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Deux jeunes hommes sont installés dans le désert. Aucune âme à l’horizon. Ils attendent le retour d’un troisième homme parti en éclaireur. Les deux équipes restent en contact grâce à des radios. L’éclaireur explique le chemin qu’il accomplit, et l’étendue désertique toujours plus vaste devant lui. Il raconte l’espoir qu’il place dans chaque pas qu’il fait. Les deux jeunes hommes restés en arrière écoutent ; ils projettent leurs espoirs dans le futur et l’autre côté du désert. Mais la qualité du signal radio commence à faiblir. Des crépitements se font entendre sur la liaison. De plus en plus fortement. D’abord indéchiffrable, la voix finit par disparaître. Les deux jeunes hommes se retrouvent dès lors seuls et sans nouvelles. Doivent-ils se lancer en avant ? Rester où ils sont ? La réponse qu’ils imagineront est finalement un paradoxe : que croire est aussi essentiel qu’est la conscience que croire est vain.

Après deux années passées à la Faculté de théologie protestante de Genève, Romain Kronenberg étudie la théorie musicale, le Jazz et la composition électro-acoustique au Conservatoire Supérieur de musique de Genève. Entre 2001 à 2005 à l’IRCAM où il est compositeur et sound designer, il collabore avec des plasticiens tels que Ugo Rondinone, Pierre Huyghe, Melik Ohanian et Thierry Kuntzel qui l’ouvrent à la vidéo. En 2005, il présente sa performance Dérive à la Fondation Cartier et au Palais de Tokyo, à la fois concert et tournage de la vidéo éponyme au style contemplatif et hypnotique mettant en scène l’actrice Audrey Bonnet avec laquelle il travaille depuis régulièrement En 2007, il est artiste en résidence au Palais de Tokyo puis en 2009 à la Villa Kujoyama. Depuis son retour du Japon, il travaille comme réalisateur, compositeur et plasticien. Dans ses projets récents, à la fois rigoureux et ambigus, Romain Kronenberg travaille sur l’idée de renouvellement (et de renaissance) qui saisit un monde en plein changement de paradigme. Il imagine des récits où coexistent, sans manichéisme ni même rapport dialectique mais plutôt en surimposition, des notions opposées, incarnées soit par des territoires ou par des personnages.

The film follows the journey of Alex, an Ultras member, in his hometown Sfax,Tunisia, while visually representing his inner thoughts, feelings, frustrations and ideas to showcase the impact and influence of the Ultras movement on the city's urban scene and culture.

Youssef Ksentini is a film director and a visual artist from Sfax, Tunisia. In 2009, he started experimenting with street art, design and music production with his underground local Ultras group before starting studying film directing and screenwriting. He got his master degree in Tunis in 2015, won 48HFP Tunis twice in 2014 and 2016 and was involved in other projects as a film director before leaving in 2018 to NYC, USA on an art visa where he spent two years there and wrote and directed two short films. In 2021 he moved to Paris, France to get a professional master degree in contemporary art market at IESA.

A trip to Las Vegas and a hike down a red carpet of star trodden footprints highlights this glimpse of glamorous glitz as flash bulbs pop to ignite titans of tinseltown as they rub shoulders with brethren of lower voltage.

George Kuchar ranks among the most exciting and prolific independent videomakers working today. With his homemade Super-8 and 16mm potboilers and melodramas of the 1950s, ?60s, and ?70s, he became legendary as one of the most distinctive and outrageous American underground filmmakers. After his 1980s transition to the video medium, he remained a master of genre manipulation and subversion, creating dozens of brilliantly edited, hilarious, observant, often diaristic tapes with an 8mm camcorder, dime-store props, not-so-special effects, and using friends as actors and the ?pageant that is life? as his studio. In 1992, Kuchar received the prestigious Maya Deren Award for Independent Film and Video Artists from the American Film Institute. He teaches at the San Francisco Art Institute, where he makes many of his tapes in collaboration with his students. "The best for last, though: the filmmaker George Kuchar... When the day arrives--and it will--to appoint an official United States cultural ambassador to Outer Space, Mr. Kuchar is the obvious choice. I will say no more. See his films. He is beyond enigmatic. He is "it." I salute him." --Holland Cotter, Review of "Good Morning Midnight" exhibition at Casey Kaplan Gallery, The New York Times, July 27th 2007 All title descriptions courtesy of George Kuchar.

