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Le point de départ de cette vidéo est le combat entre les visions, les peurs d'un personnage fictif et ses souvenirs lors du décolage d'un avion. Elle mélange une collection de photographies avec de vraies images d'un accident d'avion et un morceau de la dernière séquence de peeping Tom de Michael Powell, refilmé et monté à nouveau. 'Les Métaphores de la peur', écrit par Nuno Crespo. Il est possible que l'on se réfugie dans une image lorsqu'on sent que l'on est en danger, lui donnant ainsi le pouvoir d'atténuer la douleur, de calmer notre imagination, c'est un fait reconnu : la preuve en est le concept bien connu de la catharsis. Certains objets qui ont cette qualité deviennent des talismans qui ont le pouvoir de dénouer certains noeuds que l'on peut avoir à l'intérieur de la pointrine ou du coeur. On pourrait dire que ces noeuds représentent la peur, l'angoisse, les sentiments étranges dont on ne sait pas vraiment quoi faire mais que l'on veut dénouer et dominer. La peur d'être dans un avion par exemple, la peur de ses bruits vrombissants et métalliques inatendus. Etre dans un avion, dans le ciel, ne convient pas forcément à un être dont l'habitat naturel est la terre. Au moment du décollage, l'idée de la chute devient omniprésente, la chute sur en terre inconnue où seul le destin, grâce à ses pouvoirs mystérieux et invisibles, est capable de décider et d'anticiper. Cristalliser ces peurs et ces angoisses en les transformant en iages est le travail de l'art et se solde par la construction de sens à laquelle on peut attribuer certaines preuves ou, si on préfère, illuminations : par conséquent, prendre conscience de ses propres peurs peut amener à une meilleure compréhension de sa propre intimité. La peur se présente elle-même comme une catégorie esthétique - touver sa parfaite image est une tâche impossible : aucune image ne peut lui corresponde exactement ; il s'agit toujours d'une tentative de médiaton, ou pour être plus précis, une tentative de domestication. La tâche de l'artiste est de faire le choix de ne pas dépasser sa peur, mais d'avancer en vivant avec elle. Ce qui fait que Noé Sendas continue de travailler, c'est ce processus dynamique et toujours incomplet, c'est le fait qu'il ignore si le moteur vrombissant de l'avion va s'arrêter, c'est l'envie de donner forme au soupçon, au soupçon selon lequel quelque chose pourrait arriver. Nuno Crespo, Lisbonne, Juillet 2005

Noé Sendas est né à Bruxelles en 1972 et a fait ses études à l'Ar.Co à Lisbonne. Il a également étudié à l'étranger comme par exemple au Royal College of Arts de Londres et à l'Art Institute de Chicago. Il a également effectué des résidences, notamment au Kunstlerhaus Bethanien. Au milieu des années 90, il a commencé à présenter son travail et sa carrière a connu un réel essor durant ces deux dernières années. Il a participé à plusieurs expositions, notamment à En Garde! à Porto en 2002-2003. C'était une exposition personnelle avec une matrice anthologique qui permettait de comprendre le parcours de l'artiste et de prendre conscience d'une préférence personnelle qui jusque là n'avait été que partiellement visible. Sendas a recours à différents modes d'expression : la vidéo, la sculpture, le son et le dessin. Sa matière première se compose de références implicites et explicites à des artistes ainsi qu'à des créations littéraires, filmiques ou musicales. Il cite par exemple Beckett et Shakespeare ainsi que différents réalisateurs parmi lesquels Godard et Coltrane. On peut également ajouter à son répertoire ses intérêts pour la réflexion dans l'art visuel et sa pratique. Parmi ses intérêts il y a le corps en tant qu'entité à la fois théorique et matérielle ; les méchanismes de perception des spectateurs ou encore le potentiel discursif des méthodes d'exposition. Le processus créatif de Sendas prend racine dans une méthode intellectuelle fondée sur l'association de matériaux d'origines différentes. La logique sous-jacente n'est pourtant pas la simple appropriation mais la définition d'une nouvelle manière de créer. Cette méthodologie a des affinités particulières avec les stratégies employées par les DJs et avec un instrument courant dans la musique pop actuelle, le sampler : il configure une appropriation de thèmes qui seront utilisés pour construire de nouveaux sons, plutôt que pour réaliser un simple collage.

