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Résultats pour : Catalogue 2020
Laura Kraning, Blue Kraning
Las Breas
Doc. expérimental | 4k | couleur | 12:20 | USA | 2019
LAS BREAS is an observational portrait of three tar pits, of which there are only six in the entire world. Situated in three distinct landscapes in Southern California – urban Los Angeles, the oil fields of the San Joaquin Valley, and Carpinteria Beach, LAS BREAS investigates the spaces between archiving the pre-historic and the contemporary industrial landscape. While skeletons of extinct megafauna and vintage animatronic beasts are on display in the heart of Hollywood, the sticky remains of ancient microscopic organisms seep to the surface of both land and sea. Of the earth, yet primordial and impenetrable, the bubbling tar that rises from the depths speaks of past extinction and human exploitation of the earth’s limited resources.
Laura Kraning’s moving image work has screened widely at international film festivals, museums, and galleries, such as the New York Film Festival’s Views from the Avant-Garde and Projections, International Film Festival Rotterdam, Edinburgh Film Festival, London Film Festival, Visions du Réel, MoMA’s Doc Fortnight, Art Toronto, Centre Pompidou, National Gallery of Art, and REDCAT Theater, among others. Her work has received awards at the 2010, 2015, and 2016 Ann Arbor Film Festival, 2016 Athens International Film Festival, and the 2018 Rencontres Internationales Sciences & Cinémas Film Festival. Blue Kraning’s documentary and narrative films have screened internationally at festivals and venues such as International Film Festival Rotterdam, Helsinki International Film Festival, Shanghai International Film Festival, Image Forum Festival, Ann Arbor Film Festival, Denver Film Festival, Nashville Film Festival, Festival du Nouveau Cinema, Los Angeles Filmforum, and the Walker Art Center. He has won numerous awards such as the IFP/Blockbuster Film Development Fund, The Morrow-Hues Screenwriting Award (finalist) and his television writing has garnered two Emmy Awards.
Emmanuelle Laine, Benjamin Valenza
Est-on prêtes à endosser les habits de l'artiste ?
Vidéo | 4k | couleur | 19:0 | France | 2019
Synopsis court Les paroles de femmes travaillant dans un centre d’art sont jouées en lip-sync par une femme installée dans un intérieur sommairement meublé. Affects et expériences de travail se mêlent à mesure que la protagoniste est habillée de différentes tenues. Synopsis long Les paroles de femmes travaillant dans un centre d’art sont jouées en lip-sync par une femme installée dans un intérieur sommairement meublé. Affects et expériences de travail se mêlent à mesure que la protagoniste est habillée de différentes tenues qui petit à petit contraignent, exhibent puis dissimulent son corps. Une statue se détache sur un ciel bleu, dans le silence d’une rue. Alors que le monologue se poursuit, l’espace vacant devient celui d’une institution imaginaire, traversé de silhouettes de visiteurs et collaborateurs. Aux récits se mêlent des images d’archives, fragments de performances d’artistes femmes, détails d’une pratique collective de l’art.
LAINÉ VALENZA — vit et travaille à Marseille Lainé Valenza est un duo d’artistes, constitué à partir d’une conversation perpétuelle, d’une zone commune à la frontière de leurs recherches respectives. Il se caractérise par un intérêt pour la critique institutionnelle, la mutation des formes d’images et d’une attention visuelle, de ses enjeux culturels subjectifs et politiques. Au fil des projets, le duo emploi des formes visuelles diverses, telles que le cinéma étendu, des installations in situ, de la télévision en direct, des performances, etc. Emmanuelle Lainé est une artiste visuelle déjà bien connue pour ses installations in-situ à grande échelle. Elles montrent souvent une reconstitution précise de l'architecture créant un espace critique pour la perception du spectateur ainsi que pour l’institution qui l’accueil. Ses Installation se caractérisent par une utilisation systématique de la photographie très grand format, associée à un langage sculptural très exigeant. Benjamin Valenza concentre depuis plusieurs années déjà sa pratique artistique sur la création d'un média à part entière. Prenant en compte Internet et le numérique autant que la télévision comme point de départ il s’agit d’une forme critique et intentionnellement non déterminée . Le lieu d'exécution ou la problématique du contexte est central dans son travail, il s'articule avec la sculpture et l'installation afin de créer des situations de micro politique ou l’artiste s’efface au profit du collectif.
