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"Piiskaa!" montre une femme en train de nettoyer un tapis. En fait, elle semble plutôt en train de le frapper...est-elle en colère, et pourquoi? Il y a quelque chose de provocant chez une femme forte physiquement; même un rire puissant peut être provocant pour certaines personnes. Les a priori voudraient qu'une femme physique et bruyante soit dérangée, incontrôlable. "La notion de genre est une idéologie vécue - un système d'idée sur les hommes et les femmes avec lequel nous vivons. En tant qu'idéologie vécue, ces idées sont transformées en pratiques corporelles spécifiques. Les différences sexuelles, construites socialement, sont incarnées et vécues comme réelles. Elles sont matérialisées comme habitude et considérées comme acquises, comme une seconde nature." (Bourdieu)

Nina Lassila is a visual artist working mainly with video, performance and photography. She was born 1974 in Helsinki Finland but lives and works in Göteborg, Sweden since 2003. In many of her works she deals with questions of identity ? specifically identity affected by social barriers, conventions based on gender and upbringing and cultural differencies. The field of her interest spans from cultural & political issues to mumbojumbo sciene. She has taken part in several group shows and video festivals mainly in the Nordic and the Baltic countries, but also Germany and Canada. In 2004 she was awarded a Nordic Air residency in Tallinn Estonia by Nifca. In October 2008 she is attending the CAMAC residency in Marnay-sur-Seine in France. She is currently working on soloshows for gallery Formverk in Nyköping (SE) and Gallery SINNE in Helsinki (FIN) and she will participate in the Reykjavik Festival of Culture. www.ninalassila.com

In the middle of Lisbon between Avenue Liberdade and the Natural History Museum lays a little gem of a garden, The Jardim Botânico da Universidade de Lisboa. It was inaugurated in 1873. The garden’s crown jewel is its subtropical collections which has a unique microclimate that enables unique tropical plants to survive. STEM is a film about the migration of plants and the beginning of botanical gardens decay. Years of neglects of the Lisbon University Garden have created a romantic environment where the garden is growing wild. The film investigates the displacement in migration and morphology of plants. And investigates some of the post-colonial environmental ramifications of transfer into new subjectivities of the"other." The film came together as is a collaboration between the filmmaker and the German sound artist Max Schneider. Together they traveled Brazil to sound record 17 unique plants. The film features an interview with professor James Clifford, author of "The Predicament of Culture: Twentieth-Century Ethnography, Literature, and Art" (1988), "Routes: Travel and Translation in the Late 20th Century" (1997), and Returns: Becoming Indigenous in the Twenty First Century" (2013).

Lasse Lau est né au Danemark en 1974. Il vit et travaille actuellement à New York. Il a récemment remporté le Nordic:Dox Award (2018) pour son film « Lykkelaender ». Il a étudié au Media Art Department de la Funen Art Academy (Danemark), à la Hochschule der Künste de Berlin et au Whitney Museum of American Art Independent Study Program (New York). Dans son travail, il traite de questions socio-économiques, de la négociation de conflits et de la notion d’espace à travers le langage cinématographique. Lasse Lau cherche à utiliser l’esthétique comme une structure ouvrant sur de nouveaux chemins dialogiques. Le travail de Lasse Lau a été exposé dans un grand nombre de musées et de galeries, notamment au Westfälischer Kunstverein, à Münster (Allemagne), à la Hamburger Bahnhof (Berlin); au Danemark, au Aarhus Art Museum et à la Brandts Klædefabrik (Odense); il a également été exposé au Musée d’art contemporain de Zagreb (Croatie), à la Biennale de Turin, au Contemporary Museum de Baltimore (USA), et au MoMA PS1 (New York). Lasse Lau est le cofondateur du Kran Film Collective à Copenhague et membre du Camel Collective, collectif d’artistes new yorkais. « Stem - Sound from the Tropical» a été réalisé en collaboration avec Max Schneider, professeur d’art et de musique à la Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig et co-fondateur de l’agence de design sonore Aconica.