GAS IS OVER, a boy's dreams revolve around one particular lake. His dreams seem as if they are about to come true when he sets off for the lake with his father. However, their journey is riddled with challenges and the boy’s father struggles to keep his promise.

Palestinian contemporary artist and filmmaker Shadi Habib Allah takes us with him on an unlikely journey of discovery ‘ at gunpoint across the Sinai Peninsula, led by Bedouins who will force us across an unmapped terrain whose only signposts are the small stories they tell about the stakes of living, dying, and moving through this mysterious space. Stories, itineraries, directions, and allegiances become as blurred as the status of the Bedouins themselves, who remain unrecognized non citizens of this no man’s land, through which Habib Allah is led ‘”behind the lines of military checkpoints, off the political, economic, and historical grid, a place where these desert outliers quietly continue their lineage with the help of snakes”.

The virtual installation undressing giants is a conglomerate of a shedding cycle’s remains. An abandoned shell of a past consciousness – an abstract organism of creation that is already left behind by its host. Visitors are the protagonists of the installation’s eerie space. They become players as they take a first-person point of view while cruising around the floating parts of this entropic, fragile yet solid, ultimately unknown body. Travelers, who – called by the sirens of this virtual landscape – are unable to resist the urge to seek action and look for treasures in the seductive, bottomless void of the installation’s reality.

T(n)C was founded in 2017 by Agnes Varnai and Tina Kult. They live and work in Vienna and experiment with a wide range of media, including virtual reality, 3D, installation and fashion. By combining the different disciplines, they are researching immersive experiences to connect the digital and physical levels of realities. T(n)C believes in the power of joint efforts. Their aim is to expand the practices of collective storytelling with a collaborative approach.

Family Maker is a computer application that uses the macOS interface to convey family dynamics across cascading sequences of gray application windows that users operate in order to unlock mysteries of being in a family. The application might be read as a portrait of the artist’s family, but it doubles as a working model of family life, populated by windows with names such as Ego and Trauma that prompt association-making. The work has been conceived as a puzzle box to unlock and explore, and as a poetic support that can give form to the unnameable. Family Maker is assembled using a runtime engine, and its dynamics are simultaneously built and enacted. As such, the creative process itself is akin to diagramming and inhabiting the family. A user of the application experiences much of how it was made. Each clickable button and slider is loaded with references to past states and future consequences. It is presented as a regular software application that can be multitasked with other tasks, such as monitoring email and scanning for viruses. As the family is a process, future versions may be created. The work is distributed by Left Gallery.

Ryan Kuo is based in New York and is currently a resident in the Queens Museum Studio Program. He received a Master of Science in Art, Culture and Technology from MIT in 2014. His work is often process-based and diagrammatic, utilizing techniques from video games, productivity software, web design, motion graphics, and sampling. It tends to invoke a person or people arguing. Among his current projects, Ryan is building an artist’s book about aspirational workflows, File: A User’s Manual, modeled after software guides for power users. His works and writing have most recently appeared at the Current Museum of Art (NYC), Equity Gallery (NYC), Front/Space (Kansas City), Spike Art Quarterly (Berlin), Goldsmiths (London), Carpenter Center for the Visual Arts (Cambridge, MA), Boston Cyberarts (Boston), MIT Media Lab (Cambridge, MA), and Minibar (Stockholm). He was a resident artist at Residency Unlimited (NYC) in 2017.

Four communist agitators return from a successful mission in China to Moscow and are congratulated for their efforts by the Central Committee (The Control Chorus.) The four agitators, however, inform the committee that during their mission they were forced to kill a young comrade for their mission to succeed. The committee withholds its verdict until after the four agitators re-enact the events that led to the young comrade’s death. The agitators tell of how they were sent on a mission to educate and help organize the workers in China. The director of the party house (the last before the frontier) helps the four agitators and the young comrade in the obliteration of their true identities. They are told to keep concealed that they are communist, for their discovery would endanger the mission and their lives. However, once in China, the sights of injustice and oppression enrages the young comrade on several occasions, when he is time and time again not able to contain his passion, immediately acting to correct the wrongs he sees around him. As a result, he eventually exposes himself and proclaiming the teachings of the party. There, the agitators debate on what to do with him.