Yoonjoo Lee
The Garden of All Spheres
VR expérimental | 0 | couleur | 0:0 | Coree du Sud, Allemagne | 2019
Garden of all spheres is a VR experience which exhibits the live simulation of a pseudo-ecosystem. The garden is built in the video game environment, which can exhibit the most advanced technology in the production and presentation of real-time CGI and simulation. The library of the virtual scenery is parallel with the modern natural history museum - the eye-catching collection of nature - the inventories which are ever-expanding and impossible to complete. Skysphere is a primary, simple prop for creating an illusion of horizon. In the nature of Virtual Reality, the player?s eye is located in the centre of the sphere. It becomes her private sky which is impossible to feel the scale of it - as much like as the sky in the physical world. The camera moves beyond the stage, from inner shell to outer shell and reveals the boundary of human-centred viewpoint. This spherical garden mediated through VR glasses, which embodies the desire for a seamlessly expanded vision. All the animals, humanoids, trees, stones, lights, skies are reflected on the surface of gazing ball and exhibited in the spherical vitrine, and the exhibition becomes meta-ecosphere.
Yoonjoo Lee is a multi-disciplinary artist based in Berlin. Her artistic practice generally focuses on the relationship between voyeuristic/Intellectual curiosity and technology of representation. She uses various digital technologies such as 3d animation and video game engines for a platform of the moving image experiments and explores the apparatus-mediated vision. She is currently studying experimental film and generative art in the Berlin University of Arts.
Fabian Lehmann, Yannick Harter
66mio views
VR expérimental | 0 | couleur | 0:0 | Allemagne | 2019
Moving trough the world wide web means being exposed to a variety of content in a high tempo which does not always attract you, but can also seem revolting to you. The resulting emotional state of the user - a feeling of being overwhelmed and a certain unsteadiness - is the starting point of the work “66mio views“. The viewer is sitting inside a room filling installation. Head mounted displays enable him to be part of an immersive VR environment in which he faces irregular shapes and so called “non-player characters“ (NPCs). The shapes are textured with videos from common Image- boards (4chan, 9gag, ...) as well as viral YouTube videos. Their content is diverse and evokes not only positive emotions (e.g. videos of puppies), but also very negative emotions (e.g. so-called gore videos, videos of violence). In a self- developing rhythm of motion, the forms relate to the position of the viewer, move towards him, go through him and move away from him. Various NPCs from 3D-model databases approach the viewer and recite text-sequences from the videos in varying tonalities. This immersive installation understands the technical infrastructure (computercases, cables, ...) as an instrument which designs and shapes the space. It is being expanded with ropes as well as pictures and text fragments from the videos. Stacks of prints show extracts from the videos and thereby display their content transformed and adapted to an analogue medium. The visitors are invited to take these prints with them and transform the content once again by removing it from its original place. Keywords like connectivity/disconnectivity and comprehension/incomprehension as well as thinking about the digital space as an emotional shaping tool led to this installation which connects digital and analogue content in an abstract, fragmented way. (The installation was originally developed for a specific exhibition space in the basement of „Halle 14 - center for contemporary art“ in Leipzig. However, we can set up the installation with regards to any available space, as its dimensions are variable. At least one VR system, ropes and prints in different sizes are fixed.) Yannick Harter, Fabian Lehmann, 2019
Fabian Lehmann (*1988, Castrop-Rauxel, Germany) graduated at University of Applied Sciences, Bielefeld (2015) with degree Bachelor of Arts „Photography and Media“. Since 2016 he is studying „Media Art“ at the „Academy of fine Arts, Leipzig“ in the class „Expanded Cinema“ / Prof. Clemens von Wedemeyer and has studied „Fine Arts“ at „Bezalel Academy of Arts and Design“ in Jerusalem during an exchange semester. His artistic work focus on different communication systems and how digital techniques shapes the humanity and society. He had various exhibitions in Germany and Europe e.g. Hamburger Triennale der Fotografie (Hamburg), Gallery „Kunstpunkt“ (Berlin), Emscherkunst 2016 (Dortmund) Siva Galerija, (Zagreb) UG Halle 14 (Leipzig) Yannick Harter (*1990, Worms, Germany) is a trained productdesigner, who worked in branches like automotive industry and medical cybernetics. Since 2016 he is studying „Media Art“ at the „Academy of fine Arts, Leipzig“ in the class „Installation and Space“ / Prof. Joachim Blank and has studied „Visual Communication“ at „Latvias Art Academy“ in Riga during an exchange semester. His artistic practice oscillates around the intersection between art, science and society. He had various exhibitions in Germany and Europe e.g. Kaiserwerke (Gera), Gallery? „Kunstpunkt“ (Berlin), Obro?ców Stalingradu 17 (Szczecin), D27 (Riga), UG Halle 14 (Leipzig) Yannick Harter participated in several curatorial and educational projects and volunteered as artist assistant e.g. at Kunstverein (Leipzig), Neustadprojekte (Mainz), Latvian Center for Contemporary Art and Survival Kit 10.0 (Riga)
Yoann Lelong, B.Forgeard
Bangoura
Doc. expérimental | hdv | couleur | 9:0 | France | 2019
Angela et Marius, deux jeunes étudiants, ont accompagné un jeune migrant lors de son arrivée en France. A travers leur récit, nous découvrons le périple de Bangoura, jeune guinéen ayant fui son pays lorsqu'il avait 17 ans. Sur une production musicale composée de samples (notamment extraits de musiques traditionnelles issues de différentes immigrations françaises), l'œuvre questionne la manière dont chacun de nous se réapproprie un fait, un événement ou un récit en en abolissant son contexte, son passé, sa connaissance et sa mémoire collective. Ainsi, la vidéo propose au spectateur de s’approprier l’histoire de Bangoura en reprenant son récit à la manière d’un karaoké. De cette manière, le récit relaté offre de multiples interprétations et peut aussi bien symboliser une génération de migrants cherchant à survivre, critiquer une société capitaliste ou les instituions, décrire le portrait d'une jeunesse française ou encore interroger la connaissance que nous avons de l’immigration française.
