Catalogue > Faire une recherche
Résultats pour : Tout le catalogue
![](/proposition/catalogue/photo/18_2573_silver_2.jpg)
Shelly Silver
This Film
Film expérimental | 16mm | noir et blanc | 6:53 | USA, Allemagne | 2018
Filming is alchemy; preserving, seeing, devouring, cutting. Chopping the flow of images with a push of a button. It privileges a solitary unseen protagonist, choosing this over that and then that, it eats anything, not everything. The world hacked into fragments, jumps, frames. Kidnapped buildings gestures people animals happening now, again now, again now. The displacement of what was once to what is now seen carries the odor of end, regardless of the incessant movement of one frame to the next, a machine forcing the celluloid frames forced to run, jump, trip, turning it all into a sad slapstick -- slapstick also embodies heartbreak. A meeting with an old friend, possibly for the last time. [Or] a throwback to a kind of film I never made. But if I did, it would be a noisy film with silence.
Shelly Silver is a New York based artist working with the still and moving image. Her work explores contested territories between public and private, narrative and documentary, and--increasingly in recent years--the watcher and the watched. She has exhibited worldwide, including at the Museum of Modern Art in New York, Tate Modern, Centre Georges Pompidou, the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, the Yokohama Museum, the London ICA, and the London, the Singapore, New York, Moscow, and Berlin Film Festivals. Silver has received fellowships and grants from organizations such as the John Simon Guggenheim Foundation, the NEA, NYSCA, NYFA, the Jerome Foundation, the Japan Foundation and Anonymous was a Woman. Her films have been broadcast by BBC/England, PBS/USA, Arte/Germany, France, Planete/Europe, RTE/Ireland, SWR/Germany, and Atenor/Spain, among others, and she has been a fellow at the DAAD Artists Program in Berlin, the Japan/US Artist Program in Tokyo, Cité des Arts in Paris, and at the Lower Manhattan Cultural Council. Silver is Associate Professor and Director of Moving Image, Visual Arts Program, School of the Arts, Columbia University.
![](/proposition/catalogue/photo/19_0185_silver_1.jpg)
Shelly Silver
Score for Joanna Kotze
Vidéo | hdv | couleur | 4:10 | USA, Italie | 2019
![](/proposition/catalogue/photo/08_4398_silver_1.jpg)
![](/proposition/catalogue/photo/08_4398_silver_1.jpg)
Shelly Silver
in complete world
Doc. expérimental | dv | couleur | 56:0 | USA | 2008
« In Complete World » est un long-métrage composé d?interviews de rue réalisées dans tout New York. Mêlant questions politiques (« Sommes-nous responsable du gouvernement que nous avons ? ») à des interrogations plus existentielles (« Sentez-vous que vous avez le contrôle de votre vie ? »), la vidéo se concentre sur la tension entre les responsabilités individuelles et collectives. « In Complete World » peut être vu comme un mode d?emploi pour le citoyen du XXIe siècle, de même que comme un aperçu des opinions de différents groupes d?Américains et de la perception qu?ils ont de leur propre image. Cette vidéo constitue un témoignage sur peuple new-yorkais du nouveau millénaire, qui offre librement à une parfaite étrangère des révélations profondes, provocantes et parfois tendres, juste parce qu?elle le leur demande.
Shelly Silver est une réalisatrice basée à New York (USA). Son travail, qui explore un vaste éventail de sujets, questions et genres, interroge les relations personnelles et sociétales qui nous rapprochent et nous limitent, les détours du plaisir et du désir, les histoires que l?on raconte sur nous et celles que nous construisons sur nous-même. Les ?uvres de Silver ont été exposées fréquemment dans tous les USA, l?Europe et l?Asie, dans des lieux comme le Centre Georges Pompidou de Paris (France), le Museo Reina Sofia de Madrid (Espagne), le Doulon Museum de Shanghai (Chine), le Musée d?Art de Yokohama (Japon) mais aussi dans les festivals de cinéma de New York, Londres (Royaume-Uni), Berlin (Allemagne), Singapour et Moscou (Russie). Ses films ont obtenu des prix aux festivals de cinéma de Moscou, Woodstock (USA), Chicago (USA), Atlanta (USA), ainsi qu?au festival de documentaire de Leipzig (Allemagne). Elle a reçu de nombreuses aides financières et des bourses.
