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THERE IS A HAPPY LAND FURTHER AWAAY (20 mins, S16, col/b+w, 2015) There Is A Happy Land Further Awaay (2015), captures the landscapes of the remote volcanic Republic of Vanuatu archipelago, before they were devastated by Cyclone Pam in early 2015, the footage becoming a ghostly document of an ecosystem now irrevocably altered. A hesitant female voice reads a poem by Henri Michaux, recounting a life lived in a distant land, full of faltering and mistakes. Island imagery of active volcanoes, underwater WW2 debris, children playing, and wrecked boats transform into intangible digital recollections of the island, made on the opposite side of the world. Images of the eroded land merge with eroding film, a lone figure on a boat drifts at sea.

Ben Rivers (born in 1972) is an artist and experimental filmmaker based in London. His work has been shown in many film festivals and galleries around the world and has won numerous awards. His work ranges from themes about exploring unknown wilderness territories to candid and intimate portrayals of real-life subjects. Rivers`s practice as a filmmaker treads a line between documentary and fiction. Often following and filming people who have in some way separated themselves from society, the raw film footage provides Rivers with a starting point for creating oblique narratives imagining alternative existences in marginal worlds. Rivers uses near-antique cameras and hand develops the 16 mm film, which shows the evidence of the elements it has been exposed to – the materiality of this medium forming part of the narrative.

La maison d?une famille dans le désert, en dehors du temps ; des animaux élevés en plein air et des enfants, un bric-à-brac et la nature, le tout dans un paysage des plus sublimes. Le travail vise à représenter l?idée de liberté, qui se reflète dans l?utilisation manuelle du format scope, affaiblie par une sorte de mauvais pressentiment. Il n'y a pas d'histoire particulière, seulement des fragments de vie vécue, de rites effectués.

Ben Rivers a étudié les Beaux-Arts à la Falmouth School of Art (Royaume-Uni). Il a travaillé ensuite principalement sur des films en format 16mm. Ses ?uvres sont montrées dans des galeries et des festivals internationaux, qui lui ont décerné de nombreux prix. Parmi ses expositions récentes, signalons notamment « If » au Bloomberg Space de London, « Nought to Sixty » à l?ICA de Londres, ou encore « On Overgrown Paths » à la Permanent Gallery de Brighton.

Ce film retravaillé à la main montre des milliers de personnes faisant l'ascension d'un terrain sur une montagne rocheuse. La destination et l'objet de leur ascension restent obscurs. Un pèlerinage incertain, mystérieux et troublant pavé d'intentions inconnues. Le titre "The Coming Race" est tiré d'un roman de l'époque victorienne de E.G.E Bulwer-Lytton portant sur un peuple vivant sous une montagne.

Studied Fine Art at Falmouth School of Art. Co-founded and programmed Brighton Cinematheque from 1996-2005, while developing his artistic practice -predominantly working with moving-image. He has exhibited at many international film festivals and galleries, and won various awards, most recently Jury Prize at IFF Rotterdam. He has been the recipient of a number of commissions, most recently a London Artists Film and Video Award, for which he will make a new work: « Origin of the Species ». Current/upcoming shows include 'If' Bloomberg Space, London, 'Art with Strangers' Turnpike Gallery, Leigh, and solo show with Measure, London, and retrospective screenings in Chicago, Hull IFF and Courtisane, Ghent.

Un récit fragmenté et l'exploration d´espaces abandonnés, utilisant les sons et la musique pour créer un suspense et jouer avec les attentes des spectateurs.

Ben Rivers a étudié les Beaux Arts à l´Ecole des Arts des Falmouth. Depuis lors il travaille essentiellement des films 16mm qui sont projetés lors de festivals internationaux, dans des galleries et des cinémas britanniques. En 1996 il co-fonda la Cinémathèque de Bighton qu´il co-dirige/prgramme depuis.

Trees are the silent characters, narrating the architecture and life of Churchill College (opened in 1960) through its natural history. 6’s Cowan Court (completed in 2016) inverted the spatial and material order of the picturesque Brutalism of the original college, shifting its mineral world of brick and shuttered concrete to timber. Cowan Court’s oak, both new and old, defines its structure and in turn encloses a central court filled with recently planted birch trees. The analogue materiality of Churchill College is matched by the film which, like the architecture and landscape, leaves traces of its own development. The human habitat is seen through nature ‘ swaying trees, lost animals, birds of prey, the seasons “ to create a new dreamlike environment in which any distinction between human life, architecture and nature is erased.