Artiste plasticien diplômé de l'ENSAM, Yoann Lelong trouve son inspiration dans la danse, la recherche scientifique et la problématique de l'exclusion. Il explore la vidéo comme moyen de retranscrire une réalité transcendée, mêlant la poésie réaliste de ses sujets à une réalité sociale fragmentée. Son passage par l'Ecole Normale Supérieure de Cachan le forme à la physique quantique, point de départ d'une démarche artistique qui irrigue l’ensemble de ses travaux, et donne à ses œuvres une lecture sous-jacente plus métaphysique. De sa collaboration avec Amos Poe, pionnier dumouvement new-yorkais No Wave, naît PERSON(A), installation vidéo où s'entrelacent vingt-trois portraits filmés au 16mm. Une œuvre poétique où les éléments se distinguent, se répondent, puis se fondent dans un flou indistinct. Cette 1ère œuvre illustre dès lors le rapport distancié qu’entretient Yoann Lelong au réel et qui le pousse, à chaque nouvelle création, à saisir l'instant sans filtre et sans interprétation pour retranscrire et sublimer les sujets à l'état brut. Les sujets deviennent matière, le tout rejoignant le tout. A l'issue d'une résidence artistique à bord du voilier Tara Méditerranée en 2014, il crée PerceptConcept, à l'image du mouvement ondulaire et répétitif de l'expédition maritime : les gestes de l'équipage épousent le va-et-vient de la mer, au rythme de sons mécaniques ou organiques. Par la suite, il s'interrogera sur l'essence d'une création et plus particulièrement sur ce qui en fait son unicité en collaborant avec la chorégraphe Anne Nguyen et le musicien Les Gordon (2015). Le mouvement gestuel et sonore apparaît ainsi dans le travail de l’artiste comme une composante clé de toutes ses créations. La recherche de l’unicité à partir de fragments épars constitue, pour l’artiste, un cheminement permanent, un questionnement métaphysique qui explore, chaque fois, un nouveau terrain de création, tantôt attaché à une réalité sociale, tantôt abstrait.
Mark Lewis
Carte blanche to Mark Lewis
0 | 0 | | 75:0 | Canada, 0 | 0
Mark Lewis was born in 1958 in Hamilton, Ontario. From 1989 to 1997 he lived in Vancouver becoming part of the burgeoning photoconceptualism scene of the Vancouver School. Much of his work focuses on the technology of film and the different genres which have been developed in over 100 years of film history. His films are often short, precise exercises on particular techniques. His films tend to look at contemporary cities, film history, and the way film has impacted ideas about everyday life—subjects, for instance, have included ice skaters at Toronto’s Nathan Phillips Square and a custodial worker at Vancouver’s 1500 West Georgia Street. In 2009, Lewis represented Canada at the Venice Biennale. Other exhibitions include shows at the Power Plant, the Vancouver Art Gallery, the Hamburger Kunstverein, BFI Southbank and the Art Gallery of Ontario. His work is in many collections including the National Gallery of Canada, the Museum of Modern Art and the Centre Pompidou. Lewis is also co-editorial director of Afterall, which produces a journal and books on contemporary art.
