Catalogue > Liste par artiste

THE FILM WAS SHOT IN THE POCONOS IN PENNSYLVANIA USA WHEN HURRICANE IRENE WAS HAMMERING AROUND. Early on August 27, Irene further weakened to a Category 1 hurricane as it approached the Outer Banks of North Carolina. At 7:30 am EDT (11:30 UTC) the same day, Irene made landfall near Cape Lookout, on North Carolina's Outer Banks, with winds of 85 mph (140 km/h). After having tracked over land for about 10 hours, the eye of Irene became cloud-filled, although the center remained well-defined on radar images. Later on August 27, Irene re-emerged into the Atlantic near the southern end of the Chesapeake Bay in Virginia. Shortly before sunrise, at about 09:35 UTC on August 28, Irene made a second landfall at the Little Egg Inlet on the New Jersey shore with winds of 75 mph, and soon after moved over water again. Hours later, Irene weakened to a tropical storm with winds of 65 mph (100 km/h) near New York City.

Frode Fjerdingstad (born 1975) is a photographer, born in Oslo, Norway. He studied photography at the London College of Printing. Frode has exhibited his work at the National Artcenter Tokyo and at several other occasions in London, Oslo, Zürich.

Dans Impromptu n°. 3, le calme apparent, cependant d?une répétition mécanique, du geste d?une caresse d?un visage est intensifié via l?utilisation d?images inversées. Le mouvement fragmenté de la vidéo inversée apporte une analyse plus profonde du personnage et suggère une existence encore plus affligée. Par l?utilisation de scripts synchronisés, l?image vidéo inversée a été manipulée, à partir du film de départ d?une recherche médicale dans un sanatorium mental, afin de montrer une ?réalité psychologique? du patient plus exacte. Ainsi, obtenant via une manipulation une représentation peut-être plus accrue des sentiments du malade que ce que la source documentaire avait espéré.

Né à Rome, en Italie, Adrea Flamini habite actuellement à Kansas City, dans le Missouri aux Etats-Unis, où il est professeur assistant dans le département de photographie et nouveaux médias à au Kansas City Art Institute. Les installations de Flamini créent des environnements cinématiques qui testent nos perceptions de la mémoire, de l?espace et la narration. Dans cette base de données, les narrations, de courtes fables de conflits et de résolutions, sont développées avec des variations infinies qui résistent aux logiques conventionnelles de cause à effet de la narration. Le travail de Flamini est exposé dans des festivals des médias, des galeries et des musées aux Etats-Unis et ailleurs.

?Avec élégance sophistication et un drame sous-jacent, Andrea Flamini tapote dans le monde des ondes radio courtes avec une transcriptions en Morse d?un passage de Macbeth de Shakspeare. Le travail est hybride, adressant dans un contexte contemporain de communication spaciale, de langage condensé, de détresse et de romance, une technologie et une prose classique. Titré Melodrama No 10, c?est l'une d?une série de pièces de ?mélodrames ? de Flamini qui mélange le son, le drame, la tragédie et l?intrigue via un complexe technologique, un travail en flux linéaire qui pénètre l?environnement dans un concept visuel et viscéral. La présentation discrète de Melodrama No. 10 (Un superbe piédestal blanc sur lequel sont écits les mots ?to the last syllabe off record time? (à la dernière syllabe du moment enregistré), une petite paire d?écouteurs, une antenne) est en contradiction avec la technique complexe et la nuance poétique que Flamini a réussie de manière subtile et qui se révèle d?elles-mêmes dans les multiples expériences de son travail. La communication, le langage, la détresse, la poésie ainsi que la compression et la mesure du temps, tels sont les thèmes nombreux et variés abordés dans ce travail. Les sensibilités didactiques sont balancés avec de la romance, du drame, et un soupçon d?irrévérence joueuse. ? Oz McGuire, conservateur. Lignes transcrites en Morse : She should have died hereafter; There would have been a time for such a word. Tomorrow, and tomorrow, and tomorrow Creeps in this petty pace from day to day, To the last syllable of recorded time; And all our yesterdays have lighted fools The way to dusty death.

Andrea Flamini travaille avec des films-vidéos et des médias assistés par ordinateur. Ses installations génératrices de vidéo/son sont des évènements diffusés qui nous engagent dans la déconstrution de drames et de ses vecteurs afin de tester nos perceptions de la mémoire, de l?espace et de la narration. Son travail a été exposé au ZKL Museum à Karlsrube en Allemagne, à la Knitting Factory, à New York, au musée d?art contemporain d?Istambul en Turquie, à Manifesta 4 au Frankfurter Kunstverein, à Frankfort en Germany, au Museum off Contemporary Art à Zagreb en Croatie, au Museum off Contemporary Art Kiasma à Helsinki en Finland, au Museo Fundacion Cristobal Gabarron à Valladolid en Espagne, au Centre de Cultura Contemporania à Barcelone, Espagne aussi, à la Sinakarinwirot Gallery de Bangkok en Thailand, à la Galeria de Arte Do Sesi de San Paulo au Brésil et au ICC de Tokyo au Japon, parmi d?autres.

Approaches to a Theory of Punctuation speaks about quotes, punctuation and movement, all terms that have a musical connotation. In this work, the objects present in an internal environment reflect external places, and these reflections, like some sort of narration, are treated like quotes yet they are released from the expressive repetition that characterizes them. Here, the use of quotation marks as a visible and mental engine anticipates the landscape itself as a possible form of quotation. Furthermore, the continuously circling pan movement of the camera, is not treated as an autonomous essence, but becomes an interdependent system acting between the internal and external, capable of existing only by influencing other systems or objects. The internal is shot inside the house in which Flatform lived during the residency at Headlands Center for the Arts in Sausalito USA, and the external is shot in the bay outside. This film is dedicated to the memory of the american novelist Paul La Farge, narrating voice of the film.

Flatform is a collective artist based in Milan and Berlin, founded in 2006. Works by Flatform have been shown in many museums and institutions including, among others, Centre Pompidou in Paris, Hirshhorn Museum in Washington DC, Wexner Center for the Arts in Columbus Ohio, MAXXI Museum in Rome, Fondazione Prada in Milan, EMPAC Experimental Media and Performing Arts Center in Troy NY, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in Turin, Argos Centre for Arts in Bruxelles, Palazzo Grassi in Venice, MSU-Museum of Contemporary Art in Zagreb, Haus der Kulturen der Welt in Berlin, Cineteca Matadero in Madrid, Yerba Buena Center for the Arts in San Francisco, Eye Filmmuseum in Amsterdam, PAC in Milan, Museu da Imagem e do Som in San Paolo. Flatform has been invited in several film festivals including, among others, Quinzaine des Realisateurs de Cannes, Venice Intl. Film Festival, IFFR in Rotterdam, BFI Film Festival in London, LOOP in Barcelona, Festival du Nouveau Cinema in Montreal, Lo Schermo dell’Arte in Florence, IFF in Melbourne. Selected Awards: Go Shorts in Nijmegen 2020 and 2016; Nashville Intl Film Festival 2016, Jihlava Intl Doc Film Festival 2015, Lago Film festival 2010 in Lago, 25FPS 2009 in Zagreb, Screen Festival 2008 in Oslo.

In the course of a long, slow take over Funafuti, both drought and floods appear in a constant uninterrupted rhythm. The state of flux between both type of events is reflected in the places and actions of the inhabitants making the island's extremes seem familiar: the air is riven with anticipation and surprise. The island of Funafuti, in the archipelago of Tuvalu, for some years now has become the stage for a unique phenomenon. Due to the unnatural warming of the sea, saltwater seeps into the subsoil bubbling up through the porous terrain provoking floods which put the future of life on this island at risk.

