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Picking up where Lives of Performers left off, Rainer’s second, landmark feature tells the story of a woman whose sexual dissatisfaction masks an enormous anger, with Rainer needling at questions raised by contemporary feminism about the relationship between the representation of romantic clichés and sexual repression. Borrowing techniques from soap opera, the formally fractured yet exuberant Film About a Woman Who… combines voiceover, intertitles, simulated “still” images, and dinner-table discussions to provocative, often contradictory effect. Long silences and Babette Mangolte’s fluid black-and-white images only heighten the darting, doubt-ridden, highly dislocating drama. (Synopsis courtesy of The Metrograph.)

When Yvonne Rainer made her first feature-length film in 1972, she had already influenced the world of dance and choreography for nearly a decade. From the beginning of her film career she inspired audiences to think about what they saw, interweaving the real and fictional, the personal and political, the concrete and abstract in imaginative, unpredictable ways. Her bold feminist sensibility and often controversial subject matter, leavened with a quirky humor, has made her, as the Village Voice dubbed her in 1986, "The most influential American avant-garde filmmaker of the past dozen years, with an impact as evident in London or Berlin as in New York. Rainer was born in San Francisco in 1934. She trained as a modern dancer in New York from 1957 and began to choreograph her own work in 1960. She was one of the founders of the Judson Dance Theater in 1962, the beginning of a movement that proved to be a vital force in modern dance in the following decades. Between 1962 and 1975 she presented her choreography throughout the United States and Europe, notably on Broadway in 1969, in Scandinavia, London, Germany, and Italy between 1964 and 1972, and at the Festival D'Automne in Paris in 1972. In 1968 she began to integrate short films into her live performances, and by 1975 she had made a complete transition to filmmaking. In 1972 she completed a first feature-length film, LIVES OF PERFORMERS. In all she has completed seven features: FILM ABOUT A WOMAN WHO... (1974), KRISTINA TALKING PICTURES (1976), JOURNEYS FROM BERLIN/1971 (1980, co-produced by the British Film Institute and winner of the Special Achievement Award from the Los Angeles Film Critics' Association), THE MAN WHO ENVIED WOMEN (1985), PRIVILEGE (1990, winner of the Filmmakers' Trophy at the Sundance Film Festival, Park City. Utah, 1991, and the Geyer Werke Prize at the International Documentary Film Festival in Munich, 1991), and MURDER and murder (1996). Rainer's films have been shown extensively in the U.S. and throughout the world, in alternative film exhibition showcases and revival houses (such as the Bleecker St Cinema, Roxy-S.F., NuArt-L.A, Film Forum-NYC, et al), in museums and in universities. Her films have also been screened at festivals in Los Angeles (Filmex), London, Montreux, Toronto, Edinburgh, Mannheim, Berlin, Locarno, Rotterdam, Creteil, Deauville, Toulon, Montreal, Hamburg, Salsa Majori, Figueira da Foz, Munich, Vienna, Athens (Ohio), Sundance, Hong Kong, Yamagata, and Sydney. A half-hour video tape entitled YVONNE RAINER: STORY OF A FILMMAKER WHO... was aired on Film and Video Review, WNET-TV in 1980. THE MAN WHO ENVIED WOMEN was aired on Independent Focus, WNET-TV in, 1989, and PRIVILEGE on the same program in 1992 and during the summer of 1994. In the Spring of 1997—to coincide with the release of MURDER and murder—complete retrospectives of the films of Yvonne Rainer were mounted at the Museum of Modern Art in San Francisco and at the Film Society of Lincoln Center in New York City. In 2006 MIT Press published Yvonne Rainer's memoir Feelings Are Facts: A Life

Rainer’s debut feature film announced both her shift from the world of dance towards avant-garde cinema, and what would become a career-long interest in “women’s stories” and the teasing machinations of melodrama. The familiar tale of a man who can’t choose between two women and makes everyone suffer is reworked by Rainer as a jolting and radically austere, anti-illusionist spectacle, comprising dance rehearsals, photography, tableaux, and a flurry of fragments of text, both onscreen and not. Off-camera, multiple voices can be heard—including that of cinematographer Babette Mangolte, who was at the time just beginning work with a young Chantal Akerman. (Synopsis courtesy of The Metrograph.)