Ben Rivers studied Fine Art at Falmouth School of Art, initially in sculpture before moving into photography and super8 film. After his degree he taught himself 16mm filmmaking and hand-processing. His practice as a filmmaker treads a line between documentary and fiction. Often following and filming people who have in some way separated themselves from society, the raw film footage provides Rivers with a starting point for creating oblique narratives imagining alternative existences in marginal worlds. He is the recipient of numerous prizes including: FIPRESCI International Critics Prize, 68th Venice Film Festival for his first feature film Two Years At Sea; the Baloise Art Prize, Art Basel 42, 2011; shortlisted for the Jarman Award 2010/2012; Paul Hamlyn Foundation Award for Artists, 2010. Recent exhibitions include: Slow Action, Hepworth Wakefield, 2012; Sack Barrow, Hayward Gallery, London, 2011; Slow Action, Mattâ’s Gallery, London and Gallery TPW, Toronto, 2011; A World Rattled of Habit, A Foundation, Liverpool, 2009. Artist-in-focus include Courtisane Festival; Pesaro International Film Festival; London Film Festival; Tirana Film Festival; Punto de Vista, Pamplona; Indielisboa and Milan Film Festival. In 1996 he co-founded Brighton Cinematheque which he then co-programmed through to its demise in 2006 “ renowned for screening a unique programme of film from its earliest days through to the latest artistâ’s film and video.

"Yasujiro?s Journey" fait le portrait de l`errance fictionnelle de Yasujiro Yamada qui, en 2002, voyage en Indonésie à la recherche du grand père dont il a reçu le nom. Ce grand père a apparemment été un soldat japonais qui a survécu à un crash d`avion au dessus de l`Indonésie, sur sa route vers Pearl Harbor en 1942, mais qui n`est jamais rentré chez lui. Le voyage du jeune homme n`est pas tant une quête au sens littéral pour retrouver le vieil homme, mais est une recherche spirituelle, dans ce paysage étranger que son ancêtre a parcouru. Le fait qu`il ne trouve pas ce qu`il cherche, et que c`est lui-même qu`il ne trouve pas, est particulièrement significatif dans l`une des scènes du film, où il empile des pierres qui emplissent la hauteur de l`écran, puis s`éloigne, est insatisfait, les renverse et construit à nouveau un monticule. Le son du vent, très présent tout au long du film, fonctionne comme un avertissement, comme si un démon socratique l`avertissait d`une erreur. Le thème du voyage est central dans ce film, et dans l`?uvre du cinéaste. Il interroge également son pays natal et les générations antérieures, qui n`ont pas vécu dans un environnement urbain. Faozan Rizal veut aussi explorer le paysage du point de vue d`un étranger, et il est significatif que le protagoniste de cette errance soit un Japonais.

Faozan Rizal est un jeune cinéaste indonésien. Ses films ont fait l`objet d`une rétrospective non officielle au 18ème festival international du film de Singapour en 2005. Il a réalisé plusieurs courts métrages de type expérimental, ou se situant aux frontières de différentes pratiques. Il explore les propriétés et les textures du film, explorant les régions entre cinéma et photographie. Il a également réalisé une série de moyens métrages, d`environ 30 minutes, en collaboration avec la danseuse Katia Engel, dans lesquels la danse et la photographie sont si intimement unies que ce serait une erreur de les décrire comme de simples films expérimentaux. Il serait en effet difficile d`imaginer la performance indépendamment de sa retranscription dans le film. L`imbrication de différentes formes d`art n`est pas surprenante dans le travail de Faozan Rizal, qui a étudié et pratiqué la danse javanaise dans sa jeunesse, et qui a étudié la peinture avant de s`inscrire à la Fémis. Il a été acteur, directeur de la photographie, scénariste et réalisateur. Son travail se situe au-delà de la narration linéaire. Il exprime des sentiments et transmet des idées par la juxtaposition d`images concrètes et spécifiques, par la répétition de mouvements, l`usage de longs plans séquences. Ses films ne sont pas transparents au niveau de la narration, mais le son y est hautement significatif. Rizal n`a pas abandonné l`idée de récit d`histoires, mais il abandonne ce qui n`est pas nécessaire au c?ur essentiel de la narration, c?ur qui est l`essence de toute narration.