The protagonists in the film move through spaces like the desert, the city and the gallery space. All are production spaces of the film and combining different layers of time and contexts with each other. The Film follows the history of the gaze. The focus is on the phenomenon of the afterimage. This so-called phi-effect makes film sequences following a strong color stimulus appear in a complementary color. The effect is based on the fact that the retina continues to briefly perceive an image after the light stimulus and merges it with the following image. The sound sometimes refers to the previously perceived film still in some instances, letting the words speak at a different position. The brain requires a moment to connect what is heard with what is seen. Furthermore, the afterimage links different levels of time, the past with the present moment, which in the next instant is already the past again.

Daniel Laufer is an artist, filmmaker and curator, lives and works in Berlin. He has studied at the HBK-Braunschweig. Laufer is a recipient of the grant of the Arthur Boskamp Foundation for Space concepts, Stiftung Kunstfonds and the Berlin Senat among other awards.His exhibitions include: Artists Space, NYC; KM Gallery, Berlin; Galerie Kamm, Berlin, Kunstverein Harburger Bahnhof, Hamburg; Schaufenster, Kunstverein f. d. Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf; Fridericianum, Kasseler Kunstverein, Kassel; KW Institute for Contemporary Art, Berlin; Jewish Museum Berlin, Kunstmuseum, Bonn; Van Gogh Museum, Amsterdam; Irish Museum of Modern Art, Dublin.

A quadruplet raised on a collie farm explores human-dog behaviors through queer “puppy play,” leading to nuanced discoveries of how people treat people “like animals.”

Lax’s films and video installations have screened and been exhibited at venues including Viennale (Austria), IHME Contemporary (Helsinki), MIX New York and MIX Brasil (São Paulo), table (Chicago), Los Angeles Municipal Art Gallery (LAMAG), Los Angeles Contemporary Archive (LACA), Everson Museum of Art (Syracuse, NY), REDCAT, Film Forum, Winnipeg Underground Film Festival, The Drawing Center (New York), and CROSSROADS (San Francisco), among others. Lax’s organizational projects include those held at Anthology Film Archives (NY), Fellows of Contemporary Art (LA), and Human Resources LA. Lax’s writing has appeared in print and online publications including MARCH Journal, Los Angeles Review of Books (LARB), ArtPractical, and Texte Zur Kunst), as well a catalogue contribution with the Lawndale Art Center (Houston, TX) and a limited edition zine with Inga Books (Chicago).

Dans cette ?uvre, qui mélange mélancolie et intense tristesse, comme un jour nuageux, Oliver Laxe se confronte une fois encore à l'« Autre » et démontre que, au fond, nous pouvons être étrangers en Galice, de même qu?au Maroc ou à Paris. Sans aucun objectif prédéterminé dans le script, Laxe filme la simplicité du fait de regarder. Le récit n'est pas nécessaire, car toute forme de structure risquerait de faire s?évanouir la subtilité de la vie quotidienne. Avec un certain degré de quiétude lyrique et de nostalgie exotique, il fait le portrait, le long de séquences éphémères, d?un groupe d?ouvriers travaillant à la construction du site d?un des stades prévus pour ce qui était censé être Coupe du monde de football au Maroc en 2010. À l'arrière-plan, on discerne un paysage vert, sous des nuages gris, envahi par la structure en ciment du stade. Certains hommes sont en groupe, et d'autres marchent de leur côté.

