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Récit anonyme d`un exil.

Vianney Lambert est réalisateur de films documentaires. L'image de la vieillesse est au coeur de plusieurs de ses films : Hall, Matricule 1141, mort pour la France, Suzanne. Son travail croise d'autres problématiques comme l'enfermement (Une heure seulement), l'exil (Le meilleur âge) et côtoie des formes parfois à la limite de l'expérimental (Quelque part, un peu partout). En 2001, il fonde avec Mohamed Ouzine et Charlie Rojo l'association Cent Soleils à Orléans, qui programme des films documentaires et organise des ateliers cinéma. Depuis 2007, Cent Soleils développe une production associative de courts métrages documentaires. Vianney Lambert travaille également comme opérateur. Aujourd'hui, il développe plusieurs projets qu'il souhaite réaliser en pellicule.

Prepend Bunny fut créé par un programme écrit en Max/MSP qui transforme les acronymes en couleurs numériques en calculant la place d'une lettre dans l'alphabet et avec l'index de couleurs standard RGB. Ainsi, un élément d'information déjà compressé est encore réduit à une couleur unique comme un moyen de négocier la langue anglaise qui s'étend sans cesse. Dans les vingt dernières années, trois lettres acronymes sont devenues non seulement un lieu commun mais nécessaire pour la gestion d'un ensemble de mots toujours grandissant. Les ordinateurs et la technologie militaire ainsi que la technologie pour les nouvelles inventions et les produits de consommation ont gonflé la langue anglaise. À cette fin, il est devenu plus simple de communiquer en condensant des suites de mots. Preprend Bunny réalise ce phénomène et va encore un peu plus loin en compressant des acronymes en de simples couleurs. Peut-être que la technologie du futur va donner à nos yeux la possibilité de décompresser les bits de couleurs en de longues suites de texte écrit. Les arcs en ciel et les coupons remplaceront peut-être notre langage écrit et l'apprentissage visuel en serait décuplé. Procédé : Il y a 26 lettres dans l'alphabet. On donne à chaque lettre un nombre : A=0, B=10, C=20... Z=250. Cela crée une fourchette de nombres entre 0 et 250 qui est aussi la fourchette numérique utilisée pour l'index des couleurs RGB de l'ordinateur. C'est grâce à cet index que l'on peut créer toutes les couleurs sur un écran d'ordinateur à partir de trois couleurs ou canaux de base : rouge, vert et bleu. Ces trois couleurs sont capable d'en créer des millions de couleurs différente selon la quantité ou la valeur de rouge, de vert ou de bleu qui est utilisé. Une valeur numérique élevée dans le canal rouge va donner un rouge éclatant, une valeur numérique basse donnera un rouge foncé. Ensuite, la première lettre de l'acronyme est assignée au canal rouge, la seconde au vert, la troisième au bleu. Le nombre de la lettre entre 0 et 250, va déterminer la valeur du canal de couleur. Enfin, les trois canaux seront combinés pour créer une couleur finale. Dans son essence, il s'agit de la couleur de l'acronyme. Trame de fond : Prepend Bunny est influencé par le domaine en expansion de la visualisation des informations. Organiser les données en une composition visuelle suppose une variété de formes : des cartes, des hit-parades, des illustrations, des diagrammes et des interfaces logicielles graphiques. Ces manifestations sont vitales pour la compréhension de notre univers. Le professeur de l'Université de Yale, chercheur et artiste Edward Tufte fut un pionnier dans le domaine de l'Art-art cognitif utilisé comme imagination. Il a provoqué une attention critique sur le sujet tout en attirant des penseurs artistiques et créatifs dans l'arène. Prepend Bunny va plus loin que le discours par lequel l'information mot en particulier peut être réalisée et comprise, en apportant une autre manière de voir.

Luke Lamborn a exposé et projeté ses ?uvres artistiques dans tous les Etats-Unis et internationalement. Il a obtenu un BFA en Média Numériques à l'université du Colorado, à Boulder, et fut aussi diplômé de Summa Cum Laude. Il a travaillé comme web-designer, comme designer graphique et technicien dans le secteur commercial. En ce moment, Lamborn continue son MFA en arts informatiques à la Syracuse University, dans le département Transmedia tout en travaillant comme professeur assistant et technicien de laboratoire.

La série vidéo "Square millimeter" ("millimètre carré") cherche à imiter la possibilité d'événements extraordinaires mais négligés, comme capturés par un vidéaste qui passait par là. Ces vidéos prennent forme à travers les écrits de Carlos Castaneda, anthropologue qui a décrit des moments rares pendant lesquels notre perception normale de la vie quotidienne est bouleversée sans que ces bouleversements aient pu être anticipés.

Luke Lamborn est un artiste média qui examine de nouveaux moyens d'amplifier la perception à travers les technologies numériques. Il étudie actuellement aux États-Unis.

In 1973, Robert Altman`s THE LONG GOODBYE was both a critical and commercial flop. Set in a time transposed, neo-noir Los Angeles, Elliott Gould`s bumbling performance as gumshoe Philip Marlowe left Raymond Chandler aficionados dismayed, as did Vilmos Zsigmond;s kinetic camera work and John Williams` cheeky score. The film quickly disappeared from theaters and was never shown on television. While the film was released on RCA`s short-lived Video Disc format in 1981, the movie has not been seen since. All known prints were destroyed, and the original production elements perished due to a leaky sprinkler system in a Culver City in 1983. THE LONG GOODBYE was written off as permanently lost, an all too important missing link from Altman`s greatest period. It has for years remained a film that is impossible to reassess. Filmmaker and archivist Andrew Lampert’s serendipitously purchased a mysteriously film titled EL ADIOS LARGOS from a collector through the mail in 2002. Closer examination revealed that this 16mm, black and white, cropped, Spanish-language dubbed print was actually a reduction copy of Altman’s 35mm, color, widescreen, English-language masterpiece. Knowing the importance of his discovery, Lampert and a team of volunteer preservationists, including colorization expert Jody Blyer, set out on a decade-plus mission to preserve this unearthed gem using the latest digital technology. Lampert has gone to extensive lengths to painstakingly produce the most authentic, thoroughly accurate version that can be made given the considerable difference in materials.