Un tiers de l'approvisionnement mondial en étain est extrait de l'île de Bangka, en Indonésie. L'étain est le minerai le plus affecté par les développements technologiques à venir, notamment l'intelligence artificielle et les technologies de production d’énergie renouvelable. Natasha est une voix d'I.A. alimentée par l’énergie solaire, et, dans ce film, elle retrace leur généalogie et la vérité de leur origine, de la liquidité du capital à la dynamique du travail. Avec sa voix féminisée - comme c'est souvent le cas pour les autres assistants vocaux basés sur l’intelligence artificielle, produits par les grandes entreprises technologiques - Natasha raconte l'émergence de l'étain sur l'île de Bangka, et sa propre existence, du point de vue d’une anthropologie tropicale de la nature, de la théorie de la valeur, de la philosophie du temps, des mutations génétiques, de la géopolitique, et de l'automatisation.

Riar Rizaldi est artiste et chercheur. Né en Indonésie, il vit actuellement à Hong Kong (Chine). Il s'intéresse principalement à la relation entre le capital et la technologie, à l'extractivisme, et à la fiction théorique. À travers ses œuvres, il questionne la notion de politique de l'image, la matérialité, l’archéologie des médias et les conséquences inattendues des technologies. Par ailleurs, il compose et interprète activement des fictions sonores, à l’aide des méthodes du field recording et du bruitage par le biais du langage de programmation. Il a également été le curateur du ARKIPEL Jakarta International Documentary & Experimental Film Festival - Penal Colony [2017], Jakarta (Indonésie); de "Internet of (No)Things" [2018], au Jogja National Museum, Jogjakarta (Indonésie); et a été co-curateur de "Open Possibilities: 'There is not only one neat way to imagine our future'", au JCC – Japan Creative Centre, Singapour (Singapour), et au NTT ICC – InterCommunication Center, Tokyo (Japon) [2019-2020]. Ses œuvres ont été présentées notamment au Festival international du film de Locarno (Suisse); au BFI Southbank, Londres (Royaume-Uni); au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas); au NTT InterCommunication Center, Tokyo (Japon); et à la National Gallery of Indonesia, Jakarta (Indonésie).

An exploration of the interconnection between ghost stories, tech company culture in South Korea, and the economy of logistics in Indonesia told through a notebook/premake film and dossier of an unmade techno-horror feature-length film set in between port in Jakarta and an unnamed employee assistance programme office in Seoul.

Riar Rizaldi works as an artist and filmmaker. He works predominantly with the medium of moving images and sound, both in the black-box of cinema settings as well spatial presentation as installation. His artistic practice focuses mostly on the relationship between capital and technology, labour and nature, worldviews, genre cinema, and the possibility of theoretical fiction. His works have been shown at various international film festivals (including Locarno, IFFR, FID Marseille, Viennale, BFI London, Cinema du Reel, Vancouver, etc) as well as Centre Pompidou Paris, NTT InterCommunication Center Tokyo, Taipei Biennial, Istanbul Biennial, Venice Architecture Biennale, Biennale Jogja, National Gallery of Indonesia, and other venues and institutions. In addition, solo exhibitions and focus program of his works had been held at Batalha Centro de Cinema, Porto and Centre de la photographie Genève amongst others.

A man wakes up in a nightmare where he finds his grandmother's favorite tree burning outside his window, and is haunted by whispers of his childhood. The text is adapted from a page in my notes app dedicated to things my younger sister says that I find strange, or sad, or hopeful. The images are from a recurring nightmare. This film was shot on 500 ft of 5219 Kodak 35mm film stock.

Dylan Rizzo is a filmmaker and photographer based in New York City. He is currently pursuing his MFA in directing at Brooklyn College’s Feirstein Graduate School of Cinema. His work draws from his experiences as a native New Yorker and Chinese - Italian American, often dissecting the meaning of memory and how reconciling the past informs the process of becoming. Last year he completed a 18 min short film titled “One Day I’ll Open My Fist”, shot on location in NYC’s Chinatown on 16mm film. It is currently being submitted to festivals.