My mother used to tell me that our dining table was as old as I am. I wonder how old the tree was when it was cut down to be turned into our table. I am fascinated in this kind of transmutation from the natural world to the human one, and how a tree takes on new lives long after it has been cut down. This video essay incorporates archival photographs from the American Colonial Era in the Philippines (1898–1946), exploring the sticky relationship between humans and nature and their entanglements with empire. Taking plants and trees as starting points, it aims to reflect on the intertwined roots of photography and capitalism in the Philippines.

Shireen Seno is an artist and filmmaker based in Manila whose work addresses memory, history, and image-making, often in relation to the idea of home. A recipient of the 2018 Thirteen Artists Award from the Cultural Center of the Philippines, she is known for her films which have won awards at Rotterdam, Shanghai, Olhar de Cinema, Vladivostok, Jogja-Netpac, and Lima Independiente and have screened at festivals including New Directors/New Films, Yebisu International Festival of Art & Alternative Visions, NYFF Currents, and institutions such as Tate Modern, UCCA Center for Contemporary Art, NTU Center for Contemporary Art Singapore, National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, and Portikus.

"A child dies, a child plays, a woman is born, a woman dies, a bird arrives, a bird flies off", is a voyeuristic glimpse of both local birds and migratory ones that make the Philippine marshlands their home for a time.

Shireen Seno is a lens-based artist whose work addresses memory, history, and image-making, often in relation to the idea of home. She was born to a Filipino family in Japan, where she spent most of her childhood. She has had two solo exhibitions and is a 2018 recipient of the 13 Artists Award from the Cultural Center of the Philippines. Her photo zine Trunks, produced while in residency at Objectifs Centre for Photography and Filmmaking, has been exhibited widely. She started out in film shooting stills for Lav Diaz before going on to direct her debut feature, Big Boy (2012), shot entirely on Super 8. It premiered at Rotterdam and won Best First Film at the Festival de Cine Lima Independiente. Her second film, Nervous Translation (2018), is about a girl who finds out about a pen that can translate the thoughts and feelings of nervous people. It premiered in Hivos Tiger Competition in Rotterdam and won the NETPAC Award for Best Asian Film. Other awards include: Critics’ Prize at Olhar de Cinema - Curitiba International Film Festival, Asian New Talent Award for Best Script Writer at Shanghai International Film Festival, Jury Special Mention at Pacific Meridian International Film Festival of Asia-Pacific Countries in Vladivostok, and Silver Hanoman at Jogja-Netpac Asian Film Festival. It also screened at MoMA as part of New Directors/New Films, Tate Modern as part of their Artists’ Cinema program, and at the Tokyo Photographic Art Museum for Yebisu International Festival for Art & Alternative Visions.

The Locker Plant Projections is part of a site specific projection video series of my video-installation piece Colour Kinesthesia. The Projections of the abstract colors and the act of projecting in itself become the vehicle for the merging of colors with the environment and that existential and poetic narrative of enlightening our surroundings. In this piece the known Donald Judd building in Marfa, TX - The Locker Plant, is subject to the projections, as well as the South Western Texas Railroad and local trees. In merging the movement of colors with an archetypal architectural form, passing people and natural life activity during the night, we experience an added level to the notion of spatial relations, time and volume. The music of J G Thirlwell, known from Foetus, Manoriexia and Wiseblood - creates a cinematic mood to the minimalist references. The Locker Plant is a former butcher and meat packing plant, one of a group of buildings Donald Judd acquired in Marfa, TX - it is now part of The Chinati foundation.

Anne Katrine Senstad is a multidisciplinary Norwegian artist who lives and works in New York. She works with light, installation, photography, video, site specific and land art. She was educated at Parsons School of Design and The New School for Social Research in New York. She is currently working with the internationally renowned architecture firm Snøhetta, where she has been awarded the public art commission for their first completed U.S. building ? a performing arts center in Bowling Green, Ohio, The Wolfe Center for the Arts at BGSU. Senstad will be creating a monumental mural consisting of 39 photographic, aluminum and Plexiglas panels extending over 28 feet high and 86 feet long (8 x 28 meters). The monumental mural piece entitled The Eternal is scheduled to officially open December 2011. She has exhibited widely internationally at Zendai Moma in Shanghai, ThisisNotAgallery in Buenos Aires, Utsikten Kunstsenter and Stiftelsen 3,14 in Norway, Bjorn Ressle Gallery, Gallery Nine5 and Elga Wimmer Gallery in NY, Pink Gallery in Seuol and KK Projects in New Orleans amongst others. Her work is represented in Gallery, Institutions, corporate and private collections.

The film is about the director's attempt to stage a play, a series of unexpected events has inexplicable results for the actors. At the same time, the egg is constantly lurking between the directors and the actors.