Andrew Lampert is at the forefront of a new generation of artists engaging with film, video and performance, revisiting and extending the dialogue around an expanded cinema. Lampert pursues the alchemy between artist, art, and audience in a public space, especially that of cinema. Bringing unscripted and chance elements into cinema`s veneer of control, and often working with found material, he foregrounds the contingency of film as a medium. Reveling in cinema as a performative environment, Lampert reclaims this space from a mass media culture to emphasize its potential for immediacy and accident—and to make each of his screenings and performances a one-of-a-kind event. Lampert explores the cinematic experience as content, experimenting with the physical spaces between projector, projectionist, audience and screen, and with the experiences made possible through their convergence. The cinema becomes a site of abstract and magical production in his performances, videos and films, as Lampert investigates the gap between an artwork`s private intent and its public reception. Lampert`s media works defy strict categorization as films or videos. His projects are unified in their emphasis on the frame around the edges of narrative—the genres and clichés in which he cloaks on-screen action, the happy accidents during production, and the unexpected events during a screening that shape the audience`s response and foreground human activity in the cinematic context. Lampert was born in St. Louis, Missouri in 1976. His work has been shown at the 2006 Whitney Biennial; The Getty Museum, Los Angeles; Mitchell Algus Gallery, New York; British Film Institute, London; The Kitchen, New York, and Light Industry, Brooklyn, amongst many other venues. Lampert`s work has also been featured in a number of international festivals, including the New York Film Festival and the Rotterdam International Film Festival. In addition to his work as an interdisciplinary artist, he is the Film Archivist at Anthology Film Archives in New York.

Entre les flammes brûlantes de Vesta, plusieurs "Vierges Vestales" posent des questions sur les vertus de la pureté et sur la condition passée et actuelle de l´apparence féminine. Ane Lan, qui incarne à la fois le peintre et la femme assise, soulève des questions sur le regard de la femme par rapport au regard de l´homme dans la peinture classique.

Ane Lan est né à Oslo, Norvège, en 1972. Il est diplômé de l´École Nationale d´Art et de Design d´Oslo (2002), et travaille avec les performances, la musique ainsi que les films/vidéos expérimentaux. Il a pris part à des expositions au Musée Whitney d´Art Américain, la Galerie Reiner Roterfeld et la Biennale 2002 de Venise. Lan a également pris part à des nombreux festivals internationaux du film et de la vidéo, et des projections dans le monde entier.

En se mettant lui-même en scène dans des costumes de femmes de différentes régions du monde, l?artiste Ane Lan soulève la question de l?image, de l?appartenance ethnique et du multiculturalisme dans le concept de la globalisation économique.

Ane Lan est né à Oslo (Norvège) en 1972. Il a obtenu son diplôme en 2002 au National College of Art and Design d?Oslo. Il travaille actuellement dans les domaines de la performance, de la musique et du film et de la vidéo expérimentaux. Il a participé à diverses expositions internationales, au Whitney Museum of American Art de New York (USA), au Paco das Artes de Sao Paolo (Brésil), à la 51e Biennale de Venise (Italie) et à la 10e Biennale d?Istanbul (Turquie). Lan a également participé à de nombreux festivals de film et de vidéo dans le monde entier.

Une femme africaine, assise à l'extérieur de sa hutte, prépare un repas pour son invitée. L'invitée, une femme blanche malade allongée sur un lit, accepte avec ambiguïté les faveurs de son hôte. Mais le "médicament" qui lui est administré ne semble pas faire effet. A travers de simples tableaux et clichés, cette oeuvre brève examine les aspects psychologiques de la relation post-coloniale entre Europe et Afrique confrontées à l'immigration illégale.

Ane Lan est né à Oslo, en Norvège, en 1972. Il a obtenu son diplôme en 2002 au National College of Art and Design d'Oslo. Il travaille actuellement dans les domaines de la performance, de la musique et du film et de la vidéo expérimentale. Il a participé à diverses expositions internationales, au Whitney Museum of American Art, à New York, au Paco das Artes, à Sao Paolo, à la 51ème biennale de Venise et à la 10ème biennale d'Istanbul. Lan a aussi participé à de nombreux festivals de film et de vidéo à travers le monde.

A travers un plan séquence hypnotique nous sommes transportés au cœur d'une maison, où le noir et blanc négatif révèle un espace indéfini entre mémoire et sidération. Fluctuant sous le vernis social, le regard se métamorphose, la maison dévoile ses secrets, les murs eux-mêmes semblent souffler des récits oubliés et des vérités indicibles.

