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Tomato Sauce Takeaway is a four minute short film, shot in Johannesburg, South Africa. The film documents the final evening routines of a few urban life forms in Johannesburg city. It does so in a way that is observational, introspective and personal given our own relations to space, routines and urban loneliness. The mundanity of these acts highlights an absurdity in the city life routines we take for granted. The people and the city itself become characters in a narrative of the last things we do before retreating to residential respite.

Terrace House is a Johannesburg based artist collaboration between Abi Meekel, Riley Pam-Grant and Claire Meekel that began in early 2017 with an immersive video and sound installation titled "The Blue Exhibition". They predominantly but not exclusively work in video, light and sound installations. Since the collaboration's inception, Terrace House has exhibited "The Blue Exhibition" twice in Johannesburg, with the first iteration at a trendsetting club and exhibition space called Glory, and then again at the Fak'ugesi African Innovation Festival. In January 2018, Terrace House exhibited "The Blue Exhibition" in a solo show at Gallery MOMO Cape Town. Their most recent video and sound installation titled "Monument" was also shown at Gallery MOMO Cape Town in July 2018 as part of the gallery's forth annual video exhibition, Transmissions, and again in Johannesburg where they were invited to show "Monument" in launching the 99 Juta design showrooms space situated in Braamfontein, which is the cultural melting pot of Johannesburg. The short film, Tomato Sauce Takeaway, was filmed in 2018 and has not been screened as of yet.

Historically, the boat exemplifies the adventure of discovery of the unknown and lost paradise. Nowadays citizens from those places that have been discovered, travel by boats in the hope for freedom in countries of the ?discoverers?. As a temporary Dutch citizen I developed a collaboration project with immigrants living in The Netherlands. From the shore of the Dutch sea, as a metaphor of the discoverer?s journey and the journey of those who were discovered, the immigrants performed a walk in a shape of a boat through the city of Amsterdam and back to the sea. The narrow streets and main squares of Amsterdam represent the historical stage of past and present.