Stratos Serafimidis(1997) was born and live in Drama,Greece.He studied at the Department of Visual Arts and Art Sciences of the School of Fine Arts University of Ioannina. He has participated in group exhibitions and in various research projects.Currently, he is studying in M.A in Digital Arts at Athens School of Fine Arts.He lives and works in Athens,Greece.

This is a metaphorical story about two young skaters who are trying to make sense of themselves in the world.

BLACK WINGS Black Wings is the third video that complete ?Power Trilogy?. The main theme is the transference to the character of the spiritual and magic nature that bestows on it special powers, focussing on mental and crerative facets. Story tells about a black crow flying over the sky. Down on earth, a little girl is waiting for him. The bird goes down to alighted on her arm. Between them exist a secret language. The girl turns her body and gives back to spectator. We don?t know what?s happend, but suddenly she is very convulsioned and begans to grow a smooth down on her shoulder blade. In a few seconds, she has a new couple of sparkling black wings.She is ready to take off? Black Wings is connected to one of the most ancient wishes of human been: Possibility of fly. The black crow is the driver of the transference. The bird gives her the opcion to explore the world of the ideas, dreams, fantasy, illusions?..the stranger world of imagination and creativity.

Biographical note Marta Serna. Visual artist. Graduated from Complutense University of Madrid (1993) with a degree in Fine Arts, majoring in Painting. She also studied Classical Dance at the Royal College of London, Spanish Dance at the Royal Conservatory of Córdoba and Oriental Dance. She has created stage sets for films, theatre and television, and has taken part with diferent dance companys In worshops and performances, including Contemporary Stage. As a visual artist she is concentrated on illustration, traditional animation video, mural Installations in vinyl and plastics sculptures . She has shown her work in Spain, U.K, Mexico and USA. Now she is currently working with Espacio Marzana Gallery in Bilbao, Spain. Serna?s latest solo exhibition are ? Winter Tale? Espacio Frágil, Madrid., ?Black Sparkle?, Espacio Marzana, Bilbao and ?Black Wings?, Domus Artium, Salmanca, all in Spain (2010). ?Dark Delicate?, Cubo Azul Gallery, León (2009). ?Cruel but Fair?, Rosa Santos Gallery, Valencia and ? Blood Breath?, NO-ID Gallery, London (2008). ?Havoc Amazing Cosmic Trip?, Proyect 142, London ( 2007). And Colectives like ?Merrie Melodies?, Domus Artium, Salamanca (2010) ? ARCO 2009 Premios Creación Artística Comunidad de Madrid? ?Bloody Boots? ARCO 2008, and the visual proyect ?Bloody Little Creatures? for the goup The Cure in London.

BLOODY BOOTS Bloody Boots is a traditional animation video and the first one about ?Power Trilogy?, whose mission is to reflect on our human, animal, artificial and spiritual nature and on the ritual of compensation we have to undertake to ensure that we adapt to our surrounding environment. The story tells about a normal pair of boots turns, by the vital and regenerator effect of blood, in autentic magic object of power. The blood that flows from earth transform the boots in protectives and magics. The ?new? boots gives the girl a big power. Now she is mentally and physically prepared to croos any territory. The blood is portrayed as the vital fluid that serves as a conduit for the realisation of the ritual and confers a special power on the object. Blood gives people a human condition and bestows an inheritance, a genetic nature. The content of the video is anchored in the earthly, working wih the human.

Biographical note Marta Serna. Visual artist. Graduated from Complutense University of Madrid (1993) with a degree in Fine Arts, majoring in Painting. She also studied Classical Dance at the Royal College of London, Spanish Dance at the Royal Conservatory of Córdoba and Oriental Dance. She has created stage sets for films, theatre and television, and has taken part with diferent dance companys In worshops and performances, including Contemporary Stage. As a visual artist she is concentrated on illustration, traditional animation video, mural Installations in vinyl and plastics sculptures . She has shown her work in Spain, U.K, Mexico and USA. Now she is currently working with Espacio Marzana Gallery in Bilbao, Spain. Serna?s latest solo exhibition are ? Winter Tale? Espacio Frágil, Madrid., ?Black Sparkle?, Espacio Marzana, Bilbao and ?Black Wings?, Domus Artium, Salmanca, all in Spain (2010). ?Dark Delicate?, Cubo Azul Gallery, León (2009). ?Cruel but Fair?, Rosa Santos Gallery, Valencia and ? Blood Breath?, NO-ID Gallery, London (2008). ?Havoc Amazing Cosmic Trip?, Proyect 142, London ( 2007). And Colectives like ?Merrie Melodies?, Domus Artium, Salamanca (2010) ? ARCO 2009 Premios Creación Artística Comunidad de Madrid? ?Bloody Boots? ARCO 2008, and the visual proyect ?Bloody Little Creatures? for the goup The Cure in London.