Can Kurucu is a filmmaker and artist focused on the sphere of the political image and its consequences. Can's work provides an insight into how digital images are made and what they represent, exploring the political and scientific elements that shape them, and reflecting on the image-making process and the deeper meanings behind the images within these broader contexts. Mariam Aslanishvili is an artist, photographer, and musician based in Berlin. Her artistic practice revolves around the exploration of human perception and the construction of realities, with a particular focus on translating personal experiences into the language of experimental cinema. Jack Hogan is a filmmaker from Waterford, Ireland. Their work focuses on the rich sociality of everyday life, foregrounding friendship and what constitutes good shared lives and places. Matthias Planitzer is a visual artist and doctor who explores scientific and political visual spheres and how they are rooted in their contexts.

Dans le vide d'un paysage, un être humain grimpe sur les rochers pour tester son équilibre, trois pas en avant et trois dans le vide.

Antonella Kurzen, naît en Suisse en 1966. Elle entame ses études artistiques aux Etats Unis et les poursuit en Suisse, en Italie et en Allemagne. Elle entreprend ensuite des études dans le domaine de la cinématographie. Depuis 1998, elle travaille comme réalisatrice freelance et, depuis 2002, comme vidéaste également. Ses dernières vidéos sont des élaborations des conditions psychologiques observées en milieux naturels, transformées selon les intentions, en espaces réduits.

The project is about the transforming cityscape of Kazan, the millennium old capital of the Republic of Tatarstan in Russia. With the brand-new buildings and anime costume characters “ Transformers ”, I visualized my impression of this fast-growing modern multicultural city, located in the middle Volga, about 600 km east from Moscow. In Kazan, newcomers would soon notice the futuristic bizarre architecture scattered around the city’s center. Those buildings are somewhat reminiscent of the contemporary but ambiguous glittering architecture in Kazakhstan’s capital Astana and Turkmenistan’s capital Ashgabat in Central Asia. In Kazan’s city center, visitors would also notice awkward-looking costume characters like ones from American-Japanese robot anime “ Transformers ” giving out leaflets or getting pictures taken with kids for money. Kazan is home to Tatars, a predominantly-Islam Turkic people, but it is more complex and unique, as Tatar, Russian and Soviet cultures have been intertwined in the past centuries there. Now, western capitalism gets mixed with this cultural melting pot, bringing even “ Transformers ”to the city and turning parts of the cityscape a little Disneylandish. Kazan is still in the process of this intricate transformation. This project demonstrates my vision of this transforming multicultural city located near the edge of geographical Europe.

After growing up in Japan, studying in journalism in the University of Missouri, Columbia, and living in Romania for a year, Ikuru Kuwajima has been living and working on visual documentary and art projects mainly with photography in various post-Soviet countries (Ukraine, Kyrgyzstan, Kazakhstan and Russia) in the past 10 years. After three years in Kazan, he now lives in Moscow, Russia, continuing personal projects. His artist books “ Tundra Kids ” and “ Oblomov ” were published in Vienna in 2015 and in Moscow in 2017, respectably.

Une silhouette féminine vêtue d?une très courte robe noire moulante à paillettes, se tient debout, devant un fond noir. La perruque noire qu?elle porte est à l?envers. De ce fait, les longs cheveux brillants et ondulés tombent vers l?avant et recouvrent ses seins. Un son techno cadencé démarre et se développe peu à peu. La silhouette soulève deux pompons et commence à se balancer en suivant le rythme. Le refrain répétitif « Control your body. Let the beat control your body - com?on dance with me » l?entraîne dans une agitation de plus en plus hypnotique. Au début, la silhouette paraît presque insignifiante et ridicule. Elle est un persiflage des filles techno : apparence voyante, cheveux ondulés, formes généreuses. Lorsqu?elle commence à bouger sur le rythme, ça a l?air bizarre. Mais petit à petit, on se laisse envoûter. Les paroles répétitives de la chanson semblent sortir de sa bouche et donnent l?impression que c?est elle qui les maîtrise et qu?elle ne fait pas que leur obéir. Tout à coup, elle nous balance des signes et des mots: extra, highlights, make up, generation, ultra, image, fondation, maximum, overdose, yeah. Ce sont les signes de la modernité, de la séduction, du masque. Ce sont les mots-clés de notre quotidien qui nous sont insufflés. En bougeant et en agissant ainsi, elle nous apparaît peu à peu comme une idole ; dans le sens archéologique du terme, autrement dit, comme un objet vénéré. Elle devient une vraie idole de la musique pop, une Vénus de Willendorf du disco. Les pompons qui servent habituellement à encourager les équipes dans les stades américains, elle les utilise pour nous coacher, nous hypnotiser. Elle nous répète sans cesse : contrôle-toi, laisse-toi contrôler.