Oliver Laxe est né à Paris en 1982. Il a vécu à La Corogne jusqu?à ses 18 ans et il a étudié la communication audio-visuelle à l'Université Pompeu Fabra de Barcelone. Il est membre de la plate-forme de cinéma expérimental « No.w.here » de Londres, où il réside depuis un an. Son projet de fin d?études, réalisé avec Enrique Aguilar « les cheminées ont décidé d?échapper » a été choisi pour le Festival de Cinéma de Gijon, a obtenu le prix du festival de Grenade et a été choisi pour l'Échantillon d'Arts Visuels de l'Injuve. Le Bureau de la Culture de Galice a financé son film « Paris #1 ». Il participe à un atelier de cinéma avec un groupe d'enfants socialement exclus, en collaboration avec notamment la Cinémathèque de Tanger. A Tanger il a également rodé sa pièce « La trompette sonne », inclus dans un film en l?honneur de Tarkovski, « Une journée dans la vie d'Andrei Arsenevitch ».

Echoed in a memory-laden house are daily conversations between a mother and her two sons, all seemingly asleep. This autobiographical short, in a hybrid form, chronicles a personal memory from director Le Ngoc Duy's adolescence, using set design and reenactment to reconstruct his childhood home and featuring his mother’s voice as part of the cast.

LE Ngoc Duy (b. 2000) is a Vietnamese filmmaker and a member of A Sông Collective from Danang City. He was trained in filmmaking workshops by doc cicada and New Asian Filmmakers Collective in Cambodia. His works explore the subjects of family and homeland memories, queerness, and young adulthood, often set against historical backdrops and blending nonfictional and poetic elements within fictional narratives. "The House That Stays", Duy’s debut short film, was an official selection at Kaohsiung Film Festival, ZINEBI International Festival of Documentary and Short Film of Bilbao, Uppsala Short Film Festival, and Jogja-NETPAC Asian Film Festival. Currently, he is organizing and co-programming the Cinema Con Nha Ngheo project in Danang.

Le film Yumeji (Pathway to dreams), a été tourné à l?occasion d?un workshop des résidents du Pavillon, laboratoire de création du Palais de Tokyo au Japon en mai 2004. C'est un film collectif qui synthétise à la fois l?expérience de l?exposition à Hiroshima et celle du voyage. Il se présente sous la forme d?un film interactif. Son arborescence permet le passage du film collectif vers des rêves individuels imaginés par chaque artiste.

Le Pavillon est le laboratoire de création du Palais de Tokyo à Paris. La promotion 2003-2004 était composée de Ziad Antar, Louidgi Beltrame, Davide Bertocchi, Sophie Dubosc, Johannes Fricke Waldthausen, Shiho Fukuhara, Agnieszka Kurant, Gerald Petit. Tout au long de l?année, Ange Leccia (directeur), Christian Merlhiot (responsable pédagogique), Jean-Luc Vilmouth (artiste invité) et Pascal Beausse (critique d?art invité) ont accompagné leur réflexion.

Dans l'installation de Joan Leandre, Le kernel, qui est le coeur de la plupart des systèmes informatiques, devient le mythe autour duquel un événement symbolique se coagule, combinant la littérature de voyage, la tradition alchimique, la science fiction, le terrorisme et les théories de la conspiration, la programmation informatique, l?alpinisme, la modélisation 3D et le mapping par satellite, les hallucinations et les révélations. Joan Leandre explore l?imaginaire trouble d?un principe informatique fondamental, indifférent à son usage, militaire ou onirique. L?image elle-même, réalisée par manipulation informatique, change de statut. En même temps que des images, c?est la puissance aveugle du Kernel qui transparait, kernel au nom duquel tous les usages technologiques sont possibles. .

Joan Leandre est née en 1968. Elle vit et travaille à Barcelone. Elle est interprète média et membre des Archives OVNI depuis 1994. De 1994 a 1996, elle a travaillé sur la série d?interruptions média MAP (Mega Assembler Project), à la Fundación Zero et aux Serial Monuments. De 1995 à 1997, elle a participé au projet « Oigo Rom », et en 1998, elle a été associée aux President Archives de Brooklyn (USA). En 1999, elle a travaillé à nouveau avec les logiciels de divertissement de masse et a initié les projets « retroyou (RC) » et « retroyou (nostalG) » ainsi que « Black Boot Project » et la longue série, toujours en cours de réalisation, « retroyou nostalg2 ». « Velvet Strike » est un autre projet collectif auquel l'artiste a participé au cours de ces dernières années.