CAT POWER Cat Power, the second video of ?Power Trilogy?, is the title that served as a source of inspiration for the underlying argument of the video: a girl gains the confidence of a little kitten by petting and them??eats it! In just a few seconds she gets a new projecting appendix. Cat Power refers to the recovery of wild untamed power through a ritual of appropiation. The central character appropiates the intuitive and wild part of the animal. The death of the cat is not in vain, it is necessary to recover a lost and forgotten wild nature. A mutation is produced. Both, human and animal coexist in the same body. They are no longer who they used to be and have become a new hybridised being gifted with new characteristics that make it more complete and fit for survival. The conduit in that video is the cat, whose sacrifice transmits a savage instinct and nature to the central character. This video explores the atavistic underpinnings of intuition.

Biographical note Marta Serna. Visual artist. Graduated from Complutense University of Madrid (1993) with a degree in Fine Arts, majoring in Painting. She also studied Classical Dance at the Royal College of London, Spanish Dance at the Royal Conservatory of Córdoba and Oriental Dance. She has created stage sets for films, theatre and television, and has taken part with diferent dance companys In worshops and performances, including Contemporary Stage. As a visual artist she is concentrated on illustration, traditional animation video, mural Installations in vinyl and plastics sculptures . She has shown her work in Spain, U.K, Mexico and USA. Now she is currently working with Espacio Marzana Gallery in Bilbao, Spain. Serna?s latest solo exhibition are ? Winter Tale? Espacio Frágil, Madrid., ?Black Sparkle?, Espacio Marzana, Bilbao and ?Black Wings?, Domus Artium, Salmanca, all in Spain (2010). ?Dark Delicate?, Cubo Azul Gallery, León (2009). ?Cruel but Fair?, Rosa Santos Gallery, Valencia and ? Blood Breath?, NO-ID Gallery, London (2008). ?Havoc Amazing Cosmic Trip?, Proyect 142, London ( 2007). And Colectives like ?Merrie Melodies?, Domus Artium, Salamanca (2010) ? ARCO 2009 Premios Creación Artística Comunidad de Madrid? ?Bloody Boots? ARCO 2008, and the visual proyect ?Bloody Little Creatures? for the group The Cure in London.

Presentation of the work and sinopsis Marta Serna?s current work is driven by her interest in the chaotic states of the mind, dreams, lethargy,myths,the boundary between reality and fiction, the subconscious adn their influence on human behaviour. In 2011, she developed the proyect ? Misty Eyes & Mourning Stones?, alluding firstly to the English expression of having the eyes blurred, as with tears, and secondly to the shiny, jet black jewels and stones used during the Victorian era, wich were primary elements in the mourners? attire between the seventeenth and nineteenth centuries. The combination of both expressions evokes the feeling of mourning and crying for oneself. The origin of the proyect is a restless interest for the chaotic state of the mind, when it feels confused and dreams with the possibility of getting rid of our internal mist. This leads to an open reflection about a mental space torn between lucidity and darkness, a lethargic state of the brain with magical, enchanted and supernatural connotations. The videos that I presented to Rencontres Internationales are part of this work. The first one, ?Misty Eyes? (2011),is a reflection about the nature of evil, whether it si produced by oneself or by our environment. The protagonist, combining human and animal characteristics, seems to be unprotected and lost, abandoned in the middle of nowhere and plunged into the immensity of the mist. When the landscape starts to become clear and the blur fades away, we can finally see that the mist comes from her mouth,plunging the forest into darkness again. She is held in her own environment and wilderness.