« Nous rêvons de voyager à travers l’univers… mais l’univers n’est-il pas en nous ? Nous ne connaissons pas les profondeurs de notre esprit. Le chemin mystérieux mène vers l’intérieur. L’éternité, avec ses mondes du passé et du futur, est en nous ou n’est nulle part. Le monde extérieur est un monde d’ombres ; il projette son ombre dans le royaume de la lumière. À présent, en effet, il semble si sombre, solitaire, informe en nous ; mais combien différent il nous apparaîtra lorsque cette éclipse sera passée, et que le corps et l’ombre se seront retirés. Nous jouirons plus que jamais, car notre esprit aura été privé. » — Novalis, Pollen (1798). Traduction et adaptation à partir de l’édition allemande originale, avec l’aide de la traduction anglaise de W. Hastie dans Hymns and Thoughts on Religion (1888).

Louis Rizzo Naudi est un cinéaste britanno-maltais. Sa pratique explore l’expérience du sublime et la nature construite de la perception visuelle, sa caméra se tournant souvent vers les phénomènes naturels, les paysages et la technologie. Il est titulaire d’une licence en études cinématographiques de King’s College London — où il a reçu le prix de mémoire pour son essai consacré au sublime dans les images de la Station spatiale internationale — ainsi que d’un master en anthropologie cognitive et évolutionnaire de l’Université d’Oxford, où il a mené des recherches sur la manière dont les expériences du sublime peuvent encourager des comportements prosociaux, tels que la générosité. Ses films ont été projetés dans toute l’Europe, notamment à l’International Film Festival Rotterdam, au Festival international du film de Karlovy Vary, au British Film Institute et au Tate St Ives, et ont également été utilisés comme supports de relaxation dans des hôpitaux, pour des patient·es en cours de procédure médicale.

The cabin is on fire! Krystle can't stop crying, Alexis won't stop drinking, and the fabric of existence hangs in the balance, again and again and again. – MR "The Dark, Krystle brilliantly re-purposes the artificiality of stock gesture, allowing viewers to see its hollowness and to feel it recharging with new emotional power. Equal parts archival fashion show and feminist morality play, Robinson’s montage rekindles the unfinished business of identity, consumption, and excess in 1980s pop culture." - Carrie Secrist Gallery, Chicago

Michael Robinson (b.1981) is an American film, video and collage artist whose work explores the joys and dangers of mediated experience, riding the fine lines between humor and terror, nostalgia and contempt, ecstasy and hysteria. His work has shown in both solo and group shows at a variety of festivals, museums, and galleries including The 2012 Whitney Biennial, The International Film Festival Rotterdam, The New York Film Festival, The BFI London Film Festival, REDCAT Los Angeles, MoMA P.S.1, The Sundance Film Festival, The Walker Art Center, Anthology Film Archives, Kurzfilmtage Oberhausen, Viennale, and Whitechapel Gallery in London. Michael was the recipient of a 2012 Creative Capital grant, a 2011-2012 Film/Video Residency Award from The Wexner Center for the Arts, a 2009 residency from The Headlands Center for the Arts, and his films have received awards from numerous festivals. He was featured as one of the “50 Best Filmmakers Under 50” by Cinema Scope magazine in 2012, and listed among the top ten avant-garde filmmakers of the 2000`s by Film Comment magazine. His work is distributed by Video Data Bank and Carrie Secrist Gallery in Chicago.

Cette animation nous plonge dans le monde quotidien de Benjamin. La bande-son a été créée en se basant sur son état émotionnel. Celle-ci est composée de sons qu?il émet lui-même ou bien de sons qui le fascinent. Les images de cette ?uvre tentent d?interpréter les perceptions et sensations de Benjamin.