![](/site/_images/_all/work_no_image.jpg)
Shelly Silver, Frances Richard
Lewitt Hesse Richard Silver
Film expérimental | 0 | couleur | 0:0 | USA | 2010
The assignment was to make a gift for the artist Sol Lewitt (1927-2007). Legendarily generous to other artists, Lewitt exchanged works with anyone who sought him out, from famous peers to admirers who sent him unsolicited objects and images. Filmmaker Shelly Silver asked her close friend, writer Frances Richard, to collaborate by contributing text for a short film. The text chosen is a series of quotations from Lewitt?s close friend Eva Hesse (1936-1970): ?All order is ephemeral ? chaos eats into order ? yet it has its own order ? if order could be chaos, chaos can be structured as non-chaos.? On Mosco Street in New York City?s Chinatown, a not-quite fixed camera tracks the ephemeral order composed on a warm afternoon by a fence, some trees, a set of shadows, and the passage of pedestrians and traffic. The image is nearly monochrome though filmed without manipulation in broad daylight. Preoccupied with abstract propositions including the grid as a delineator of space and the modulation of light on unlike surfaces, the 6-minute film is also a mini-vérité, its extremely quiet chaos structured by ambient sound and tiny urban incident.
Frances Richard is the author of See and the chapbooks Anarch. and Shaved Code; a new volume of poems, The Phonemes, is forthcoming in 2011. In 2005, with Sina Najafi and Jeffrey Kastner, she co-curated the exhibition Odd Lots: Revisiting Gordon Matta-Clark?s ?Fake Estates"; a study of Matta-Clark?s language-use, currently in progress, has been supported by a grants from the Warhol Foundation/Creative Capital, the Canadian Centre for Architecture. She writes frequently about contemporary art, teaches at Barnard College and the Rhode Island School of Design, and lives in Brooklyn. Shelly Silver?s work, which spans a wide range of subject matter and genres, explores the personal and societal relations that connect and restrict us; the indirect routes of pleasure and desire; the stories that are told about us and the stories we construct about ourselves. Her work has been shown internationally at such venues as MoMA, MoCA, Yokohama Museum, Pompidou Center, London ICA, Museo Reina Sofia, and London, Singapore, New York, Moscow, and Berlin film festivals. She has received grants from the Guggenheim Foundation, the NEA, NYSCA, NYFA, the DAAD, Jerome Foundation, Japan Foundation and Anonymous was a Woman. She is an Associate Professor of Visual Arts in the School of the Arts, Columbia University.
![](/proposition/catalogue/photo/22_5200_Silver_1.jpg)
Shelly Silver
Girls | Museum
Documentaire | hdv | couleur | 71:21 | USA, Allemagne | 2020
We are born into an already-constructed world. We each enter with new eyes into a culture that has already been shaped and structured based on the desires and power of others. Historical art museums are charged with preserving and interpreting the tangible evidence of a civilization’s cultural trajectory and artistic achievement. The artworks they display have overwhelmingly been made, collected and contextualized by men. On the walls of their hushed galleries, there is no lack of depictions of women on display – mothers, wives, prostitutes, artist’s models and muses, all seen through the eyes of male artists. Girls | Museum takes the viewer through the historical art collection of the MdbK/Museum of Fine Art Leipzig, guided by a group of girls, ages 7 to 19. Moving from artwork to artwork, century to century, the girls tell us what they see. Art is typically the reserve of anointed experts and girls rarely take or are given a central and unfettered place to speak from. From imaginative leaps of storytelling to curt pronouncements, from gender fluidity to power, inequality, precarity and war, Girls | Museum, in its quiet way, calls for questioning basic assumptions of what and who we value.
Shelly Silver is a New York based artist working with the still and moving image. Her work explores contested territories between public and private, narrative and documentary, and--increasingly in recent years--the watcher and the watched. She has exhibited worldwide, including at the Museum of Modern Art in New York, Tate Modern, Centre Georges Pompidou, the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, the Yokohama Museum, the London ICA, and the London, the Singapore, New York,Moscow, and Berlin Film Festivals. Her films have been broadcast by BBC/England, PBS/USA, Arte/Germany, France, Planete/Europe, RTE/Ireland, SWR/Germany, and Atenor/Spain, among others. Silver is Associate Professor and Director of Moving Image, Visual Arts Program, School of the Arts, Columbia University.
![](/proposition/catalogue/photo/17_1220_silver_1.jpg)
Shelly Silver
A Strange New Beauty
Doc. expérimental | hdv | couleur | 50:40 | USA, 0 | 2017
A Strange New Beauty, une intrusion perturbante dans les maisons luxueuses de la Silicon Valley. À l’aide d’une bande son agressive et d’un cadre éclaté par des vignettes et des inscriptions sur un écran noir, Silver révèle une violence sourde derrière la beauté clinquante et le calme trompeur des lieux. Aucune présence humaine dans le film, mais les riches demeures semblent renfermer une mémoire d’évènements inquiétants, porter les traces d’une sauvagerie en hors champ. Dans un même mouvement contradictoire, A Strange New Beauty joue des clichés invitant à la poursuite du bonheur, et déboulonne brutalement le mensonge du rêve américain. Charlotte Selb, Revue 24 Images
Shelly Silver is a New York based artist working with the still and moving image. Her work explores contested territories between public and private, narrative and documentary, and increasingly in recent years the watcher and the watched. She has exhibited worldwide, including at the Museum of Modern Art in New York, Tate Modern, Centre Georges Pompidou, the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, the Yokohama Museum, the London ICA, and the London, the Singapore, New York, Moscow, and Berlin Film Festivals. Silver has received fellowships and grants from organizations such as the John Simon Guggenheim Foundation, the NEA, NYSCA, NYFA, the Jerome Foundation, the Japan Foundation and Anonymous was a Woman. Her films have been broadcast by BBC/England, PBS/USA, Arte/Germany, France, Planete/Europe, RTE/Ireland, SWR/Germany, and Atenor/Spain, among others. She has been a fellow at the DAAD Artists Program in Berlin, the Japan/US Artist Program In Tokyo, Cité des Arts in Paris, and at the Lower Manhattan Cultural Council. Silver is Associate Professor and Director of the Moving Image, Visual Arts Program, Columbia University.
