporéité aux questions soulevées par l'auteure. Les citations issues de l'œuvre de Butler sont données à voir en parallèle aux éléments dansés et archivistiques de la vidéo. La caméra presque fixe permet d'examiner en détail les gestes lents et précis des danseur·euse·s. Les déplacements de l'appareil sont presque imperceptibles, tant ils sont subtils. L'artiste et le chorégraphe Cédric Gagneur ont étroitement collaboré afin de définir les divers mouvements qui composent la chorégraphie : ils proposent une abstraction des gestes de résistance ou de révolte, tirés des images d'archives issues de la collection des Archives contestataires de Genève. La lenteur et le silence habitent la pièce et donnent suffisamment d'espace au corps pour qu'il puisse se déployer de manière individuelle ou en collectivité. L'œuvre propose ainsi une dialectique du potentiel de revendication dans l'espace public. Œuvre coproduite par le Fonds cantonal d'art contemporain, Genève, avec le Fonds d'art contemporain de la Ville de Genève pour le programme MIRE.

Gabriela Löffel travaille principalement avec des médias temporels et se concentre sur les zones grises des structures politiques et financières, ainsi que sur les infrastructures. Le déplacement et la traduction de l’immédiat documenté vers les champs de l’interprétation et de la mise en scène sont des stratégies qu’elle utilise dans son processus de travail. Une méthode qui donne souvent lieu à des projets à long terme et lui permet de créer des espaces de questionnement et de proposer des ruptures avec les récits linéaires. Elle s’intéresse à l’obliquité du sujet et de son contexte. C’est dans ce décalage, induit par sa manière d’aborder les sujets, que son travail ouvre des réflexions sur le sens de la compréhension d’un monde lorsque l’on prend conscience de la fragmentation de nos connaissances. Son travail a été présenté dans des institutions et des galeries dont MAST Bologne, Aargauer Kunsthaus, EMAF Osnabrück, Galería Metropolitana Santiago, Dazibao Montréal, la Biennale Kochi-Muziris et autres. Gabriela Löffel est lauréate du Swiss Art Award, du Lewis Baltz Research Fund, de la bourse Landis+Gyr, ainsi que d'autres.

Blake awakes from a comatic episode for which there doesn't seem to be any explanation. Set in London, the film interweaves his and other characters' discontinued journeys marked by peculiar moments and encounters. At once sober and enigmatic, "The Partition" reflects on singularity, alienation and intangible windows in the wider context of a shifting techno-capitalist environment.

Birgit Ludwig (b. Luxembourg) is a filmmaker and artist based in London. Her films take the form of unconventional dramas or documentaries, interweaving realism and a poetic uncanny. She is a graduate of Central Saint Martins School of Art (BA Fine Art/Phoebe Llewellin Smith Scholarship Award) and Kingston University (MA Experimental Film).

La vidéo est composée de scènes qui décrivent une matinée dans une banlieue de Sud-Californie. Des vues subjectives et observatrices de l'espace et des détails établissent le lieu. Les images et le montage suggèrent un développement narratif fermé du film. Rapidement après qu'il semble qu'un personnage devient établi, une coupure intervient. Les images montrant des opinions subjectives changent l'on peut entendre trois marines US répondre sur leurs conditions de vie en Iraq pendant que les images, elles, restent en banlieue.

Immo Lüdemann wurde 1975 in Düsseldorf geboren und studierte bis zum Jahr 2005 an der Universität der Künste Berlin und dem California Institute of the Arts, Los Angeles, bei Heinz Emigholz, Harun Farocki und James Benning. Seine Arbeiten beschäftigen sich mit strukturellen Problemen des filmischen Erzählens und mit Fragen der narrativen Beziehungen von Bildern. Er lebt und arbeitet in Berlin und Hamburg. Immo Lüdemann was born in Düsseldorf in 1975. Until 2005 he studied at the University of the Arts Berlin and the California Institute of the Arts, Los Angeles, with Heinz Emigholz, Harun Farocki and James Benning. His works deals with structural problems of cinematic storytelling and with questions of narrative relations between images. He lives and works in Berlin and Hamburg.

This work interlinks filmic, installative and performative layers. Joseph Kosuth?s compiled collection of contemporary art in the Freud Museum in Vienna is used as a filmset. Accompanied by a cameraman and sound technician a journalist interviews an artist pacing through the exhibition. The takes of this scene discuss conditions of myths of biographical narration and are being repeated over and over for about 50 minutes. The spectators transform into extras.

born 1976 in Feldkirch (Aut), lives and works in Vienna and Lower Austria 1994 Studies Architecture at the Technical University Vienna. 1996-2003 Studies at the Academy of Fine Arts Vienna. since 2008 Saprophyt, Projectspace (Co-founded with Barbara Kapusta), Webgasse 29, Vienna.