Flatform is a collective artist acting since 2006 and based in Milan and Berlin. Films by Flatform have been featured in several film festivals such as International Film Festival in Cannes, IFFR in Rotterdam, Venice Int’l Film Festival, IFFT in Toronto, Kurzfilmtage in Oberhausen, LOOP in Barcelona, Festival du Nouveau Cinema in Montreal, IFF in Melbourne, International Doc Film Festival in Jihlava among others. Works by Flatform have been shown in many museums and institutions including Hirshhorn Museum in Washington, Wexner Center for the Arts in Columbus, Centre Pompidou in Paris, MSU-Museum of Contemporary Art in Zagreb, MAXXI Museum in Rome, Haus der Kulturen der Welt in Berlin, Garage Museum of Contemporary Art in Moscow, Museu da Imagem e do Som in San Paolo. Selected Awards: Nashville Intl Film Festival, 2016; Go Shorts in Nijmegen, 2016; Jihlava Intl Doc Film Festival, 2015; 25FPS Zagreb, 2009; Screen Festival Oslo,2008

J'ai 70 ans : je pratique l'art de l'image en mouvement depuis 50 ans, depuis la réalisation de mon premier film 16mm en 1971. J'ai toujours eu conscience de la mort comme d'un enjeu pour l'âme vivante - en fait je ne Je ne pense pas avoir vécu un seul jour sans avoir ce sujet dans mes pensées. Mais cela n'a jamais arrêté mon implication dans la vie, et de fait, très tôt, faire des images avec diverses technologies est devenu le territoire constant où j'ai pu investiguer mes préoccupations. Nous devons être agiles, nous devons être prêts à apprendre, nous devons nous adapter. La technologie est donc devenue pour moi un métalangage quand je pense à la douleur et à la joie de vivre : Avec « Another Life », elle est devenue l'incarnation de cet engagement. Le fantôme dans la machine a continué à montrer son visage dans les problèmes survenus lorsque LiDAR lui-même était stressé. C'est mon poème d'amour non seulement pour la technologie, mais aussi pour la vie et la mort. Les sous-titres sont actuellement en anglais et la voix est en chinois (entre autres versions) mais si le jury le souhaite, je créerai une version française et allemande.

Terry Flaxton a travaillé avec la composition sonore, la photographie et le cinéma, développant un intérêt particulier pour la vidéo analogique dans les années 1970 et lorsque la vidéo numérique et la cinématographie de données sont arrivées, il les a également adoptées. Il a exposé internationalement, notamment à Tokyo, Moscou, Bonn, Xi'an, Milan, Alger, Strasbourg et récemment Florence, Dublin, Venise, Melbourne et New York (des expositions de ses installations à la cathédrale St John the Divine de New York ont attiré plus de 1,2 million de visiteurs). Son travail a remporté plusieurs prix dans divers festivals, dont Montbéliard, Locarno, Amsterdam et Los Angeles.

The TV/video screen comes alive by a controlled beam of electrons in the cathode ray tube. For "Energie!" an uncontrolled high voltage discharge of 30,000 volts exposes photographic paper which is then arranged in time to create new visual systems of electron organization.

Thorsten Fleisch was born in Koblenz, Germany in 1972. He began experimenting with super 8 film while in high school, where he also exhibited his first film, a super 8 loop. After high school and community service in an institution for the mentally ill, he went to Marburg to study art, music, and media at Phillips Universität. One year later he changed to the Städelschule in Frankfurt in order to study film with Professor Peter Kubelka. There he started working with 16mm film. Shortly after his studies at the Städelschule he made "blutrausch/bloodlust" which not only earned him a lot of attention but also the Ann Arbor Filmcoop Award. Thorsten Fleisch has been a member of the board of artistic directors of the International Experimental Cinema Exhibition since 2001. He has received several grants, including one from the Filmbüro NW and one from the Museum of Contemporary Cinema. For "gestalt" he received an Honorary Mention at the Prix Ars Electronica, the number one festival for computer related art. He now lives and works in Berlin where he is also involved in organizing parties with the Kachelklub.

Le mystère du cristal sous une examination rapprochée. Qu?est-ce qui fait qu?ils possèdent ce pouvoir magique dont parlent les mystiques de par les âges ? En grossissant des cristaux directement durs le film, leurs qualités mystiques brillent directement sur l?écran, sans filtre, juste à l?aide de lumière avec de gracieuses cassures, ils rayonnent en de riches textures visuelles.

Thorsten Fleisch est né à Koblenz, en Allemagne, en 1972. Il a commencé à essayer le super 8 au lycée où il a aussi montré son premier film, une boucle en super 8.. Après le lycée et son service militaire dans une institution pour malades mentaux, il est venu à la Phillips Univesität étudier l?art, la musique et les médias. Un an plus tard, il est parti à la Städschule de Frankfort pour étudier le film sous la direction du professeur Peter Kubella. Il a, là, commencé à travailler avec du 16mm. Peu après ses études à la Städschule, il réalisa ??Blutraush / Bloodlust? ? qui lui a valu non seulement beaucoup d?attention mais aussi un prix, le Arbor Filmcop Award. Depuis 2001, Thorsten Fleisch est membre du comité de directeurs artistes d?expositions internationales de cinéma. Il a reçu de nombreuses récompenses parmi lesquelles une du Filmbüro et une autre du Musée d?Art Contemporain. Pour ??Gestalt??, il a reçu une mention pour le prix Ars Electronica, le plus grand festival pour les arts en rapport avec l?informatique. Son film, ??Kosmos?? a reçu un Arbor Award dans la catégorie meilleur film 16mm et lors du Chicago Underground Film Festival, la récompense pour le meilleur film expérimental. Il fut aussi montré lors du prestigieux Festival du Film de New York. Dernièrement, il a présenté des ?uvres à Cal Arts ainsi qu?à la University of Southern California de Los Angeles.

The TV/video screen comes alive by a controlled beam of electrons in the cathode ray tube. For "Energie!" an uncontrolled high voltage discharge of 30,000 volts exposes photographic paper which is then arranged in time to create new visual systems of electron organization.

Thorsten Fleisch was born in Koblenz, Germany in 1972. He began experimenting with super 8 film while in high school, where he also exhibited his first film, a super 8 loop. After high school and community service in an institution for the mentally ill, he went to Marburg to study art, music, and media at Phillips Universität. One year later he changed to the Städelschule in Frankfurt in order to study film with Professor Peter Kubelka. There he started working with 16mm film. Shortly after his studies at the Städelschule he made "blutrausch/bloodlust" which not only earned him a lot of attention but also the Ann Arbor Filmcoop Award. Thorsten Fleisch has been a member of the board of artistic directors of the International Experimental Cinema Exhibition since 2001. He has received several grants, including one from the Filmbüro NW and one from the Museum of Contemporary Cinema. For "gestalt" he received an Honorary Mention at the Prix Ars Electronica, the number one festival for computer related art. He now lives and works in Berlin where he is also involved in organizing parties with the Kachelklub.

Le mystère du cristal sous une examination rapprochée. Qu?est-ce qui fait qu?ils possèdent ce pouvoir magique dont parlent les mystiques de par les âges ? En grossissant des cristaux directement durs le film, leurs qualités mystiques brillent directement sur l?écran, sans filtre, juste à l?aide de lumière avec de gracieuses cassures, ils rayonnent en de riches textures visuelles.

Thorsten Fleisch est né à Koblenz, en Allemagne, en 1972. Il a commencé à essayer le super 8 au lycée où il a aussi montré son premier film, une boucle en super 8.. Après le lycée et son service militaire dans une institution pour malades mentaux, il est venu à la Phillips Univesität étudier l?art, la musique et les médias. Un an plus tard, il est parti à la Städschule de Frankfort pour étudier le film sous la direction du professeur Peter Kubella. Il a, là, commencé à travailler avec du 16mm. Peu après ses études à la Städschule, il réalisa ??Blutraush / Bloodlust? ? qui lui a valu non seulement beaucoup d?attention mais aussi un prix, le Arbor Filmcop Award. Depuis 2001, Thorsten Fleisch est membre du comité de directeurs artistes d?expositions internationales de cinéma. Il a reçu de nombreuses récompenses parmi lesquelles une du Filmbüro et une autre du Musée d?Art Contemporain. Pour ??Gestalt??, il a reçu une mention pour le prix Ars Electronica, le plus grand festival pour les arts en rapport avec l?informatique. Son film, ??Kosmos?? a reçu un Arbor Award dans la catégorie meilleur film 16mm et lors du Chicago Underground Film Festival, la récompense pour le meilleur film expérimental. Il fut aussi montré lors du prestigieux Festival du Film de New York. Dernièrement, il a présenté des ?uvres à Cal Arts ainsi qu?à la University of Southern California de Los Angeles.

Wai : Poisson, Maha : Peuple. A la croisée du cinéma d’ethnographie et de l'essai, ce film nous plonge dans la pensée et les rituels du peuple Waimaha à travers leurs récits mythologiques. Tourné dans la région du Vaupes en Colombie, terrain d’étude d'anthropologues depuis les années 70, ce film présente trois légendes ancestrales amazoniennes, trois mythes contées par des Chamans. "Waimaha" met au premier plan la parole d'hommes et de femmes qui continuent à faire vivre leur culture et l'adapter au XXIe siècle. La musicalité de la langue, la mise en récit d'une pensée non linéaire, associés à des tableaux contemplatifs, permettent de rendre compte d'une réalité double et renouvelée.