Claire Lance (née en 1987, France) est une artiste qui utilise des médiums étroitement liés à l’optique humaine. Ses projets explorent la cognition et la persistance des images culturelles dans la perception, à travers la vidéo, l’installation et la photographie. Évoluant dans le temps, les œuvres de Lance fonctionnent souvent comme des tests de Rorschach, révélant ce qui est généralement invisible ou décrit comme intangible ou non objectif. La ville-monde, où les échelles et les dimensions s’interpénètrent en strates successives, crée des espaces virtuels et impalpables, accessibles uniquement au regard. Ces lieux indéterminés mais familiers invoquent la métaphore et la persistance des images que nous portons en nous — individuellement et culturellement — en tant que spectateur·rices. Ses œuvres ont été exposées à la galerie Ofr à Paris, au 39e FIFA à Montréal, au Kurzfilmwoche de Ratisbonne en Allemagne, et ont été publiées à plusieurs reprises dans le magazine britannique Carpark. En 2023, elle est invitée par le CIRM (Centre International de Recherche Mathématiques) pour un workshop intitulé « Maths and Art: Common Creation ». Elle est titulaire d’un master en Pratique et Théorie de l’Art Contemporain de l’Université Paris 8 Sorbonne. Elle a collaboré avec différents réalisateurs en tant que directrice de la photographie sur des tournages, ainsi que pour des commandes auprès de titres de presse tels que L’Obs, Trax ou Technikart.

?Betty Creek? est un film fait à partir de matériaux provenant d?un endroit situé dans le sud des montagnes Appalaches. Différents éléments tels que de la terre, des végétaux, des sons et des images accélérées ont été rassemblés et collées sur la pellicule en utilisant diverses méthodes, afin de donner une idée "projetée" de l?environnement de Betty Creek.

Né à Jacksonville en Floride, Robbie Land a commencé à travaillé dans la vidéo, et particulièrement en super-8, au milieu des années 80 en produisant des animations et des expériences de ?live action? (films avec des acteurs réels et non pas des animations). Au début des années 90, il étudie les beaux-arts à la University of South Florida à Tampa en Floride. Après avoir reçu son diplôme il a exercé de nombreux métiers tout en continuant à produire des films et à photographier des natures mortes. Il a travaillé sur de nombreux projets en tant que directeur de la photo au Florida Lightning Research Facility et en enseignant la production de film à un niveau universitaire. Il vit actuellement à Atlanta en Géorgie et continue à expérimenter différentes méthodes filmiques pour des installations, des projections de film et divers événements. Le travail de Robbie a été projeté à la Kunst Film Biennale de Cologne en Allemagne, au Museu Do Chiado à Lisbonne au Portugal, à l?International Experimental Cinema Exposition à Denver au Colorado ainsi qu?à d?autres différents événements et projections individuelles et collectives.

?Betty Creek? est un film construit avec des matériaux récupérés dans un endroit au sud des montagnes Appalaches. De nombreux artéfacts comme de la saleté, de la vie végétale, du son, des enregistrements chrono cinématographique de la vie nocturne ont été rassemblés et appliqués sur du celluloïd en utilisant de nombreuses méthodes afin de donner une projection qui fasse ressentir l?environnement de Betty Creek.

Robbie est né à Jacksonville en Floride et il a commencé à travailler sur le film, plus particulièrement sur du Super 8 à la moitié des années 80 en produisant des animations et des performances. Dans le début des années 90, il est allé à l?université de South Floridia à Tempa pour étudier les beaux-arts. Après avoir été diplômé, il a travaillé sur de nombreux projets étranges et a continué à produire des films et des plans fixes. Il a travaillé sur des projets très différents en partant du cinématographe au Florida Lightning Research Facility jusqu?à l?enseignement à l?université de la production de films. En ce moment, il réside à Atlanta, et Georgie, et il continue à faire des expériences avec de nombreuses méthodes de film pour des installations, des festivals et diverses expositions.

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Marina Landia is a video and performance artist based in London. Born in Tbilisi, Republic of Georgia she studied at the State Academy of Arts in Tbilisi and worked eight years as a film set and costume designer for the Georgia Film Studio. After immigrating to Germany she studied at the Institute for Art in Context (post gradual Master studies), UDK in Berlin, where she is a lecturer since 2010. Main focus of her artistic work is exploration and critical evaluation of general social, economical and political trends, working at the point of intersection between art and other disciplines by involving people with different professional and cultural backgrounds. Alongside with her work as independent artist she developed more then 20 interdisciplinary video projects and workshops in co-operation with various institutions in Germany, Great Britain and Russia: Alfred-Toepfer Foundation, Hamburg; Accenture, Moscow; Wimbledon School of Art, London; Kulturamt Neuköln, Berlin; ESMT, European School of Management and Technology Berlin; Xynteo, Oslo.

Cette vidéo est composée d?une série de plans statiques de la fenêtre d?une chambre d?hôtel qui donne sur un collage abstrait de surfaces urbaines composées de portes, de murs et de toits. Ces images sont répétées plusieurs fois pour créer l?effet d?une fenêtre qui s?ouvre et qui se ferme toute seule. La fenêtre donne sur Staropramenna, une rue indistincte de Prague. La répétition est accélérée et altérée, anime la vision banale et la rend fascinante et hypnotique.

Artiste en vidéo et en installation depuis 1984, Paul Landon a exposé ses vidéos et ses installations dans des musées Québécois et Canadiens, dans des galeries et centres d?exposition Américains et Européens et dans des festivals à travers le monde. Diplômé en 1989 de l?academie Jan van Eyck à Maaastricht aux Pays-bas, M. Landon est actuellement professeur à l?École des arts visuels et médiatiques de l?Université du Québec à Montréal ou Il enseigne les arts médiatiques. Vous trouverez plus d?information sur l?artiste au site Internet http://www.paullandon.com

"Saariselkä" est une installation vidéo à propos de la neige, constituée de 40 000 images uniques envoyées depuis une webcam en Finlande du nord pendant une période de six mois. L'administration de la route finlandaise à Helsinki fournit plus de 300 de ces "caméras de météo des routes", pour informer la population des conditions rélles de la route. Dans le cas très probable où rien d'autre ne se produit dans les rues de Lapland, il s'agit de visualiser l'information binaire "neige ou pas neige"; tout ce qui ne suit pas ce but pragmatique a été retiré de la vidéo finale (plus de 500 voitures et camions, l'été, etc.). A la fin de ce processus pédant de nettoyage, la vidéo est devenue un "concentré optique". La bande son a été composée par l'artiste Florian Zwissler pour remplir l'espace dans le boîtier de la caméra/ dans la tête du spectateur.