Inês Lima
Past Perfect
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 23:0 | Portugal | 2019
"Many cities or countries have a distinct malaise. They are places that could be Portugal, so sunk in a painful longing of the past, and where each tension of the present is only the tip of an iceberg that is explained in successive retreats that can go straight until origin of the species, at least. This feeling common to many latitudes is often presented as a diagnosis, a denial of a painful present as opposed to the desire to return to a glorious past." Pedro Penim
Jorge Jácome was born in Viana do Castelo (Portugal) in 1988 and spent is childhood in Macau. He completed is degree in cinema in 2010 at Escola Superior de Teatro e Cinema and in 2016 graduated with ‘felicitations du jury’ from Le Fresnoy - Studio national des Arts Contemporains. His work is based on a strongly intuitive and sensorial process resulting in films made of narrative drifts, unexpected relationships and unusual encounters. His short films have been shown at film festivals in Portugal, Spain, France, Germany, Slovenia, Poland and Israel, and in retrospectives at the New Bedford Whaling Museum, Palais de Tokyo, Maison Européenne de la Photographie, CalArts - California Institute of the Arts and at Georgetown University.
Ariane Loze
Nein weil wir
Vidéo | hdv | couleur | 18:11 | Belgique, Allemagne | 2019
La conscience collective s'est forgée à travers les siècles, mais le navivre de la société vogue à toute allure sur les mers de la mondialisation. Des voix parfois très anciennes nous mettent en garde sur les risques qu'encourent les hommes, livrés à la démesure. Le film fait entendre des fragments de ces discours, qui de génération en génération, ont porté la ferveur et l’espérance citoyenne, devant une salle vide, symbole de notre désertion devant les réalités, signe de notre capitulation progressive, expression de notre renoncement. Dehors, il pleut de plus en plus et un vent terrible se lève. Le changement climatique est à l'horizon... Augmentez la vitesse!
Ariane Loze, Belgique 1988. Vit et travaille à Bruxelles, Belgique Ariane Loze étudie le développement d’une narration à partir d’images apparemment sans rapport. Dans cette série de vidéos, elle joue tous les rôles : elle est tour à tour actrice, réalisatrice et camera woman. Par le montage, ces images mettent en relation deux (ou plusieurs) personnages et l’architecture. Les videos d’Ariane Loze proposent au spectateur de prendre part à la création de la narration grâce aux principes du montage cinématographique: le champ / contre-champ, la continuité de mouvement, et la suggestion d’une narration psychologique. Le tournage de ces vidéos a été rendu public devenant donc une performance. Ariane Loze a étudié la mise-en-scène au RITCS de Bruxelles et a participé à a.pass (Advanced Performance And Scenography Studies) à Bruxelles. Elle était résidente au HISK (Institut Supérieur des Beaux-Arts) à Gand en 2016-17. Les expositions récentes incluent Videoformes Clermont-Ferrand (2015), Traverse Vidéo Toulouse FRAC Midi-Pyrénées (2015), Medienwerkstatt Berlin (2016), S.M.A.K. Etcetera Gand (2016), Fondation Boghossian Bruxelles (2016), De Appel "You are such a curator !" Amsterdam (2016), "Kunst om de lijf" Emergent Veurne, New York Anthologie Film Archive AXW projection (2017), Watch this space Biennale # 9 Lille-Bruxelles (2017), "Gemischte Gefühle" Tempelhof Berlin (2017), Salon de Montrouge Paris (2018), RIBOCA Riga Biennial of Contemporary Art (2018), Moscow Biennial of Young Art (2108) KANAL Centre Pompidou Brussels (2018), solo exhibition au Centre d’Art Contemporain Chanot, Paris, exhibition at Gallery Michel Rein Paris (2019, Urbane Künst Ruhr – Ruhr Ding : Territorien, commissaire Britta Peters Oberhausen (2019), Solo exhibition De Vereniging S.M.A.K., Ghent (2019), Solo exhibition Gallery Michel Rein Brussels (2019). Les vidéos d'Ariane Loze ont été sélectionnées pour le Prix Movimenta Video Art à Nice (2017) et le Prix Médiatine Brussels (2016) et récompensées au Art Contest Brussels (2015), par la Art For All Society de Macau (2016), Côté Court Festival Pantin (2017), Watch this Space Biennale #9 (2017) and Salon de Montrouge (2018) Ariane Loze sera résidente au ISCP New York sur l’invitation de la Foundation Salomon de janvier à juin 2020.
David Lynch
Twin Peaks VR Experience
VR expérimental | 0 | | 0:0 | USA | 2019
Collider Games, en association avec Showtime, présente Twin Peaks VR experience. Conçue en collaboration avec David Lynch et son équipe pour recréer fidèlement le monde de Twin Peaks, l'expérience de RV immersive combine surnaturel, aventure et escape game, mettant le joueur au défi de résoudre des énigmes et d'explorer des environnements très élaborés, pour la première fois en réalité virtuelle. David Lynch déclare à propos de l'expérience RV : "Le monde tridimensionnel de la VR de Twin Peaks donne lieu à une expérience en 10 dimensions". Les joueurs peuvent revisiter plusieurs lieux de la série télévisée iconique, notamment la Salle rouge, le bosquet de Glastonbury, le bureau du shérif, les boîtes de verre d'observation et bien d'autres encore.