When Yvonne Rainer made her first feature-length film in 1972, she had already influenced the world of dance and choreography for nearly a decade. From the beginning of her film career she inspired audiences to think about what they saw, interweaving the real and fictional, the personal and political, the concrete and abstract in imaginative, unpredictable ways. Her bold feminist sensibility and often controversial subject matter, leavened with a quirky humor, has made her, as the Village Voice dubbed her in 1986, "The most influential American avant-garde filmmaker of the past dozen years, with an impact as evident in London or Berlin as in New York. Rainer was born in San Francisco in 1934. She trained as a modern dancer in New York from 1957 and began to choreograph her own work in 1960. She was one of the founders of the Judson Dance Theater in 1962, the beginning of a movement that proved to be a vital force in modern dance in the following decades. Between 1962 and 1975 she presented her choreography throughout the United States and Europe, notably on Broadway in 1969, in Scandinavia, London, Germany, and Italy between 1964 and 1972, and at the Festival D'Automne in Paris in 1972. In 1968 she began to integrate short films into her live performances, and by 1975 she had made a complete transition to filmmaking. In 1972 she completed a first feature-length film, LIVES OF PERFORMERS. In all she has completed seven features: FILM ABOUT A WOMAN WHO... (1974), KRISTINA TALKING PICTURES (1976), JOURNEYS FROM BERLIN/1971 (1980, co-produced by the British Film Institute and winner of the Special Achievement Award from the Los Angeles Film Critics' Association), THE MAN WHO ENVIED WOMEN (1985), PRIVILEGE (1990, winner of the Filmmakers' Trophy at the Sundance Film Festival, Park City. Utah, 1991, and the Geyer Werke Prize at the International Documentary Film Festival in Munich, 1991), and MURDER and murder (1996). Rainer's films have been shown extensively in the U.S. and throughout the world, in alternative film exhibition showcases and revival houses (such as the Bleecker St Cinema, Roxy-S.F., NuArt-L.A, Film Forum-NYC, et al), in museums and in universities. Her films have also been screened at festivals in Los Angeles (Filmex), London, Montreux, Toronto, Edinburgh, Mannheim, Berlin, Locarno, Rotterdam, Creteil, Deauville, Toulon, Montreal, Hamburg, Salsa Majori, Figueira da Foz, Munich, Vienna, Athens (Ohio), Sundance, Hong Kong, Yamagata, and Sydney. A half-hour video tape entitled YVONNE RAINER: STORY OF A FILMMAKER WHO... was aired on Film and Video Review, WNET-TV in 1980. THE MAN WHO ENVIED WOMEN was aired on Independent Focus, WNET-TV in, 1989, and PRIVILEGE on the same program in 1992 and during the summer of 1994. In the Spring of 1997—to coincide with the release of MURDER and murder—complete retrospectives of the films of Yvonne Rainer were mounted at the Museum of Modern Art in San Francisco and at the Film Society of Lincoln Center in New York City. In 2006 MIT Press published Yvonne Rainer's memoir Feelings Are Facts: A Life

Dans l?espace urbain, le comportement de chaque personne est observé et contrôlé tant par les autres que par soi-même. Pourtant, chacun a la possibilité de s?échapper de la normalité et de se distinguer de la foule. Dans l??uvre vidéo « City », l?auteur a utilisé un programme informatique qu?il a réalisé lui-même, pour dessiner l?image en dehors des mouvements de la vidéo, de telle sorte que tout ce qui bouge laisse une trace sur l?image. La vidéo permet de visualiser le lent processus d?une image qui apparaît de l?accumulation de changements. À la fin, le paysage inchangé se révèle, et l?image mouvante semble s?être transformée en une image immobile. Le chemin le plus commun se multiplie en luminosité lorsque plus de mouvements se produisent. En jouant lui-même dans la vidéo, l?auteur a dessiné sa propre trace comme opposition aux mouvements réguliers et essayé de rendre visible sa présence dans la foule.