1993-99 Etudes à l?Ecole Supérieure des Arts Appliqués Saar avec les Pr. Ulrike Rosenbach et Pr. Bodo Baumgarten, Pr. Horst Gerhard Haberl 1997 Création du Duo d?Artistes Stoll & Wachall 1999 Diplôme et Conservatoire à l?ESAASaar 2001-03 Enseignement à l?ESAASaar

Television images of politicians being interviewed show us different worlds of perception. While the politician speaks to reporters, the bodyguard concentrates on potential dangers in the surrounding area. The viewer becomes witness to two parallel worlds, yet is inclined to pay more attention to the politician, who speaks outwardly to matters of public interest. The bodyguard brings to the situation a dramatically greater intensity, but one that is directed inward. He is deep in concentration, communicating through a small earpiece with a network that remains hidden from the viewer. The images are characterized by this contrast, which endows them with a particular tension. The video shifts the focus onto the bodyguard`s inner perception.

Tilman Küntzel *1959 Studium der Freien Kunst an der Hochschule für Bildende Künste Hamburg bei Claus Böhmler und Henning Christiansen. 1992 ? 1993 Studium der systematischen Musikwissenschaft an der Universität Hamburg. 1993 DAAD Stipendium bei Allan Kaprow an der University of California, San Diego, Kalifornien. 2002 Preisträger erster deutscher Klangkunstpreis Skulpturenmuseum Marl. 2004 Initiator der Symposiums mit Ausstellung und Konzerte ?Stare über Berlin? -Ästhetische Analogien des Vogelsangs. 2006 Initiator des Projekts ?World Cup 2006 Radio Commentaries in Native Tongues Synchronous Recordings?. 2007 Gastdozentur ?Klangkunst? an der Universität der Künste Berlin, Fakultät 01 Bildende Kunst. Tilman Küntzel lebt in Berlin.

The spectator follows the protagonist through a city one dark winter night. Where is she going? Why do we follow her? The city in the dark and the woman in the night provokes an eerie atmosphere, - without the film giving any answers to why. This unsolved story is based upon how we are seen and interpreted in the public sphere. All images are from urban places and contain a subtle doomsday thematic as a sweeping tone through the film.

Kvalvik has exhibited her work internationally including Göteborg International Biennial for Contemporary Art, Overgaden Institute for Contemporary Art; Copenhagen, LOOP Film Festival; Barcelona, Center for Contemporary Art; Glasgow, GalleriBOX; Akureyri, Galeria Miroslav Kraljevic; Zagreb, Kunsthalle Exnergasse; Vienna, Parkingallery; Tehran, Västerås Konstmuseum, Høstutstillingen Kuntnernes Hus; Oslo and Abandoned Gallery; Malmö.

"Distant Landscape" consists of images of landscapes in which traces of movement of the film`s narrator are recognisable within the desolate surroundings. Short texts roll over the images, telling the story of someone in a close and sensual relationship with nature.

Kristina Kvalvik (b.1980) is a Norwegian visual artist currently based in Copenhagen, Denmark. She studied film and fine art in Norway, Sweden and Canada, and completed her MFA at Malmö Art Academy (SE) in 2008. Her work deals with matters relating to surveillance, the inexplicable and the threatening. She examines the limitations of sight and our ability to interpret what we see. Kvalvik has exhibited her work internationally including Göteborg International Biennial for Contemporary Art, Overgaden Institute for Contemporary Art; Copenhagen, LOOP Film Festival; Barcelona, Center for Contemporary Art; Glasgow, GalleriBOX; Akureyri, Galeria Miroslav Kraljevic; Zagreb, Kunsthalle Exnergasse; Vienna, Parkingallery; Tehran, Västerås Konstmuseum, Høstutstillingen Kuntnernes Hus; Oslo and Abandoned Gallery; Malmö.