THE MACKEYS evolved out of a six months residency during the MAK Schindler Program in Los Angeles. The Movie A filmic collage on Los Angeles based on former residents?s memories, diary entries, references to art, literature and film. It starts with a young woman talking about a confusion of two movies with nearly identical titles - L.A. Plays Itself and Los Angeles Plays Itself. Subsequently follows a remake of the opening titles to Thom Anderson?s Los Angeles Plays Itself. A couple of minutes later we hear the sound of an helicopter taken from the opening sequence of Robert Altman?s Short Cuts while the camera pans in bird?s-eye view across the hedge?s and front yard of R.M. Schindler?s Mackey Apartment House. A voiceover recites a passage from Memoirs of My Nervous Illness by Daniel Paul Schreber: ?To make myself at least somewhat comprehensible I shall have to speak much in images and similes, which may at times perhaps be only approximately correct. For the only way a human being can make supernatural matters, which in their essence must remain incomprehensible, understandable to a certain degree is by compairing them with known facts of human experience.?

Stephan Lugbauers Arbeiten verbinden filmische, installative und performative Momente. Stephan Lugbauer (geb. 1976 in Feldkirch) lebt und arbeitet in Wien. Studium der Architektur an der Technischen Universität in Wien und Diplom an der Akademie für bildende Kunst Wien. Atelier Residency des BMUKK in Mexiko und MAK-Schindler Stipendium in Los Angeles, Ausstellungen und Performance- Projekte in Wien, Peking, Hong Kong, Los Angeles, Bern, New York, Köln, Las Palmas, Sofia etc. Mitbegründer des SAPROPHYT Project Space in Wien. www.stephanlugbauer.net www.saprophyt.net

Lion’s Court est un court opéra cinématographique dans lequel le Binnenhof — siège du Parlement néerlandais à La Haye — est réimaginé comme une scène virtuelle où l’histoire se dissout dans le mythe. Inspirés par la découverte de restes de lions datant du XIV? siècle sur le site, et par la figure des baleines échouées interprétées comme des présages, Lukács & Broersen ont collaboré avec le compositeur et politologue Bram Kortekaas pour réinterpréter la vision goethéenne de la rédemption dans Faust. Au centre de cette œuvre se tient le lion Faust, interprété par le baryton Michael Wilmering — un despote en quête d’une liberté qui se dévore elle-même, miroir d’une ambition impériale au bord de l’effondrement. Les artistes se sont également appuyés sur les écrits de 1650 de Johan de Witt, Grand Pensionnaire républicain, dont les mots sont portés par la baleine (alto-mezzo Carina Vinke), surgissant des fondations inondées du Binnenhof. De Witt soutenait qu’une véritable république ne doit pas être gouvernée selon les caprices d’un seul, mais fondée sur les principes de liberté et d’égalité — les bases mêmes de la démocratie. Dans Lion’s Court, un hortus conclusus numérique se déploie : un monde fluide et clos où pouvoir, morale et prophétie convergent, et où les mythes du passé résonnent au cœur des politiques du présent.

Margit Lukács et Persijn Broersen sont un duo d’artistes basé à Amsterdam, qui explore les enchevêtrements entre nature, culture et technologie. Leur travail comprend des films, des animations numériques et des installations spatiales qui interrogent la manière dont les médias façonnent notre perception du monde naturel. Diplômés du département de design graphique de la Gerrit Rietveld Academie, ils ont poursuivi un MFA au Sandberg Institute et ont été artistes en résidence à la Rijksakademie d’Amsterdam. La pratique de Broersen & Lukács s’ancre dans la théorie des médias, l’histoire de l’art et la mythologie. S’appuyant sur des sources cinématographiques, scientifiques et historiques, ils réinventent paysages et phénomènes naturels au travers d’environnements numériques stratifiés. Leur travail réfléchit souvent aux politiques de représentation et à l’appropriation de la nature, reconfigurant les récits dominants par des formes de narration fragmentées et multiperspectivistes. Leurs installations et leurs films ont été largement exposés à l’international, notamment au Stedelijk Museum Amsterdam (NL), au Centre Pompidou (FR), à FOAM (NL), au MUHKA (BE), au Centraal Museum (NL), au MacKenzie Art Gallery (CA), à la WRO Biennale (PL), à la Biennale de Sydney (AU), aux Rencontres Internationales (HKW Berlin, Louvre/Grand Palais/CWBP, Paris) et à la Biennale de Wuzhen (CN). En 2024, ils ont représenté les Pays-Bas à la Biennale de Gwangju. Leur film I Wan’na Be Like You a été nommé pour le Tiger Award/IFFR 2024.