Tuomo Rainio est né à Espoo (Finlande) en 1983. Il vit et travaille actuellement à Helsinki (Finlande). Il est diplômé du Département de Photo de l?Université des Arts et du Design de Helsinki, et continue ses études en Master dans la même université. En 2008-2008, il a également étudié à la Musashino Art University de Tokyo (Japon). Rainio travaille essentiellement avec la vidéo numérique et la photographie, explorant des thèmes universaux tels que l?existence, l?individualité et l?évanescence. Les ?uvres de Rainio ont été exposées lors de diverses expositions collectives, dans huit pays d?Europe différents. L?année dernière, il a réalisé sa première exposition individuelle en Finlande, et a également pris part à une exposition au Musée Finlandais de la Photographie. En 2008, ses ?uvres sont présentées dans l?exposition collective du Musée d?Art Contemporain Kiasma, en Finlande, ainsi qu?à l?European Month of Photography, évènement organisé dans neuf capitales européennes. En été 2008, un musée finlandais privé consacrera une exposition individuelle aux ?uvres de Rainio.

Il y a dans nos vies des moments de déjà vu, des moments de souvenir intense. Ici, les personnages sont dans un état permanent de déjà vu. Les enfants sont purs et immortels comme les idées et les concepts, ils restent et se souviennent, brisent la frontière entre réel et irréel. Les adultes gardent les souvenirs de leur ancienne vie, mais les souvenirs sont les souvenirs, sans base solide pour les soutenir.

Sara Rajaei est née en 1976, à Abadan, en Iran. Elle est artiste vidéo. Elle a étudié les arts manuels à l'université de Téhéran pendant deux ans avant de partir s'installer aux Pays-Bas en 1998, où elle a obtenu sa licence de la Royal Academy of Art à La Haye en 2002. A suivi une résidence de deux ans à la Rijksakademie d'Amsterdam. Depuis 2004, elle travaille en freelance comme artiste vidéo, éditrice et écrivain. Elle travaille entre l'Iran et les Pays-Bas, n'oubliant pas qu'elle est une résidente des deux pays. Son oeuvre a été montrée dans divers festivals et expositions à travers le monde.

Vidéo extrêmement étrange et légèrement gothique filmée dans un cimetière rural en Estonie, au milieu de mon propre land art, de mes installations spatiales et de mes objets (maison de verre, cercueil transparent en verre doré, pupitre du président des États-Unis). Je me concentre sur les relations entre politique et pornographie, entre le mystérieux et le morbide, l'exhibitionnisme et le ritualisme, transformant toutes nos vaches sacrées en hamburgers. Il s'agit d'un commentaire sur l'omni-tout (omni-présence/omni-potence/omni-science) de la culture de masse numérique, acide et effrayante, dominée par le terrorisme des images, qui ne vous laisse jamais tranquille, même dans l’Au-delà. La biopolitique s'est transformée assez facilement en thanatopolitique (Foucault). L'érotisation et la pornification de la mort ont fait de nous des êtres semblables à des zombies, et de nos vies un showbiz voyeuriste et nécrologique. Notre culture considère la vie dans la perspective/nécrospective de la mort, uniquement pour assurer un contrôle parfait de ses habitants. C'est ma vision d'un Paradis numérique survivaliste post-idéologique/humaniste parfait, dirigé par personne; cela signifie que, si on pose la question: "Qui a le contrôle?", la seule réponse sera: "Personne n’a le contrôle", ce qui signifie en vérité "nous avons tous le contrôle". Le message dans lequel nous sommes endoctrinés est aussi réconfortant que vulgaire: "Restez secret et assez mort, dans votre chambre d'écho, amusez-vous, car vous ne pouvez rien changer de toute façon. Tout acte de résitance est condamné d'avance ".

Raul Rajangu, alias Luminoso, également appelé le père de l'art postmoderne estonien, est entré sur la scène artistique internationale à la fin des années 80. Il est connu aussi bien comme peintre, que comme performeur, actionniste, créateur d'installations spatiales et vidéo, esthéticien 3D ou encore activiste transmédia. Il s'intéresse à toutes sortes d'observables/apparitions/splendeurs (d’où son pseudonyme, "Luminoso"). Dans son art / ses transformances, il semble être, constamment et quelque peu paradoxalement, guidé par Oscar Wilde: "Le vrai mystère du monde, c'est le visible, pas l'invisible". Néanmoins, Raul Rajangu éveille aussi - et encore plus complètement – la fascination des spectateurs pour l'invisible. Tout au long de sa carrière, il s'est attaché à (ré)utiliser - quel beau point vert! -, tordre, subvertir, et, bien sûr, à moquer et railler tous les types de schémas et de systèmes idéologiques, esthétiques, moraux, thérapeutiques ou métaphysiques, si massifs, totaux et fossilisés qu’ils soient, toute notre paranoïa paternaliste, sexiste et misogyne de prosommateur numérique. Raul Rajangu est un artiste liminoïde, qui se tient constamment à la frontière de très nombreux mondes, faisant office de médiateur. Ses œuvres constituent un point de rencontre entre l'Orient et l'Occident, le public et le personnel, le sacré et le profane, la conscience et la non-conscience, la vie et la mort. Il vit dans une campagne isolée en Estonie.