Veit Landwehr, né en 1969 à Mülheim, Ruhr, a étudié l'architecture à BUGH Wuppertal. Son diplôme obtenu en 2000, il a travaillé pour b&k + architects, à Cologne. Jusqu'en 2002, il a réalisé plusieurs expositions et publications pour b&k: In Vitro Landscape (Weissenhof- Gallerie Stuttgart), H3K (Museum for Applied Art, Cologne), archilab 2002 (Orléans, France), etc.. Considérant l'architecture comme un medium peu efficace pour appliquer un pragmatisme simple, il travaille exclusivement en tant qu'artiste depuis 2002. A côté de la création d'installations publiques conceptuelles ("améliorations") et de quelques objets "paratechniques", il s'intéresse beaucoup aux installations vidéo. Comme on peut le voir dans WEB LAND (2004), la marque de fabrique de son travail vidéo est ce regard parfois "autiste" tourné vers le bas; des centaines de webcams fournissent du matériau pour des clichés grand format et des vidéos montrant le monde en petit, mais avec des contours très précis. Les parents de Veit Landwehr voudraient toujours qu'il soit architecte.

Trantor, planète la plus peuplée de cette région de l`univers, est le siège d?intrigues politiques qui se jouent en silence. Un archéologue cherche la planète originelle de l?humanité, un homme l?épie. Il ne sait pas encore que Trantor fut un jour appelé "Terre".

Jérôme Laniau est un réalisateur français dont le travail est à la croisée du documentaire, du cinéma et de l`art vidéo.Son premier film "Keite ka so", a reçu le prix du jury du festival "Tolosa tourne".

Religion and Nationalism are often used as excuses for War. The film explores the Greek-Cypriot dual identity to their Ethnic and Religious origin. Symbolic to this, is the Greek celebrations of March 25 that is both a National (revolution against the Turks) and religious holiday (Annunciation). Situated across the church, checkpoint (Charlie) in Nicosia shows the inherent tension of Cyprus bi-ethnic state. The nostalgic ?Torn between two lovers? song is superimposed throughout the film, a 70?s tune of a time long ago, perhaps a longing to be able to live together. Many wonder whether Cyprus political problems are fueled so as to ensure that the ?great powers? can better control the island, and its strategic position in the Middle East.

Works in multi-media installations | video | photography and publications in Nicosia, Cyprus. Studied: BA Art and Environmental Design UCSC, California, USA | Mphil Art Lancaster University, UK |Diploma of Architecture Canterbury Institute of Art and Design. Recent Group Exhibitions: Dans la nuit, des images, Création numérique en Europe, Grand Palais, Paris, France | Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain |Haus der Kulturen der Welt, Berlin, Germany| Universite des BeauxArts, Paris, France. Museums collection: Cypriot state collection of contemporary art, Nicosia, Cyprus | Museum of Applied Arts (MAK), Vienna, Austria | Muséum Centre Pompidou, (Nouveaux Médias MNAM-CCI) Paris, France.

Electricity Un film de 2.5 minutes de Lia Lapithi Shukuroglou ("Electricity" fait partie d'une série de quatre courts métrages interconnectés sur la Chypre contemporaine, comprenant "Should I stay or should i go now?" "Rabbits have no memory" et "Marinated Crushed Olives". Durant la tétralogie, le texte oscille entre les politiques narratives, le documentaire d'archive et l'expérimental) La dernière fois que je me suis sentie triste c'était quand le plus grand drapeau du monde, 1000m, fût placé dans mon jardin. Maintenant ce drapeau a des lumières tout autour et pendant toute la nuit à partir de huit heures, il s'allume. Cette "extravagance" peut être vue en entrant sur l'autoroute vers Nicosia et de la ville même. Le drapeau est sur la montagne Pentadactylos, il y'a écrit sous le drapeau national turc "si content d'être turque" et de couleurs inversées le "drapeau chypriote-turque". Mais encore, ce qui est plus surréel dans cette situation est de savoir qui fournit l'électricité pour allumer ce double drapeau. (De 1963 à 1974, les Turques Chypriotes ont reçu de l'électricité gratuitement. Cela a continué aussi après l'invasion par l'armée turque en 1974 au prix de 43 millions de dollars US, même si en plus des consommateurs chypriote-turques, il y avait la force d'occupation turque. Les autorités chypriotes continuent à fournir les terres occupées et leur armées pour leurs besoins en énergie. Ce court documentaire expérimental commence par la musique de la Chypre Occupée de CyBC-radio, continue avec des bruits de manufacture électrique et finit sur le rythme d'une marche militaire ottomane. Un documentaire expérimental sur les identités séparées de l'île, imprégné de ma propre tristesse et de mon incrédulité.