![](/proposition/catalogue/photo/19_0184_silver_1.jpg)
![](/proposition/catalogue/photo/19_0184_silver_1.jpg)
Shelly Silver
A Tiny Place That is Hard to Touch
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 39:40 | USA, Japon | 2019
In a faceless apartment in Tatekawa, Tokyo, an American woman hires a Japanese woman to translate interviews about Japan’s declining birthrate. The American woman is presumptuous in her knowledge of Japan; the Japanese woman suffers from a self-professed excess of critical distance. They grate, fight, and crash together in love or lust, at which point their story gets hijacked into science fiction territory, as the translator interrupts their work sessions with stories from a world infected with the knowledge of its own demise. This neighborhood has already known devastation, having been wiped out the night of 9 March 1945 by American bombs. The third protagonist is the Tatekawa itself, the canal covered by an elevated highway that runs past the translator’s apartment, which gives the neighborhood its name. Reflecting back the concrete world in distorted patterns of blue, green, or glittering black, the Tatekawa transports a shifting procession of birds, shoes, condoms, crabs, plastic bags, flowers, big fish, little fish, death, life.
Shelly Silver is a New York based artist working with the still and moving image. Her work explores contested territories between public and private, narrative and documentary, and--increasingly in recent years--the watcher and the watched. She has exhibited worldwide, including at the Museum of Modern Art in New York, Tate Modern, Centre Georges Pompidou, the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, the Yokohama Museum, the London ICA, and the London, the Singapore, New York, Moscow, and Berlin Film Festivals. Silver has received fellowships and grants from organizations such as the John Simon Guggenheim Foundation, the NEA, NYSCA, NYFA, the Jerome Foundation, the Japan Foundation and Anonymous was a Woman. Her films have been broadcast by BBC/England, PBS/USA, Arte/Germany, France, Planete/Europe, RTE/Ireland, SWR/Germany, and Atenor/Spain, among others, and she has been a fellow at the DAAD Artists Program in Berlin, the Japan/US Artist Program in Tokyo, Cité des Arts in Paris, and at the Lower Manhattan Cultural Council. Silver is Associate Professor and Director of Moving Image, Visual Arts Program, School of the Arts, Columbia University.
![](/proposition/catalogue/photo/2585_silver_1.jpeg)
![](/proposition/catalogue/photo/2585_silver_1.jpeg)
Shelly Silver
What i'm Looking For
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 15:0 | USA | 2004
Une jeune femme entreprend de photographier des moments d'intimité dans l'espace public. Elle se ballade dans les rues de New York City et depuis que les relations sociales ont dérivé sur Internet, elle commence à approcher les gens sur un site internet de rencontre et elle écrit : "Je cherche des gens qui aimeraient être photographiés en public, et révéler quelque chose d'eux-mêmes..."
Shelly Silver vit et travaille à New York. Elle utilise la vidéo, le film et la photographie, pour une ?uvre qui comprend plusieurs sujets et registres. Elle explore les multiples relations qui nous connectent et nous restreignent, les chemins tortueux du plaisir et du désir, les histoires qui sont racontées à notre sujet, ou que nous nous racontons à nous-mêmes. Son travail a été montré aux Etats-Unis, en Europe, en Asie, notamment au MoMa, New York, au musée d?art contemporain de Los Angeles, au centre George Pompidou, au Musée de Kyoto, à l?ICA, Londres, au festival du fil de Singapour. Shelly Silver a gagné de nombreux prix, au festival international du documentaire à Leipzig, à l?Australian International Film and Video Festival, au Houston International Film Festival. Elle a reçu plusieurs bourse et récompenses, incluant le National Endowment for the Arts, le DAAD, le New York State Council on the Arts, la New York Foundation for the Arts, la Jerome Foundation, la Japan Foundation, et l?Anonymous Was a Woman Foundation. Shelly Silver enseigne à la Cooper Union et à la School of Visual Arts.