« Scent » est une installation vidéoludique cinématographique dans laquelle le joueur, devenu chien, erre dans une ville ravagée par la guerre, recueillant les âmes des morts. En marchant, en courant et en vous dissimulant au milieu d’atrocités en cours, le jeu vous plonge dans une expérience sensorielle brute faite de peur, d’obscurité, et de brefs moments d’espoir. Débarrassé de tout repère historique ou géographique précis, Scent interroge ce que signifie être témoin sans pouvoir.

Travaillant à l’intersection du cinéma et du jeu vidéo, l’artiste Alan Kwan crée des expériences immersives qui évoquent des sentiments de chagrin, de peur et de sublime. En juin 2025, il a présenté son dernier jeu vidéo, Scent, au Tribeca Festival à New York et à Animafest Zagreb. Une première version du projet avait reçu une Mention d’honneur au Prix Ars Electronica. Entre 2022 et 2024, il a initié et dirigé le développement de The Eyes, une expérience cinématographique en réalité virtuelle réalisée en collaboration avec Kachi Chan, présentée au SXSW Sydney. Ses autres projets ont été exposés internationalement dans des lieux tels que l’Ars Electronica Center (Autriche), le ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe (Allemagne), le International Bauhaus Colloquium (Allemagne), le Forum des images (France), la Science Gallery Dublin (Irlande), le Nam June Paik Art Museum (Corée), le Museum of Contemporary Art Shanghai (Chine), le musée M+ (Hong Kong) et les Pearl Lam Galleries (Hong Kong), entre autres. Son travail a été présenté dans des médias tels que Discovery Channel, Popular Science et le Boston Globe. Originaire de Hong Kong, Kwan a obtenu son master au MIT et réside actuellement à Chicago, où il est professeur assistant à la School of the Art Institute of Chicago.

489 Years a pour sujet la Zone Coréenne Démilitarisée (DMZ), créée en 1953, qui sépare physiquement la Corée du Nord et la Corée du Sud. La bande de terre est longue de 248 km, large d’environ 4km. Selon les données du Ministère de la Défense de la Corée du Sud publiées en 2010, il faudrait 489 années pour enlever toutes les mines qui ont été placées sur cette frontière. Le film repose sur le témoignage d’un ancien soldat de Corée du Sud. Il est le narrateur qui donne accès à un endroit où « l’homme est interdit et où la nature a repris ses droits ».

Hayoun Kwon est née en 1981 à Séoul, en Corée du Sud. Elle vit et travaille à Châteauneuf-sur-Cher, Paris et Séoul.

librement inspirée du village de propagande nord coréen, Kijong-dong, Hayoun KWON révèle un « lieu-décor » et nous plonge dans la fiction, accomplissant son voyage par procuration. 
Le film témoigne de ce village fantôme dans son véritable état : un mécanisme de fiction. La réalité d’une frontière face à sa mise en scène... Un village inatteignable autrement que par l’imagination.

Hayoun Kwon est née à Seoul (Corée du Sud) en 1981. Elle a commencé ses études d’art à l’Ecole des Beaux-Arts de Nantes, puis a été diplômée du Fresnoy – Studio national des Arts contemporains en 2011. Le travail de Hayoun Kwon traite principalement de la mémoire (individuelle comme collective) et des limites en ne cessant de brouiller les pistes. Elle confronte l’intention à son interprétation, la construction à la fiction, la remémoration à l’invention. Elle interroge les rapports ambivalents entre réalité et fiction, entre théatre et réel.

Au-dessus de l`Atlantique, des dormeurs ont été scanné manuellement par l’artiste le long du couloir d`un avion long-courrier. Le film se présente comme un lent travelling sur une réalité que l`on identifie immédiatement mais qui est déchirée par les failles du processus de captation. Les corps, les objets ne sont donc que partiellement recomposés par le logiciel et donnent lieu à un plan cinématographique ainsi qu`à la vision d`accidents de la substance-image.