À travers le portrait d’une femme de 79 ans, Taklit Adel, ma grand-mère, née en Algérie et vivant en France depuis 60 ans, se noue à la fois le fil de la petite et de la grande Histoire et l’exploration de la banlieue et de son ensemble. Une histoire personnelle prise dans l’histoire collective.

Soufiane Adel est né en 1981 en Algérie. Il arrive en France à 8 ans. C’est en faisant une école de design, l’ENSCI, Les Ateliers, qu’il découvre le cinéma. Pas par hasard, toute son enfance il s’est nourri des films de Jean Claude Van Damme et du Nouvel Hollywood. Il rencontre à 20 ans le néoréalisme italien et le cinéma expérimental, et amorce alors une longue cinéphilie, autodidacte, aléatoire, et compulsive. En 2004, il décide de filmer son père, lui demande de rejouer une scène qu’ils ont vécue ensemble. Ce sera son premier court métrage : « Nuits closes ». Après il y aura « La Cassette » puis « Kamel s’est suicidé six fois, son père est mort ». A partir de 2009, il co-réalise ses films avec Angela Terrail, avec qui il travaille depuis « La Cassette ». Ils réaliseront « Sur la tête de Bertha Boxcar » et prépare actuellement un long métrage, l’adaptation contemporaine d’un roman de Jack London « Martin Eden ».

Le long de la nuit. Deux jeunes garçons sont dehors. Ils gardent un studio de cinéma. Ils sont frères. Seuls, la lune et un tigre les accompagnent pour traverser ce temps.

Soufiane Adel est né en 1981 en Algérie. Il arrive en France à 8 ans. C’est en faisant une école de design, l’ENSCI, Les Ateliers, qu’il découvre le cinéma. Pas par hasard, toute son enfance il s’est nourri des films de Jean Claude Van Damme et du Nouvel Hollywood. Il rencontre à 20 ans le néoréalisme italien et le cinéma expérimental, et amorce alors une longue cinéphilie, autodidacte, aléatoire, et compulsive. En 2004, il décide de filmer son père, lui demande de rejouer une scène qu’ils ont vécue ensemble. Ce sera son premier court métrage : « Nuits closes ». Après il y aura « La Cassette » puis « Kamel s’est suicidé six fois, son père est mort ». À partir de 2009, il co-réalise ses films avec Angela Terrail, avec qui il travaille depuis « La Cassette ». Ils réaliseront « Sur la tête de Bertha Boxcar » et prépare actuellement un long métrage, l’adaptation contemporaine d’un roman de Jack London « Martin Eden ».

De retour dans le pavillon où il a passé son enfance, Frédéric Ramade met en scène les membres de sa famille et les amène à se pencher de façon critique sur la genèse de leur maison, et les désirs qui ont guidé leurs choix esthétiques et techniques. Une reconstruction symbolique et humoristique du passé entre critique politique et désobéissance civile.

Frédéric Ramade est réalisateur et écrivain. En 2005, il a réalisé « Ode pavillonnaire », un premier moyen-métrage personnel mêlant fiction et documentaire, sur la vie en pavillon. Le film a bénéficié des soutiens de Centre-Images Région Centre, du CNC, du Ministère de la Culture (CNAP), de la Procirep et de ARCADI. Auparavant Frédéric Ramade a réalisé de nombreux documentaires parmi lesquels : « Raconte moi? », 2006, France 5 / « Le dessous des cartes », 1999 à 2006, plus d?une cinquantaine d?épisodes du magazine géopolitique, diffusion ARTE / « Court-Circuit », 2001 à 2004, Patrick Bokanovski, Michael Snow, les frères Quay, Jan Svankmaje, ARTE / « Voyage au féminin », 2002-2003, 7 x 26`, Escale / « Au pays des jouets », 30 x 3?, France 5. Parallèlement à ses réalisations documentaires, il a réalisé des courts métrages expérimentaux dont : « Dernières représentations », 2000, film hommage à Bernard Lamarche-Vadel, présenté dans le cadre du festival Paris-Berlin en 2003 / « Olhos Fechados », 2001 / « En l?attente », 2002, réflexion sur la photographie autour du photographe Magdi Senadji, présenté à l?Arthotèque de Caen en Juin 2002 / « Un tombeau pour Senadji », 2003, film hommage au photographe, présenté au Centre National de la Photographie / « ? de la renommée », 2004, installation vidéo réalisée pour l?exposition « Montagnes », Galerie Anne Barrault, Paris, présenté aux centres d?art contemporain d?Echirolles et de Cajarc au printemps 2006. Frédéric Ramade est par ailleurs diplômé de l?Atelier Scénario de long-métrage de la FEMIS (promotion 2002-2003). Il travaille actuellement à un premier long-métrage de fiction, « Rodéo », et un documentaire de création, « Bienvenue à Charleworld », sur le musicien et plasticien américain Charlemagne Palestine.