Lia Lapithi is a Cypriot multimedia artist with BA/MA degrees in Fine Arts and Diploma of Architecture (UK RIBA part 2). Her gama of work includes film, large sculpture and photo installations, and has won many art competitions both in her native country and abroad. Works of hers can be found in the Cypriot state collection of contemporary art, Nicosia, Cyprus, at the Museum of Applied Arts (MAK), Vienna, Austria and at the Muséum Centre Pompidou, (Nouveaux Médias MNAM-CCI.), Paris, France. For a more extensive biography and to view her work visit www.lialapithi.com

Recipe for Marinated crushed olives, 3 minutes ("Marinated Crushed Olives" fait partie d'une série de quatre courts-métrages interconnectés sur la Chypre contemporaine, comprenant "Should I stay or should i go now?" "Rabbits have no memory" et "Electricity". Durant la tétralogie, le texte oscille entre les politiques narratives, le documentaire d'archive et l'expérimental) Connues en Chypre sous le nom de "tsakistes elies", les olives sont préparées de cette manière depuis l'ère byzantine. Elles sont aussi appelées olive craquées, fendues ou cassées. Le film fait un paradoxe ironique entre le problème de la Chypre et la façon dont ces olives sont préparées. Elles sont séparées, le sel en a enlevé l'aigreur et elle marinent depuis (1974). La recette des olives concassées est filmée sur un journal quotidien chypriote avec les titres suivants: "Η Ευρωβουλή εξαφάνισε το κυπριακό, Το κυπριακό δεν είναι προτεραιότητα" (Le parlement européen a oblitéré le problème Chypre. Le problème Chypre n'est pas une priorité.) et Δεν είμαστε τόσο όμοιοι όσο νομίζουμε?( Nous ne sommes pas aussi similaires que nous le pensons?) Recette: Ingredients: - Olives vertes(cueillies en Octobre ou Novembre encore vertes, pas mûres sans trop d'huile d'olive dans leurs chairs.) - sel de mer - eau pour conserver les olives - graines de coriandres séchées et broyées - citrons coupé en petits quartiers et jus de citron - gousses d'ail, pelées et légèrement broyées - huile d'olives, assez pour couvrir Méthode 1. Concasser les olives pour les ouvrir, traditionnellement, cela se fait entre deux pierres. Ne les broyer pas trop forts, juste assez pour les ouvrir mais pas pour changer leur formes, et soyez particulièrement précautionneux de ne pas brisez le noyau de l'olive. 2. Préparation de la saumure pour conserver les olives: pour chaque tasse d'eau, une tasse de sel. Bien mélanger pour dissoudre le sel. Placer les olives dans des récipient et les recouvrir de saumure, puis changer le liquide quotidiennement pendant au moins huit jours, ou jusqu'à que les olives ne soient plus âpres au goût. Faites attention pendant le changement d'eau méticuleux sinon les olives vont êtres gâchées. 3. Pour servir: lavez les olives doucement pour les rincer du sel et égouttez. Faîtes marinez avec le citron et le jus, l'ail et le coriandre. Enfin, ajoutez l'huile d'olive pour couvrir le tout. Servez à température ambiante.

Lia Lapithi is a Cypriot multimedia artist with BA/MA degrees in Fine Arts and Diploma of Architecture (UK RIBA part 2). Her gama of work includes film, large sculpture and photo installations, and has won many art competitions both in her native country and abroad. Works of hers can be found in the Cypriot state collection of contemporary art, Nicosia, Cyprus, at the Museum of Applied Arts (MAK), Vienna, Austria and at the Muséum Centre Pompidou, (Nouveaux Médias MNAM-CCI.), Paris, France. For a more extensive biography and to view her work visit www.lialapithi.com

Texte du film, liste des armées présentes sur l'île de Chypre. Garde Nationale Grecque Chypriote (GNGC comprend des éléments de l’armée de l’air et navale), Régiment des Forces Helléniques à Chypre (ELDYK), Police Grecque Chypriote; Forces de Sécurité Turques Chypriotes (FSTC), Unités de l’Armée de terre turque, Soldats de Nations Unies (NU), Armée Britannique (2 bases souveraines…) Le film pourrait être séparé en quatre plans; au premier plan, rapidement, une paire de jambes portant des chaussures à talons aiguille (fabriquées localement). Un second plan, au fond, un film tourné en caméra cachée à partir de deux points de contrôle à Nicosie après “l'ouverture” des frontières en 2003 et d’un autre point de contrôle situé à une frontière censée être ouverte d’ici peu. Tous les points de contrôle sont devenus des attractions touristiques majeures comme le dernier vestige au monde d'une ville divisée (un point de contrôle est même appelé mur de Berlin 2). Le tout est projeté à l'envers. Comme troisième plan, au-dessus des points de contrôle, un texte nous informe brièvement des forces militaires actuellement présentes sur l'île. Le quatrième plan est sonore: la voix d'une jeune fille qui essaie d'apprendre à chanter et à jouer sur sa guitare le premier couplet de la chanson des Clash 'Should I stay or should I go?'. Le film se termine sur la description de Chypre comme l'un des pays les plus militarisés au monde, avec 19 soldats au km2. L’île arrive au troisième rang concernant le port d'arme, 891 000 pour 1 million de personnes. Le film espiègle et empreint d'humour noir, est aussi truffé de contradictions et de symboles; la routine comme symbole de l’isolement des habitants de l’île, les chaussures turquoises (sont-elles aux pieds d’unTurc ou d’un Chypriote Grec ?), la course en sur place, les jambes (animées ou en partie amputées?), les textes politiques, les femmes exclues de l'armée, la chanson chantée faux ...à moins que ce ne soit fait exprès ? Note: après 1974, 67% des citoyens chypriotes turcs avaient émigrés des zones turques occupées. Ce qui n'a pas été le cas des chypriotes grecs dont seulement un tiers sont devenus réfugiés. Après que Chypre ai rejoint l'UE en 2005, il y a eu une arrivée massive de chypriotes turcs traversant la ligne verte afin de demander un passeport chypriote.