Marta Serna. Visual artist. Graduated from Complutense University of Madrid (1993) with a degree in Fine Arts, majoring in Painting. She also studied Classical Dance at the Royal College of London, Spanish Dance at the Royal Conservatory of Córdoba and Oriental Dance. She has created stage sets for films, theatre and television, and has taken part with diferent dance companys In worshops and performances, including Contemporary Stage. As a visual artist she is concentrated on illustration, traditional animation video, mural Installations in vinyl and plastics sculptures . . She likes drawing disfunctional caracters without scene and checking the roles of power on childhood. The mission on her work is to reflect on human, animal, spiritual and artificial natures and on the ritual of compensation we have to do to adapt ourselves to the surrounding environment. She has shown her work in Spain, U.K, France, Germany, Bulgary, Yugoslavia, Lebannon, Jordan, Algeria Mexico and USA. Now she is currently working with Asm28 Gallery in Madrid and Espacio Marzana Gallery in Bilbao, Spain. Serna?s latest solo exhibition are: ? Misty Eyes & Mourning Stones? Galeria Asm28 , Madrid ( 2011), ?Winter Tale? Espacio Frágil, Madrid . ?Black Sparkle?, Espacio Marzana, Bilbao, and ?Black Wings?, Domus Artium, Salamanca, all of them in Spain (2010). ?Dark Delicate?, Galeria Cubo Azul, León (2009) ?Blood Breath?, NO-ID Gallery, London, and ?Cruel butFair?, Galeria Rosa Santos, Valencia (2008) ?Havoc Amazing Cosmic Trip?, Proyect 142, London (2007) ?Havoc Oddity?, Galeria Cubo Azul, León. 2006) And collectives like ? The Noise of Bubbles?, Red Bull Academy, Matadero, Madrid. ?Gráfica. 30 Artists from young Spain? Cervantes Institute of Lebanonn, Jordan, Bulgary, Algiers, (2012 ). ?Rencontres Internationales?, with the video proyection ?Power Trilogy?? at Pompidou in Paris , Haus der Kulturen der Welt in Berlín and the Auditorio del Ministerio de Cultura in Madrid (2011_2010) ?Merrie Melodies?, Domus Artium, Salamanca (2010) ?Premios Creación Artistica Comunidad de Madrid?, ARCO 2009 ?Bloody Boots?, ARCO 2008, and the visual proyect ?Bloody Little Creatures? in London for the musical group The Cure. In 2008 receives the Prize of Artístical Creation for the Madrid Community for the creation of traditional video animation Cat Power.

SnakeBoy is the first video of the serie Immaculate Dreams. It’s an animated portrait of a real person who creates a fictionalised version of himself, in what represents a journey through his own dreams. It features SnakeBoy riding a snake as a cowboy, truly enjoying being in control of the situation. Immaculate Dreams is about the possibility of turning a dark or unpleasant journey into something luminous and flawless through the exorcism of staging. The main characters will have to stage some of their dreamlike experiences in order to carry out their own “animated portrait of their dreams” and hence portraying themselves in a more intimate, personal way.

Marta Serna. Visual artist. Graduated from Complutense University of Madrid (1993) with a degree in Fine Arts, majoring in Painting. She also studied Classical Dance at the Royal College of London, Spanish Dance at the Royal Conservatory of Córdoba and Oriental Dance. She has created stage sets for films, theatre and television, and has taken part with diferent dance companys In worshops and performances, including Contemporary Stage. As a visual artist she is concentrated on drawings and illustration, traditional animation video, mural Installations in vinyl and plastics sculptures . She has shown her work in Spain, U.K, France, Germany, Bulgary, Yugoslavia, Lebannon, Jordan, Algeria Mexico and USA. Serna’s latest solo exhibition are: “SnakeBoy”Open Studio, Madrid (2014),”Abecedario para Monstruitos” Rita Castellote Gallery, Madrid(2012)” Misty Eyes & Mourning Stones” Gallery Asm28 , Madrid ( 2011), “Winter Tale” Espacio Frágil, Madrid . “Black Sparkle”, Espacio Marzana, Bilbao, and “Black Wings”, Domus Artium, Salamanca, all of them in Spain (2010). “Dark Delicate”, Galeria Cubo Azul, León (2009) “Blood Breath”, NO-ID Gallery, London, and “Cruel butFair”, Rosa Santos Gallery, Valencia (2008) “Havoc Amazing Cosmic Trip”, Proyect 142, London (2007) “Havoc Oddity”, Cubo Azul Gallery, León. 2006) and the visual proyect “Bloody Little Creatures” in London for the musical group The Cure. In 2008 receives the Prize of Artístical Creation for the Madrid Community for the creation of traditional video animation Cat Power.

Inspiré d'un poème de Najmudin Kubra, maitre souffi du XIIème siècle, "Las Night Dikr", un "documentaire d'auteur", montre la route d'un groupe d'hommes assoiffés, à la recherche d'eau dans les terres désertiques de l'intérieur du Maroc. Minute après minute, image après image, ce chemin, plein de métaphores et de symboles, semble nous conduire vers ce monde intérieur que, selon le poète, tout être humain porte en lui. Un homme torse nu, à la poitrine trouée, nous invite à nous connaître, à nous comprendre nous et nos désirs, à comprendre ce que nous poursuivons. "Last Night Dikr" est un phare, une compilation de documents destinées à aider, à diriger le voyageur sur le chemin de la spiritualité.