Marco Pando *19-05-73, Lima/Peru Education 2005-2006 Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Amsterdam 1998-2002 Facultad de Arte de la Universidad Católica, Lima 1995-1997 Estudios Generales Letras en la Universidad Católica, Lima 1995 Escuela Nacional de Bellas Artes, Lima Residencies 2005-2006 Rijksakademie vanbeeldende Kunsten, Amsterdam, NL 2008 European Postgraduate residency, Hoyerswerda, DE Grants/Awards 2010 Nederlands Fonds voor de Film, NL 2009 Amsterdams Fonds voor de Kunsten, NL Stimuleringssubsidie, Fonds BKVB, NL 2008 Basisstipendium, Fonds BKVB, NL 2007 Stimuleringssubsidie, Fonds BKVB, NL Solo shows 2012 Miracle, Gallery 80m2, Lima, PE 2011 Walks of Desire, Gallery 80m2, Lima, PE 2010 Filmmuseum, Amsterdam, NL 2008 The End of cinema, De Verschijning, Tilburg, NL 2007 ?Portable Cinema?, Arto teek, Den Haag, NL 2003 Cinema Familiar, Cinematógrafo de Barranco, PE Group Shows (Selection) 2012 Fondazione Cassa di Risparmio di Modena, Modena, IT 2011 Kröller-Müller Museum, Otterlo, NL  TIE ? The International Experimental Cinema Exposition festival, Milwaukee, USA ?Arte al paso?, Contemporary Collection of Museo de Arte de Lima - MALI in the Estaçao Pinacoteca Sao Paulo, BR Trans///fer, Atelier HSL Foundation, Amsterdam, NL IFFR, Rotterdam, NL 2010 ?Villians and heroes?, Arti et Amicitiae, Amsterdam, NL 2009 ?En Transito al Paraiso. Imaginarios de la migracion?, Galeria Vertice, Lima, PE 2008 ?Rijksakademie in the Bank gallery in Durban?, South Africa, ZA 2007-08 ?Impakt High Lights?, Tour cities-Europe, EU 2007 ?Drawing Typologies? en el Stedelijk Museum CS, Amsterdam, NL ?Under the skyline?, Galeria Vertice, Lima, PE Impakt festival, Utrecht, NL 2006 ?Open Ateliers?, Rijksakademie Van Beeldende Kunsten, Amsterdam, NL 2006 ?Rijksakademie at Parts? Parts, Xiamen, CN ?In order of Appearance?, Living Art Museum, Reykjavik, IS ?Open Ateliers?, Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Amterdam, NL 2003 ?Entre Eros y Tanatos?, Centro Cultural de España, Lima, PE Bibliography 2011 Ingrid Commandeur: ?Nature as a form of Recycling?, Windflower, Perceptions of Nature, Otterlo, NL 2010 Pierre Emile Vandoorne: El proyeccionista Itinerante, Lima, PE http://visionesmetaforicas.blogspot.com/2010/08/el-proyeccionista-itinerante.html Luis Lama: ?24 imagenes por segundo?, Caretas, PE 2009 Elida Roman: ?Autoexilio?, Lima (22.03.09), PE 2008 Mirko Kolodziej: ?Der Dia-Projektor lässt Erinnerungen an den WK X auferstehen?, Hoyerswerdaer Tageblatt (25.08.08), DE 2007 Sacha Bronwasser: ?Film maken met elastiek en plantenspuit?, De Volkskrant (16.03.07), NL Saskia van kampen: ?Drawing Typologies?, Stedelijk Museum, NL Sergio Llerena Caballero: ?Paseo por el borde?, El Comercio (25.02.07), Lima, PE 2006 Sandra Smallenburg: ?TI-buizen, voor 100 euro per stuck?, NRC Handelsblad (24.11.06), NL Kees Keijer: ?Geen grote gebaren en statements bij Open Ateliers?, Het Parool (21.11.06), NL 2005 Miguel Zegarra: ?La memoria Portátil?, Prótesis, PE Lecture/Talks 2011 Kröller-Müller Museum, Otterlo, NL Museo de Arte de Lima, Lima, PE 2010 11.Festival internacional de video/arte/electrónica, Lima, PE 2007 Espacio ?La culpable?, Lima, PE www.laculpable.org

"If You Tell Me When Your Birthday Is" est une courte fiction de machinima en trois fragments, tributaire de l’infidélité de la traduction. Elle combine des scans 3D de personnes et d'objets réels, un monde, des avatars et des mouvements construits à l’aide d’effets spéciaux numériques, ainsi que des dialogues scénarisés à partir de la qualité actuelle de la communication textuelle et linguistique avec et entre les intelligences artificielles. Grâce à l'utilisation de moteurs 3D temps réel, ce film est entièrement "tourné" dans un monde créé virtuellement. Les trois épisodes ressemblent donc à des fragments d'un jeu vidéo absurde, mais le conflit entre le monde physique analogique et le monde numérique virtuel, entre l'homme et la machine, reste ici visiblement inscrit dans les glitches, les erreurs et les défauts qui surgissent aux "fissures" des interfaces entre les différents domaines. Les lacunes absurdes, comiques ou même inquiétantes des techniques numériques utilisées pour le film soulignent ces fractures, plutôt que de viser un rendu complètement "propre" et un illusionnisme parfaitement consommable. Le dialogue se fonde sur l'état actuel des développements de la communication avec les algorithmes auto-apprenants, des "intelligences artificielles" simples et orientées vers le consommateur, comme les chatbots et les assistants virtuels. Il réfléchit également aux particularités et différences troublantes, aux défauts, mais aussi aux similarités entre cette communication avec les machines et celle d'humain à humain.