L'OVNI (Observatoire de la vidéo non identifiée) a été fondé en 1993 par les artistes Joan Leandre, Toni Serra et Rosa Llop à Barcelone. Les archives de OVNI présentent un caractère international et thématique, il s'agit de faciliter une critique de la culture contemporaine en usant de diverses stratégies telles l'art vidéo, le documentaire indépendant et l'archéologie des mass média. Les archives recueillent toute une constellation de travaux disparates dont le dénominateur commun est la libre expression et la réflexion sur les peurs et la place des individus dans les collectivités, construisant et conjuguant une vision multiple, des milliers de petites oeuvres approfondissent et explorent notre monde ou annoncent d'autres possibles. Un discours dont les valeurs principales sont l'hétérogénéité, la pluralité, la contradiction en lesquels la subjectivité se réalise. Pour ce discours, la subjectivité est le seul répulsif au clonage et à la répétition des mass médias corporatifs. Tout au long des différentes éditions, le caractère thématique de cette convocation s'est transformé à travers les différentes sélections des travaux en une lecture, un registre particulier de quelques uns des rêves et cauchemars de notre époque. Ainsi il a pu être vérifier comment le spectre des préoccupations est allé en se concentrant progressivement, participant d'un éventail très développé dans les premiers moments d'OVNI 1993-96 ( développer et explorer les limites du langage vidéo rattrapant la liberté formelle et la thématique de ses débuts), jusqu'à se concentrer sur de plus en plus de thèmes plus spécifiques : l'Identité contre les Médias (1997-98), la Communauté (2000), la Globalisation (2002), les Conséquences du 11 Septembre (2003), les Résistances (2005) ou le Rêve Colonial Zones Autonomes (2006).

L'artiste catalan Joan Leandre est membre d'OVNI (Observatoire de la vidéo non identifiée) depuis 1993. De 1994 à 1996 il travaille sur la série MAP (Mega Assemble Project), Fundacion Zero et Serial Monuments. En 1996, il est l'instigateur du projet Oigo Romo, subventionné par l' Instituto Universitario del Audiovisual qui procure un lieu au Mega Assemble Project MSN ? Adult Playground 1.0. En 1998, il s'implique auprès des President Archives de New York. En 1999, il commence le projet retroyou.org composé pour la série d'interruption de logiciel retroyou RC, retroyou nostal(G), retroyou nostalg2 et la mailing list autoreplicant http://ddtpv-txmx7-bbgj9-wgy8k-b9ghm.org. Ces dernières années il a réalisé de projets en collaboration avec Archivos Babilonia et Velvet Strike.

An exhibition of HD video, digital print and text by Barcelona based artist Joan Leandre. As the second Gallery exhibition in the artist?s extensive history, In the Name of Kernel ! The Magic Line is the third installment of the In the Name of Kernel series, introducing Leandre?s critical practice of media interpretation and reverse engineering to a new audience. The first two films of the series toured internationally to venues such as Sonar Festival, Barcelona 2008, 3rd Moscow Biennial, Moscow, 2009, and Centre George Pompidou, Paris 2009.