BIOGRAPHIE 1979-1983 Etude d'histoire de l'art, UCSC, USA, obtient une licence En parallèle, elle étudie l'architecture, licence de design. 1984 Master d'histoire de l'art, Université de Lancaster 1989-1991 Diplôme d'architecture, Université d'Art et de Design , Canterbury 1994 Master en éducation, Université du Pays de Galles PRIX 2001 4ème prix, Biennale de Florence, Italie 1999 Grand Prix, 20ème Biennale d'Alexandrie, Egypte 1988 Prix littéraire, livre pour enfant illustré, Ministère de la Culture 1983 Prix d'un festival étudiant, Santa Cruz, université de Californie EXPOSITIONS COLLECTIVES 2006 - Prospective Sites, public Art (conservateur Walter Seidl), Vienne, Autriche 2005 - Untouchable things, Backlight 2005 7th International Photography Triennial, Tampere, Finlande - Somatopia: Mapping Sites, Sitting Bodies , Hellenic Centre, Londres, RU - Capturing Utopia, Fournos Centre for Digital Culture, Athènes, Grèce. - Venice Open, Lido-Venise, Italie - Xperimental 4.0, International Experimental Film Festival, Pantheon Cultural Association, Nicosie, Chypre - Accidental Meetings, Nicosia Municipal Centre, Nicosie, Chypre 2002 - "The Room" Manifesta 4, Frankfurter Kunstverein, Allemagne 2001 - 3rd Biennale of Florence, Italie. 2000 - `Medi@terra 2000` International Art and Technology festival and symposium, Athènes, Grèce. - 100 years of Cyprus sculpture, National Art Gallery, Nicosie, Chypre - 12 Cypriot painters by Ioannina municipality, Grèce 1999 - 20th International Biennale of Alexandrie, Egypte. - 4 Women’s Work on the occasion of International Women’s Day by the American Centre, Nicosie, Chypre 1997 - Brushstrokes Across Cultures III, Famagusta Gate, Nicosie, Chypre 1996 - Women creators of two seas, Mediterranean and Black Sea (UNESCO), Thessalonique, Grèce - Modern Goddess contemporary art by women artists from Cyprus and England, Famagusta Gate, - Nicosie, Chypre - “Cyprus, Its People and Culture” banner, Nicosia Municipal Art Centre (associated with the Pierides Museum of Contemporary Art), Nicosie, Chypre - Exhibition of the Van Gogh foundation, Nicosia Municipal Art Centre (associated with the Pierides Museum of Contemporary Art), Nicosie, Chypre - Cyprus through Leontios Mahairas’ history, Nicosia Municipal Art Centre (associated with the Pierides Museum of Contemporary Art), Nicosie, Chypre 1995 - Nicosia Cultural month of Europe, Art Exhibition, Ayios Andreas Market, Nicosie, Chypre 1992 - Imeroessa Lapithos,Stage design, Nicosia Municipal Theatre and Pattichio Municipal Centre, Limassol, Chypre 1987 - Pan-Hellenic Art Exhibition, Athènes, Grèce - 1st Biennale of Europe’s Fine Art Schools, Toulouse, France 1986 - 2nd Biennale New Mediterranean Artists, Thessalonique, Grèce - Seven New Cypriot Artists, The Cyprus Popular Bank, Nicosie, Chypre EXPOSITIONS INDIVIDUELLES 2003 - “Inhale – Exhale”, Pantheon Gallery, Nicosie, Chypre 2001 - "Operating Theatres", Diatopos Gallery, Nicosie, Chypre 1998 - Gloria Gallery, Nicosie, Chypre 1997 - Monohoro Gallery, Athèns, Grèce 1996 - Gloria Gallery, Nicosie, Chypre 1995 - Gloria Gallery, Nicosia, Cyprus 1993 Artist’s Studio, Nicosie, Chypre 1989 - Opus Gallery, Nicosie, Chypre 1987 - Gloria Gallery, Nicosia, Cyprus 1985 - University Art Gallery, Lancaster, R.U 1983 - Oakes Gallery, Santa Cruz, Californie, U.S.A. COURT METRAGES 2005 - Grafting/ All my children - Should I stay or should I go now? 2003 - 26 weeks 2001 - Interactive CD-Rom ‘Operating Theatre’ (includes 8 short films; Eye Operation/ Endoscopy/ Gastric Binding/ Nose Operation/ Gender Blending/ Leg Operation/ Split-brain and Cryonics)) 2000 - Enchanted Pear Tree 1991 - E tripa (The hole) RECOMPENSES POUR COMPETITIONS D’ŒUVRES IN SITU 2005 - First price for Lyceum Ayiou Spiridona, Limassol, Chypre 2005 Second price Gymnasium Ayiou Theodorou, Paphos 1997 - Police Station, Pera Orinis, Chypre Professional associations: Member of Royal Institute of British Architects (RIBA), Member of Cyprus Architects Association (ETEK), Member of the Fine Artists Association (EKATE). PUBLICATIONS 2003 - “Inhale Exhale”, Nicosia ISBN 9963-8604-1-9 2001 - “Operating Theatres” Nicosia ISBN 9963-8604-0-0 PUBLICATIONS OFFICIELLES, ENTRES AUTRES, DANS: - Leonardo journal (MIT) / The International Society for the Arts, Sciences and Technology, CA, USA. For books reviews, visit MIT Leonardo Journal - Northlands Kunstmuseum, Denmark. - Finnish National Gallery Library, Finland. -Centre pour l`image contemporaine, Geneva, Switzerland.

Pairing up jazz improvisation with the vastness of big data, Across Lips attempts to decode what it means to tell a story for a digital age. Framed by the gradual and comprehensive expansion of the Internet Archive, this film questions what it means to truly believe in something.

Alyona Larionova (b. 1988 Moscow) earned her MFA from the Slade School of Fine Art in 2013 and her BA in Photography from LCC in 2010. Her work has been exhibited internationally, including at HOW Art Museum in Wenzhou, II Moscow Biennial of Young Art, National Center for Contemporary Arts Moscow, Temnikova & Kasela, and Bermondsey Project Space, among others. The artist has recently premiered her latest film at Picturehouse cinema, supported by Outpost Norwich and Ed Atkins; the film was also nominated for Tenderflix 2016 Award, organised by Tenderpixel London.