Ces dernières années, Stefan Panhans et Andrea Winkler travaillent ensemble de plus en plus régulièrement dans le domaine de l’expanded cinema, sur des projets filmiques, des installations sculpturales/performatives et des expositions. Dans leur travail, ils utilisent principalement des moyens du film, de la performance et des installations, y compris le texte, pour traiter de l'hypermédiatisation et de la numérisation croissantes, ainsi que de leurs effets sur notre société, notre comportement, notre psychisme et notre corps. Ils s’intéressent aussi au phénomène de l’auto-optimisation sous la forme d'une recherche pratiquement artistique. En outre, leur travail compose avec des moments d'inégalité sociale croissante, le racisme ordinaire, le culte de la célébrité et les stéréotypes de genre. Leur travail a été présenté dans de nombreuses expositions et festivals, et plusieurs fois récompensé, par exemple le prix Edith Russ Haus Media Art Award (Allemagne) [2017]; la mention honorable Videonale 17, Bonn (Allemagne) [2019]; le innogy VISIT Award, Essen (Allemagne) pour leur anti-musical "Defender" [2019] et un bourse de recherche à la Dortmund Academy for Theater and Digitality (Allemagne) [2020]. Parmi les expositions récentes, citons la performance d'ouverture combinant la vidéo avec l'installation et la lecture en staccato, commissionnée par la Transmediale, à la HKW-Haus der Kulturen der Welt, Berlin (Allemagne) [2019]; l'installation d’expanded cinema "Freeroam A Rebours Mod.I.1 - installation version" au Tabakalera-International Centre for Contemporary Culture, San Sebastian (Espagne) [2020]; une exposition solo à HMKV-HartWare MedienKunstverein Dortmund (Allemagne) est prévue pour le début de l'été 2021.

I deliver everything! raps the 'delivery-anti-heroine' and 'delivers' the sound of a rebellious exhaustion in a world increasingly defined by algorithms and AI where everything seems to become a commodity and we all breathless suppliers

Stefan Panhans & Andrea Winkler are artists and filmmakers collaborating on films and video installations that are shown internationally at film and media festivals and in numerous solo and group exhibitions.

"Vanitas" est un film d'animation avec une peronnage très expérimental. C'est un effort pour créer une contradiction entre le style du 2D, l'animation traditionnelle (noir et blanc) et une histoire,caractérisée par un concept choquant et inhabituel pour un tel type d'oeuvre. La représentation explicite et détaillée d'un acte très choquant (comme l'est le suicide) en utilisant le dessin animé et des personnages comiques, crée au final une oeuvre étrange et dure qui choque le public. Le projet souligne le fait que la vie éternelle prometteuse après la mort n'existe peut-être pas, et que les théories religieuses soutenant ce concept sont aussi irréelles que le sont les dessins animés.

ETUDES 1996-2002 : Ecole des Beaux-Arts d'Athènes - Licence des Beaux-Arts (Peinture) 2004-2005 : University of West England - Maîtrise d'Animation. EXPERIENCES 1996-2000 : Dessin d'après modèle à la N.Stefos foundation art school (17 Kallifrona Street, 11256 Athènes) 1997-2002 : Dessin d'après modèle à la D.Giotakis foundation art school (8 S.Merkouri Street, 11632 Athènes)

The wall and what it symbolized stood out as a negative horizon throughout my entire life, which began in 1956 in Berlin, five years before the construction of the wall. Only one week after the wall came down, its disappearance was already foreseeable. I set out with a camera one last time to film continuously along the wall on November 17th 1989. The two-and-a-half hour route begins at the river Spree in Kreuzberg, follows the painted wall along deserted streets to Checkpoint Charlie, around Potsdamer Platz up to the Brandenburg Gate, ending after seven kilometers behind a desolate Reichstag with a view across the Spree, where the new government buildings now stand.

Filmmaker, artist, university professor. Born 1956 in Berlin, studied fine art / experimental film at the University of Fine Arts Hamburg. She specialized early on the media of film/video/computer, though was interested less in their technological possibilities – although she mastered these with virtuosity – than in their artistic potential to develop formulations for interrogating society politically and ethically. Performance and installation play a major role in her work (including in her videos and films), both as actual performances and as interactive experimental arrangements. Screenings, exhibitions, publications and talks at home and abroad. Professor for Film/Video at the Academy of Art and Design Offenbach.