Waimaha est le premier film de François Fleury. Photographe et artiste basé à Paris, Diplômé avec les félicitations à l’unanimité du jury de l’école des Beaux-Arts de Paris en 2003, il s’installe pour une année en Afghanistan où il réalise “The Blast” qui obtient le Prix Jeune Espoir 2004 Nicolas Feuillate, attribué par Kamel Mennour. L’année suivante parrainé par Christian Caujolle il est présélectionne au Joop Swart Masterclass du World Press Photo, pour deux années consécutives. Il initie ensuite le “Bureau Iso” un workshop sur la culture d’entreprise au sein de la Caisse des Dépôts présenté au public durant la Nuit Blanche 2007 et par un livre. Il travaille ensuite comme artiste et commissaire d’exposition dans le collectif La Générale de Belleville puis de Sèvres, expose à la Casa Asia de Madrid et Barcelone en 2010 et 2011. En 2012, il s’installe en Ouganda pour réaliser des projets photographiques dans l’est du Congo RDC présentés dans l’exposition “De bile et de lumière” en 2013. L’année suivante il part au Brésil, à Fordlândia, ville construite par Henri Ford dans les années 20 dont les méthodes au cœur de la jungle amazonienne se soldèrent par un échec. Il remonte ensuite les fleuves de l’Amazonie à la recherche de communautés coupées du monde occidental. Ce voyage donne naissance au film « Waimaha » et à aux séries de photographies “A river’s tale” et “Forêt négative”.

Fiction expérimentale, « The Yellow Question » met en jeu les conflits et contradictions qui se cristallisent en Californie autour d'un sujet à première vue anodin : le gazon. En 2017, Arthur Flechard accompagne à Los Angeles Marine Pesquet, étudiante en anthropologie à l’EHESS, dont la recherche porte sur les relations entretenues par les résidents suburbains avec leur gazon. Depuis 2012, la Californie est touchée par une sécheresse sans précédent. La culture des gazons est remise en question par les politiques locales, bousculant une tradition paysagère aux connotations fortement identitaires. « The Yellow Question » est la reconstitution fictionnelle d’une réunion d’association de propriétaires en proie à des restrictions d’eau. Arthur Flechard y apporte un imaginaire spéculatif, étirant jusqu'à l'absurde cette petite histoire au sein de la grande histoire du gazon, le nœud gordien qu’est la culture du gazon en Californie aujourd'hui. La réalisation du film (décor, tournage, montage…) a été déléguée a? un prestataire, basé en Californie, de la plateforme en ligne Fiverr. En se remettant aux notions de « compétences » mises en avant par Fiverr, et en se limitant à un script et des indications, Arthur Flechard questionne le rôle de l'artiste au sein du processus créatif.

Né en 1990 à la Ferté-Macé, Arthur Fléchard vit et travaille à Paris. Il est diplômé d’un baccalauréat STAV (science technique de l’agronomie et du vivant) ; du CEB (certificat d’étude Biblique) à l’université catholique de l’ouest (2011) ; du DNAP avec félicitations du jury à l’école des Beaux-arts d’Angers (2012) ; et du DNSEP à l’école nationale des Beaux-arts de Paris (atelier Tania Bruguera) (2014).Il est lauréat en 2016 du prix Leipzig lors de la 66e édition de l’exposition «Jeune Création». Il réalise en 2023 une résidence à la Villa Belleville, à Paris. Il a notamment participé aux expositions « Museum of Arte Util » au Van Abbemuseum à Eindhoven, sur l’invitation de Tania Bruguera (2013) ; « DrawingRoom 015 », commissariat Judicaël Lavrador à La Panacée - Centre de Culture Contemporaine, Montpelier (2015) ; « Nouveau Monde Industriel » commissariat Nicolas Bourriaud (2016), ou encore « Reims scène d’Europe », commissariat C-E-A, FRAC Champagne-Ardenne (2019).

Misz en évidence du processus artistique du modèle de robot tondeuse “Automower 320”. A travers les points, lignes, courbes, il envisage son jardin comme un médium d’expérimentation où pelouse coupée rime avec composition esthétique.

Né à la Ferté Macée en 1988, Arthur Fléchard vit et travaille entre Paris et Bagnoles de l`Orne. Après un baccalauréat STAV (science technique de l`agronomie et du vivant) au lycée agricole ST Lô Thère en 2009, il entre à l`école des Beaux-Arts d`Angers. Pendant ses trois premières années, il expérimente les formats vidéos et les logiciels de programmations. A cette période, il se noue d`intimité avec les “défibrillateurs publics” pour lesquels il écrira un pamphlet et réalisera une installation pour son DNAP nommé “La Transhumance Fantastique”. Après l`obtention de celui-ci en 2012, il entre aux Beaux-Arts de Paris dans l`atelier Tania Bruguera. Pendant deux ans, son intérêt sera particulièrement centré sur la “mécanologie” et plus précisément sur les objets ménagers à intelligence sommaire. Il obtient son DNSEP en 2014.

Un homme, la cinquantaine manque de renverser, la nuit, sur une route de campagne une jeune femme imprudente. Elle est jeune. Il la fait monter dans la voiture pour la conduire à l?hôpital. Elle refuse catégoriquement elle doit se rendre à un rendez-vous très important qu?elle risque de manquer à quelques kilomètres de là. L?homme propose de la déposer à son lieu de rendez-vous...

Nicolas Floc?h Plasticien et diplômé d?un master à la Glasgow School of Art, Nicolas Floc?h expose régulièrement dans des centres d?art et des musées en France et à l?étranger. Il travaille avec des danseurs dans le cadre de laboratoires (Edelweiss, Hourvari, Kyoto Creators Meeting...). Nicolas Floc?h réalise ses projets en collaboration avec des chorégraphes comme Alain Michard, Emmanuelle Huynh, Rachid Ouramdane ou l?éclairagiste Caty Olive. Il développe aussi des projets à partir d?une structure, Structure multifonctions, dans laquelle il invite divers artistes à intervenir. Nicolas Floc`h à réalisé plusieurs videos dont Anna`s life et market déjà présentées dans le festival Paris/Berlin. End est son premier court métrage de fiction. Le catalogue Nicolas Floc?h in Other Words, est paru aux éditions Roma en juin 2005. Une exposition personnelle a lieu actuellement au MAC/VAL à Vitry-sur-seine. Le catalogue structures odysséennes à été publié par le MAC/VAL à l`occasion de cette exposition.

Mei, une toiyoïte de 30 ans, vient d’envoyer une lettre à son ami Toshi qui vit à Hambourg. Elle lui parle de haïkus, de souvenirs étranges de leur enfance et des dernières nuits d’été suffocantes où la fièvre dengue menace. Elle lui raconte aussi son dernier rêve empreint d’une atmosphère de complot d’Etat qui l’a conduit sur les traces du couple légendaire Hashimoto et de leur curieuse expérience, consistant à communiquer avec un cactus, via un détecteur de mensonge, afin qu’il devienne un éventuel témoin de crimes futurs.

Elise Florenty et Marcel Türkowsky partagent leurs connaissances théoriques du cinéma et de la musique pour réaliser des films créant un espace dans lequel la réalité rencontre les mythes, fables et utopies associés à un territoire donné ; enregistrant survivances, trahisons et métamorphoses des résistances du passé. Chaque film s`ancre dans une géographie particulière, et convoque plusieurs signes historiques, politiques, mais aussi littéraires : “ Gennariello Due Volte ” à Naples (d’après “ Les lettres luthériennes ” de Pasolini), “ Holy Time In Eternity, Holy Eternity In Time ” au Mississippi (dans le comté Yoknapatawpha de Faulkner), “ The Sun Experiment ” à Donetsk en Ukraine (d’après “ Le chemin de l´Ether ” de Andreï Platonov) et “ A Short Organon For The Hero ” à Rio de Janeiro au Brésil (d`après “ Macunaíma ” de Mário de Andrade). Tous les films ont la particularité de suive un personnage marginal qui, dans sa solitude, délire de façon lucide le monde et le cosmos, et parvient par des moyens détournés, à se “ brancher ” sur le collectif.

Qu?est devenu l?adolescent napolitain «Gennariello» inventé par Pasolini en 1975 dans son petit traité pédagogique Lettres luthériennes? Gennariello aurait aujourd?hui 50 ans c?est à dire le même âge que Pasolini quand il a écrit ce texte, c?est à dire qu?il aurait le même écart générationnel avec des jeunes de 15 ans d?aujourd?hui. Tout en se remémorant en napolitain ce que lui avait dit Pasolini 35 ans plus tôt (l?adresse est donc inversée : Tu est Pasolini, Je est Gennariello) le «fantôme» de Gennariello regarde les jeunes napolitains d?aujourd?hui, en train de jouer, rire et... occuper leurs lycées. Ils pratiquent à des degrés divers l?autogestion, analysant la dictature berlusconienne à la lumière de Fahrenheit 451 ou transformant le lycée en grande discothèque tout en essayant d?échapper à la Mafia. Deux séquences font allusion à Accatone et Oedipe roi (elles encadrent le film comme une parenthèse) alors que deux autres sont tournées sur des lieux où Pasolini a filmé à Naples (Decameron, Comizi d?amore). Le film commence de façon assez documentaire et devient de plus en plus poétique et lyrique.