Soumis au contrôle des conversations téléphoniques, à l'interdiction des connexions internet et plus généralement, de tout échange entre personnes détenues, l'espace carcéral constitue une zone blanche ancrée au cœur du tissu urbain. Contournant ce fonctionnement, ces derniers construisent une série d’outils permettant de transporter objets et messages au sein de l’architecture carcérale : les yo-yos, pendant mécanique de l’intranet, qui leur permettent de "commander en ligne". De tels artefacts témoignent du développement de savoir-faire artisanaux s'adaptant aux évolutions architecturales et juridiques du monde pénitentiaire, des relations de pouvoir et de contre-pouvoir mises en jeu dans l'enfermement, mais surtout, d'un besoin universel d'échanges, dont Adam Smith avait fait le point central de toute théorie économique.

Julie Ramage (née en 1987, en France) est artiste visuelle et docteure en Histoire et Sémiologie du Texte et de l’Image. Elle explore les relations complexes se tissant entre les communautés humaines et les lieux qu’elles occupent. Ce travail implique la mise en place d’enquêtes sur le terrain et de protocoles de recherche collective qui fournissent le matériau de performances, de micro-éditions et d’installations vidéos, sonores ou numériques. Son travail a été présenté aux États-Unis, en Argentine, en Espagne et en France, notamment au Centre Pompidou, Paris (France); à la Cité Internationale des Arts, Paris (France); au Centquatre, Paris (France); au Musée de l’Homme, Paris (France); à la Chapelle des Beaux-Arts de Paris (France); au Cube, Issy-les-Moulineaux (France); à la Maison Européenne de la photographie, Paris (France). Avec l'artiste Marina Ledrein, elle a fondé Blackcut, structure de production et de diffusion collaborative qu'elle co-dirige aujourd'hui.

Ghostmarkets est né d’un travail de terrain ayant débuté en détention en septembre 2019 : prenant pour point de départ l’interdiction de toute transaction dans l’espace carcéral, dix hommes détenus s'engagent dans la création d'un réseau de production monétaire à l'intérieur des murs. Les débats menés à cette occasion témoignent de l'existence préalable d'un système économique invisible, basé sur l’échange de services, les dettes d'honneur et la performance de la masculinité. Alors qu'il dirige et capte ces échanges, Jules Ramage mesure progressivement la complexité de sa position : le protocole de vérification des cartes SD transforme son camescope en outil de surveillance. Les archives audios, vidéos et textuelles de cette expérience collective sont montées en un film "troué", marqué par l'extraction des voix de ses collaborateurs détenus, concentrant l'attention sur la matière, sa transformation et sa prise de valeur symbolique. Avec John Dow, Ben, Christophe, Brahli, Sparafucile, Youssef Rhnima, Philippe T., Ilich.

Jules Ramage (1987, France) est artiste visuel. Docteur en Sémiologie du Texte et de l’Image, il est aussi chercheur associé au laboratoire CERILAC d’Université Paris-Cité, et membre de la Cité du Genre, institut interdisciplinaire de recherche en études de genre. Il explore les relations de pouvoir mises en jeu dans les structures disciplinaires et institutionnelles. Depuis 2013, il poursuit un travail de terrain approfondi dans l’espace carcéral, où il implante des protocoles collaboratifs intégrant personnes détenues et surveillant-es. Son travail a été présenté en France, aux États-Unis, en Argentine, en Angleterre, en Espagne et en Allemagne. Il a été résident du CENTQUATRE-Paris, de la Cité internationale des arts, des Ateliers Médicis et du Fresnoy-studio national des arts contemporains.  Pour Ghostmarkets, Jules Ramage collabore avec un groupe d’hommes détenus au sein de la maison centrale de Poissy, constitué en 2015 dans le cadre de la Section des Etudiants Empêchés, programme d’enseignement porté par l’université de Paris. Au fil des années, le groupe prend son autonomie et prend l’identité d’un collectif de recherche-création collaborative. Il comprend : John Dow, Ben, Christophe, Brahli, Sparafucile, Youssef Rhnima, Philippe T., Ilich.