![](/proposition/catalogue/photo/20_3976_simon_1.jpg)
Carla Simon, Dominga Sotomayor
Correspondencia
Documentaire | 0 | couleur | 19:29 | Espagne, 0 | 2020
Sous la forme d'une conversation épistolaire filmée, deux jeunes réalisatrices discutent de cinéma, de leur famille présente et passée, d'héritage et de maternité. Ces réflexions personnelles et profondes - qui s'incarnent dans des images subtiles et élégantes, filmées au quotidien - trouvent soudain un écho dans l'urgence politique d'un pays.
Carla Simón (née en 1986) a grandi dans un petit village catalan. Elle a étudié la communication audiovisuelle à l'Université autonome de Barcelone (Espagne) et à la University of California, Berkeley (USA). En 2011, elle a obtenu une bourse pour suivre un Master à la London Film School (Royaume-Uni), où elle a réalisé "Born Positive", "Lipstcik" et "Those Little Things", tous sélectionnés dans plusieurs festivals internationaux. Son film court le plus personnel, "Llacunes", a été réalisé à partir des lettres de sa mère. "Summer 1993", son premier film autobiographique, raconte l'histoire d'une fillette de 6 ans, qui vient de perdre sa mère et doit déménager à la campagne avec sa nouvelle famille. Il a été présenté en première à la Berlinale, Berlin (Allemagne) [2017], où il a remporté le Prix du meilleur premier film et le Grand Prix du jury Generation Kplus. Il a récolté plus de 30 prix dans le monde entier, a représenté l'Espagne aux Oscars, a été nommé aux EFA – European Film Awards, et a remporté 3 Goyas. Carla Simón a également été récompensée par le Prix Jeunes Talents Women in Motion au Festival de Cannes (France) [2018]. "Alcarràs", son deuxième long métrage, est en développement, dans le cadre du Torino Film Lab, Turin (Italie), où il a remporté le prix CNC; de la Résidence du Festival de Cannes, Paris (France); et du Nipkow Programm, Berlin (Allemagne). Dominga Sotomayor a commencé sa carrière audiovisuelle au début des années 2000, en expérimentant avec la vidéo et le film court. Diplômée en direction audiovisuelle à la Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago (Chile), elle a co-fondé la société de production Cinestación, Santiago (Chile), dont elle est aujourd'hui directrice et productrice exécutive. Elle a présenté ses films en première mondiale dans des festivals tels que la Berlinale, Berlin (Allemagne); le Festival de Cannes (France); le Festival international du Film de Rotterdam (Pays-Bas); le Festival internacional de Cine de Valdivia (Chili); et à Sundance, Park City et Salt Lake City (USA). Elle a fait ses débuts dans le long métrage avec "De Jueves A Domingo" (2012), qui a remporté le Prix du meilleur film au Festival internacional de Cine de Valdivia (Chili). Après son Master en réalisation de films à la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya, Barcelone (Espagne), elle a co-réalisé "La Isla" avec Katarzyna Klimkiewicz, et a présenté "El Mar" (2014), son deuxième long métrage, en coproduction avec l'Argentine. Elle est entrée dans l'histoire au Festival international du film de Locarno (Suisse) en 2018, en devenant la première femme à remporter le Léopard d'or de la meilleure réalisation pour son film "Tarde Para Morir Joven" ("Too Late to Die Young ", 2018). Elle a également remporté un Tiger Award au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas), et le Film Critics Circle Award (Pays-Bas).
![](/proposition/catalogue/photo/0460_sindelgruber_1.jpeg)
![](/proposition/catalogue/photo/0460_sindelgruber_1.jpeg)
Tristan Sindelgruber, Angelika SCHUSTER
Operation Spring
Documentaire | dv | noir et blanc | 94:0 | Autriche | 2005
OPERATION SPRING est un thriller documentaire portant sur une enquête de police et les poursuites judiciaires menées à l'encontre d'africains soupçonnés d'appartenance à un réseau de drogues nigérian. De nouvelles lois ont été mises en oeuvre et de nouvelles méthodes d'investigation mises à l'épreuve pour la première fois. Le film pose la question de savoir si les accusés avaient réellement une chance d'obtenir un procès équitable.
BIOGRAPHIE D'ANGELIKA SCHUSTER ETUDES 1997 - Master en sinologie, Université de Vienne et Fudan-University/Shanghai, 1992-1999 - travaille au profit de programmes d'assistance aux jeunes (assistance sociale); interprète pour une ONG Chinoise PLUSIEURS SEMINAIRES DE FILMS DEPUIS 1998 BIOGRAPHIE DE TRISTAN SINDELGRUBER ETUDES - diplôme d'enseignement (histoire et allemand) à l"IUFM" de Vienne. - travaux de journaliste, enseignante, technicienne... - fonde la troupe "Schnittpunkt - Sindelgruber Tristan, Film- & Multimediaproduktion" en 1998.