Le cinéaste et scénariste David Keith Lynch est né en 1946 dans le Montana, aux États-Unis. Son ambition première était de devenir peintre et, après avoir obtenu son diplôme de fin d’études secondaires en Virginie, il s’est inscrit à l’école du musée des Beaux-Arts de Boston. Plus tard, il a étudié à l’Académie des Beaux-Arts de Pennsylvanie. Il y réalise son premier film, une animation de 60 secondes intitulée Six Men Getting Sick (1967), pour un concours de peinture et de sculpture expérimentales. En 1970, Lynch devient étudiant au Center for Advanced Film Studies de l’American Film Institute (plus tard le Conservatoire AFI), où il commence à travailler sur son premier long métrage, Eraserhead (1977). Après le succès d’Eraserhead sur le circuit des films de minuit, Lynch est engagé pour réaliser le film biographique The Elephant Man (1980), qui lui vaut un succès grand public. Il est ensuite employé par le groupe De Laurentiis Entertainment et réalise deux films : l’épopée de science-fiction Dune (1984), qui se révèle être un échec critique et commercial, et le film policier néo-noir Blue Velvet (1986), qui suscite d’abord une controverse sur sa représentation de la violence, mais dont la réputation s’accroît par la suite jusqu’à ce qu’il soit acclamé par la critique. Lynch a ensuite créé sa propre série télévisée avec Mark Frost, le populaire roman policier Twin Peaks (1990-1991), qui a été diffusé pendant deux saisons. Il a également créé la préquelle du film Twin Peaks : Fire Walk with Me (1992), le road-movie Wild at Heart (1990) et le film familial The Straight Story (1999) à la même époque. S’orientant davantage vers le cinéma surréaliste, trois de ses films ultérieurs ont fonctionné sur des structures narratives non linéaires à logique onirique : Lost Highway (1997), Mulholland Drive (2001) et Inland Empire (2006). Entre-temps, il a adopté Internet comme média et a produit plusieurs émissions en ligne, comme la série animée DumbLand (2002) et la sitcom surréaliste Rabbits (2002). Lynch et Frost se sont retrouvés en 2017 pour une troisième saison de Twin Peaks, diffusée sur Showtime. Lynch a co-écrit et réalisé chaque épisode, tout en reprenant son rôle à l’écran dans le rôle de Gordon Cole. En plus de l’écriture et de la réalisation, Lynch a souvent servi de concepteur sonore et a écrit la musique de ses films. Il a également continué à s’exprimer en tant que peintre, photographe et artiste d’installation.
Tommy Malekoff
Desire Lines
Vidéo | hdv | couleur | 15:43 | USA, 0 | 2018
Over the course of eighteen months, artist Tommy Malekoff travelled extensively throughout the United States, filming arranged events as well as natural patterns occurring in one of America's most ubiquitous and banal open spaces – the parking lot. His video, titled Desire Lines, is a fifteen minute loop with orchestrated sound that cycles through moments of strange spectacle. These flat, concrete grids behave as stages for all types of activation and rituals, positing a location for expression and a future of meaning.
Tommy Malekoff, born 1992 in South Boston, Virginia, lives and works in New York, NY. His film Desire Lines was exhibited this January at Morán Morán Gallery in Los Angeles.
Filip Markiewicz
Fake Fiction
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 26:7 | Luxembourg, Suisse | 2018
Fake Fiction is initially a theater play that became a film produced in 2017 by the Theater Basel. Filip Markiewicz wrote the dialogues in reference to the events that happened during the period of time, the terror attacks, the European mirgant crisis and the rise of populist movements and fake news...
Luxembourgeois d’origine polonaise, Filip Markiewicz (né en 1980) est un artiste multidisciplinaire qui s’ex- prime à travers différents médiums, dont le dessin, la vidéo et l’installation. Toujours en quête d’explications à nos vies quotidiennes, il explore l’omnipré- sence des images et met en perspective le message qu’elles véhiculent. Il soumet l’actualité à une approche critique et politique et, partant, souligne la vacuité de notre monde en surproduction visuelle où l’information devient la réalité plutôt que l’inverse. En 2015, Markiewicz a représenté le Grand-Duché de Luxembourg à la 56e Biennale de Venise avec Paradiso Lussemburgo.