Robles a obtenu une Licence en Communication Visuelle en 1999. Durant ses études, elle a participé à un atelier d?animation où elle a réalisé un spot publicitaire pour l?UNICEF. Celui-ci a reçu le premier prix du "Television and Video Festival ANUIES 2000" (National Association of Universities and Institutions for Education). En 2001, elle a créé le groupe dobleA (doubleA) en association avec Adriana Bravo. Depuis elles ont toujours travaillé ensemble sur leurs projets. En 2002, Robles a suivi un atelier donné par Jesse Lerner au Centro de la Imagen (Centre de l?Image) où elle a créé Mirada Perdida (Lost Sight) qui est une animation réalisée avec des objets. La même année, elle a produit Contemplación (Contemplation) et Experimento (Experiment). Elle a réalisé Anatomy of a Moth en 2004. Cette animation faite avec des dessins au crayon a gagné une bourse du "Consejo Nacional para la Cultura y las Artes" (Assemblée Nationale des Arts et de la Culture). La même année, elle a reçu la subvention Jóvenes Creadores 2004-2005 (Jeunes Artistes 2004-2005) du "Fondo National para la Cultura y las Artes" (Fond National pour les Arts et la culture). Pendant cette période, Robles a produit Microftalmía (Microphtalmie), animation expérimentale composée de peintures à l?huile sur verre.

How would it look like, the body of Dom Afonso Henriques, first king of Portugal, tutelary figure, subject to successive mythifications throughout Portuguese history?

Born in Lisbon in 1966. Pedro Rodrigues attended the Lisbon Film School, in which he graduated in 1989. From 1989 to 1996 he worked as assistant director and editor with well-known names of the portuguese cinema, such as Teresa Villaverde. His short ?Parabéns!? (1997) participated at the Cinema Festival of Venice of 1997 and received a special distinction of the Jury. And his feature, ?O Fantasma?, of 2000, received the Award for the Best Foreign Feature Film at the Cinema Festival of Belfort in the same year. Recently he directed ?Odete?, Special Mention from Cinémas de Recherche in Cannes 2005, Director?s Fortnight .

A spring afternoon on the San Cristobal hill, in downtown Santiago de Chile. Four friends and a sound engineer talk about the events seen and experienced during the popular revolt that began in 2019 in Chile. The film brings to the surface certain conversations related to any revolution: hope, disillusionment, fire, torture and police violence. The name of the film comes from the poem April Noon by Eileen Myles.

Francisco Rodríguez Teare is a Chilean artist and filmmaker based in France with a moving image practice working predominantly with film, video and installation. Since 2015 he has been creating works and exhibiting them both in film festival circuits and contemporary art contexts. He has directed the shorts Appels téléphononiques, Una luna de hierro, Why are they equipped with eyes ?, Octubre al mediodía, El oro y el pez. The video installations and performances Gois, Colored Procession, This dream is mine and the hybrid feature film Otro sol. Recently his work has been presented at film festivals and museums as New Directors/New Films at MoMA, Toronto FIlm Festival, 62 New York Film Festival, Centre Pompidou, Taipei Biennial, Stedelijk Museum, Cinémathèque Française, Mar del Plata IFF, CPH:DOX, Shanghai IFF, IndieLisboa, FID Marseille, Viennale.

This video speaks about the exploitation and its institutionalized discrimination (economic and racial) and slavery. The location is Brazil, because this one of the most unequal countries worldwide and was the last to declare slavery illegal (Aurea Act of 1898).

Lives and works in Guatemala. With his work tries to explore the historical memory, sordid aspects of the human being and the ridicule of the societies that are imposed over others. He graduated as Engraver from Art School no. 10 of Madrid, with his final project received the Honourable mention at Aurelio Blanco awards. He was awarded with the residencies of FONCA / CASA of Oaxaca, Mexico; Des.Pacio of San Jose, Costa Rica, Fundaçao Armando Alvarez Penteado in Sao Paulo, Brazil, and AIT in Tokyo, Japan. Also participated in 32nd. Biennial of Ljubljana, in the XVI and XVII Biennial of Guatemala and the VII Central American Biennial. In 2007 he co-founded the TEGG, the only engraving workshop in Guatemala, where he teached and organized exhibitions related to graphic arts. From 2010 to 2014 he was in charge of the Cinematographic Art Center of the CCEG, coordinating films screenings and workshops of cinema. Rodriguez also coordinated the Contemporary Film Festival (MUCA) and has worked for the human rights oriented film festival “ Memoria, Verdad, Justicia ” since 2013. He participated in the films "Even the Sun has spots" that won "Prix Espérance" and "Honourable Mention" in the FID of Marseille.