Toni Serra vit entre Duar Msuar, au Maroc, et Barcelone. Il a étudié l'Histoire de l'Art et la Philosophie à l' Universidad de Barcelona et la Vidéo et la Photographie à la School of Visual Arts de New York. Réalisateur, Toni Serra est directeur des archives de l'OVNI, l'Observatoire de la Vidéo Non Identifiée. Ses ?uvres questionnent l'excès d'images, la simulations et le spectaculaire. Disposant de trop de matériel, il révèle au spectateur ce qui est resté dissimulé jusqu'à aujourd'hui. En parallèle à "Retroyou" de Joan Leandre, il développe "Babylon Archive", un projet d'archéologie médiatique. Il a compilé divers cycles de vidéos, dont "Malestar a les Ciutats" et "TransArab ? Nou Vídeo Àrab" ainsi que la programmation vidéo du MACBA 1996-97. Il a reçu, en 2002, le Prix d'Arts Plastiques de la Ville de Barcelone pour son installation "Fes Ciutat Interior" et, en 2004, le Prix du Patrimoine de Catalogne pour le projet "Arxius" de l'OVNI.

“Reunion” is the encounter between a father and a son. A moment marked by landscape, distance and silence. Ilan is cutting his own hair. He is getting ready to travel to Reunion Island. There lives his father, Raphael. An island is a piece of land surrounded by water on all its parts. A reunion is the act of making two or more things coincide at one point, sometimes colliding with one another. This meeting between the father and the son is distinguished by the absence of words, by everyday gestures, by different body postures, by the expression of their faces and by the few sentences that articulate an attempt to resume what seems to be an impossible dialogue. Raphael smokes on the chair, studying his son with his eyes. He is breathing hard. Among them, a camera acts as an intermediary. It observes them together and separately. It is a mediation device: it restrains the dialogue, registers the look on their faces and records the silence. The camera favors the meeting to take place. It protects them from the past and places them only in the present. We do not know the reasons that led them to this situation, nor the time that happened since they last saw each other. We only know that they are there, in Reunion. A path in the forest. Roots in the ground. Fog and cracks.

Ilan Serruya grew up between the cities of Mar del Plata (Argentina) and Seville (Spain). He studied Fine Arts (Universidad Complutense de Madrid), holds a degree in Film Editing (Instituto del Cine de Madrid) and Master LAV (Audiovisual Laboratory of Creation and Contemporary Practice). His search as a visual artist go into focusing on to autobiographical events, and his works often reveal some found domestic material. His feature film “Reunion” (2018) was selected for Input 2018 -Space for tutoring and advising film projects organized by (S8) Mostra de Cinema Periférico-. “Reunion” had its world premiere at Doclisboa (International competition) and its Spanish premiere at Seville European Film Festival (Endless Revolutions competition). The world premiere of “What is a zeide for?” (2018) was held by Filmadrid International Film Festival. His short film “The lost distance” (2016) participated in cinema screenings at Guadalajara (Mexico), Rome (Italy), Prague (Czech Republic) or festivals like Una casa: Muestra de cine documental autobiográfico (Spain).

Dans "The GPS Will Take Me Home", des pigeons chantent et discutent dans une langue futuriste à propos de divers sujets, incluant la technologie GPS, l'amour et le prolongement médical de la vie humaine. Ils communiquent et interagissent avec des appareils électroniques comme un four à micro-ondes, un robot aspirateur et un cryostat - une machine créée dans le but de congeler et ramener à la vie des corps humains dans le futur. Les pigeons apparaissent comme des hybrides, entre organisme et machine. Ils chantent des chansons pop autotunées, influencées par la dance music, mêlées à des enregistrements de champs électromagnétiques et de sons de synthétiseur, créant des tensions entre émotionnel et artificiel. Tels des oracles recevant des signes d'un futur qui ne peut être vu qu'à travers le brouillard. Les pigeons sont omniprésents dans les grandes métropoles. Ils se sont adaptés à notre mode de vie et ont substitué les agglomérations humaines à leurs habitats naturels. On peut considérer le pigeon comme un observateur domestiqué de la vie humaine, mais dans "The GPS Will Take Me Home", il apparaît comme un être doué de sens, un cyborg, portant un regard particulier sur le monde des humains.