Born in December 78 in Pessac. After studying theory and history of Cinema, Elise Florenty gratuated from National Superior Fine Art School of Cergy-Paris, then from the master course of National Superior Fine Art School of Lyon with Jean-Pierre Rehm et Marie-José Burki and at last from the animation master course of National Superior Decorative Art School of Paris. She did Art residencies in Seoul, in Buenos Aires, in Moly Sabata (under the Artistic Direction of Marie de Brugerolle), in Naples and kuenstlerhaeuser Worpswede (as guest). Since 2005, she is doing sound and music collaboration with Marcel Türkowsky, musician and sound artist. Since 2002, she has regulary been exhibiting her work : Centre National de la Photographie, Espace Paul Ricard, Galerie In Situ, Jeu de Paume, Béton-Salon, La Générale, L?Antenne, La Ferme du Buisson, Centre d?art de Chelles Les Églises, Maison d?Art Bernard Anthonioz, Centre d?art Synagogue de Delme, MAC de Lyon, Centre d?art Passerelle à Brest, Carré d?art à Nîmes, Printemps de Septembre à Toulouse, Festival Photographique de Lectoure, Parc Saint Léger de Pougues-les-Eaux, Musée des histoires de Saint-Brieuc, NBK - Berlin, Temporäre Kunsthalle Berlin, Kunst Verein de Göttingen, Kunstraum de Munich, Kolonie Wedding et Uqbar à Berlin, Galerie Pierogi à Leipzig, Galerie Etc. - Prague, Correo Central and Centre Culturel La Recoleta de Buenos AIres, Musée d?Art Contemporain - Rijeka, Fieldgate Gallery ? Londres, Kimusa ? Séoul.

«Iʼll live» (work song) is inspired by a poem of the american and modernist architect Frank Llord Wright written in 1896. The main idea was to combine architecture and language. At the beginning the poem is written by blocks of letters which represent abstract elements (T for thought, A for Action, W for Work, L for Life, D for Death). Some characters manipulate the letters and construct the poem stanza after stanza, as stone after stone. The elements are stacked up in a vertical, linear and logical way. Together they seem to build a vertical and rational tower for the community. But a man arrives to de-construct this vertical tower-poem in order to make one more playfull and close to the organic human beings. Then, the exploded elements start to make loose associations. As if they were not able to «illustrate» the poem any more and start to act and combine their own way.The Man (the artist, the architect) fight with the abstract elements Work - Thought - Action. He tries to find a way between fantasia and rationalism. To keep his freedom in his art he has to refuse some temptations : Favour (symbolized by the Mask) Fortune (symbolized by the Jade) Fame (symbolized by the Sheath of the blade). This video was made during a workshop in a art school in france. I choose to keep all the moment during which the students were thinking and hesitating in their gesture. This moments «in progress» sometimes say more about the poem than the choreographic development that we were searching for.

Born in December 78 in Pessac (33). After studying theory and history of Cinema, Elise Florenty gratuated from National Superior Fine Art School of Cergy-Paris, then from the master course of National Superior Fine Art School of Lyon with Jean-Pierre Rehm et Marie-José Burki and at last from the animation master course of National Superior Decorative Art School of Paris. She did Art residencies in Seoul, in Buenos Aires, in Moly Sabata (under the Artistic Direction of Marie de Brugerolle), in Naples and kuenstlerhaeuser Worpswede (as guest). Since 2005, she is doing sound and music collaboration with Marcel Türkowsky, musician and sound artist. Since 2002, she has regulary been exhibiting her work : Centre National de la Photographie, Espace Paul Ricard, Galerie In Situ, Jeu de Paume, Béton-Salon, La Générale, L?Antenne, La Ferme du Buisson, Centre d?art de Chelles Les Églises, Maison d?Art Bernard Anthonioz, Centre d?art Synagogue de Delme, MAC de Lyon, Centre d?art Passerelle à Brest, Carré d?art à Nîmes, Printemps de Septembre à Toulouse, Festival Photographique de Lectoure, Parc Saint Léger de Pougues-les-Eaux, Musée des histoires de Saint-Brieuc, NBK - Berlin, Temporäre Kunsthalle Berlin, Kunst Verein de Göttingen, Kunstraum de Munich, Kolonie Wedding et Uqbar à Berlin, Galerie Pierogi à Leipzig, Galerie Etc. - Prague, Correo Central and Centre Culturel La Recoleta de Buenos AIres, Musée d?Art Contemporain - Rijeka, Fieldgate Gallery ? Londres, Kimusa ? Séoul.

Nouveau dispositif montrant en split screen les vidéos Autops et El Juego del No. Les deux vidéos jouent parfois en commun et parfois de façon séparée, l?une après l?autre, faisant se confronter mais aussi souvent se rejoindre les deux points de vue des protagonistes, d?un côté les étudiants, de l?autre les danseurs de rue. A partir de l?histoire argentine passé et récente, ces deux vidéos montrent des moments qui s?effritent (affiches trouées, tracts éparpillés, livres arrachés) et qui s?effondrent (démolition, ruines, et autres « maçons » perdus) tout en questionnant ce qui « résiste » : le crayon au poing ? pour les étudiants , l?appui sur le sol ? pour les murgeros. La promesse bafouée « Nous avions dit jamais plus » trouve ces lignes de force dans les mouvements tendus et contradictoires d?ascension « Arriba » des danseurs (en l?air ! = vive) et de descente « Abajo » des étudiants (é terre ! = à bas). Entre célébration et condamnation. Elles adoptent toutes deux l?esthétique du stencil, mode expressif de revendication propre aux années 70, utilisées pour les tracts et slogans peints sur les murs. Ce mode d?expression est toujours d?actualité en Argentine (les stencils y font partout « parler les murs ») ce qui confère une grande indécision quant à l?origine des images (s?agit-il de la fin des années 70 ou de trente ans plus tard ?). Ce brouillage passé/présent prend d?autant plus de force qu?aujourd?hui les pratiques utilisées pendant la dictature ? comme les menaces de disparition - recommencent envers ceux qui demandent justice et désirent témoigner (« les premiers disparus de a démocratie »).

Elise Florenty est née en 1978 à Bordeaux. Après des études en théorie et histoire du cinéma à la Sorbonne Nouvelle Paris 3, et à l?ENSBA de Cergy, elle a participé au post-diplôme de l?ENSBA de Lyon avec Jean-Pierre Rehm et Marie-José Burki puis au post-diplôme animation de l?ENSAD. Depuis, elle a bénéficié de résidences à Seoul, Buenos Aires, et dernièrement à Moly Sabata, dans l?Isère, sous la direction de Marie de Brugerolle. Depuis 2005, elle collabore pour la partie sonore de ses films avec Marcel Türkowsky, musicien et artiste sonore. Son travail a été notamment montré au Centre National de la photographie, à l?Espace Paul Ricard, à la galerie in situ, au Musée du Jeu de Paume, à Béton-Salon, à La Générale, à la Ferme du Buisson, au MAC de Lyon, au centre d?art La Passerelle à Brest, au Carré d?art à Nîmes, au Printemps de septembre à Toulouse, au Kunstraum de Munich, aux rencontres internationales Paris/Berlin/Madrid, au Festival d?Oberhausen. Dans son travail, Elie Florenty explore les déploiements physiques du langage, ouvrant les signes à leur propre matérialité pour en faire les monuments modestes d?un temps qui, à travers eux, vient à passer. Pour elle, le travail de l?artiste consiste d?abord en un travail de et sur l?écriture comprise comme ensemble des modalités (et des défauts, des impossibilités) de l?inscription d?un signe dans la réalité. Que ce soit à travers le montage vidéo ou dans la scénographie concrète des signifiants, dans l?animation d?un trait ou dans la scansion d?une comptine, Elise Florenty nous rappelle en effet à travers un origami temporel dense et subtil que le temps n?est jamais que le temps de le dire.