J?ai demandé aux habitants du camp Aïda à Bethléem d?esquisser des cartes de ce qui les entoure. Les dessins en train de se faire ont été enregistrés en vidéo, de même que les récits qui animent ces géographies subjectives. À travers six chapitres qui forment autant de courts-métrages potentiellement indépendants, vous découvrirez pas à pas le camp de réfugiés et ses environs, vous suivrez les trajets d`hommes, de femmes et d`enfants et leurs tentatives aventureuses de composer avec l?état de siège sous lequel ils vivent. Un hommage à ce que j?appellerai résistance par contournement, à l?heure où la possibilité même de cette résistance semble disparaître.

Till Roeskens, né en 1974 à Freiburg (Allemagne), vit à Marseille. Amateur de géographie appliquée, Till Roeskens appartient à la famille des artistes-explorateurs. Son travail se développe dans la rencontre avec un territoire donné et ceux qui tentent d?y tracer leurs chemins. Ce qu?il ramène de ses explorations, que ce soit sous la forme d?un livre, d?un film vidéo, d?une conférence-diaporama ou autres formes légères, ne se voudrait jamais un simple rapport, mais une invitation à l?exercice du regard, un questionnement permanent sur ce qu?il est possible de saisir de l?infinie complexité du monde. Ses « tentatives de s?orienter » s?élaborent avec le souci récurrent de toucher un public non averti et de rendre les personnes rencontrées co-auteurs de l??uvre. A exercé entre autres au Plateau à Paris, à la Forteresse de Salses, à la Villa Saint-Clair à Sète, au Musée d?Art Moderne et Contemporain et au CEAAC à Strasbourg (Bourse de la Ville de Strasbourg), à Langage Plus (Québec), au Musée d?Art Moderne de Collioure (Prix Collioure), aux divers FRAC : Alsace, Languedoc-Roussillon et PACA où il élabore actuellement un premier long métrage documentaire. A récemment remporté le Grand Prix de la compétition française au FID (Festival International du Documentaire de Marseille) 2009.

Die Idee zum Clip "It`s a small world" entstand, als ich in auf einem Flohmarkt in Los Angeles ein Fotoalbum kaufte, in dem alte Polaroidfotografien einer amerikanischen Familie zu sehen sind. Der kurze Film ist eine Art Hommage an das längst vergangene Südkalifornien der sechziger Jahre und stellt die Reise nach, die die fotografierten Personen damals unternomen haben.

Biographie Axel Rössler: - geboren 1966 in Langenhagen / Hannover - 1986 Abitur, danach Zivildienst - bis 1995 Studium an der Johann Wolfgang Goethe Universtät Frankfurt am Main, Diplomabschluß als Sprachsoziologe - parallel seit ca. 1990 verstärkt Interesse an Graphiksoftware, diverse Jobs die zum Glück ausreichend Zeit für die autodidaktische Aneignung allermöglichen Sound- und Graphikprogramme erlauben, Betrieb eines Schallplattenlabels für Singles (?Stetzer?) - 1998 Gründungsmitgleid von saasfee*, einem Label für Medien, Design, Kunst und elektronische Musik, dabei Schwerpunkt Animationen und 3D sowie Musiklabelarbeit - seit 2000 diverse Musikvideos, Auftragsarbeiten und Experimentalfilme, Ausstellungen u.a. in Genf, Basel, Turin, München, Hamburg und Frankfurt - seit 2006 verstärkte Arbeit an www.countrytrouble.com zusammen mit Ellen Wagner - seit längerem befreundet mit Bertram Ritter, der hier die Musik beigesteuert hat. Bertram ist aktiv in diversen Frankfurter Bands, aktuell als Schlagzeuger bei ?Das grüne Hemd?, ?Perfumed Chambers? und ?Nachttierhaus?. Auch als Solokünstler aktiv.

A song about scavenging, economic exploitation and post-internet reality performed by a Georgian polyphonic choir and based on a story of Hayastan Shakarian - an elderly, illiterate woman from the village of Armazi near Mtskheta, who in 2011 allegedly cut the internet cable connecting Georgia and Armenia whilst looking for scrap metal to sell. The story became global news though Shakarian denied any involvement, famously saying she had never heard of the internet, and many people disputed its veracity. The lyrics were sung to the tune of Chakrulo, a medieval Georgian song about peasants preparing for armed rebellion against their feudal master. The song was sent into space in 1977 on Voyager 2.? Commissioned by Arts Territory for Myth exhibition, Artisterium Festival, Tbilisi (song), filmed at Fraunhofer Institute for Applied Optics and Precision Engineering IOF and supported by the DAAD Artists-in-Berlin program (video).?