Eva L’Hoest (1991, vit et travaille à Bruxelles), est issue d’une génération qui est née en même temps que les développements exponentiels de ce qu’il devient désuet d'appeler “ les nouvelles technologies ”. Cette jeune artiste formée à l’atelier Vidéo de l’ESAVL-Académie des Beaux-Arts de Liège (Jacques-Louis Nyst) s`est très vite tournée vers l`exploration de pièces inédites en réalité virtuelle ainsi que des impressions 3D sur lesquelles elle intervient manuellement. Au fil de ses pièces, Eva L’Hoest propose une analyse de la morbidité contenue au coeur du virtuel lorsqu’il est débarrassé de ses oripeaux et de son pouvoir strictement illusionniste. Ce qui en résulte, c’est une plongée fascinante dans une matière visuelle qui provient du travail conjoint de la main et de la machine. Performeuse d’une nouvelle ère, lartiste s’attache sans complexe à la beauté et au vertige des limites de l’analyse électronique.

"The Inmost Cell" est la nouvelle œuvre vidéo d'Eva L'Hoest. Son récit est inspiré par les contes traditionnels du fleuve Daugava et par les ruines de ses îles sous-marines, englouties lors de la création du barrage de Riga. En combinant divers procédés numériques, Eva L'Hoest transforme son reportage photographique sur la périphérie de Riga en architectures tridimensionnelles et fluides. Ces éléments perdus de la culture lettone indiquent un lieu de synthèse entre humains, nature et ruines artificielles. Dans une fusion entre le paysage rural et le paysage maritime faisant référence à la calenture, un mirage de marin où la mer devient un champ herbeux invitant, l'artiste imprègne les images d'une qualité hallucinatoire et changeante. À travers des travellings lents et contemplatifs, ses différentes réalités fusionnent, les formes tombent les unes après les autres et des passages sont créés entre les lieux et la mémoire.

Eva L'Hoest (née en 1991, en Belgique) explore la façon dont tous les types d'images mentales, en particulier les souvenirs et les réminiscences, peuvent réapparaître sous une forme technologique. Œuvre par œuvre, l'artiste s'approprie les technologies contemporaines afin de révéler à la fois leur nature en tant qu'extensions pour capturer le monde, et leur potentiel en tant que support artistique. Son travail a récemment été exposé au FRAC Grand Large, Dunkerque (France); "Shapeshifters" au Malmö Museum (Suède); à la Biennale internationale de Riga (Lettonie) "And suddenly it all blossoms", organisée par Rebecca Lamarche-Vadel (curatrice); à la Biennale de Lyon "Là où les eaux se mêlent", organisée par le Palais de Tokyo, Lyon (France); La triennale d'Okayama Art Summit 2019 "IF THE SNAKE", organisée par Pierre Huyghe, Okayama (Japon); "Suspended time, Extended space", Casino Luxembourg (Luxembourg).

0434 focuses on two boats anchored at sea which slowly move in uncanny synchrony, composing a casual choreography that suggests a dialog or a strange courtship ritual. The video is a one piece of the on going series VideoRhizome.

The video and sound artist Marcellvs L. was born 1980 in Belo Horizonte (Brazil), he lives and works in Berlin. His particular and radical production that gets into dialogue with the electronic arts? universe attracts attention by the intensity with which it associates philosophical concepts to the electronic images and sounds. His work places itself in a zone of undiscernibility, which turns it inapprehensible by this or that audiovisual genre creating its own discursive universe.

Un homme. Une route. Une rivière.