La vidéo est une relecture actuelle d?une chanson et danse ancienne sur la peste appelée «ring-a-ring-a-roses» (voir texte en anglais si dessous). Réactivant le sens caché et oublié des différentes images que convoque le poème, elle questionne comment le jeu peut combattre le pouvoir, le maladif et la mort. Un homme à l?allure autiste tourne en rond sur lui-même. Sa solitude est peuplée d?enfants qui viennent jouer autour de lui en mimant avec humour différentes figures : le dirigeant, l?exécutant, la victime : l?un clame un slogan, l?autre parle dans un porte-voix qui ressemble à un télescope, un autre se prend pour une colombe, les derniers enfin décident de tous s?effondrer en même temps comme pris d?une mort subite. Les enfants s?amusent des figures de l?histoire alors que l?adulte reste inébranlablement enfermé dans une circularité mystérieuse et envoutante. Il fait pensé au joueur de flûte Hamelin. La bande son est constituée de deux signals d?appel : une cloche d?église se confondant en une sirène de police. Ces deux sons se relayent, incarnant différents corps de pouvoir. Ils fonctionnent comme des rappels à l?ordre, se propageant par ondes, cloisonnant les personnes du centre d?émission jusqu?à la périphérie. Ils continuent d?émettre leur contrôle même au moment où ils s?évanouissent. Les figures tristement ironiques des enfants déclinent des possibles figures de résistance à l?intérieur d?un système de multiples pouvoirs. ?Ring-a-Ring-a Roses? is a fine example of an apparently vacuous and harmless rhyme, sung by happy school kids perhaps ignorant of the song?s central macabre topic - namely, the Bubonic Plague . The Bubonic Plague is more commonly known as ?The Black Death? and this horrific disease swept through Europe in the 14th Century, spreading from China, killing 25 million people in just under five years, between 1347 and 1352. Thereafter, the plague was endemic throughout Europe. The rhyme details the effects of the plague on the sufferer. ?Ring-a-Ring-of-Roses? refers to the first sign of the onset of the disease. Before lesions would develop on the skin of those affected, small rings of red bruise-like marks would appear. ?A pocket full of posies? indirectly points to the fact that people didn?t know that it is germs that cause disease, and not smells. It was a commonly-held belief that bad smells - so often associated with the open sewers of London?s Thames area - were actually carrying the disease. As a caution therefore, doctors used to carry with them a pouch of sweet smelling flowersthinking it would ward off the infection. ?A pocket full of posies? would also go some way to mask the stench of rotting corpses. The third line, ?Atichoo!, Atichoo!? is particularly chilling in that the act of sneezing was final physical proof that you had indeed succumbed to the Plague. Sneezing was an audible harbinger of the worst news - that the disease was contracted and that much worse was to come. And of course, ?We all fall down? refers to that great inevitability; the end of life itself.

1999 : D.N.A.P. avec félicitations, Cergy-Paris 2000 : licence théorie et histoire du cinéma avec mention bien, Paris III, NouvelleSorbonne 2001 : D.N.S.E.P. avec félicitations, Cergy-Paris 2002 : Post-diplôme, Lyon avec Jean-Pierre Rhem et Marie José Burki 2004 : Post-diplôme Animation, ENSAD, Paris

Encombré de lettres démesurément grandes un homme s`efforce d'écrire le mot Kino. D'autres mots surgissent alors de sa mémoire. Alternant entre une attitude autiste et un monologue rempli de gestes maniaco-obssessionnels, cet homme raconte toutes sortes d'hallucinations morbides qu'il entretient dans ses rapports au langage, à l'espace et aux objets du quotidien. Face aux traumatismes de son histoire se mettent en place des mécanismes de défense qui tentent de faire le lien entre des choses qui semblent avoir perdu tout espace d'entente commun.

Elise Florenty est née en décembre 1978 à Bordeaux. Elle vit et travaille entre Paris et Berlin. Après un double cursus à l'Ecole Nationale Supérieure d'Arts de Cergy-Paris et à l'Université Paris 3 Nouvelle Sorbonne en Histoire et Théorie du cinéma, elle a suivi deux Post-diplôme : Post-diplôme Art à l`Ecole des Beaux-Arts de Lyon et Post-diplôme AII à l`Ecole Supérieure Nationale des Arts Décoratifs.

Une nuit d’été, dans un Japon plutôt tropical, plusieurs personnes isolées se retrouvent prises dans un jeu d’ombres et de lumières plus ou moins menaçants. Des opérateurs vêtus de noir semblent les manipuler alors qu’elles s’abandonnent à l’idée d’être des marionnettes. Pourtant ici pas de ventriloquisme, tout au plus quelques larmes, un rire caché derrière un cri, déchirant le silence de la nuit. Avec la participation de Junko (artiste-noise, membre de Hijokaidan)

Elise Florenty & Marcel Türkowsky partagent leurs connaissances théoriques du cinéma et de la musique pour réaliser des films créant un espace dans lequel la réalité rencontre les mythes, fables et utopies associés à un territoire donné ; enregistrant ainsi les survivances, trahisons et métamorphoses des résistances du passé. Chaque film s’ancre dans une géographie particulière, et convoque plusieurs signes historiques, politiques, mais aussi littéraires. Tous les films ont la particularité de suive un personnage marginal qui, dans sa solitude, délire de façon lucide le monde et le cosmos, et parvient par des moyens détournés, à se « brancher » sur le collectif.

Entre fiction fantasmagorique et investigation historique, le film suit la rêverie d’un jeune mexicain vivant à Mexico City, qui le fait s'aventurer au plus profond de la plus grande forêt de cactus au monde. C'est là, sous les traits imaginaires d'un chasseur de cactus allemand, qu'il entrevoit les histoires de convoitise et de mort qui hantent cet extraordinaire et étrange "eldorado végétal".

Mei, une toiyoïte de 30 ans, vient d’envoyer une lettre à son ami Toshi qui vit à Hambourg. Elle lui parle de haïkus, de souvenirs étranges de leur enfance et des dernières nuits d’été suffocantes où la fièvre dengue menace. Elle lui raconte aussi son dernier rêve empreint d’une atmosphère de complot d’Etat qui l’a conduit sur les traces du couple légendaire Hashimoto et de leur curieuse expérience, consistant à communiquer avec un cactus, via un détecteur de mensonge, afin qu’il devienne un éventuel témoin de crimes futurs.

Elise Florenty et Marcel Türkowsky partagent leurs connaissances théoriques du cinéma et de la musique pour réaliser des films créant un espace dans lequel la réalité rencontre les mythes, fables et utopies associés à un territoire donné ; enregistrant survivances, trahisons et métamorphoses des résistances du passé. Chaque film s`ancre dans une géographie particulière, et convoque plusieurs signes historiques, politiques, mais aussi littéraires : “ Gennariello Due Volte ” à Naples (d’après “ Les lettres luthériennes ” de Pasolini), “ Holy Time In Eternity, Holy Eternity In Time ” au Mississippi (dans le comté Yoknapatawpha de Faulkner), “ The Sun Experiment ” à Donetsk en Ukraine (d’après “ Le chemin de l´Ether ” de Andreï Platonov) et “ A Short Organon For The Hero ” à Rio de Janeiro au Brésil (d`après “ Macunaíma ” de Mário de Andrade). Tous les films ont la particularité de suive un personnage marginal qui, dans sa solitude, délire de façon lucide le monde et le cosmos, et parvient par des moyens détournés, à se “ brancher ” sur le collectif.

Qu?est devenu l?adolescent napolitain «Gennariello» inventé par Pasolini en 1975 dans son petit traité pédagogique Lettres luthériennes? Gennariello aurait aujourd?hui 50 ans c?est à dire le même âge que Pasolini quand il a écrit ce texte, c?est à dire qu?il aurait le même écart générationnel avec des jeunes de 15 ans d?aujourd?hui. Tout en se remémorant en napolitain ce que lui avait dit Pasolini 35 ans plus tôt (l?adresse est donc inversée : Tu est Pasolini, Je est Gennariello) le «fantôme» de Gennariello regarde les jeunes napolitains d?aujourd?hui, en train de jouer, rire et... occuper leurs lycées. Ils pratiquent à des degrés divers l?autogestion, analysant la dictature berlusconienne à la lumière de Fahrenheit 451 ou transformant le lycée en grande discothèque tout en essayant d?échapper à la Mafia. Deux séquences font allusion à Accatone et Oedipe roi (elles encadrent le film comme une parenthèse) alors que deux autres sont tournées sur des lieux où Pasolini a filmé à Naples (Decameron, Comizi d?amore). Le film commence de façon assez documentaire et devient de plus en plus poétique et lyrique.