Alicja Rogalska's practice is research-led and focuses on social structures and the political subtext of the everyday; she mostly works in specific contexts making situations, performances, videos and installations in collaboration with other people to collectively search for emancipatory ideas for the future. She recently presented her work at National Gallery of Art (Vilnius, 2023), Scherben, Berlin Art Prize (2022, winner), Manifesta 14 (Prishtina, 2022), Temporary Gallery (Cologne, 2021-22), Kunsthalle Bratislava (2021), Kunsthalle Wien (Vienna, 2020-21), OFF Biennale (Budapest, 2020-21), Art Encounters Biennale (Timis?oara, 2019), Tokyo Photographic Art Museum (2019), Biennale Warszawa (2019), Museum of Modern Art (Warsaw, 2019), Kyoto Art Centre (2019) and Muzeum Sztuki (?ódz?, 2019). Rogalska was a fellow of the DAAD Artists-in-Berlin program (2020-21), and took part in residencies at City of Women Festival (Ljubljana, 2019), Stuart Hall Library (London, 2019), Paradise AIR (Matsudo, 2018), Museums Quartier (Vienna, 2018) and IASPIS (Stockholm, 2017), amongst others.

What if As If explores legal fictions in international immigration law in collaboration with refugees, asylum seekers and immigrants based in the UK who trained as lawyers in their countries of origin. The video was filmed in a former courtroom and greenscreen, a device for filmic fiction, is used throughout. Legal fictions are used in legal reasoning when something is believed or assumed to be true - they allow for the law to be applied, without changing its text. For example, a refusal to accept an inheritance is legally possible if the inheritor is declared dead and having died before the person who left the legacy; another example is corporate personhood - i.e. treating companies as if they were persons. Immigration law is full of such artificial constructions: legal fictions of sovereignty, political community, the concept of entry, as well as fictions in welfare and employment law, and finally - citizenship and its terms and conditions. The lawyers` expertise and legal imagination combined with their personal, embodied experience of being exposed to the inherent contradictions and absurdities of immigration law, influences the way they see law in society. Legal fictions are used in the video as a vehicle for questioning existing legal structures, a tool for creative lawmaking and exploring speculative legal frameworks as possible resistance.

Alicja Rogalska is a multidisciplinary artist based in London and Warsaw and working internationally. She graduated with an MFA in Fine Art from Goldsmiths College and an MA in Cultural Studies from the University of Warsaw. In 2017 she was an artist in residence at KulturKontakt in Vienna and IASPIS - Swedish Arts Grants Committee`s International Programme in Stockholm. She was also a recipient of 2016-17 Artsadmin Bursary in London. Exhibitions include: For Beyond That Horizon Lies Another Horizon, Edith-Russ-Haus für Medienkunst (Oldenburg, 2017), Gotong Royong. Things We Do Together, Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle (Warsaw, 2017), Dreams and Dramas. Law as Literature, nGbK (Berlin, 2017), Social Design for Social Living, National Gallery (Jakarta, 2016), All Men Become Sisters, Muzeum Sztuki (Łódź, 2016); No Need For References, Kunsthalle Exnergasse (Vienna, 2015); Critical Juncture, Kochi-Muziris Biennale (Kochi, 2014); A Museum of Immortality, Ashkal Alwan (Beirut, 2014), IMS Project, Flat Time House (London, 2013); Melancholy In Progress, Hong-Gah Museum (Taipei, 2012); Jour de Fête, The Private Space Gallery / LOOP Festival (Barcelona, 2011); To Look is to Labour, Laden Für Nichts (Leipzig, 2010) and No Soul For Sale, Tate Modern (London, 2010).

Critique de Stryofoam Villians à Chris?s Art Farm. Par Graeme Roger & Kevin Reid.Alors qu?ils ont des projets de résidence à Memphis et New York en 2004, ROGER & REID ont pris l?habitude d?ouvrir leur chemin dans le monde des libres à coup de canon à patate haute puissance. Dans cette ?uvre, ils détruisent des méchants crées par des étudiants de la Memphis School of Art.Ils s?entraînèrent davantage au tir sur cible au Musée d´art Moderne PS1 de New York, où le groupe de rock The Prairie Oysters, formé pour l?occasion, joua à la gloire de la panse de brebis farcie et de la gelée, accompagnés par le dieu du Rock ?Justice?