Jens Settergren est artiste visuel. Il habite à Copenhague, au Danemark. Il s'intéresse au processus de production des imaginaires collectifs, des mythologies contemporaines, des désirs et de la culture visuelle. Ses œuvres reflètent la façon dont ces sujets sont exprimés dans les images, les objets et le langage. Il interroge les corrélations entre la technologie, la nature, la cognition et le pouvoir. Il a exposé à l'international dans des musées et des lieux tels que le Statens Museum for Kunst (Danemark), l’INCA – Institute for New Connotative Action (États-Unis), die raum (Allemagne), le KØS Museum of public art (Danemark), la Kunsthal Aarhus (Danemark), la Kunsthal Nord (Danemark), la Struer Tracks Biennial (Danemark), The Great Poor Farm (États-Unis) et Art Museum Brandts (Danemark). Jens Settergren a obtenu son diplôme de l'Académie des arts du Jutland (Danemark) en 2016. En 2019, il a été résident à l'ISCP – International Studio & Curatorial Program à New York (USA), et en 2020, il a reçu le Carl Nielsen et Anne Marie Carl-Nielsen Talent Award.

De la guerre, Mont Royal,fragments 2011 présentée est une double projection qui se focalise sur un parc de Montréal connu pour regrouper différentes activités de loisir et de plein air. En position centrale, situé sur une colline dominant la ville, le parc du Mont Royal cristallise par son esthétique tout un imaginaire tenant à l?idée de ré-ensauvagement dans la ville. Anne-Lise Seusse s?intéresse à ce lieu comme générateur de liens, et aux personnes qui y évoluent, dont elle tire cependant des portraits solitaires. De manière synchrone, apparaissent lentement des vues de l?environnement, où se gravent des restes de rituels, et les portraits, saisis dans des moments de repos, d?inaction. Mêlant la nature aux bruits de la ville proche, le son restitué des lieux contribue à une atmosphère d?attente vaguement menaçante. L?un des deux écrans de projection est en outre ponctué de textes extraits du célèbre traité de stratégie militaire De la guerre de Von Clausewitz, paru à titre posthume à partir de 1832 et qui gardera une certaine actualité en matière de réflexion politique et économique. Les descriptions implacables et les raisonnements dialectiques donnent alors une coloration et un rythme particuliers au scénario créé par Anne-Lise Seusse, entre réalité fantasmée et hostilité anticipée.

Photographe et vidéaste, Anne-Lise Seusse s?intéresse à des territoires situés aux lisières des villes et investis par des activités de loisirs (ball-trap, moto-cross, cérémonies de communautés de Second Life?). Espaces périphériques indéfinissables, entre l?urbain et le naturel, ces zones a priori sans qualité ni identité se marquent peu à peu d?un relief et d?un imaginaire bien particuliers. En position d?anthropologue, l?artiste « zoome » sur ces espaces porteurs de récits et se rapproche de leurs occupants en réalisant des portraits à la fois objectifs et rêveurs. Les lieux portent les empreintes des interventions humaines, parfois évocatrices d?une nouvelle forme de « earth art » (trous creusés dans la terre, rampes de planches de bois, couleurs des matériaux?). Les personnes revêtent les signes distinctifs de personnages (costumes de jeux de rôles?) et se prêtent sobrement à la pose, à la prise de vue extrêmement précise de l?artiste, qui travaille à la chambre, dans le paysage même.

"Gravity" explore la tension entre l'amour (sujet supposé du film) et le souvenir traumatisant d'une vieille dame (personnage central du récit). Elle raconte l'histoire d'un petit garçon qui aimait grimper dans les arbres et a un jour fait une chute. Derrière elle, un homme perché sur une échelle est en train de tailler des vignes. Cet acte apparemment rituel contraste avec les tirs oppressants des avions et les nuages dans le ciel. Progressivement, l'histoire d'amour maternel se transforme en force totalitaire toute puissante. La vidéo est ponctuée par le musique de Laibach/NSK, "Nova Acropola" (1983). "On ignore plus ou moins que l'objet historique à l'étude, la terre, possède ses particularités métaphysiques, qui ont tendance à se cacher derrière une apparence ordinaire. Nous parlons ici de bâtard géographique et philosophique, dont les détails logiques et physiques sont difficiles à sonder." Peter Sloterdijk, Theory of Globalisation.

Igor Sevcuk est né en 1972, en Bosnie-Herzegovine, ex-Yougoslavie. Depuis 1991, il vit et travaille aux Pays-Bas. Il est diplômé en arts visuels du Piet Zwart Institute de Rotterdam. Il a obtenu le "Prix de Rome" en 2002 dans la carégorie film et vidéo. Depuis 1999, Sevcuk travaille sur des installations vidéo, des films et des documentaires. Il recherche la tension entre les concepts de liberté et les limites réelles du système humain. Parmi ses oeuvres: "Looking for Rebels" (2000), "Kalle" (2004), "Gravity" (2005), "Haso" (2007).