![](/proposition/catalogue/photo/16_0697_singh_rathore_1.jpg)
Akshay Raj Singh Rathore, Singh RATHORE
Bengal Famine 1943—A Simulation
Animation | hdv | couleur et n&b | 5:0 | Inde | 2016
Novelist Bhibhutibhushan Bandhopadhyay wrote "Ashani Sanket" on, The Bengal Famine of 1943. Satyajit Ray recreated it in a film of the same name. Amartya Sen`s Entitlement theory, estimates three million died in this tragedy. Hidden beneath the plethora of Images and sounds are layers of parallel existences. While humans perceive reality as singular, this work tries to unfold parallel universes.
Akshay Raj Singh Rathore sees art as an escalier to Truth. He climbs the steps of Anthropology, Sociology and Botany, while metamorphosing his Cultural identity.
![](/proposition/catalogue/photo/1989_sinke_1.jpeg)
![](/proposition/catalogue/photo/1989_sinke_1.jpeg)
Digna Sinke
Brossa
Documentaire | betaSP | couleur et n&b | 70:0 | Pays-bas | 2005
Une nuit, dans les tranchées, lors de la guerre civile espagnole, Joan Brossa entendit une voix appeler son nom. Il ne vit personne et marcha vers l'endroit où il lui semblait avoir perçu le son d'une voix. Un moment plus tard, un coquillage tomba sur le sol, là où il se tenait. Depuis cet instant, Brossa voudrait être un poète. Après la guerre, Barcelone était un "désert d?espoir", selon le philosophe Arnau Puig. La dictature de Franco avait mis fin a toute liberté. Plus aucun espoir n?était possible. Mais Brossa et ses amis, Antoni Tàpies, Modesto Cuixart, Ponç et Arnau Puig ont fondé un groupe qu?ils ont appelé Dau al Set : Le sept du dé. Bien sûr, on ne peut jamais tirer un sept aux dés, mais c?est ce qu?ils voulaient, dans toute la témérité de leur jeunesse : l?impossible. Ils créèrent un magazine, ils tinrent des discussion sur Nietzsche, ils écoutaient Tristan et Iseult de Wagner et passèrent des jours inoubliables dans une vieille maison qui appartenait à un de leurs amis, Lluis Riera. Le chemin qu'ils avaient parcouru jusqu'ici les mena dans une petite station au pied des montagnes, où ils décidèrent de faire un film. En 1948, Brossa en écrivit le script. Il adorait les films, il les trouvaient magiques cependant il ne savait rien de la pratique filmique. Lluis Riera allait devenir réalisateur et ses amis allaient jouer les rôles. Mais le film ne fut jamais fait et le script réapparut 50 ans plus tard pour marquer le 100e anniversaire du cinéma dans un livre nommé Anthologie du Cinéma Invisible par Christian Janicot. Brossa était convaincu que tout pouvait prendre une forme différente. La lettre A devient la tête d'une chèvre si vous la mettez à l?envers. La transformation des choses le fascina tout au long de sa vie. C?est pourquoi il aimait la présidentialisation tout comme le cinéma. Pour lui, l?illusion qu'offrait l?art était une condition nécessaire à la vie. Joan Brossa est mort en 1998, après être tombé dans les escaliers de son studio. Ses amis parlent toujours de lui avec amour et admiration. Le documentaire "Brossa" n?est pas un portrait de l?artiste, mais essaie d?examiner sous tous les angles les sujets qui sont la raison pour laquelle le monde change toujours un peu.
Digna Sinke est né en 1949 en Zonemaire en Zélande. Entre 1968 et 1972 elle étudie à l?Académie des Pays-Bas du film et de la télévision à Amsterdam. Elle créé en tant que projet final SALUTATIONS DE ZONNEMAIRE (Groeten uit Zonnemaire), un court métrage où elle est à la fois écrivain et directrice. En 1973, elle fait deux documentaire courts, BORDS DE VILLE (Stadrand), qu?elle dirige et édite en coopération avec Pieter de Vos et Peter Jansaï. Deux ans plus tard, c?est LES FRERES HELLE ( De Gebroeders Helle), qu?elle écrit et dirige, un court métrage sur lequel elle a travaillé avec Cor van Rijn, Hidde Maas, Jeanne Verstraete et Loes Vos. Le deuxième court métrage est RADIO REVE (De Radio-froom), qui fut dirigé pas Filip Jansen et où elle est co-auteur. En 77, elle participe à RIEN NE SE PASSE (Er gebeurt helemaal niets) dirigé par Ernie Damen, un documentaire qu?elle édite, suivit deux ans plus tards de UN VAN GOGH AU MUR (Een Van Gogh aan de muur), un documentaire de 50 minutes qu?elle écrit et dirige et qui est diffusé par NOS. Ce film participera en tant de candidat des Pays-Bas au Prix Italia 78. La même année, BAL-LET A QUOI CA SERT ? (Bal-let, waarvoor dient dat?