Une peinture et un tableau vivant se répondent, dans un étonnant parallélisme. Peinture de genre, scène de rue, de chambre et de musée. Une jeune femme marche dans la rue, vers un rendez-vous. Une femme noire assise sur un lit regarde avec persistance une jeune femme nue blanche endormie, reproduisant une peinture de genre. Cette vidéo apparaît comme l'élucidation psychologique de la passivité, des rapports de force contenu dans un tableau. Questionnement du regard, au travers du rapport entre deux femmes.

Sally Grizzell Larson est une artiste visuelle basée à Philadelphie. Ses vidéos ont été projetées à New York lors des Archives du Flim d´anthologie (Anthology Film Archive), au Musée de l´Image et du Son de Sao Paulo, Brésil, à la galerie Smack Mellon de Brooklyn lors d´une exposition commissariée par Electronic Arts Intermix, New York; au Festival de médias Electroniques de Rio de Janeiro - Prog: ME; au Festival du Film Femmes de Couleur à New York. "Certain Women" a été nommé "Best of Festival - Experimental (Meilleur du festival dans la catégorie "Expérimental") lors du Festival du Film et la Vidéo de Berkeley (2006).

A Groucho Marx like character analyzes 2 found objects - wooden trivets with the inscription Mutti and Günter on them. He makes up a story about Günter and Mutti . He also debates whether these trivets would work as art works exhibited in a gallery.

Nina Lassila is a visual artist born 1974 in Helsinki Finland, currently based in Berlin. She has taken part in several group shows and video festivals internationally i.e The Istanbul Biennial, Rencontres Internationals 2005 Kassel Documentary & Video art festival 2009, LOOP Barcelona, SHE DEVIL V Macro Museum Rome, Nordic Art Express - Nordic Video Art on tour. Education: Swedish Polytechnics FIN 1994-1997, School of Photography & film Gothenburg SE 2000-2002, Valand School of Fine Arts (MFA) 2004-2006, Guest at ENSAD Paris.

"Piiskaa!" montre une femme en train de nettoyer un tapis. En fait, elle semble plutôt en train de le frapper...est-elle en colère, et pourquoi? Il y a quelque chose de provocant chez une femme forte physiquement; même un rire puissant peut être provocant pour certaines personnes. Les a priori voudraient qu'une femme physique et bruyante soit dérangée, incontrôlable. "La notion de genre est une idéologie vécue - un système d'idée sur les hommes et les femmes avec lequel nous vivons. En tant qu'idéologie vécue, ces idées sont transformées en pratiques corporelles spécifiques. Les différences sexuelles, construites socialement, sont incarnées et vécues comme réelles. Elles sont matérialisées comme habitude et considérées comme acquises, comme une seconde nature." (Bourdieu)

Nina Lassila is a visual artist working mainly with video, performance and photography. She was born 1974 in Helsinki Finland but lives and works in Göteborg, Sweden since 2003. In many of her works she deals with questions of identity ? specifically identity affected by social barriers, conventions based on gender and upbringing and cultural differencies. The field of her interest spans from cultural & political issues to mumbojumbo sciene. She has taken part in several group shows and video festivals mainly in the Nordic and the Baltic countries, but also Germany and Canada. In 2004 she was awarded a Nordic Air residency in Tallinn Estonia by Nifca. In October 2008 she is attending the CAMAC residency in Marnay-sur-Seine in France. She is currently working on soloshows for gallery Formverk in Nyköping (SE) and Gallery SINNE in Helsinki (FIN) and she will participate in the Reykjavik Festival of Culture. www.ninalassila.com

In the middle of Lisbon between Avenue Liberdade and the Natural History Museum lays a little gem of a garden, The Jardim Botânico da Universidade de Lisboa. It was inaugurated in 1873. The garden’s crown jewel is its subtropical collections which has a unique microclimate that enables unique tropical plants to survive. STEM is a film about the migration of plants and the beginning of botanical gardens decay. Years of neglects of the Lisbon University Garden have created a romantic environment where the garden is growing wild. The film investigates the displacement in migration and morphology of plants. And investigates some of the post-colonial environmental ramifications of transfer into new subjectivities of the"other." The film came together as is a collaboration between the filmmaker and the German sound artist Max Schneider. Together they traveled Brazil to sound record 17 unique plants. The film features an interview with professor James Clifford, author of "The Predicament of Culture: Twentieth-Century Ethnography, Literature, and Art" (1988), "Routes: Travel and Translation in the Late 20th Century" (1997), and Returns: Becoming Indigenous in the Twenty First Century" (2013).

Lasse Lau est né au Danemark en 1974. Il vit et travaille actuellement à New York. Il a récemment remporté le Nordic:Dox Award (2018) pour son film « Lykkelaender ». Il a étudié au Media Art Department de la Funen Art Academy (Danemark), à la Hochschule der Künste de Berlin et au Whitney Museum of American Art Independent Study Program (New York). Dans son travail, il traite de questions socio-économiques, de la négociation de conflits et de la notion d’espace à travers le langage cinématographique. Lasse Lau cherche à utiliser l’esthétique comme une structure ouvrant sur de nouveaux chemins dialogiques. Le travail de Lasse Lau a été exposé dans un grand nombre de musées et de galeries, notamment au Westfälischer Kunstverein, à Münster (Allemagne), à la Hamburger Bahnhof (Berlin); au Danemark, au Aarhus Art Museum et à la Brandts Klædefabrik (Odense); il a également été exposé au Musée d’art contemporain de Zagreb (Croatie), à la Biennale de Turin, au Contemporary Museum de Baltimore (USA), et au MoMA PS1 (New York). Lasse Lau est le cofondateur du Kran Film Collective à Copenhague et membre du Camel Collective, collectif d’artistes new yorkais. « Stem - Sound from the Tropical» a été réalisé en collaboration avec Max Schneider, professeur d’art et de musique à la Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig et co-fondateur de l’agence de design sonore Aconica.