Quand dormir devient un art, c'est la démarche tout à fait étonnante et inhabituelle des cinéastes Lucien Castaing-Taylor et Verena Parave. Ensemble ils restituent les rèves sonores obsessionnels d'un homme et filment des corps en veille aux contours indéfinis comme les limbes. Un documentaire entre deux dimensions.

Véréna Paravel, née en 1971 à Neuchâtel en Suisse, et Lucien Castaing-Taylor, né en 1966 à Liverpool, sont artistes et anthropologues. Ils vivent et travaillent aux Etats-Unis. Véréna Paravel a étudié l’anthropologie à l’Ecole nationale supérieure des Mines de Paris et à l’Université de Toulouse. Lucien Castaing-Taylor a étudié la philosophie, la théologie et l’anthropologie à l’université de Berkeley en Californie et est professeur à l’Université de Harvard, en arts visuels et anthropologie. Leur travail se déploie en cinéma, vidéo et photographie. Dans ce processus de réinvention de la relation entre leurs deux domaines, l’anthropologie et le cinéma, ils ont fondé en 2008 un laboratoire expérimental à l’université de Harvard, le Sensory Ethnography Lab. Les films qui y sont crées ont une approche décentrée de la pratique visuelle et de l’image en mouvement ; la caméra ne se focalise pas sur les humains comme s’il s’agissait d’acteurs privilégiés dans le monde qui les entoure mais plutôt sur le tissus des relations affectives créées dans le monde physique, en relation avec les éléments naturels, les animaux et la technologie. Leur premier long métrage, « Caniba », réflexion sur la signification du désir cannibale dans l’histoire et la culture a obtenu le Prix spécial du jury Orizzonti au Festival international du film de Venise (2017). Leur film « Leviathan » a obtenu le Prix de la critique FIPRESCI (2015), ainsi que le prix Douglas Edward du film expérimental et indépendant, décerné par la Los Angeles Film Critics Association (2012). Leur travail a également été montré à la Biennale du Whitney Museum.

Bob Paris is a video artist whose work has screened at the Whitney Biennial, the Long Beach Museum of Art, the Image Forum in Tokyo, and a variety of other venues around the world. Many of his videos use appropriated imagery to form critiques of mass media and popular culture.

A love story comes to an end when a woman sets out in search of a shamanic god. Director Kelvin Kyung Kun Park takes the trauma of a spurned lover as the starting point for his own search for a god. He makes several finds across various narrative strands – among whales in the sea, in a shipyard, at a steelworks. All of them are giants of their respective times: vast, sublime, godlike. Park’s imagery also evokes the divine: embers and steel, sparks and fire; people dwarved by huge cogwheels, robbed of their individuality. A brave new world in which workers produce modern industrial goods, even as industry has long since been producing the modern worker. Work is a god we have submitted to. Yet every existence is temporary and fleeting, which applies in equal measure to both relationships and gods. CHEOL-AE-KUM carries a unique signature. Park weaves together his different narrative strands into a complex documentary work of shamans and propellers, whales and industrial halls. His editing suite comes to resemble a piece of welding equipment, the soundtrack a commanding symphony of industrial noise, whale song, Gustav Mahler and shamanic songs.

Born in 1978 in Seoul, South Korea. He earned his BA in design and media arts from the University of California, Los Angeles and holds an MFA in film and video from the California Institute of the Arts. He is currently based in Seoul, working in the medium of film and video, photography and installations and as a lecturer.

One man is on his way home where he could not feel at home. He dreams of fleeing away but in the same time tries to settle down by building a room within the house with laser beams. Looking into particles floating in the air which are not visible under normal light conditions he finds that the natural movements of air seems to resonate with his emotions.

Jean Taek Park is an architect. Born in Seoul 1975, he grew up in the time of rapid economic growth and mass construction. Places where he lived in had completely transformed. Naturally he became interested in architecture not as an iconic object nor a perfect shelter but rather as a time-space which one could emotionally attach to it. He uses film to discover a new dimension of time-space.