Marcellvs L. a un parcours chargé : une formation universitaire, des leçons de musique depuis qu'il est enfant, et de nombreuses lectures. Encore aujourd'hui, cet artiste consacre quelques heures par jour aux leçons de piano. Ses compositeurs préférés vont de Béla Bartók (1881-1945) et Gyorgy Liget (1923) à Erik Satie (1866-1925) et Claude Debussy (1862-1918). Son intérêt pour la musique ne se restreint pas à l'univers de la musique instrumentale et classique, mais inclut aussi des genres plus populaires comme le rock ou la musique expériementale. Comme lectures, il préfère la littérature et la philosophie, particulièrement Nietzsche et Deleuze. L'intérêt de Marcellvs pour la musique et son rythme de lecture intense provient de son parcours initial. Par la suite, il inclura cinéma et vidéo. Ce double intérêt pour la musique et l'image, ainsi qu'une amitié de longue date avec les membres du pexbaA band, ont de plus en plus rapproché Marcellvs de la production d'images. Ainsi, pendant près de quatre ans, de 2000 jusque 2003, l'artiste s'est produit avec le groupe. Dans certains concerts, les membres du groupe étaient dissimulés derrière un écran. Marcellvs s'est produit avec pexbaA au Projeto Rock Contemporâneo (Projet de Rock Contemporain) au SESC Ipiranga, São Paulo (2002), au III Festival Eletrônika Telemig Celular au Palácio das Artes, Belo Horizonte (2002), au SXSW Festival ? South by Southwest, Austin, Texas, USA (2002), et au Projeto Rumos Itaú Cultural ? Cartografia Musical Brasileira (Itaú Cultural Pathways Project ? Brazilian Musical Cartography) au Itaú Cultural, São Paulo (2001), parmi d'autres. Pendant ses années universitaires à la PUC-MG?s Faculdade de Comunicação e Artes (Faculté des Communication et Arts), l'artiste commença à rechercher des vidéorhizomes pour son projet de fin d'année, sous la direction du Professeur André Brasil. Avec ses vidéorhizomes, Marcellvs a participé à de nombreux festivals et expositions tels que ?Brésil, Brésils?, au Videoformes Festival, à Clermont-Ferrand, France (2005); ?Abre Alas?, à la Galeria A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2005); ?Do micro ao macro: novas políticas e imagens? (Du micro au macro: nouvelles politiques et images), présenté lors du 6ème Festival International du Court-Métrage de Belo Horizonte, à Belo Horizonte (2004); Laboratorio Arte Alameda, à Mexico City (2004); ?Uma mágica por minuto? (Une magie par minute), Universidade de Passo Fundo, au Rio Grande do Sul (2004); Laisle.com Video Art Exhibition, Museu de Arte Moderna (Modern Art Museum), à Rio de Janeiro (2004); ?Investigações Contemporâneas? (Enquêtes Contemporaines), exposition au 14ème Videobrasil International Electronic Art Festival), à São Paulo (2003), ?Entre a casa e a metrópole? (Entre la maison et la métropole), au XXVIème Intercom Congress, à Belo Horizonte (2003), parmi d'autres. La thématique Deleuzienne est également présente dans une autre oeuvre attrayante : la vidéo ?Deleuze while a living model? (2003). Dans cette oeuvre, l'image de Deleuze dans un poste de télévision est barbouillée de rouge à lèvres. La vidéo a fait partie du Southern Competitive Show au 14ème Videobrasil International Electronic Art Festival, à São Paulo (2003); à la Muestra de Cortometrajes de Minas Gerais (Exposition de courts-métrages de Minas Gerais), à l'Auditorio de la FUNCEB, Fundación Centro de Estudos Brasileiros (Brazilian Study Center Foundation), à Buenos Aires (2004); au Cine Esquema Novo (New Scheme Cinema), à l'Usina do Gasômetro, à Porto Alegre, (2004); à la 7ème Tiradentes Cinema Exhibition, au Centro Cultural Yves Alves, à Minas Gerais (2004), parmi tant d'autres. La vidéo a également remporté de nombreuses récompenses au Festival do Livre Olhar (FLO ? Free Look Festival), au Santander Cultural, à Porto Alegre (2003), ainsi que le prix de la meilleure vidéo à la 5ème Competitive Exhibition of Images in Motion, à la Casa do Conde de Santa Marinha, à Belo Horizonte (2003). De tous les vidéorhizomes, ?Man.Road.River?, connu aussi sous le titre de ?Rizoma 0778?, est le plus connu, ayant remporté plusieurs récompenses lors de divers festivals et expositions. La vidéo a remporté le Grand Prix du 51ème Oberhausen International Short Film Festival (2005), le prix du Meilleur Film Expérimental à la Mostra do Filme Livre 2005 (Free Film Exhibition), au Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, et le prix dans la catégorie Ousadia e Risco category (Oser et Risquer) au Festival do Livre Olhar (FLO), au Santander Cultural, Porto Alegre (2003). Récemment, l'artiste a également reçu une bourse du Museu de Arte da Pampulha (Musée d'Art de Pampulha), Belo Horizonte, et participera à une exposition durant le second semestre 2005, au Paço das Artes, à São Paulo. (par eduardo de jesus, dossier videobrasil marcellvs l.)