"Media interpreter and member of the OVNI Archives since 1994. From 1994 to 1996 I worked on a series of media interruptions called MAP (Mega Assemble Project), Fundación Zero and Serial Monuments. From 1995-1997 I was involved in the Oigo Rom project, and later in 1998 in Brooklyn I was involved with the President Archives. In 1999, I began working again with mass entertainment software and started the projects retroyou (RC) and retroyou (nostalG), and continue to work on the series retroyou nostalg2 and the Black Boot Project. Other collective projects include Velvet Strike and the Archivos Babilonia.? J.Leandre

Depuis 2006, le travail de Joan Leandre porte essentiellement sur l?analyse et la déconstruction de logiciels de jeux, de simulation ou d?entraînement militaire. « In the Name of Kernel ! The Magic Line » est la troisième installation de la série « In the Name of Kernel », nous introduisant dans la pratique critique de Leandre qui s?intéresse à l?interprétation des medias et à inverser cette ingénierie pour un nouveau public. « In the Name of Kernell » regroupe, en un cycle ouvert, ses dernières vidéos. Produites à partir de logiciels dont il modifie les paramètres elles transforment ?une machine à produire du réel en une machine à produire une illusion?. Elles proposent au spectateur une fiction narrative complexe dans laquelle il peut décoder les mécanismes de la fascination technologiques à laquelle nous sommes habituellement soumis, mécanismes qui vont ensuite conditionner notre perception du monde. C?est en ce sens qu?il faut considérer l??uvre de Joan Leandre comme une ?uvre subversive.

Joan Leandre vit et travaille à Barcelone. Il un interprète et un membre d? OVNI Archives(Observatoire de Vidéos Non Identifiées). depuis 1994. De 1994 à 1996, il a travaillé sur une série de piratage des medias intitulée MAP (Mega Assemble Project), Fundación Zero et Serial Monuments. De 1995 à 1997, il a collaboré au projet « Oigo Rom », et plus tard en 1998 à Brooklyn, aux « President Archives ». En 1999, il a commencé à travaillé est les logiciels de divertissement grand public et a commencé le projet « Retroyou (RC) and Retroyou (nostalG) », et il continue à travailler avec la série « Retroyou nostalg2 and the Black Boot Project ».D?autres projets collectifs ont été montés, comme « Velvet Strike » et « the Archivos Babilonia ». Joan Leandre est un interprète des médias, un archéologue de l?Internet. Il y fait des fouilles permanentes et collectionne des données. Il archive sur son propre site quantité d?informations qui sont « oubliées », sur le site d?une entreprise par exemple, ou, au contraire qui ne feront qu?une courte apparition avant de devenir confidentielles ou que leur lecture soit rendue impossible par une évolution technologique qui les rende muettes. Allant au-delà de la convivialité apparente de telle ou telle interface, il tend à faire émerger une prise de conscience de ce que la machine est capable de nous faire faire grâce à notre du pouvoir du conditionnement idéologique dans lequel nous plongent les images pour la compréhension du réel qui est le nôtre aujourd?hui. Depuis 2006, le travail de Joan Leandre réside essentiellement sur l?analyse et la déconstructionde jeux video, de logiciels de simulation ou d?entrainement militaire. Son travail a été montré au Sonar festival, Barcelone, au Transmediale, Berlin ; à la Whitney Biennial du Whitney Museum of American Art, New York, au Centre d?art contemporain Laboral, Gijon, à la biennale de Moscou, et au ZKM, Karlsruhe.

?Retroyou_nostal(g)? est un projet de recherche logiciel dont le but est de transformer les programmes originaux en environnements simulés autogérés. Les conditions de quatre programmes de simulation de vol sont modulées de sorte qu?ils ne puissent quasiment plus être contrôlé par de vrais pilotes. Prix Ars Electronica 2006, Mention Honoraire Art Interactif

L'artiste catalan Joan Leandre est membre d'OVNI (Observatoire de la vidéo non identifiée) depuis 1993. De 1994 à 1996 il travaille sur la série MAP (Mega Assemble Project), Fundacion Zero et Serial Monuments. En 1996, il est l'instigateur du projet Oigo Romo, subventionné par l' Instituto Universitario del Audiovisual qui procure un lieu au Mega Assemble Project MSN ? Adult Playground 1.0. En 1998, il s'implique auprès des President Archives de New York. En 1999, il commence le projet retroyou.org composé pour la série d'interruption de logiciel retroyou RC, retroyou nostal(G), retroyou nostalg2 et la mailing list autoreplicant http://ddtpv-txmx7-bbgj9-wgy8k-b9ghm.org. Ces dernières années il a réalisé de projets en collaboration avec Archivos Babilonia et Velvet Strike.