Born in December 78 in Pessac. After studying theory and history of Cinema, Elise Florenty gratuated from National Superior Fine Art School of Cergy-Paris, then from the master course of National Superior Fine Art School of Lyon with Jean-Pierre Rehm et Marie-José Burki and at last from the animation master course of National Superior Decorative Art School of Paris. She did Art residencies in Seoul, in Buenos Aires, in Moly Sabata (under the Artistic Direction of Marie de Brugerolle), in Naples and kuenstlerhaeuser Worpswede (as guest). Since 2005, she is doing sound and music collaboration with Marcel Türkowsky, musician and sound artist. Since 2002, she has regulary been exhibiting her work : Centre National de la Photographie, Espace Paul Ricard, Galerie In Situ, Jeu de Paume, Béton-Salon, La Générale, L?Antenne, La Ferme du Buisson, Centre d?art de Chelles Les Églises, Maison d?Art Bernard Anthonioz, Centre d?art Synagogue de Delme, MAC de Lyon, Centre d?art Passerelle à Brest, Carré d?art à Nîmes, Printemps de Septembre à Toulouse, Festival Photographique de Lectoure, Parc Saint Léger de Pougues-les-Eaux, Musée des histoires de Saint-Brieuc, NBK - Berlin, Temporäre Kunsthalle Berlin, Kunst Verein de Göttingen, Kunstraum de Munich, Kolonie Wedding et Uqbar à Berlin, Galerie Pierogi à Leipzig, Galerie Etc. - Prague, Correo Central and Centre Culturel La Recoleta de Buenos AIres, Musée d?Art Contemporain - Rijeka, Fieldgate Gallery ? Londres, Kimusa ? Séoul.

«Iʼll live» (work song) is inspired by a poem of the american and modernist architect Frank Llord Wright written in 1896. The main idea was to combine architecture and language. At the beginning the poem is written by blocks of letters which represent abstract elements (T for thought, A for Action, W for Work, L for Life, D for Death). Some characters manipulate the letters and construct the poem stanza after stanza, as stone after stone. The elements are stacked up in a vertical, linear and logical way. Together they seem to build a vertical and rational tower for the community. But a man arrives to de-construct this vertical tower-poem in order to make one more playfull and close to the organic human beings. Then, the exploded elements start to make loose associations. As if they were not able to «illustrate» the poem any more and start to act and combine their own way.The Man (the artist, the architect) fight with the abstract elements Work - Thought - Action. He tries to find a way between fantasia and rationalism. To keep his freedom in his art he has to refuse some temptations : Favour (symbolized by the Mask) Fortune (symbolized by the Jade) Fame (symbolized by the Sheath of the blade). This video was made during a workshop in a art school in france. I choose to keep all the moment during which the students were thinking and hesitating in their gesture. This moments «in progress» sometimes say more about the poem than the choreographic development that we were searching for.

Born in December 78 in Pessac (33). After studying theory and history of Cinema, Elise Florenty gratuated from National Superior Fine Art School of Cergy-Paris, then from the master course of National Superior Fine Art School of Lyon with Jean-Pierre Rehm et Marie-José Burki and at last from the animation master course of National Superior Decorative Art School of Paris. She did Art residencies in Seoul, in Buenos Aires, in Moly Sabata (under the Artistic Direction of Marie de Brugerolle), in Naples and kuenstlerhaeuser Worpswede (as guest). Since 2005, she is doing sound and music collaboration with Marcel Türkowsky, musician and sound artist. Since 2002, she has regulary been exhibiting her work : Centre National de la Photographie, Espace Paul Ricard, Galerie In Situ, Jeu de Paume, Béton-Salon, La Générale, L?Antenne, La Ferme du Buisson, Centre d?art de Chelles Les Églises, Maison d?Art Bernard Anthonioz, Centre d?art Synagogue de Delme, MAC de Lyon, Centre d?art Passerelle à Brest, Carré d?art à Nîmes, Printemps de Septembre à Toulouse, Festival Photographique de Lectoure, Parc Saint Léger de Pougues-les-Eaux, Musée des histoires de Saint-Brieuc, NBK - Berlin, Temporäre Kunsthalle Berlin, Kunst Verein de Göttingen, Kunstraum de Munich, Kolonie Wedding et Uqbar à Berlin, Galerie Pierogi à Leipzig, Galerie Etc. - Prague, Correo Central and Centre Culturel La Recoleta de Buenos AIres, Musée d?Art Contemporain - Rijeka, Fieldgate Gallery ? Londres, Kimusa ? Séoul.

Nouveau dispositif montrant en split screen les vidéos Autops et El Juego del No. Les deux vidéos jouent parfois en commun et parfois de façon séparée, l?une après l?autre, faisant se confronter mais aussi souvent se rejoindre les deux points de vue des protagonistes, d?un côté les étudiants, de l?autre les danseurs de rue. A partir de l?histoire argentine passé et récente, ces deux vidéos montrent des moments qui s?effritent (affiches trouées, tracts éparpillés, livres arrachés) et qui s?effondrent (démolition, ruines, et autres « maçons » perdus) tout en questionnant ce qui « résiste » : le crayon au poing ? pour les étudiants , l?appui sur le sol ? pour les murgeros. La promesse bafouée « Nous avions dit jamais plus » trouve ces lignes de force dans les mouvements tendus et contradictoires d?ascension « Arriba » des danseurs (en l?air ! = vive) et de descente « Abajo » des étudiants (é terre ! = à bas). Entre célébration et condamnation. Elles adoptent toutes deux l?esthétique du stencil, mode expressif de revendication propre aux années 70, utilisées pour les tracts et slogans peints sur les murs. Ce mode d?expression est toujours d?actualité en Argentine (les stencils y font partout « parler les murs ») ce qui confère une grande indécision quant à l?origine des images (s?agit-il de la fin des années 70 ou de trente ans plus tard ?). Ce brouillage passé/présent prend d?autant plus de force qu?aujourd?hui les pratiques utilisées pendant la dictature ? comme les menaces de disparition - recommencent envers ceux qui demandent justice et désirent témoigner (« les premiers disparus de a démocratie »).

Elise Florenty est née en 1978 à Bordeaux. Après des études en théorie et histoire du cinéma à la Sorbonne Nouvelle Paris 3, et à l?ENSBA de Cergy, elle a participé au post-diplôme de l?ENSBA de Lyon avec Jean-Pierre Rehm et Marie-José Burki puis au post-diplôme animation de l?ENSAD. Depuis, elle a bénéficié de résidences à Seoul, Buenos Aires, et dernièrement à Moly Sabata, dans l?Isère, sous la direction de Marie de Brugerolle. Depuis 2005, elle collabore pour la partie sonore de ses films avec Marcel Türkowsky, musicien et artiste sonore. Son travail a été notamment montré au Centre National de la photographie, à l?Espace Paul Ricard, à la galerie in situ, au Musée du Jeu de Paume, à Béton-Salon, à La Générale, à la Ferme du Buisson, au MAC de Lyon, au centre d?art La Passerelle à Brest, au Carré d?art à Nîmes, au Printemps de septembre à Toulouse, au Kunstraum de Munich, aux rencontres internationales Paris/Berlin/Madrid, au Festival d?Oberhausen. Dans son travail, Elie Florenty explore les déploiements physiques du langage, ouvrant les signes à leur propre matérialité pour en faire les monuments modestes d?un temps qui, à travers eux, vient à passer. Pour elle, le travail de l?artiste consiste d?abord en un travail de et sur l?écriture comprise comme ensemble des modalités (et des défauts, des impossibilités) de l?inscription d?un signe dans la réalité. Que ce soit à travers le montage vidéo ou dans la scénographie concrète des signifiants, dans l?animation d?un trait ou dans la scansion d?une comptine, Elise Florenty nous rappelle en effet à travers un origami temporel dense et subtil que le temps n?est jamais que le temps de le dire.

La vidéo est une relecture actuelle d?une chanson et danse ancienne sur la peste appelée «ring-a-ring-a-roses» (voir texte en anglais si dessous). Réactivant le sens caché et oublié des différentes images que convoque le poème, elle questionne comment le jeu peut combattre le pouvoir, le maladif et la mort. Un homme à l?allure autiste tourne en rond sur lui-même. Sa solitude est peuplée d?enfants qui viennent jouer autour de lui en mimant avec humour différentes figures : le dirigeant, l?exécutant, la victime : l?un clame un slogan, l?autre parle dans un porte-voix qui ressemble à un télescope, un autre se prend pour une colombe, les derniers enfin décident de tous s?effondrer en même temps comme pris d?une mort subite. Les enfants s?amusent des figures de l?histoire alors que l?adulte reste inébranlablement enfermé dans une circularité mystérieuse et envoutante. Il fait pensé au joueur de flûte Hamelin. La bande son est constituée de deux signals d?appel : une cloche d?église se confondant en une sirène de police. Ces deux sons se relayent, incarnant différents corps de pouvoir. Ils fonctionnent comme des rappels à l?ordre, se propageant par ondes, cloisonnant les personnes du centre d?émission jusqu?à la périphérie. Ils continuent d?émettre leur contrôle même au moment où ils s?évanouissent. Les figures tristement ironiques des enfants déclinent des possibles figures de résistance à l?intérieur d?un système de multiples pouvoirs. ?Ring-a-Ring-a Roses? is a fine example of an apparently vacuous and harmless rhyme, sung by happy school kids perhaps ignorant of the song?s central macabre topic - namely, the Bubonic Plague . The Bubonic Plague is more commonly known as ?The Black Death? and this horrific disease swept through Europe in the 14th Century, spreading from China, killing 25 million people in just under five years, between 1347 and 1352. Thereafter, the plague was endemic throughout Europe. The rhyme details the effects of the plague on the sufferer. ?Ring-a-Ring-of-Roses? refers to the first sign of the onset of the disease. Before lesions would develop on the skin of those affected, small rings of red bruise-like marks would appear. ?A pocket full of posies? indirectly points to the fact that people didn?t know that it is germs that cause disease, and not smells. It was a commonly-held belief that bad smells - so often associated with the open sewers of London?s Thames area - were actually carrying the disease. As a caution therefore, doctors used to carry with them a pouch of sweet smelling flowersthinking it would ward off the infection. ?A pocket full of posies? would also go some way to mask the stench of rotting corpses. The third line, ?Atichoo!, Atichoo!? is particularly chilling in that the act of sneezing was final physical proof that you had indeed succumbed to the Plague. Sneezing was an audible harbinger of the worst news - that the disease was contracted and that much worse was to come. And of course, ?We all fall down? refers to that great inevitability; the end of life itself.