Commencé en 2014, FILM NOIR est un projet en évolution, en plusieurs parties, qui explore une fascination à long terme de La Ribot: la figure de l'extra, "surnuméraire" ou l'acteur de fond. Les pièces de La Ribot 40 Espontáneos, 2004, et PARAdistinguidas, 2011, par exemple, invitaient des extras (des bénévoles locaux, normalement avec peu ou aucune expérience théâtrale) au centre de la scène dans de nouvelles œuvres d’art vivant pour le théâtre. En revanche, FILM NOIR regarde en arrière dans l'histoire du cinéma et utilise la vidéo pour explorer la dynamique cinématographique du monde des extras. Premier de la série, FILM NOIR 001, 2014, se penche sur les extras dans Spartacus (1960) et El Cid (1961) - "papier de tournesol" humain dont les actions et les attitudes révèlent les idéologies contrastées des deux productions. Actuellement en cours, FILM NOIR 002 et 003 élargissent l'enquête sur d'autres films et d'autres questions.

L’artiste et chorégraphe La Ribot est née à Madrid. En 1986, elle co-fonde le groupe Bocanada Danza et le co-dirige jusqu’à sa dissolution en 1989. Deux ans après, elle commence à travailler sous le nom de La Ribot et elle inaugure le « striptease » humoristique Socorro! Gloria!, une pièce qui attire un nouveau public et qui lui inspire sa série solo intitulée 13 Pièces distinguées. Más distinguidas, la seconde série des Pièces distinguées, est inaugurée à Madrid à la fin de l’année 1997. Suivi d’autres série des pièces : Still Distinguished, 2000 et PARAdistinguidas, 2011.   Panoramix, la version anthologique de trois heures rassemblant les trente-quatre premières Pièces distinguées, est inaugurée en 2003 à la Tate Modern et a voyagé ensuite dans d’autres galeries européennes, telles la Reina Sofía de Madrid ou le Centre Georges Pompidou à Paris. En 2000, La Ribot amorce son travail vidéo, et expérimente plus particulièrement l’utilisation du plan-séquence, tourné du point de vue du corps impliqué dans une performance. Cette approche a irrigué de nombreuses œuvres depuis les années 2000, dont l’installation Despliegue, 2001, et le travail complexe mené avec la pièce Mariachi 17, 2009. La même année, elle prend comme base Mariachi 17 afin de mettre en place Llámame Mariachi, un nouveau travail mêlant vidéo et performance live des trois interprètes. En 2004, La Ribot arrive à Genève, en Suisse. Elle y fonde et co-dirige entre 2004 et 2008 Art/Action, un département destiné à l’enseignement et à la recherche du live art basé à la Haute École d’Art et de Design (HEAD) de Genève. Les années 2000 voient aussi le développement de la pièce participative de grande envergure 40 Espontáneos, 2004 ; lancée en 2006 à l’Art Unlimited de Bâle, la pièce Laughing Hole ; et Gustavia, 2008, un duo conçu et joué avec la danseuse, chorégraphe et directrice du Centre National de la Danse de France, Mathilde Monnier. En 2011, elle lance PARAdistinguidas, une nouvelle série des Pièces distinguées conçue pour cinq danseuses et vingt « figurants » volontaires ; en 2012 elle achève EEEXEEECUUUUTIOOOOONS!!!, une commande chorégraphique majeure du Ballet de Lorraine à Nancy, en France. Également en 2012, le MUAC (Mexico City’s Contemporary Art University Museum), a inauguré son espace d’exposition de live art en proposant une exposition monographique sur son œuvre. Le travail vidéo de La Ribot est présenté au sein de collections privées et publiques dans toute l’Europe et elle continue à développer et présenter son travail à l’internationale. Elle a participé à des exhibitions au Japon, Seoul, Korée du Sud et Mexico: en 2012, le MUAC (Mexico City’s Contemporary Art University Museum), a inauguré son espace d’exposition de live art en proposant une exposition monographique sur son œuvre. En 2014, aux côtés du compositeur et pianiste Carles Santons, elle a produit Beware of Imitations!, un vidéo hommage à la danseuse américaine Loie Fuller. Elle poursuit son travail à l’international depuis sa base située à Genève, en Suisse, où elle vit avec le chorégraphe suisse Gilles Jobin.