-), film commissionné de 38 minutes qu?elle écrit et dirige reçoit le prix de Qualité Italien. En 79, elle écrit et dirige CARRY VAN BRUGGEN, un film de 40 minutes, documentaire sur l?auteur néerlandaise éponyme, diffusé à nouveau par NOS. Elle fera aussi LES ARCHIVES (Het Archief) que dirige Kees Hin. Il s?en suivra Donna en 80 dirigé par Yvonne Scholten, De Hoop van het Vaderland en 82, documentaire de 90 min qu?elle écrit dirige et édite mais qui est diffusé pas Kunstkanaal, LE PACIFIQUE SILENCIEUX (De Stille Ocean)qui fera de la sélection du festival du film de Berlin en 84. En 85, elle réalisé et écrit LA NOUVELLE VAGUE (De niewe golf) qui est un documentaire de 105 minutes sur la musique d?avant garde au Pays-Bas et diffusé par VPO. Elle réalise en 88 LA LETTRE (De Brief), un projet vidéo avec les étudiants de l?école de la performance des arts d?Amsterdam. Deux ans plus tard, RIEN NE DURE ETERNELLEMENT (Niets voor de eeuwigheid), un documentaire sur l?archéologie industrielle est diffusé par NOS, elle en est l?écrivain et l?éditrice. La même année, c?est AU REVOIR (Afscheid), un court métrage expérimental qu?elle dirige et monte. En 92, AU DESSUS DES MONTAGNES, en 93, BELLE VAN ZUYLEN/MANDAME DE CHARRIERE (primé au Filmfestival Mannheim/Heidelberg 1994) puis AVANTI (Voorwaarts), en 96, TIENGEMETEN, A TEMPORARY REPORT (Tiengemeten, een voorlopig verslag) en 98, SPACE TO THINK (Lucht om na te denken) en 2001 TIENGEMETEN PART ONE (Tiengemeten deel 1), En 2003, elle créé le site internet de l?ile de Tiengemeten puis en 2004 revient au cinéma avec HOPE & EXPECTATIONS (Hoop & Verwachting) l?année dernière avec BROSA, le documentaire qu?elle a écrit et réalisé.
![](/proposition/catalogue/photo/18_1049_sipp_1.jpg)
Thomas Sipp
Madrigal
Vidéo | hdv | couleur | 19:45 | France | 2018
Le poème épique du Tasse, "La Jérusalem délivrée" (1582), a influencé pendant plus de trois siècles les représentations de l’amour dans les arts en Europe. "Madrigal" nous fait découvrir trois oeuvres éblouissantes d’Annibale Carracci, Nicolas Poussin et Giambattista Tiepolo interprétant l’épisode de la relation amoureuse entre le chevalier Renaud et la magicienne Armide. L’oeil de la caméra caresse la surface sensuelle de la peinture guidé par la réflexion de l’historien de l’art Giovanni Careri sur les pouvoirs de l`image et sur ceux de l’amour.
Thomas Sipp réalise des films documentaires et des documentaires sonores. Il vit à Paris et à Toulouse, où il enseigne le cinéma et la vidéo à l’Ecole des beaux-arts. Il a réalisé de nombreux films documentaires diffusés sur les télévisions françaises et étrangères (France 3, Arte, Canal +, RTBF, TSR, Sky UK, TVE, Movistar, Avro, SVT1) et sur Internet (Radio France, Condé Nast et Arte Creative). Ses films ont été sélectionnés et primés dans de nombreux festivals (Festival du Réel à Paris, Visions du Réel à Nyons, Pariscience, DocScient Roma) ainsi qu’à la XXXème Biennale de São Paulo, au MAC de Marseille, au Musée Berardo de Lisbonne, etc. Il a collaboré régulièrement à l’émission de documentaires sonores « Surpris par la nuit » de Alain Veinstein sur France Culture. Il est notamment l’auteur des films ACD (1997), Hotel Humboldt (1999), Madame B. (2004), Les champignons pourront-ils sauver le monde ? (2012, co-réalisation) et des séries Sacrés Caractères ! (2014) et Safari Typo ! (2016).
![](/site/_images/_all/work_no_image.jpg)
![](/site/_images/_all/work_no_image.jpg)
Siska
EDL
Film expérimental | 0 | | 21:0 | Liban, 0 | 2011
Lost in time and translation, images transport us on a journey behind the modernist façade of Beirut?s electricity building. The images shot on Super 8 are accompanied by droning noises reminiscent of the experimental, electronic sounds of the 1950s and 60s.
![](/proposition/catalogue/photo/1540_sisto_1.jpeg)
![](/proposition/catalogue/photo/1540_sisto_1.jpeg)
Pascual Sisto
28 years in the implicate order
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 1:0 | Espagne, USA | 2004
Une oeuvre basée sur le concept de la théorie quantique comme décrite par David Bohm. La vidéo consiste en une photo totalement fixe d?un parking vide. Une lampe à vapeur de sodium centrée éclaire le paysage nocturne. 28 balles rouges rebondissent dans un ordre chaotique. Chaque balle représente une entité individuelle qui rebondit à son propre rythme. Au milieu de la vidéo, les balles s?alignent en une couverture harmonieuse. Inspirant et expirant à une fréquence identique, elles atteignent le point où elles rebondissent en même temps et retournent au chaos.