Des corps, des visages, des regards, des lieux de vie, de l`humanité. La caméra n`est pas porteuse de jugement, elle établit dans la simplicité du premier contact une relation de connivence instinctive. Il n`y a pas de victimes, pas de cause à défendre. Cela se passe en France, en 2007, dans un bidonville de Lyon, habité de Roumains, de Tziganes, oubliés de la société, sans papiers, sans droits, qu`en d`autres contrées on appellerait des intouchables. La force du film est de laisser s`épanouir dans la splendeur de ses images l`évidence du bonheur, quand le consensus ambiant rumine la langue asséchée du misérabilisme. Dans ce parti-pris de la vie, le geste est éminemment politique.Eloquence du cinéma muet.

Cinéaste et photographe sud-coréen. Il a grandi dans un univers artistique. En effet l?activité de peintre de son père lui a permis de rencontrer dans son enfance des artistes reconnus dans son pays. A l?adolescence il s?est engagé dans la danse et le travail d?acteur au sein de la Compagnie du Théâtre National. 1996. Après ses études d?acteurs il entreprent un cursus de cinéaste et de photographe en intégrant le département « film et multimédia » de l?université Honam. Pendant cette période il développe essentiellement des projets pour la télévision, l?aspect commercial étant prépondérant dans la formation. En 2002, afin de développer des projets plus personnels et engagés, il mettra à profit des échanges avec l?Ecole des Beaux-Arts de Saint-Etienne à la recherche de nouvelles expériences. En 2005 il commence à intégrer le collectif Film flamme. Puis il expérimente le développement des négatifs "dans sa baignoire" après l`expérience du film collectif "Besoin de rien" (1 mai 2006) 2006/2007, il obtient le Diplôme National d` Arts Plastique à l`école des Beaux Arts de Marseille En 2008, il passe le Diplôme National Supérieur Expression Plastique des Beaux Arts à Genève (Suisse). Il a aussi à son actif plusieurs expositions photographiques.

Je m?éloigne de la terre, des lieux connus, des formes. Une voix me suit, peut être est-ce la mienne, peut être est-ce celle d?un pays. J?arrive au Burkina Faso, je vogue à travers ses villes, j`essaye de me détacher des choses, des gens, d?arréter mes sens, pour voir. Mais la rigidité des différences culturelles et de ses corruptions, la méconnaissance des lieux m?emprisonne dans un état mental qui me conduit à la maladie, à l?hallucination. Lentement je me désintoxique et accompagne Dario, un compagnon de parcours, dans un village du sud. Je commence à ouvrir les yeux et à me rendre compte de ce qui est caché dans la profondeur.

La Malastrada.film est une structure de création et diffusion de cinéma de recherche qui a choisi de faire de la Production du bas une méthode de réalisation d`oeuvre cinématographiques. A la base de ce choix, il y a la volonté d`expérimenter un système nouveau de production/création qui permet de se mettre en relation avec des coproducteurs nombreux, dans l`optique d`un échange intellectuel et humain réciproque. Pour nous produire du bas signifie dépasser l`industrie télévisuelle aussi bien que celle du cinéma, rester en dehors du controle politique et esthétique des multinationales, de leur imaginaire, et de leurs histoires. Nous considérons le cinéma comme un instrument capable d`intervenir dans les processus humains et dans les dynamiques culturelles de la société contemporaine, mais surtout come un moyen de recherche de l`être, moyen pour ?reconnaitre les moments du sentir? comme conséquence d`un acte impulsif.La malastrada est animée par Allessandro Gagliardo, Giuseppe Spina JUlie Ramaioli

Jonathan, adolescent solitaire, se costume secrétement en sa chanteuse virtuelle préférée. Lorsqu’il trouve un semblable sur internet, il rêve d’une rencontre pour partager un peu d’humanité?