Miriam Martín
La espada me la ha regalado
Doc. expérimental | hdv | couleur | 18:6 | Espagne | 2019
La Casa de Campo est l'un des plus grands parcs publics du monde, une forêt en réalité. Pendant des siècles, ce ne fut que pour les rois et les reines. Dans les images, c'est 2019 : le vert de la terre qui brille à nouveau pour nous ou les restes des tranchées comme endormies ou l'usage imprévu des ponts et des bassins par les enfants. Dans les sons, 1936, la forêt coupée en deux, la défense de Madrid : « bourdonnements et explosions, rafales de mitrailleuses, claquement sec des fusils » ou le feu d'artillerie qui massacra la ville depuis les collines ou les mots de ceux qui inventèrent une révolution et un goût pour la vie bonne au milieu de tout ce vacarme.
Miriam Martín a consacré toute sa vie adulte et une partie de la précédente au cinéma. D'abord comme spectatrice, puis comme programmatrice dans diverses institutions. Et en organisant, de novembre 2012 à juillet 2018, le ciné-club Chantal, une expérience esthétique et politique à périodicité hebdomadaire.
Guy Massaux
La selva oscura
Fiction expérimentale | 4k | couleur | 19:0 | Belgique, Italie | 2018
La Selva oscura (La forêt obscure) film/vidéo, texte de Dante Alighieri, La Comédie, L’Enfer, Chant treizième (XIII) Préambule: Dans la forêt des suicidés, Dante et Virgile croisent deux formes humaines qui fuient devant eux, arrachant tout sur leur passage et brutalisant ainsi elles-mêmes leur chair jusqu’à ce que des chiennes faméliques (Harpyes) les rejoignent et les dépècent. Tel est le châtiment de ceux qui ont péché contre eux-mêmes par dissipation. Synopsis: Par une nuit obscure, A. et D. progressent, séparément, dans une forêt où nul sentier n’indique le chemin à suivre, où aucune issue ne se présente à eux. Ils se sont égarés, la forêt les retient. Ils surgissent de l’obscurité, débusqués par les éclairages qui les aveuglent. Un face-à-face s’installe entre eux et la forêt, à la présence des arbres répondent leurs propres regards et voix. A. s’est levé, D. de même, résonnent en eux les aboiements d’une meute de chiens qui progressivement se rapproche. Une course-poursuite est engagée où toute issue leur sera fatale.
Guy Massaux est artiste visuel, curateur d’exposition, professeur d’art à l’Académie des beaux-arts de Bruxelles. Après avoir consacré son travail d’artiste principalement à la peinture, il oriente, depuis plusieurs années, ses préoccupations de création autour de l’image en mouvement par l’écriture cinématographique, notamment à travers des dispositifs de vidéo-installations. Il a réalisé plusieurs courts métrages en langue italienne, La Selva Oscura (2018), Il Rifugio (2014) et "B.", film en cours de post-production (2020). Il partage ses principales activités et son emploi du temps entre l’Italie et la Belgique. Il collabore régulièrement avec Mirco Mencacci ingénieur du son. Créateur des univers sonores de films italiens tels que « Le Regard de Michel Ange (Lo Sguardo di Michelangelo) » de Michelangelo Antonioni, « Nos meilleures années (La Meglio gioventu)» de Marco Tullio Giordana ou encore «La Fenêtre d’en face» (Facing Windows) de Ferzan Ozpetec. Pour ses créations, il travaille sur une nouvelle manière de diffuser le son et développe le système du « son sphérique », utilisé pour la première fois dans le film « Le Regard de Michel Ange ».
Jaro Minne
Da-Dzma
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 17:25 | Belgique | 2019
L'hiver dans un village géorgien. Une fille de 15 ans tente de se rapprocher de son frère avant qu'il ne quitte le pays dans l'espoir de trouver du travail.
Jaro Minne (b. 1992) is a Belgian writer/director who frequently works on the East-West crossover. He studied at KASK Ghent, Helsinki Film School before completing a master degree at LUCA School of Arts in Brussels in 2015. His work combines intimacy with distance, often exploring rootlessness and family dynamics.
Victor Missud
La forêt de l'espace
Doc. expérimental | hdv | couleur | 30:0 | France | 2019
Des hommes, envoyés sur la Lune pour la végétaliser, attendent l’arrivée des terriens. Au milieu de la forêt qu’ils ont fait grandir, ils racontent leurs souvenirs de leurs vies sur Terre et le monde dans lequel ils aimeraient pouvoir vivre. Mais qui sont ces hommes ? Sont-ils réels ? Ont-ils été oubliés ?