Pyong-taek, une ville de Corée du Sud accueil en ce moment 2 larges bases militaires américaines. Des projets d'extension sont prévus qui feraient des bases existantes la plus large installation militaire américaine de l'Asie de l'est en 2007. Les terres des fermiers à Pyong-taek ont déjà été volées par les Japonais et les Américains par le passé. Les fermiers expulsés de leurs terres vivent toujours dans des conditions extrêmes aux alentours des bases américaines, cependant, ils sont maintenant organisés pour combattre l'extension de la future base. Des conflits entre les résidents commencent quand les commerçant qui font des affaires avec la base sont pour cette extension. Les fermiers à Pyong-taek continuent leurs combats contre l'armée américaine pour garder leur village. Le film questionne les idées d'histoire et de souvenirs mélangés dans le paysage mais aussi les témoignages d'un pays où les vestiges des batailles idéologiques menées pendant la guerre froide domine toujours le discours politique. A travers la perspective personnelle du réalisateur, le film essaye de montrer les villes adjacentes aux bases militaires et les gens y habitant. En 2005, quand la guerre en Irak continue, peut-être la présence de l'armée américaine et la manière dont ses politiques sont exécutées ne sont pas les seuls symptômes de Pyong-taek, Corée du Sud.

Kelvin Kyung Kun Park est né en Corée du Sud en 1978 et a vécu de pars le monde depuis son enfance. Il a termine un diplôme en Film et Vidéo de la California Institute for the Arts aux états unis. C'est un soldat dans un régiment d'artillerie, en train de finir son service militaire obligatoire au sein de l'armée de la République de Corée. Après l'armée, il souhaiterait travailles sur différents matériaux afin de produire des travaux significatifs.

Beginning from the research of the 11th-century Iraqi optic physicist, Discourse on Twin Mirrors (2020) reads the moments when light and immaterial images tactically intervene in the physical world. The story of gaze and darkness connects the ambivalent desires for observation and destruction inherent in the history of camera obscura, mirage, and 19th century binocular photography. The visuality found here is reconnected with Medina Wasl, an Iraqi military base recreated in California Mojave Desert by the 21st century Hollywood special effects industry. Doppelgangers are generated here where cinematic attractions become part of an actual physical war. Just as in the old tales that anyone who faces their own doppelganger must meet their death, this piece tells a story of mirrors that can never meet, never reflect each other.

Minha Park’s films and audio-visual installations study how the media, image/sound archives that surround us intervene in our sensory world and shape the reality. Park studied art and film in Los Angeles and continues her artistic career in Seoul. Currently living and working in Berlin, she had a solo show Shadow Planet (2023) at Künstlerhaus Bethanien and participated in the Archive Books’ screening & talk event at Savvy Contemporary. Her works have been presented in exhibitions and screenings at Cité Internationale des Arts, Lux Moving Image, 27th Images Festival, Doosan Gallery, Luckman Gallery, National Museum of Modern & Contemporary Art Seoul, Nam June Paik Art Center, Seoul Museum of Art, Leeum Samsung Museum, and 72nd Edinburgh International Film Festival, etc. Park’s films are in collections including the MoCA Busan, Korean Film Archive, Arko Art Center, and Vtape Toronto.

La Stationnairy music prend son nom du premier mouvement de la sonate 1 Stefan Wolpe composée en 1925. Cette sonate est introduite et jouée par sa fille, la pianiste Katharina Wolpe. La stationary music ne développe ni ne joue une music qui ne bouge pas : after the fire what Shall we do? ?firsT onE step; aFter thAt,aNother.? We?re alOne the music is difficuLt to Play. wE must work at it. In Memoriam S. W.`, accousituque par John Cage

Née en 1957 à Nottingham, Jayne PARKER a vécu et travaillé à Londres depuis 198µ0 ; Son intérêt dans la réalisation de film commence alors qu?elle étudie la sculpture au Collège des Arts de Canterburry et qu?elle continuait à l?Ecole des Beaux Arts de Slade dans le département des Media Expérimentaux. Elle a été chargée de cours temporaire au Goldsmith College de 1984 à 1988 et a enseigné à Slade depuis 1989. Son travail a été largement exposé nationalement et internationalement dans des institutions de premiers rangs, à la télévision et dans des festivals et films et de musique. En 1997,son film, Crystal Aquarium a reçut le grand prix au festival du film de la ville d?Oberhausen à Oberhausen Short Film Festival. Il se trouve aussi dans la Art Council Collection. En 2003, elle fut la réceptrice de la 1871 Fellowship, recherchant la relation entre le film et la musique, hôte de la Ruskin School of Drawing, des Instituts d?Art d?Oxford et de San Fransisco. La plupart de ces dernières ?uvres utilise une performance musicale.