Earthwork’s screen is positioned flat on the floor, facing upwards. The visitor, looking down, gets a bird’s-eye view of a suburban landscape in which there are destroyed buildings, damaged roads, fences, and gardens. The image suggests a world that has undergone massive disruption. It is unclear whether accident, entropic forces, or warfare has caused this result. Superimposed upon Earthwork’s devastated landscape is another smaller image that presents the viewer with an alternative framing the site. We see diagrams: symbols of what might be location coordinates, suggesting an ongoing search for boundaries, and an intention. The two images appear to be attempting to “ line-up ”, but this is never achieved. The title, Earthwork, references the American Land Art movement of the 1960s; Leber and Chesworth’s videowork further explores Robert Smithson’s concept of the “ non-site ”. A non-site is an artwork situated in a gallery that metaphorically represents a remote actual site. As Smithson suggests “ the site is evading you all the while its directing you to it ”.

Sonia Leber and David Chesworth are known for their distinctive installation artworks, using video, sound, architecture, and public participation. Developed through expansive research in places undergoing social change, Leber and Chesworth’s works are speculative and archaeological, responding to architectural, social, and technological settings.

‘Where Lakes Once Had Water contemplates how the Earth is experienced and understood through different ontologies – ways of being, seeing, sensing, listening and thinking – that reverberate across art, Indigenous thought, science, ancient and modern cultures, and the non-human.’ Sonia Leber and David Chesworth travelled with a team of Earth and environmental scientists who are investigating changes in the climate, landscape and ecology over 130,000 years. Their journey took them to Australia’s Northern Territory, to spectacular yet challenging environments, from locations of long-term aridity to lush, green waterways. Where Lakes Once Had Water channels the experience, where Indigenous rangers, Elders and community members collaborate with scientists. Working across the ancient shorelines, everyone is receptive to the signs, signals and rhythms of the land. Meanwhile, non-human cohabitants continue their struggles for survival. Leber and Chesworth deploy video as a tool, scanning tree lines, erosions, termite mounds, and the effects of water, sun and fire. Their disquieting sound design encompasses natural and human-made sounds, and the hidden signals and energies that exist beyond human hearing. The project is a journey across audio-visual realms, scientific endeavour and Indigenous knowledge – a coalescence of efforts to understand the ancient land. "Where Lakes Once Had Water" was commissioned by the Australian Research Council Centre of Excellence for Australian Biodiversity and Heritage (CABAH) in association with Bundanon. It was filmed on the lands and waters of the Mudburra, Marlinja, Jingili, Elliot, Jawoyn and Larrakia communities in Northern Territory, with additional filming and editing on Barkandji, Dharawal, Djabugay, Yidinji and Wurundjeri Country. University of Wollongong Art Collection, Australia.

Australian artists Sonia Leber and David Chesworth are known for their distinctive video, sound and architecture-based installations that are audible as much as visible. Leber and Chesworth’s works are speculative and archaeological, often involving communities and elaborated from research in places undergoing social, technological or local geological transformation. Their works emerge from the real but exist significantly in the realm of the imaginary, hinting at unseen forces and non-human perspectives. Leber and Chesworth’s artworks have been shown in the central exhibitions of the 56th Venice Biennale: All The World’s Futures (2015) and the 19th Biennale of Sydney: You Imagine What You Desire (2014). Solo exhibitions include What Listening Knows, Messums Wiltshire, UK (2021) and the survey exhibition Architecture Makes Us: Cinematic Visions of Sonia Leber & David Chesworth, Centre for Contemporary Photography, Melbourne, Australia (2018) touring to Griffith University Art Museum, Brisbane (2019) and UNSW Galleries, Sydney (2019).