The protagonists in the film move through spaces like the desert, the city and the gallery space. All are production spaces of the film and combining different layers of time and contexts with each other. The Film follows the history of the gaze. The focus is on the phenomenon of the afterimage. This so-called phi-effect makes film sequences following a strong color stimulus appear in a complementary color. The effect is based on the fact that the retina continues to briefly perceive an image after the light stimulus and merges it with the following image. The sound sometimes refers to the previously perceived film still in some instances, letting the words speak at a different position. The brain requires a moment to connect what is heard with what is seen. Furthermore, the afterimage links different levels of time, the past with the present moment, which in the next instant is already the past again.

Daniel Laufer is an artist, filmmaker and curator, lives and works in Berlin. He has studied at the HBK-Braunschweig. Laufer is a recipient of the grant of the Arthur Boskamp Foundation for Space concepts, Stiftung Kunstfonds and the Berlin Senat among other awards.His exhibitions include: Artists Space, NYC; KM Gallery, Berlin; Galerie Kamm, Berlin, Kunstverein Harburger Bahnhof, Hamburg; Schaufenster, Kunstverein f. d. Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf; Fridericianum, Kasseler Kunstverein, Kassel; KW Institute for Contemporary Art, Berlin; Jewish Museum Berlin, Kunstmuseum, Bonn; Van Gogh Museum, Amsterdam; Irish Museum of Modern Art, Dublin.

A quadruplet raised on a collie farm explores human-dog behaviors through queer “puppy play,” leading to nuanced discoveries of how people treat people “like animals.”

Lax’s films and video installations have screened and been exhibited at venues including Viennale (Austria), IHME Contemporary (Helsinki), MIX New York and MIX Brasil (São Paulo), table (Chicago), Los Angeles Municipal Art Gallery (LAMAG), Los Angeles Contemporary Archive (LACA), Everson Museum of Art (Syracuse, NY), REDCAT, Film Forum, Winnipeg Underground Film Festival, The Drawing Center (New York), and CROSSROADS (San Francisco), among others. Lax’s organizational projects include those held at Anthology Film Archives (NY), Fellows of Contemporary Art (LA), and Human Resources LA. Lax’s writing has appeared in print and online publications including MARCH Journal, Los Angeles Review of Books (LARB), ArtPractical, and Texte Zur Kunst), as well a catalogue contribution with the Lawndale Art Center (Houston, TX) and a limited edition zine with Inga Books (Chicago).

Dans cette ?uvre, qui mélange mélancolie et intense tristesse, comme un jour nuageux, Oliver Laxe se confronte une fois encore à l'« Autre » et démontre que, au fond, nous pouvons être étrangers en Galice, de même qu?au Maroc ou à Paris. Sans aucun objectif prédéterminé dans le script, Laxe filme la simplicité du fait de regarder. Le récit n'est pas nécessaire, car toute forme de structure risquerait de faire s?évanouir la subtilité de la vie quotidienne. Avec un certain degré de quiétude lyrique et de nostalgie exotique, il fait le portrait, le long de séquences éphémères, d?un groupe d?ouvriers travaillant à la construction du site d?un des stades prévus pour ce qui était censé être Coupe du monde de football au Maroc en 2010. À l'arrière-plan, on discerne un paysage vert, sous des nuages gris, envahi par la structure en ciment du stade. Certains hommes sont en groupe, et d'autres marchent de leur côté.

Oliver Laxe est né à Paris en 1982. Il a vécu à La Corogne jusqu?à ses 18 ans et il a étudié la communication audio-visuelle à l'Université Pompeu Fabra de Barcelone. Il est membre de la plate-forme de cinéma expérimental « No.w.here » de Londres, où il réside depuis un an. Son projet de fin d?études, réalisé avec Enrique Aguilar « les cheminées ont décidé d?échapper » a été choisi pour le Festival de Cinéma de Gijon, a obtenu le prix du festival de Grenade et a été choisi pour l'Échantillon d'Arts Visuels de l'Injuve. Le Bureau de la Culture de Galice a financé son film « Paris #1 ». Il participe à un atelier de cinéma avec un groupe d'enfants socialement exclus, en collaboration avec notamment la Cinémathèque de Tanger. A Tanger il a également rodé sa pièce « La trompette sonne », inclus dans un film en l?honneur de Tarkovski, « Une journée dans la vie d'Andrei Arsenevitch ».

Echoed in a memory-laden house are daily conversations between a mother and her two sons, all seemingly asleep. This autobiographical short, in a hybrid form, chronicles a personal memory from director Le Ngoc Duy's adolescence, using set design and reenactment to reconstruct his childhood home and featuring his mother’s voice as part of the cast.

LE Ngoc Duy (b. 2000) is a Vietnamese filmmaker and a member of A Sông Collective from Danang City. He was trained in filmmaking workshops by doc cicada and New Asian Filmmakers Collective in Cambodia. His works explore the subjects of family and homeland memories, queerness, and young adulthood, often set against historical backdrops and blending nonfictional and poetic elements within fictional narratives. "The House That Stays", Duy’s debut short film, was an official selection at Kaohsiung Film Festival, ZINEBI International Festival of Documentary and Short Film of Bilbao, Uppsala Short Film Festival, and Jogja-NETPAC Asian Film Festival. Currently, he is organizing and co-programming the Cinema Con Nha Ngheo project in Danang.