Graeme Roger & Kevin Reid ont étudié au Duncan of Jordanstone College of Art de Dundee, Ecosse, & ont travaillé en groupe depuis 2002. Ils ont exposé leurs ?uvres en Europe et aux Etats-Unis.

Pages arrachées du Fragment d`un discours amoureux de Roland Barthes dans un grenier de montagne. La réalisatrice regarde et dessine les paysages qu`elle voit au travers des planches ajourées. Un papillon la suit jusque dans la neige.

Depuis plusieurs années, le travail de Sophie Roger fait dialoguer dessin et vidéo, lectures et quotidien. Cinéma d`essayiste, elle travaille seule et prend le temps. Ses films arpentent ses territoires les plus intimes (maison, jardin) tout en gardant comme horizon une pensée de l`autre et de l`ailleurs.

Surviving in China DVD 19 min, 2007 Ich lerne seit nunmehr 4 Jahren chinesisch. Seit gutem einem Jahr mache ich für eine italienische Firma Modefotos und Videos in China. In meiner Freizeit versuche ich das Leben dort zu meistern. Dafür habe ich eine Strategie entwickelt: Videominiaturen, in denen ich jeweils unterschiedliche Rollen übernehme. Es sind Situationen, die mir als Frau aus dem Westen fremd sind. Die Unterschiede zwischen meinem Tun als Darstellerin und Videomacherin, zwischen mir als Subjekt und Objekt, zwischen Bild und Abbild, werden beseitigt. Dieser Vorgang ist eine Anlehnung an die Praxis der Performance-Künstlerinnen der 70er Jahre. Ein Umstand, der mir hilft, meine Auseinandersetzung mit China kritisch und humorvoll zu hinterfragen.

JOYCE ROHRMOSER 1954 Geboren in Mailand, Italien AUSBILDUNG: 1972-74 Studium der Photographie im Istituto Europeo del Design, Mailand, und London College of Printing, London 1982 Doktorat in russischer Literatur und Kunstgeschichte Workshops bei Nan Goldin, Verena von Gagern, Dieter Appelt Lebt als freischaffende Foto- und Videokünstlerin in Salzburg 2006 Beginn der Auseinandersetzung mit der chinesischer Sprache und Kultur. Längere Aufenthalte in China.

TWIXT is the brand new duo-project of Billy Roisz and Dieter Kova?i? a.k.a. dieb13, bringing together their works as film directors and their activities as live musicians. Over the years, the two have directed and produced several experimental short films dealing with classical film genres like western, horror film or road movie. The films explore the inner mechanisms of well established cinematic conventions and turn them into an immediate sensual experience. TWIXT uses re-arranged footage of these short films as a score for a live soundtrack and fuses abstract and concrete imagery and sounds into a synaesthetical and synecstatical media-meltdown.

Billy Roisz and Dieter Kova?i? have been active in Vienna’s electronic, improvised, noise music and experimental film scene since the 1990s. Billy Roisz’s work focuses on the links and gaps between visual and auditive perception, using various electronic instruments, electric bass guitar, cathode ray tube TVs, video projectors, synchronators and sometimes computer to generate sound and image. Dieter Kova?i? aka dieb13, best known for his turntable music activities and as founder of the experimental music platform klingt.org uses turntables, self-cut vinyls and self written software for his musical works in many different fields. His film works include photo films (‘schnitzel’) as well as abstract digital and analogue works. Their collaborative film works have been shown at Berlinale, Karlovary Film Festival, IFF Rotterdam, Hongkong Film Festival, Edinburgh Film Festival and SXSW Texas, a.o.. They performed their audio visual projects live at Bienal São Paulo, Nya Perspektiv (Västeras), 25FPS (Zagreb), BAWAG Foundation (Vienna), FBI (Osaka), Suoni Per Il Popolo (Montreal), Sonic Acts (Amsterdam), Transmediale (Berlin), Sonica (Ljubljana), Unconsciuos Archives Festival (London) a.o..