"Celui qui n`accepte pas de se laisser égarer n`empruntera jamais que des chemins déjà tracés: il risquera de manquer celui qui le concernerait en propre. A moins qu`il ne sabote tous les chemins, les coupe et les embrouille." L?égarement de mes personnages dans « Nuit Bleue » s?imprègne de la pensée du philosophe Jean Toussaint Desanti ; mes émotions visuelles tentent de l?illustrer. A. LECCIA

Ange Leccia est né le 19 avril 1952 à Minerviù en Corse. Artiste plasticien, il a été pensionnaire de la villa Médicis à Rome en 1981-1983, puis résident à la villa Kujoyama à Kyoto en 1992-1993. Professeur à l?École Régionale des Beaux-Arts de Grenoble de 1985 à 1997, puis à l`l?École nationale supérieure des Beaux-Arts de Cergy de 1997 à 2000, il est actuellement directeur du Pavillon, le laboratoire de création du Palais de Tokyo. Ses oeuvres ont été exposés dans de nombreux musées (Guggenheim, Centre Georges Pompidou) et manifestations (Kassel, Sydney) en France et à l`étranger et il a réalisé de nombreux films dont Ile de Beauté (1996) et Gold (2000) avec Dominique Gonzales-Foerster, ainsi que Azé (2004) ou encore La déraison du Louvre (2005).

Le scénario de "Il y a beaucoup de joie aussi" s'appuie sur des conversations avec un petit garçon atteint du syndrome d'Asperger. Le scénario devient un dialogue fictif entre la mère et le petit garçon. Ils ne se rencontrent jamais à l'écran, ils sont montrés chacun dans leur chambre, côte à côte. Le petit garçon raconte ses rêves pendant que la mère se confie quant à ce qu'il en est de la vie avec un enfant différent.

Johanna Lecklin étudie à l'Académie des Beaux-Arts d'Helsinki en Finlande. Les sujets qu'elle traîte sont la narration, le documentaire et la performance vidéo, très proches de sa pratique artistique. son parcours inclut un échange Erasmus à Slade, l' école des Beaux-Arts à Londres en 1998/99, l'obtention de son diplôme à l'académie des Beaux-Arts d'Helsinki en 2003. elle a aussi participé à un film et à des festivals vidéos comme le Raindance film Festival de Londres, "bzzz" Pépinières européennes pour jeunes artistes au 18ème festival international des programmes audiovisuels de Biarritz en France en 2005, au festival Kasseler Dokumentarfilm et videofest en Allemagne en 2004. Elle a fait plusieurs shows seul et en groupe dans des musées en Finlande et à l'étranger. En 2001 elle gagnait le premier prix de l'Association d'Artiste finlandais.

Jean-François Lecourt est né dans le Perche le 3 Novembre 1958, au sein d’une famille d’agriculteurs. Il entre à 17 ans à l’école des Beaux-Arts du Mans où enseigne Gina Pane, une des artistes fondatrices du mouvement de l’art corporel. Parallèlement, il suit l’éducation d’un Maître d’Arts Martiaux en Karaté Do (la voie des mains nues) de l’école Shotokan, et s’adonne assidûment aux pratiques du Tir à l’arme à feu et du Tir à l’arc. Sa démarche est basée sur l’analogie et l’identification. Une méthode qui le conduit à la découverte de l’aspect cyclique et symétrique des processus de tir et de photographie ; d’où le concept majeur de son œuvre : Le Tir dans l’appareil photographique.Cet acte artistique est un cérémonial immuable qu’il pratique depuis 1977. Il ne s’agit pas pour lui d’illustrer une névrose autodestructrice mais de tenter, en un retour immédiat, d’abolir l’arrêt fatal du cliché. La photographie est donc ici un Art martial. Comme dans le Kuy-Do, la cible à atteindre est soi-même, le but étant la réalisation au présent de celui qui pratique. Une nouvelle création vidéo de 2010 implique une série de films qui mettent en jeu l’autoportrait, la détonation, effondrement et la renaissance du paysage, ce travail s’intitule « Les tirs dans le miroir ».