Lou naît en 1993. Après une licence de philosophie à Paris où il réalise son premier court métrage, 'Des Attachements', il entre en section Cinéma à l’Ecole cantonale d’art de Lausanne. Il réalise 'Les Zumains' dans le cadre de l’atelier fiction de deuxième année.

Dans une grande carrière de roche, une explosion révèle un objet venu d’un autre temps.

Lou Rambert Preiss nait en 1993. Après une licence de Philosophie à la Sorbonne, il entre en Bachelor Cinéma à l’Ecole Cantonale d’Art de Lausanne. Il vit maintenant à Paris.

A valley starved of light. Weariness. Fatigue. An offering of shelter; a surrender of breath...

Originally a photographer, artist/filmmaker SJ.Ramir later moved to digital video - shooting scenes of lone figures moving across remote and isolated geographical landscapes. The landscapes and structures in his films are often a mix of real and/or constructed 3D models. The prominent style of his films came from early years of experimentation with custom-made lens filters. These filters enhanced video pixels and produced hazy, distorted images, which Ramir felt were visually suggestive of emotional states connected with a central theme in his work: isolation. His films have been exhibited at art galleries worldwide and screened at many prestigious film festivals including: the 67th Venice International Film Festival, International Film Festival Rotterdam (2009 and 2010), Edinburgh International Film Festival (2012 and 2013), Melbourne International Film Festival (2011) and the International Short Film Festival Oberhausen (2009).

Experimenting with custom made lens filters to diffuse and distort, I Found Water is an autobiographical film that contemplates memory and experience.

SJ.Ramir is a New Zealand filmmaker residing in Melbourne, Australia. His films are concerned with existence and its relationship to, and occupation of, geographical space. The landscapes and structures in his films are a mix of actual locations and constructed 3D models.

“On the morning of my death – just after sunrise, and before my spirit had departed, a mysterious figure entered the house... “ In This Valley My Heart Is Buried Deep, is an experimental narrative that uses a combination of visuals and text. Based on an actual dream, the video explores what it means to belong; connection to the land; connection to a place…

Originally a photographer, artist/filmmaker SJ.Ramir later moved to digital video - shooting scenes of lone figures moving across remote and isolated geographical landscapes. The landscapes in his films are often a mix of real and/or constructed 3D models. The prominent style of his films came from early years of experimentation with custom-made lens filters. These filters enhanced video pixels and produced hazy, distorted images, which Ramir felt were visually suggestive of emotional states connected with a central theme in his work: isolation. Ramir’s distinctive films have screened at numerous film festivals worldwide including the Venice International Film Festival, International Film Festival Rotterdam, Edinburgh International Film Festival and the Melbourne International Film Festival. He currently resides in Melbourne, Australia.

Nos mains ne peuvent pas ressusciter. Dans les ombres granuleuses d'un paysage dystopique, "We Are Without" est une réponse visuelle à la vie, à la mort et à l'aveuglement...

SJ.Ramir est un cinéaste néo-zélandais vivant à Melbourne, en Australie. Ses films contiennent souvent des silhouettes solitaires se déplaçant dans des paysages éloignés et isolés. Les paysages et les structures de ses films sont un mélange de lieux réels et de maquettes 3D. Le style dominant de ses films provient de ses premières années d'expérimentation avec des filtres sur mesure pour l’objectif de sa caméra. Ceux-ci mettaient les pixels vidéo en valeur et produisaient des images floues et déformées qui, selon lui, évoquaient visuellement certains états émotionnels liés à un thème central de son œuvre, l'isolement. Ses films ont été projetés dans de nombreux festivals prestigieux dans le monde entier, dont la 67e édition de la Mostra de Venise (Italie); le Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas); le Melbourne International Film Festival, Melbourne (Australie); le Jih.lava International Documentary Film Festival, Jihlava (République tchèque) et le Oberhausen International Short Film Festival (Allemagne).

Brises c?est un film d?un plan séquence de 10 minutes où la camera traverse le Palais Présidentiel (La Moneda). Ce film travaille principalement sur la mémoire d`un lieu qui fut le scénario du Coup d?État et du retour à la démocratie. Ce lieu qui a été le berceau des tragédies et des joies de tout un peuple.