En juillet 2003, Igor Sevcuk a accompagné, en tant que traducteur, un groupe d'étudiants néerlandais lors de leur tournée en Ex-Yougoslavie. Les informations qu'il a récolté pendant ces concerts ont été la base dune enquête plus poussée. Il l'a appelée 'Kalle'. Pour résumer, il s'est intéressé dans 'Kalle' aux mythes religieux et historiques que l'on retrouve dans la vie quotidienne. Qu'est-ce que la 'Messe en si mineur' de Bach a en commun avec les symptômes d'un chien fou ? Et comment se fait-il que ce 'chien des Balkans' porte le nom scandinave de Kalle ? Dans la vidéo de 20mn le vert et le rouges, couleurs complémentaires, altèrent les opinions et les remettent en question. A travers les installations supplémentaires, ces couleurs soulignent d'autant plus les contradictions dans l'identité du chien. La vidéo de 20mn est projetée sur un mur. Une carte de l'Europe montre l'origine et du nom Kalle et comment il s'est propagé. A côté de cette carte il y a une image anamorphique de 4,5 mètres de long et composée d'épreuves au format A4. Accompagnées d'une petite photographie, de deux drapeaux de pays en papier et de leurs légendes, elles représentent 'l'Europe de Kalle'. Au milieu de cette 'documentation', un écran supplémentaire montre des vidéo de la jeunesse de Kalle. Dans cette vidéo de 5mn siffle une sorte de 'variation pour chien' de la messe de Bach.

Igoe Sevcuk est né en 1972 en Bosnie Herzégovine / Ex-Yougoslavie. Depuis 1991 il vit et travaille aux Pays-Bas. Après être sorti d'une école d'art de La Hague, Sevcuk a obtenu une maîtrise à l'institut Piet Zwart à Rotterdam. Lors des récompenses pour l'art néerlandais, 'Prix de Rome 2002', il a obtenu le premier prix dans la catégorie filme et vidéo. De 2004 à 2005 il a participé à la Research Residency Rijksacademie à Amsterdam. En 2007 il sera invité au Studio National d'Art de Chandong (Changdong National Art Studio) en République de Corée.

Le resserrement dans les pinces de la grise et banale réalité, au moins, il est encore une force qui aspire à l'air libre.

Etudes: 2003 ? 2005 Pro Arte Institute, Fondation pour l'art et la culture, programme d'études des nouveaux arts des médias, Saint-Petersbourg 2000 ? 2005 Université des arts et de la culture, technologies sociales et culturelles, Saint-Petersbourg 2000 ? 2001 Collège d'optique et de mécanique de Saint-Petersbourg. Photographie Récompenses: Premier prix du jeune artiste "nouvelle génération", concours d'art contemporain de l'état de Russie, Mars 2006

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Tejal Shah (b. 1979) is a multi-disciplinary artist primarily working with video, photography, performance, sound and installation. Her work, like herself, is feminist, queer and political. She has exhibited widely in museums, galleries and film festivals. Recent presentations include, Paris-Delhi-Bombay?, Centre Pompidou, Paris, 2011, Where Three Dreams Cross, Whitechapel Gallery, London, 2010; Lost and Found - Queerying the Archive, Nikolaj Contemporary Art Center, Copenhagen, 2009; Global Feminisms, Brooklyn Museum, NY, 2007 and Saturday Live, Tate Modern, London, 2006. Solo exhibitions include The Incidental Self, Barbara Gross Gallery, Munich, 2011; There is a spider living between us, La Centrale, Montreal, 2011; Pentimento, Kashi Art Gallery, Cochin, 2009; ?What are You??, Thomas Erben Gallery, New York and Galerie Mirchandani + Steinruecke, Bombay, 2006 and The Tomb of Democracy, Alexander Ochs Gallery, Berlin, 2003. Her work is in the collection of Centre Georges Pompidou, Paris; Devi Art Foundation, New Delhi and several other private collections in India and abroad. Tejal Shah is a multi-disciplinary artist working primarily with video, photography, performance, sound and installation. Her work, like herself, is feminist, queer and political. She has exhibited widely in museums, galleries and film festivals. Her photography, video work and installation art questions the normal and the queer, bringing to light the dissonance between norm and, perception of the norm.