Originaire de Toulouse, Victor Missud se forme au cinéma à l’université Sorbonne Nouvelle de Paris et à la Escola Superior de Teatro e Cinema de Lisbonne, où il réalise des courts-métrages documentaires expérimentaux autoproduits. Son dernier film, À qui le monde (en production, coréalisé avec Marina Russo Villani), est lauréat de la bourse Brouillon d’un rêve documentaire de la SCAM, de la Résidence d?écriture de Saint-Quirin et du nouvel Accompagnement aux VFX du CNC.
Thomas Mohr
Matters of Time
Vidéo | hdv | couleur | 12:35 | Pays-Bas | 2019
From Berlin to Hiroshima, from Hiroshima to Berlin. From Past to Now, from Now to Past. Connecting events, remembering the suffering of war and new beginnings. Observations. 7 identical defined time units each containing a series of 24 progressing intervals of shifting box systems descending from 25x25=625 to 2x2=4 images. The construction of each unit is exactly the same, the content of each unit is entirely individual. Walking through a winter night in Berlin, going from Miyajima island to Hiroshima, the experience of My Facebook Timeline Having devastating destruction in mind and reconstruction. Straight forward, up side down, rotating. Positive, negative. Complex layers, more complex layers. Text, subtext.
Biografy: Moving, changing, transformation, experience. Exploring processes of perception and memory systematically since the late 1980ties. From 1985 onwards a growing archive containing more then 500000 pictures and thousands screenshots regarding a wide range of events of transition from a collective meaning to very personal moments. Living and working in Amsterdam. Distributed by LIMA. Sreenings at various festivals since 2009: IFFR/Rotterdam, JMAF/Tokio, Ars Electronica/LInz, Transmediale Berlin, IFF Japan, NeMaf/Seoul, IKFF/Hamburg, Jihlava IDFF, HAFF/Utrecht, Media Art Biennale Wro, Rencontres Paris/Berlin, EMAF, Atonal Berlin
Aude Moreau
Less is More or
Vidéo | 4k | couleur | 11:33 | Canada | 2018
La vidéo Less is More or documente l’intervention in situ réalisée à l’intérieur du Toronto Dominion Centre, complexe architectural conçu à l’origine par Mies van der Rohe. Revisitant l’aphorisme de l’architecte, ce projet procédait par une activation des lumières des bureaux à l’intérieur des édifices. Le tournage aérien, construit en deux plans séquences, joue sur le caractère hypnotique des images afin d’interroger les codes spectaculaires de l’industrie cinématographique. Depuis 2010, Aude Moreau développe un vaste programme de recherche qui part de l’hypothèse que si le rétrécissement de l’espace public passe par l’utilisation du vocabulaire économique pour décrire nos réalités quotidiennes, alors, la résurgence du politique passe par l’infiltration sémantique de l’architecture qui abrite cette construction du langage. Ce cycle de travail a mené à l’élaboration de quatre projets d’intervention in situ qui ont en commun d’agir à l’intérieur de l’architecture corporative du gratte-ciel, sur la lumière qu’elle émet dans la ville et d’investir la réalité géographique de l’activité économique et financière où circulent les flux déréalisés et dématérialisés de la production. Les projets d’intervention in situ Sortir, La ligne bleue, THE END in the background of Hollywood et Less is More or, sont autant de signes lumineux qui appellent à une reterritorialisation du politique dans la ville organisée comme spectacle.
Depuis les années 2000, Aude Moreau développe un corpus d’œuvres combinant sa double formation en scénographie et en arts visuels. Détentrice d’une licence en arts plastiques de l’Université Paris VIII, elle a complété une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal en 2010. Son travail récent a été présenté à la galerie de l’UQAM, Montréal, Canada ; à la galerie The Power Plant, Toronto, Canada ; au Casino Luxembourg - Forum d’art contemporain, Luxembourg ; au Centre culturel canadien, Paris, France ; à Anthology Film Archives, New York, États-Unis ; au RISD Museum, Rhode Island International Film Festival, Providence, Etats-Unis; au Fresnoy, studio national des arts contemporains, Tourcoing, France. Ses oeuvres font notamment partie des collections du Centre canadien d’architecture, du Musée d’art contemporain de Montréal, du Musée d’art moderne du Luxembourg (MUDAM), et de la Banque d’art du Conseil des arts du Canada. Elle est récipiendaire du prix Louis Comtois de la Ville de Montréal, 2016, de la Bourse Claudine et Stephen Bronfman et du prix Powerhouse, 2011. Des comptes rendus critiques sur sa pratique ont été publiés dans les revues Esse, Espace et Art Le Sabord. Aude Moreau vit et travaille à Montréal.