In this staged writers meeting members of the groups share their work; poetry and prose. The discussions unfold around the reception of their works demonstrating codes of criticism and politeness, selfhood and aspiration. The group replicates an autonomous gathering, each member having their own agenda for taking part. The intimacy of the camera, close-up to the characters, creates a feeling of being in the room. The guest, the viewer is invited to understand the sentiment of the members. This video developed from research into community writing groups associated with the Federation of Worker Writers and Community Publishers. The Federation was established in the 1970’s and created a network between groups UK wide, also making associations with groups abroad.

Lucy Parker live in London. Her film and video works take the starting point of contemporary and historic pedagogic situations to explore how ideas are disseminated between individuals. She is interested in ways collaboration can impact on the production and distribution of works. Her films have been shown at film festivals in the UK and Internationally, she has a Masters in Fine Art from Goldsmiths University. Lucy lectures in filmmkaing at Kingston University.

When the Lumière brothers invented the cinematograph in 1985, they quickly understood that the spectator's curiosity was aroused by the mere reflection of reality: people were flabbergasted at watching situations that they usually took for granted, such as a train arriving at a station or workers leaving a factory. In this piece we scanned objects and environments which make up our conception of reality and placed them in a virtual space by using photogrammetry, a 3D reconstruction technique. We allow the users to experience a twist on the conception of time and space they are used to by altering the dimensions of the scans, placing them on new positions, and embracing the errors that occur when capturing reality. The result is an absurdly atypical territory which can be navigated via teleportation as if it were a new planet. The spectator is physically circumscribed to a narrow perimeter but virtually the limits become fuzzy and elusive, every direction is equivalent and their individual and uniqueexploration will force them to reflect on the nature of virtual reality.

Maximiliano Parlagreco is an audiovisual design student (FADU, UBA) who’s interested in the impact of technology on society and the fuzzy line which divides reality from virtuality. He has employed photography, video, creative coding and digital animations in an experimental way to create navigable universes which are slightly different from the one we live in. Lately he’s ventured both in the field of virtual and augmented reality, as well as that of artificial intelligence, exploring the human-machine symbiosis that occurs in these devices. Micaela Pinalli is an audiovisual design student (FADU, UBA) who has worked in analogue and digital found footage creation with a great interest in montage and the way accidental interactions between shots creates a meaning. She currently develops projects ranging from interactive and graphic design to photography and animation. Since June 2019 she's been running the independent publisher Cuarto Ciego, where she creates and sells artistic graphic pieces.

Various neural networks originally conceived to enhance image detail and resolution are iteratively applied to the digitalization of The Arrival of a Train at the Station (Lumière Brothers, 1896). The relationship between reality and realism is affected when these devices generate forms and textures tending to an existing figuration as they seek to identify and reconstitute an original image that in each iteration becomes even more deferred and unrecoverable.

Image and Sound Design (UBA) student interested in the intersection between art, design and technology. He develops his work by investigating the ideological construction behind the images that circulate in the contemporary media landscape, resorting to various media -from video to artificial intelligence, through virtual reality and video games- to propose new forms of perception and participation with screens.

Mu est une étude de manipulation du bruit produit par un magnétophone fonctionnant à vide.

L`italien Claudio Parodi a une formation de pianiste classique. Depuis quelques années il joue des instruments électroniques qu`il a lui-même construits ou modifiés et, plus récemment, des instruments à anches non-occidentaux. Il collabore avec de nombreux musiciens, danseurs, des poètes, des acteurs, des peintres, des vidéastes.