1999 : D.N.A.P. avec félicitations, Cergy-Paris 2000 : licence théorie et histoire du cinéma avec mention bien, Paris III, NouvelleSorbonne 2001 : D.N.S.E.P. avec félicitations, Cergy-Paris 2002 : Post-diplôme, Lyon avec Jean-Pierre Rhem et Marie José Burki 2004 : Post-diplôme Animation, ENSAD, Paris

Encombré de lettres démesurément grandes un homme s`efforce d'écrire le mot Kino. D'autres mots surgissent alors de sa mémoire. Alternant entre une attitude autiste et un monologue rempli de gestes maniaco-obssessionnels, cet homme raconte toutes sortes d'hallucinations morbides qu'il entretient dans ses rapports au langage, à l'espace et aux objets du quotidien. Face aux traumatismes de son histoire se mettent en place des mécanismes de défense qui tentent de faire le lien entre des choses qui semblent avoir perdu tout espace d'entente commun.

Elise Florenty est née en décembre 1978 à Bordeaux. Elle vit et travaille entre Paris et Berlin. Après un double cursus à l'Ecole Nationale Supérieure d'Arts de Cergy-Paris et à l'Université Paris 3 Nouvelle Sorbonne en Histoire et Théorie du cinéma, elle a suivi deux Post-diplôme : Post-diplôme Art à l`Ecole des Beaux-Arts de Lyon et Post-diplôme AII à l`Ecole Supérieure Nationale des Arts Décoratifs.

WORK is based on the idea of bringing the Theatre of Oppressed to the employees of a multinational insurance company based in the Netherlands. The Theatre of Oppressed is originally invented in Brazil to unmask totalitarian political strategies and to develop ways of resistance. It functions as a democratizing tool using the means of participatory theatre. Through different techniques participants start to detect and understand strategies of oppression and learn through acting the first steps of resistance or change. The Columbian Theater of Oppressed director Hector Aristizabal was invited by Marianne Flotron to work for one week in the insurance company in the Netherlands. He set up a forum theater play (a form of the Theatre of Oppressed) at the company?s premises helped by several actors and employees of the company. In the contemporary labor society where most of the subjects identify themselves over work, the project tried to bring up the idea of a possible democratization of work. WORK is emphasizing the way the capitalistic economy is forming behavior and influencing mentality by employing knowledge of social science.

Marianne Flotron (born in Meiringen, Switzerland,1970) currently lives and works in Amsterdam, The Netherlands. After two years of studies in history in Zurich, she continued courses at the School of Fine Arts of Geneva (Switzerland), where she earned her degree in 2001. From 2007 till 2008 she was in residence at the Rijksakademie voor Beeldende Kunsten in Amsterdam. She won the Swiss Art Awards in 2003, 2007 and 2009. In 2008, she received the Aeschlimann Corti award from the canton of Berne. In her work she is mainly interested in the interrelationship between political and economical systems and human behavior. How the subject creates the society and how, in return, the society is creating its subjects, forms a basis for her work. She had her first institutional solo exhibition at the Kunsthalle Bern in 2011. Other recent exhibitions include Monumentalisme, Stedelijk Museum Amsterdam (2010), ?Motores utopicos, sensores reais? Galeria Quarta Parede, Sao Paulo (2011), Schon wieder und noch mal, Kunstverein Medienturm, Graz (2011). Her work got support from the Kunsthalle Bern, the Rijksakademie voor Beldende Kunsten, the Fonds voor Beeldende Kunsten, Vormgeving en Bouwkunst and the Mondrian Foundation.

Das Video Fired besteht aus einer Trainingssituation in der Manager lernen wie Angestellte zu entlassen. Der erste Teil des Videos zeigt ein Rollenspiel eines auszubildenen Managers und einer Schauspielerin. Im zweiten Teil des Videos erklaert eine Psychologin was sich bei Angestellten in dieser Situation abspielen kann. In der Rollenspiel Situation verwendet der Manager den Begriff ?Bewegen- -Mobility- anstelle ?Entlassen-. Die Angestellte konfrontiert den Manager im Laufe des Gespraechs mit diesem Ausdruck und verlangt von ihm die Sache beim Namen zu nennen. Waehrend des Rollenspiels besteht der Eindruck, dass es sich um eine inszenierte Situation handelt. Erst gegen das Ende des Videos wird klar, dass es sich um eine reale Situation handelt, oder genauer um eine ?reelle gestellte Situation? im Rahmen eines ?Verhaltenstrainings? was die Absurditaet der Situation weitertreibt.

Née en Suisse en 1970, Marianna Flotron vit et travaille actuellement à Amsterdam (Pays-Bas). Après deux années d'études d'histoire à Zurich, elle a suivi les cours de l?Ecole des Beaux-Arts de Genève (Suisse) où elle a obtenu son diplôme en 2001. Actuellement, Marianna Flotron est en résidence artistique à la Rijksacademie voor Beeldende Kunsten d?Amsterdam. Elle a remporté le Swiss Art Awards en 2003 et en 2007. En 2008, elle a reçu la bourse Aeschlimann Corti du canton de Berne. Son ?uvre est actuellement modelée plutôt par la déconstruction d?un objet ou d?une situation donnée que par l?adition de couches successives. De par son intérêt pour l?interrelation entre les systèmes (politiques ou économiques) et le comportement humain, elle essaie de retrouver la trace des manipulations qui peuvent potentiellement influencer le comportement humain (et vice-versa). Son point de départ est souvent une forme de comportement qui, hors contexte, a tendance à devenir abstrait ou absurde.

By sourcing multiple digital images of the same place from different archives this experiment in film makes use of frame by frame montage to discover hidden forms, patterns and references thereby giving new meaning to the prevailing redundancy of these pictures.

Adrian Flury was born in 1978 in Zug, Switzerland. He started out in an apprenticeship as an electrician, after which he studied animation at the Lucerne University of Arts. He has been working in the field of moving images since 2005.

"Sealed Faithful Halls" - un poème transformé en film expérimental - fait référence à une série de vidéos tournées dans différents endroits, sur une période de plusieurs années, soit dans le cadre de projets artistiques (mais n’ayant jamais été utilisées), soit comme un enregistrement de situations, de sentiments et de moments dans le temps, en vue d’être utilisées pour de futurs projets artistiques. Ce matériel d'archive est devenu le moteur d'une œuvre d'art vidéo, réalisée pendant la pandémie de 2020, alors que les déplacements étaient limités et que l'enfermement était imposé: aucune nouvelle vidéo de pouvait être tournée. En s'inspirant des formes rectangulaires du peintre expressionniste Mark Rothko, une juxtaposition d'images en mouvement et de sons a été créée, une illusion de situations, où des espaces réels sont transformés en espaces imaginaires. "Sealed Faithful Halls" devient un enregistrement des pensées, des sentiments et de la manière dont l’artiste "voit" tout ce qui se passe devant elle, et devient la cause de la relation allégorique entre forme et espace, réalité et illusion, langage et texte.