Maria Morina
Youth Part II
Documentaire | hdv | couleur | 2:13 | Russie | 2019
Until the beginning of the 1990s, there were no rap artists in Russia and the Soviet Union. In the middle of the 1990s, a lot of boys throughout Russia started performing hip hop music, many of them had ended up working on factories in the former closed cities. Filmmaker asked several former hip-hop musicians, some still having factory jobs, to remember their old rhythms silently, and paired it with a spontaneous hip hop jam of young people living near the factories of Nizhny Tagil and Yekaterinburg on a second screen. Their voices dissolve like smoke in the back streets of Ural cities, gigantic open-air factories.
Maria Morina is a Russian photographer and filmmaker. She is one of the authors of a cross-media project that took 9 years to produce - Grozny: Nine Cities. It explores specific aspects of the aftermath of the two Chechen wars. It has won several international awards, including Calvados Awards for War Correspondents, 2014, and Luma Rencontres Dummy Book Award Arles, 2017. While working with different mediums on the Grozny: Nine Cities project, Maria has turned to film-making. Maria Morina?s first full-length documentary film, Don?t Press Stop, about Rap musicians in Nizhny Tagil, a gigantic open-air factory in Russia, was released in 2017. It was selected for Lussas Documentary Film Festival, France and Russian Open Documentary Film Festival Artdocfest in 2017. Maria Morina has participated in numerous exhibitions and festivals in Russia and abroad. Her works are held in the Les Rencontres d’Arles and The Open Society Foundation collections.
Antoni Muntadas
In Girum Revisited
Vidéo | hdv | couleur | 30:0 | Espagne, 0 | 2018
Barcelona-born, but a longtime New Yorker, Antoni Muntadas figures among a first generation of artists investigating the social and political significance of information and broadcast media. This thirty-year retrospective, first seen at the Pinacoteca do Estado de Sao Paulo, includes several videos from the pre’fiber optic era, such as Video Is Television’, 1989, which magnifies and distorts images from a host of appropriated sources, including several Hollywood films (Poltergeist, Network). Backed by a plunking score, the nearly indecipherable TV images are overlaid with captions such as CONTEXT and FRAGMENT: blunt reminders of mass media’s partiality and its constitutive power. An even earlier interactive installation, On Subjectivity, 1978, invites visitors to comment on media images divorced from their original context and therefore’a critical ‘therefore’ for the artist’shorn of their original meaning.
Hira Nabi
All That Perishes at the Edge of Land
Documentaire | hdv | couleur | 29:48 | Pakistan | 2019
In this docu-fictional work, ‘Ocean Master’ a container vessel is anthropomorphized, and enters into a dialogue with several workers at the Gadani yards. The conversation moves between dreams and desire, places that can be called home, and the structural violence embedded in the act of dismembering a ship at Gadani. As the workers recall the homes and families they left behind, the long work days mesh indistinguishably into one another, the desperation that they carry with them like shackles rises to the forefront, and they are forced to confront the realities of their work in which they are faced with death every day. How may they survive and look towards the future?
Hira Nabi is a filmmaker and visual artist, based in Pakistan. Her work thinks through the value associated with labor, networked industrial practices, botanical migrations and their impact upon cultural identities, and notions of homemaking. She lives and works in Pakistan.
Kavich Neang
Dey thmey phlauv kouch
Fiction | 4k | couleur | 15:21 | Cambodge | 2018
Phnom Penh at night. Three young hip-hop dancers drive a single motorbike and stop on a muddy deserted road. Nick leaves the others to look for an iPhone he heard was lost in the area. Piseth and Thy discuss their hopes and doubts, and Piseth shows his best dance moves. They meet Leakhena, a young female street vendor whose cart is full of colors.
Kavich NEANG (b. 1987, Phnom Penh, Cambodia) studied music and dance at a young age before graduating in professional design in 2013. In 2010, he directed his first short film, A Scale Boy, as part of a documentary film workshop led by Khmer-French filmmaker Rithy PANH, who also produced his 2013 mid-length documentary film Where I Go. In 2014, he co-founded the independent production company Anti-Archive along with Davy CHOU, Steve CHEN, and PARK Sungho. In 2015, he directed his first two short fictions, Three Wheels, which premiered at Busan, and Goodbye Phnom Penh. A third short fiction, New Land Broken Road, premiered at the 2018 Singapore International Film Festival and won prizes in Kyiv, Tacoma, and Kaohsiung. Kavich NEANG has also joined Busan’s Asian Film Academy, Locarno’s Summer Academy, Talents Tokyo, Docs by the Sea, Luang Prabang Talent Lab, and Cannes Cinéfondation’s Résidence. His 2019 documentary, Last Night I Saw You Smiling, won the NETPAC Award at IFF-Rotterdam, the Special Jury Prize at Jeonju, Best Image at Janela do Recife and two awards at Tokyo FilmEx. His impending first narrative feature, White Building, is now in post-production.