Le terme attentat décrit le meurtre planifié, tenté ou réussi d'une figure symbolique. Le but d'un telle attaque n'est pas la mort d'une personne privée. Un attentat est la destruction du rôle de la personne en tant que personnage politique, sociale ou publique. Le projet assemble une collection d'attentats qui d'une manière ou d'une autre ont été documentés. Comme une série, de structure homogène, dans laquelle les différents aspects d'un attentat sont répertoriés, comme les scènes de crimes, la couverture des médias, les motifs, spéculations, deuils collectifs, victimes, commémorations d'attentats. Avec le coté série en tête il y a une sorte de jeu qui se déroule, procurant la possibilité de faire ressortir un aspect particulier d'un attentat, que ce soit la victime, le motif ou bien l'attentat en soi, et de s'en servir d'exemple. De la mise en série de ces attentats résulte en une corrélation continue entre les différents faits, un changement de thème entre les séries, qui en montre surtout leur caractère interchangeable. Ce n'est pas le sens d'une image ou d'un texte en particulier qui est important en le traitant artistiquement. Ce qui est plus important, ce sont les associations et les interprétations que font le public et les interactions entres les images.

Tania Perovic est ne en 1977 à Achen en Allemagne. Elle finit en 2002 son Diploma en communication à l'academy des Arts de Maastricht, holland, avec le film "0709". Entre 2003 et 2005, elle étudie a l'académie des arts de Cologne et travaille sur differents projets pour la televisiion. Elle recoit son diplome en 2006 pour "Attentate".

« Autorretrato » (« Autoportrait ») appartient à une série de performances vidéo qui explorent les techniques de base du dessin, en faisant le lien avec l?idée d?auto-représentation. La vidéo présente l'ombre d'une main qui essaie de dessiner son contour. Comme l'ombre est instable et immatérielle, le dessin essaie d'établir les limites de cette forme insaisissable, qui ne peuvent, par leur nature même, être fixées.

Né en 1964 le long de la côte caraïbe de la Colombie, Agustin Parra est auteur d'une thèse de doctorat sur la psychologie et l?art. Plus tard, il a obtenu également un doctorat en sculpture à l'Université du Pays Basque, en créant une méthodologie pour le développement de la créativité corporelle. À la même période, il était en résidence d?artiste à la Fondation Pistoletto (Italie). Agustin est professeur d'université depuis 1987 et enseigne actuellement à l'Université d?Antioquia de Medellin (Colombie).

Federico est étudiant en architecture à Palerme. Il parcourt la ville à la recherche de bâtiments moderne qu’il dessine et photographie. Dans un parc, il rencontre un jeune homme, Borobudur, qui va lui ouvrir les portes d’une autre urbanité. Dans le sillage de ce garçon magique, Federico abandonne son quotidien et découvre une ville qui le métamorphose.

Arnold Pasquier est né à Paris en 1968. Dès ses études d’arts plastiques et de cinéma, il réalise des essais en Super 8 et en vidéo dans lesquels il développe un univers de journaux filmés et de fictions. À vingt ans, il se rapproche de la danse contemporaine et collabore avec des chorégraphes comme documentariste et comme danseur. Cette expérience marque la réalisation d’une œuvre où la danse tient une place importante. En 1997, il est reçu comme résident au Fresnoy, Studio national des arts contemporains à Tourcoing où il conçoit l’installation C’est ici que je donne des baisers. En 1999, il présente dans la Grande Nef du Fresnoy le spectacle C’est merveilleux pour 10 danseurs et acteurs. Il est l’auteur de nombreux films (fiction, documen- taire, art vidéo), de mises en scène de spectacles, de scénographies, d’émissions de radio pour les Ateliers de Création Radiophonique de France Culture. Son travail s’articule aux croisements de ces différentes disciplines. En 2004-2005, à la faveur d’une résidence de l’association française d’action artistique, programme, «Villa Médicis hors-les-murs», il réalise le film Celui qui aime a raison fiction de long métrage sortie en salle en 2006.Il collabore avec des cinéastes et des plasticiens comme cadreur ou monteur.