Elevé à Barcelone, en Espagne, Sisto est diplômé d?un BFA en arts au Center College of Design en Californie. Il commence à travailler comme artiste en effets spéciaux freelance avant de signer avec Satellite Film pour des représentations musiques et vidéos jusqu?à sa fermeture en 2001. Son court métrage OCEANO (2002) fut projeté dans des festivals dans le monde entier et a remporté de nombreux prix avant de débuter sur TVE en Espagne. En 2004, il a fondé Swift Gallery, un espace d?exposition non-lucratif dirigé par des artistes pour de l?art provocateur et basé à Los Angeles. Ses propres vidéos et installations furent exposées dans aussi bien dans tout Los Angeles que dans le monde entier.
![](/proposition/catalogue/photo/19_2172_siti_1.jpg)
Walid Siti
The Troubled Bear and the Palace
Doc. expérimental | hdv | couleur | 10:53 | Royaume-Uni, Iraq | 2019
The Troubled Bear and the Palace. 11 minuets. Walid Siti 2019. At the 7,000 ft peak of the Gara mountains in Kurdistan of Iraq, the remains of Saddam's palace, built in 1989, still stand. 29 years later, in March of 2018, two caged bears were escorted by a group of local media and Kurdish women forces to be ceremoniously freed at the helipad adjacent to the palace. Having lived dependently and in captivity throughout its life, the bears struggled to survive in the wild. One vanished whilst the other was at the mercy of the personnel that guard the telecommunication towers erected at the palace. The surreal juxtaposition of the stressed bear and the dilapidated palace, set amongst the magnificent mountains, encapsulates the tragedy of the people of this land throughout history, from the time of Gilgamesh to the present.
Walid Siti (b. 1954, Duhok, Kurdistan-Iraq). After graduating in 1976 from the Institute of Fine arts in Baghdad, Siti left Iraq to continue his arts education in Ljubljana, Slovenia before seeking political asylum in the UK in 1984 where he now lives and works. The work of Walid Siti traverses a complex terrain of memory and loss, in a world, which for him has been a place of constant change. The narrative of Siti’s experience, of a life lived far from but still deeply emotionally connected to the place of one’s birth, is one he shares with many exiles.
![](/proposition/catalogue/photo/14_5631_sivan_1.jpg)
Avishai Sivan
Or Yehuda Town Squares
Vidéo expérimentale | | couleur | 11:17 | Israel | 0
The mayor of Or Yehuda changed the face of the city by introducing new, uniquely aesthetic roundabouts : Tacky, Las Vegas hotel courtyards meet life-size recreations of country life. It`s a sight you simply couldn?t miss. Filming the squares at night shows off the roundabouts? elaborate lighting design, inviting an expressive soundtrack. All this against the backdrop of Or Yehuda night life ? joyriders encircling the roundabouts pumping out music, similar to a mating ritual in nature. The roundabouts give Or Yehuda a new, bold front in the face its residents harsh day-to-day life; as though the city underwent plastic surgery, crass yet at the same time revitalizing.
Avishai Sivan (1977, Israel) is a filmmaker, visual artist and published author. Sivan?s first feature film, "The Wanderer", premiered at Cannes Film Festival 2010, in the Directors? Fortnight section. The film won Best First Feature Film and Best Cinematography at the Jerusalem Film Festival 2010. His second film Visa, won Best Independent Feature Film at the Cinema South Festival 2013. Sivan?s documentary film, "Soap Opera of a Frozen Filmmaker", a seven-part video diary, won Best Experimental Film at the Jerusalem Film Festival, 2007. In 2010, Sivan received the Israel Ministry of Culture?s Cinema Prize. His first book, "Musings on Filmmaking whilst Cycling through the City", was published in 2011. Sivan is currently completing his second novel "Crook", and is in the process of shooting his third feature film "Tikkun", winner of Torino Film Lab Production Award. This film is made the additional support of The Jerusalem Film Fund and the Rabinovich Film Fund Cinema Project. Sivan also exhibits artwork in galleries in Israel and London.
![](/site/_images/_all/work_no_image.jpg)
![](/site/_images/_all/work_no_image.jpg)
Sumugan Sivanesan, Duran QUEZ
G' Pupils
Vidéo expérimentale | dv | noir et blanc | 2:0 | Australie | 2005
Goebbels? Pupils Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Sumugan Sivanesan Son de Durán Vázquez
Sumugan Sivanesan vit à Sydney, Australie. Ayant joué dans divers groupes de rock au début des années 1990, il s'intéresse à la musique expérimentale et aux arts électroniques à travers son association aux nouveaux médias et à la vidéo numérique. Ses oeuvres vidéo/audio ont été présentées dans le monde entier lors de divers festivals internationaux, notamment le International Symposium for Electronic Art (ISEA), à Nagoya, Japon, en 2002.