Valdas is a talented architectural visionary who left his life unexpectedly ten years ago, and who did not fit into the standard architectural frameworks. As the architect of many of the Centre for Contemporary Art's exhibitions, he spent a large part of his life at the museum. It is here that the artist's daughter Elena walks, having to unload the artist's legacy from the museum. The visit becomes a tender farewell and a touch of her father's work, as well as the projects that were never realised. Dark matter is not only the title of the film, but also the title of the architect's last phase of work: a black as a hole in space sadness and Ozarinskas own words: "We haven't done anything more".

Graduated Russian Institute of Theatre, Music and Cinematography, directing. 1987m. 13 years as a director and producer for national TV. For many years worked in Lithuania as an executive producer for cultural events, film festivals, fashion days. Manager and shareholder of Impar reklama, advertising company, Commercial Director of radio station RADIOCENTER. In 2018 she founded Vegele Films. Lives in Europe.

On December 23, 1957, at 11:10 AM, a US Lockheed T-33 Shooting Star aircraft flown by Major Howard J. Curran left Chateauroux, France, heading for Naples, Italy. Above Turin, the aircraft radio failed and after hitting bad weather with strong winds, the plane veered off its flight path to end up, by mistake, in the sovereign airspace of the People`s Republic of Albania. At 1:28 PM, the intruder was intercepted by the Albanian Air Force Command, which instantly ordered two MiG-15 fighter jets to take off and identify it. By 3:50 PM, the fighters reported that they had spotted the intruder in the area around Rinas Airport, flying at 500-650 km/hr at an altitude of 150-200 m. Prompt countermeasures were taken. The airplane was forced to land and, to keep it from taking off again, the airport was locked down.

Born in 1980 in Tirana, Albania, Armando Lulaj is a writer of plays, texts on risk territory, film author, and producer of conflict images, orientated toward accentuating the border between economical power, fictional democracy and social disparity in a global context. Exhibitions include the Prague Biennial (2003; 2007), Tirana Biennial (2005), 4th Gothenburg Biennale (2007), the 6th Berlin Biennial (2010), the 63rd Berlinale International Film Festival (2013) and the 56th Venice Biennale - Albanian Pavilion (2015).

With references to landscape painting from the Romantic era and to silent film Henrik Lund Jørgensen draws inspiration from the works of the Danish film maker Carl Th. Dreyer in the making of his new video The Recruitment (And Escape) Of A Plastic Soldier (2015). In a cinematic language a narrative arises that exchange concepts as recruitment and flight and for whom it concerns. 

Henrik Lund Jørgensen received his Master’s degree in Fine Arts in 2005 at the Malmö Art Academy, where he also lives and works today. In addition, he has a Bachelor’s degree in photography and a Master’s degree in film. In recent years, he has taught in the Master’s Programme Cinematic processes at Valand Academy of Film at Gothenburg University. Lund Jørgensen has exhibited both in Sweden and internationally, including at the Kunstmuseum Bonn, Kunsthalle Rostock, Museum Kunst der Westküste (DE), Kiasma (Helsinki), Norrtälje Konsthall, Scandinavia House (New York), The Hirschsprungske Collection (Copenhagen) and at the Atelier Nord ANX (Oslo) and was recently a grant holder at the Iaspis program in Stockholm.

The video Area of Use is an illustration of a housewife?s inner thoughts about alternative ways of using her most common working tools. It is also a manifestation of a sealed existence that exposes a mind which gives a sense of being trapped in a treadmill.

Born 1971 in Eskilstuna, Sweden. Currently living and working in Stockholm, Sweden. Artistic education: 1999-00 Royal University Collage of Art, Postgraduate, Stockholm, Sweden 1994-99 University Collage of Arts, Crafts and Design, Art Department, Stockholm, Sweden Artist specializing in animation and since 1994 working almost exclusively with videos, which have been screened at numerous museums, galleries and festivals worldwide. Around 25 videoworks have been created between 1994 and 2009, works that generally are narrative and deal with issues like domestic violence, power structures and human behaviours. Represented with videoworks at several art institutions, among them Moderna Museet in Stockholm and Centre Georges Pompidou in Paris.

The video is a description of two people who are situated in an constant state of present, where the past is continuously fading and the future seems unreachable. It appears as if the woman and the man are unaware of their situation, which amplifies the sense of meaninglessness. "Eternal Start" illustrates a relationship where everything is routine, and every day is the same. Eternity becomes a reflection of a life without meaning, in which they are unable to change their accustomed behaviour. They converse like a record that is stuck, and never gets the chance to develop. The video highlights and gives insight to the importance of having the ability to make new memories, so that life can go on.

Born 1971 in Eskilstuna, Sweden. Currently living and working in Stockholm, Sweden. Artist specializing in animation and since 1994 working almost exclusively with videos, which have been screened at numerous museums, galleries and festivals worldwide. Around 30 videoworks have been created between 1994 and 2010, works that generally are narrative and deal with issues like domestic violence, power structures and human behaviours. Represented with videoworks at several art institutions, among them Moderna Museet in Stockholm and Centre Georges Pompidou in Paris.