Enrique Ramirez né au Chili (1979) étudie musique et communication audiovisuelle avec mention cinéma, au Chili, fait actuellement un master dans Studio National dest arts contemporains Le Fresnoy, France. Le parcours artistique d`Enrique Ramirez a été fructifère et intense. Son regard attentif en face de l`histoire contemporaine est réfléchi dans ses oeuvres : la culture populaire dans son expression funk dans la Piste Centrale (2003), l`invention d`ennemis pour l`intervention et l`occupation d`autres peuples, et la complicité ouverte ou sournoise du reste du monde chez les Alliés (2003) et les conséquences dans les sociétés locales des opérations des compagnies transnationales dans 1929-1959 (2004). les histoires d`immigrants dans le Paysage (2007), la histoire et la mémoire dans Brises, (2008) Ramirez travaille avec deux éléments centraux : un objet qui se rattache directement au concept qui travaille et une projection avec séquences d`images sur l`objet. De cette façon il actualise et contextualise l`objet en le dynamisant au moyen du mouvement lequel les images créent en créant à la fois des canaux de correspondance entre les composants distincts de l`oeuvre.

Video installation, which takes an internal journey through memories and landscapes: The ex-tinction of memory as well as plants and traditions. Through its inhabitants, this film talks about plants, and through them, people and their society.

Enrique Ramírez est né en 1979 à Santiago du Chili. Vit et travaille à Paris (France) et Santiago (Chili). Il a étudié la musique populaire et le cinéma au Chili avant de rejoindre en 2007 le Studio National des Arts Contemporains-Le Fresnoy (Tourcoing, France). En 2013, il a remporté le prix des Amis du Palais de Tokyo, Paris, France. En 2014, il remporte le prix Loop fair, Barcelone. Il a notamment exposé au Le Palais de Tokyo, Centre Pompidou, Espace Culturel Louis Vuitton, IX Bienal international d?art, Bolivie; Museo Amparo, Puebla, Mexique; Musée de la mémoire, Santiago; Centre Culturel MATTA, Argentine, Buenos Aires et au Grand Café à Saint-Nazaire. En 2017, il est invité par Christine Macel à participer à l?exposition "Viva Arte Viva" de la 57ème exposition internationale de la Biennale di Venezia Aujourd?hui Ramírez est nominé au prix Marcel Duchamp 2020

Il est dit que certaines tribus indiennes pensaient que nous marchions vers le passé avec l`avenir derrière nous, parce que le passé est quelque chose qui est en face de nous, nous pouvons le voir, alors que l`avenir serait derrière nous, comme un point aveugle, invisible et inconnu... Ils disaient que les tâches blanches (les étoiles) que nous apercevons dans le ciel étaient des trous par où la lumière de l`univers entrait et que l`obscurité n`y existait pas. La première chose que nous voyons, si nous arrivons depuis l`Amérique en bateau, est le sémaphore de Créac`h. nous pouvons voir une lumière qui annonce la terre proche, ce sont les yeux de l`ancien continent, le faisceau d`une étoile artificielle qui toutes les 10 secondes jette des éclairs de lumière pour montrer la voie aux voyageurs de la mer, qui viennent souvent du Nouveau Monde, ou de la fin du monde, le Finistère... L`autre bout du monde... Ces lumières indiquent la terre ou la fin de celle-ci, elles sont les signaux de référence du monde, les différentes constellations qui portent en elle la mémoire de leur propre lumière, indiquant leur passé et leur avenir... Dans le présent.

Enrique Ramírez est né en 1979 à Santiago du Chili. Vit et travaille à Paris (France) et Santiago (Chili). Il a étudié la musique populaire et le cinéma au Chili avant de rejoindre en 2007 le Studio National des Arts Contemporains-Le Fresnoy (Tourcoing, France). En 2013, il a remporté le prix des Amis du Palais de Tokyo, Paris, France. En 2014, il remporte le prix Loop fair, Barcelone. Il a notamment exposé au Le Palais de Tokyo, Centre Pompidou, Espace Culturel Louis Vuitton, IX Bienal international d`art, Bolivie; Museo Amparo, Puebla, Mexique; Musée de la mémoire, Santiago; Centre Culturel MATTA, Argentine, Buenos Aires et au Grand Café à  Saint-Nazaire. En 2017, il est invité par Christine Macel à  participer à  l`exposition "Viva Arte Viva" de la 57ème exposition internationale de la Biennale di Venezia.