![](/proposition/catalogue/photo/1242_sjuve_1.jpeg)
![](/proposition/catalogue/photo/1242_sjuve_1.jpeg)
Eva Sjuve
..text..map..
net art | | couleur | 0:0 | Suède, USA | 2003
?..text..map..? est une carte interactive (texte/image). La carte construite de manière dynamique explore quelques-unes unes des expressions spatiales, des signes et des symboles sur d?Internet dans un contexte de lieu et d?espace. Le code en perl/cgi utilise des principes génératifs et géométriques. L?interaction est dynamique et en temps réel.
Eva Sjuve, artiste et conservatrice, explore le spectre transdisciplinaire des arts médias avec le son, le spectacle et les évènements dans l?espace publique. Elle construit des interfaces pour des procédés radios en temps réels et d?autres interfaces mobiles. Elle détient un Master de l?Interactive Telecommunication Program de l?université de New York et un autre de l?université de Lund en Suède. Eva Sjuve a aussi étudié au Centre de Création Musicale de Iannis Xenakis, CCMIX à Paris et à la School of Visual Arts dans la ville de New York. Elle a fait des expositions à divers des endroits comme le Australian Centre Of Comtemporary Art en Australie, le Kiasma Museum of Contemporary Art à Helsinki en Finlande mais aussi l?European Media Arts Festival allemand. L?artiste est aussi venue exposer au Centre d?Art Contemporain de Basse Normandie en France et est allée au CAEIT et le California Institute of the Arts aux Etats-Unis. Eva Sjuve a reçue beaucoup de récompenses et en 2000, elle s?est vue décernée le Honorary Award au CYNETart 2000 à Dresde en Allemagne pour sa composition audio ?Astro Turf? qui explore les espaces de l?auditoire.
![](/proposition/catalogue/photo/23_4905_skarnulyte_1.jpg)
![](/proposition/catalogue/photo/23_4905_skarnulyte_1.jpg)
Emilija Skarnulyte
Kapinynas
Documentaire | hdv | couleur | 60:0 | Lituanie, Norvège | 2022
A python slithers and curls over the abandoned control room of Chernobyl’s sister, the Ignalina Nuclear Power Plant, its radioactive core an unleashed monster that will slither through time for a million years. From Etruscan ruins and sunken cities to the most modern of underground repositories, director Emilija Škarnulyt? follows our attempts to bury the immortal. Addressing the epochal effects of nuclear technology on all levels, Burial follows the cycle of power, an eternal return, another serpent eating its tail.
Emilija Škarnulyt? (b. Vilnius, Lithuania 1987) is an artist and filmmaker. Working between documentary and the imaginary, Škarnulyt? makes films and immersive installations exploring deep time and invisible structures, from the cosmic and geologic to the ecological and political. Winner of the 2019 Future Generation Art Prize, Škarnulyt? represented Lithuania at the XXII Triennale di Milano. Recent solo exhibitions include Tate Modern (2021), Kunsthaus Pasquart (2021), and the National Gallery in Vilnius (2021). Her films are in the IFA, Kadist Foundation and Centre Pompidou collections and have been screened at the Serpentine Gallery, The Museum of Modern Art, New York, and numerous film festivals. She is a founder and co-director of Polar Film Lab, and a member of artist duo New Mineral Collective.
![](/site/_images/_all/work_no_image.jpg)
Ieva Kotryna Skirmantaite (ski)
Radiant Energy
Doc. expérimental | mp4 | couleur | 12:33 | Lituanie | 2020
La teinte pourpre bleuté qui recouvre l'image est le résultat d'un défaut de fabrication de la série de smartphones HTC One. Fabriqué par une entreprise taïwanaise, ce téléphone retourne là d'où il vient. De petits changements dans le système le mettent face à une toute nouvelle présence. La caméra se déplace à travers les espaces, passant de l'un à l'autre comme si elle essayait d'entrer en contact avec son environnement. Mais, accompagnées d’un paysage sonore actif, les images déformées de l'environnement créent un nouvel espace, ouvert à l'imagination.
Ieva Kotryna Skirmantaite (née à Vilnius (Lituanie), en 1994) est artiste audiovisuelle. Elle vit actuellement à Paris. Après avoir travaillé pendant quelques années dans l'industrie du cinéma en Lituanie, elle a obtenu, en 2019, une Licence de cinéma à l'Université Paris 8 (France). En 2019, elle a également été acceptée dans un Master à l'École universitaire de recherche ArTeC, Paris (France). En ce moment, elle développe sa recherche audiovisuelle sur les dolines. En dehors de ses projets personnels, elle collabore souvent avec d'autres artistes sur leurs œuvres.