La situation politique du Venezuela comme un documentaire asymétrique qui montre l?espace public et privé dans la capitale, Caracas. La peur constante comprise par l?instabilité politique et l?incapacité du gouvernement à garantir la sécurité publique a participé à la montée ces dernières années d?une industrie de la sécurité ménagère qui a reformé l?espace public et l?espace privé. Les grilles en fil barbelé ou électrique sont les nouvelles décorations à la mode dont toutes les maisons doivent être équipées afin d?être protégée de l' ?autre ?. Caracas en un endroit où la nature, les Hommes et la panique semblent pouvoir cohabiter dans une harmonie sous tension.

Alejandro Lecuna a commencé sa carrière dans les arts comme apprenti d?un artiste opus vénézuélien Carlos Cruz Diez. Il a étudié l?esthétique graphique à l?Instituto de de Diseño de Caracas et à la School Of Visual Arts Of New York avec le professeur Milton Glanzer, professeur Tony Palladino et Pr. Ed Benguinat. Il a récemment terminé ses études en communication visuelle et art vidéo à l?université des arts de Berlin avec les professeurs en art vidéo Maria Vedder et Holger Matthies (Univesität des Künste). Il est pour le moment Mainsterschüler (étudiant en master) avec Pr Vedder. Dans le monde professionnel, son expérience repose dans le domaine du design numérique et imprimable pour les grandes entreprises. Il a travaillé pour plusieurs compagnies comme SME qui détient la marque FDTdesign à New York et Frogdesign en Allemagne. Parmi ses clients et ses projets l?on peut compter Coca-Cola, DaimlerChrysler, Smart, Consors, NHL, NFL, NBA et le label de musique de David Byrne Luala Bop. Dans le monde de l?art, son travail vidéo a trouvé un espace sur la scène nocturne berlinoise. Ces travaux les plus récents comprennent de spectacle "Dis-appearances" en 2004 dans le Opel Haus à Berlin Friedrichstrasse (catalogue) et le 48 Stünden Neu-Koln Kunst un Kultur Festival. Il a concentré son art dans l?utilisation de l?espace publique comme objet et objectif de son travail. Il est aussi un chargé de cours régulier à l?école d?art et d?esthétique au Venezuela.

Cinq histoires différentes comprennent une seule vignette de quatre vingt dix secondes. Chaque conte illuminant un élément de la vie d'un défunt durant la veille funéraire. Une méditation sur la notion bouddhiste de réincarnation, "5x90: the wake" est un regard entendu et avisé sur une famille interraciale qui fait face à une mort en son sein.

Les oeuvres de Samuel Kiehoon ayant été récompensées sont le documenatire court "How to make Kimchi according to my Kun-Umma", le récit expérimental "5 x 90: the wake" et "Hannah".

An Ealing Trilogy is a response to selected portraits from the collection of the National Portrait Gallery, London. Commissioned by the gallery, the film re-invents the lives of inspirational people who have links to Ealing, West London including Dusty Springfield, Charlie Chaplin and Freddie Mercury. Tableaux imagery is combined with an abstract soundscape to create a captivating slow motion film portrait of people and places from a west London borough.

Eelyn Lee is an award-winning artist-filmmaker who had works screened across London including Tate Modern and Whitechapel Gallery as well as internationally in Paris, Berlin and Toronto. Using processes of devising and collaboration her films use rich imagery and soundscapes to tell multi-layered stories about people and place. She is interested in groups of people, both in the making of the work and the subject of the work itself. The vision, energy and experience she brings to the creative process builds an environment conducive to making bold and original work. www.eelynlee.com