Anna Fo (Fotiadou) est d’origine chypriote. Elle est artiste multidisciplinaire et éducatrice, spécialisée en l'art vidéo et en réalisation. Elle est titulaire d'une Licence en design graphique et d’un Master en conception et pratique de la performance. Anna est graphiste indépendante et a remporté des prix pour son travail d’illustratrice. Elle a travaillé en tant que vidéaste, directrice artistique et metteuse en scène pour plusieurs pièces de théâtre, performances et spectacles de danse, à Chypre et en Europe. Elle est la co-scénariste du film primé "Pause" (Chypre, Grèce, 2017). Anna Fo a réalisé son premier film court, "Drained" (Chypre, États-Unis, 2020), qui sortira en 2021 et explore les questions de féminité, d'abandon et de vengeance, à travers une relecture contemporaine du mythe de Clytemnestre. Elle a présenté ses réalisations - tant dans des expositions individuelles que collectives - dans des galeries, des salles d’exposition, des festivals et des biennales à Chypre, en Grèce, en Italie, en Espagne, en Allemagne, en France, au Royaume-Uni, aux Pays-Bas, en Autriche et au Mexique. Elle travaille sur des projets artistiques collectifs, et collabore avec des artistes issus de différentes pratiques et disciplines. Sa recherche artistique se concentre sur le thème de la réalité et de l'illusion, en explorant les concepts de juxtaposition de la dualité entre le texte et l'image, dans le cadre d'un examen de la performance, des médias numériques et du placement de l'art dans l'espace.

The project Lost identities was born in early 2011 in the spaces of the psychiatric institutions in Italy. This research takes over from criminal photography of early Twentieth century and it is deeply characterized by archival and photographic research connected with the identity dimension The study of those documents and photographic plates showed features and aesthetic values closer to art than the psychiatric science. Artworks have been realized considering and respecting the original archival bonds, trying to investigate some of the mechanisms that have influenced the physical appearance/identity of the subjects studied. The study of documents such as folders and clinical diaries, personal letters, notes and diagnosis has been the main instrument for the realization of the works. The way patients were treated in the mental institutes has distorted, in many cases permanently, the human, both psychological and physical, identity. People considered "crazy", which actually were in many cases simply suffering of physical deformities or diseases have been transformed into something else. Common paralysis of the face becomes suddenly "imbecility", the anthropometric analysis derived from "Lombroso" has lead to diagnose infectious melancholy, amorality, delirium, paranoia. A metamorphosis which reflects who really the beasts are. These faces and bodies contain a heavy contrast to what life is supposed to be, the patients? identities were stolen, distorted, warped and corroded, and lost. But still it is possible to see in their expressions the wish of an affirmation of life, of struggle and of that tough identity that challenged the eye of the camera. Photographs and video images that suddenly become instruments that instead of stealing can paradoxically give an identity long denied. The photographs of idiots, insane, freaks, maniacs, fools and madmen are not distant and unreal images, but actually only the mirror of ourselves.

Christian Fogarolli is an Italian artist born in 1983. He obtained in 2010 the Master Inside the image: study, diagnosis and restoration of antique, modern and contemporary paintings at the University of Verona and graduated the following year in Management and Conservation of Cultural Heritage at the University of Trento. The research of Christian Fogarolli is characterized by a strong interest in the nature of identity, particularly investigated through different perspectives, such as the archival research. He works with different media, such as environmental installations, photography, sculpture, video. The work shows connections with theories and scientific disciplines, that often and unconsciously, have used art to progress and become science. The artworks can be contextualized within a study on image and object perception in relation to subjectivity, probing ties with the abnormality and deviance. They pose questions about the abundance of heritage that we have and the use we offer them.

Home and music, walls and rhythms, rooms and chants, ecos and facades. In the deeps of the city, different artists transform urban noise in expressive landscapes. The film proposes the discovery of multiple forms of sound creation in a nocturnal and unsettling Buenos Aires.

Luciana Foglio (1987) and Luján Montes (1980) are filmmakers, born in Buenos Aires, Argentina. They studied Filmmaking, photography and sound. They are particularly interested in making films that mix documentary and experimental elements. They usually work in Super 8 and other formats. Their short films have taken part in many national and international festivals and exhibitions. In 2011 they directed, among other filmmakers, the experimental film “Teoría de Cuerdas” which had its world premiere at 13º BAFICI. In 2018, their film “El ruido son las casas” had its world premiere at 20º BAFICI, in the Avant-Garde and Genre International Competition. In the same year, the film had its international premiere at 29º FID MARSEILLE where it got a special mention in the First Film International Competition. Currently, they are shooting the feature film “Music Much Movement”. These works were supported by the Argentinean Cinema Institute (INCAA).

Pour éponger ses dettes, la ville de Dresde a vendu, d?un coup, à une société d?investissement financier américaine la totalité de ses logements sociaux. A Prohlis, une banlieue composée pour l?essentiel de ce type de logement, un enquêteur énigmatique, silencieux mais muni d?un appareil d?enregistrement, se promène et capte des sons. On dirait, c?est ce que les images transmettent, qu?il tente de déchiffrer une parole oraculaire. Rien n?est épargné à l?auscultation. Cela va des rumeurs des cours aux bruits des tuyaux ou des couloirs des bâtiments eux-mêmes. Plusieurs fils se dévident en simultané, qui enroulent autant une réflexion sur le son, la polyphonie, l?écoute que sur la politique sociale contemporaine ? et son (notre) avenir.

Né à Freiburg en Allemagne. Études d`art à Strasbourg (Écoles des Arts Décoratifs), Düsseldorf (Kunstakademie) et à Paris (Institut des Hautes Etudes en Arts Plastiques). Enseigne depuis 2001 à l`École Supérieur de Beaux-Arts de Cambrai.

Looking at two locations— the public sculpture White Square commemorating the founders of Tel Aviv, and the shrine of Palestinian village Salame in today’s Israeli Kafar Shalem—Orientation focuses on the ability of architectural material, and of sound and image, to register collective experience of forgetfulness. In 1989, the Israeli sculptor Dani Karavan, completed his sculpture White Square. The work was commissioned by the Municipality of Tel Aviv, and by the end of the building process Karavan decided to dedicate the sculpture to the founders of Tel Aviv—among whom his father Abraham Karavan, who was the city’s landscape architect for four decades from 1930’s onwards. The sculpture is composed of simple geometrical shapes and is made of white concrete, influenced by the International Style of early architecture in Tel Aviv. White Square—situated on the highest point in the area located in the eastern outskirts of Tel Aviv—overlooks through the skyscrapers all the way to the Mediterranean Sea in the west. The commonly used name of the hill on which White Square is exalted is pronounced in Arabic: “Giv’at Batih” (Watermelon Hill). The remains of the shrine of Salame, in today’s Tel Avivian neighbourhood Kfar Shalem is located a few hundred meters south of this hill. The abandoned dome-structure was once at the centre of the ancient Palestinian village Salame. The village, dating back to the 16th century up until 1948, was located on the highway from Jaffa Port to the mainland. During the ‘Nakba’ of 1948 it was occupied and depopulated by the Israeli Army and the new Zionist state. Weeks after expelling the Palestinian villagers from their land, the Israeli authorities—managing waves of Jewish immigration—re-inhabited the village with Yemenite Jews. Those, were settled in the original Palestinian stone houses. Today, decades later, the ownership of the land is still in dispute, and the Jewish-Israeli residents of Kfar Shalem are threatened with evacuation due to a construction-corporations’ plan to destroy the stone houses and to build a new profitable neighbourhood. Orientation is the second chapter in a series of works titled Gathering Series.

Sirah Foighel Brutmann and Eitan Efrat (both b.1983 in Tel Aviv) have been working in collaboration for several years and are creating works in the Audiovisual field. Living and working in Brussels. Their works have been shown in filmfestivals as IDFA and Rotterdam Film Festival (NL); Courtisane (BE); New Horizons (PL); on ARTE/WDR; exhibited in solo exhibitions at Kunsthalle Basel (CH) and Argos (BE), and group exhibitions in STUK (BE); EMAF (DE) and The Petah-Tikva Museum for Contemporary Arts (IL). Their works have been produced by Auguste Orts and Argos (BE) and distributed by EYE institute (NL), they have won prizes in IMAGES (CA) and Oberhausen Film Festival (DE). Sirah and Eitan have presented their work as featured artists at the 59th Flaherty Film Seminar (US), and have participated in artists talks and presentations in institutions such as FLACC, Genk, LUCA BFA class, Brussels, L’erg BFA class, Brussels, DocNomads 2014, and Bezalel MFA class, Tel Aviv. Sirah and Eitan’s practice focuses on the performative aspects of the moving image. In their work they aim to mark the spatial and durational potentialities of reading of images ? moving or still; the relations between spectatorship and history; and the temporality of narratives and memory. Sirah and Eitan are members of the artists-run collective Messidor

The first part of Nude Descending a Staircase is a composition of clips found online that were made by visitors—pilgrims—to the remote memorial site of Walter Benjamin in Portbou, Spain. Each of these individual registrations is anchored in the specificity of the location. They start with the arrival to Portbou, go through the small town up to the cemetery, and end in a dramatic descent down Dani Karavan’s iconic staircase, which was created as an homage to Walter Benjamin. The assembly this audiovisual material transforms the autonomous experiences into one collective trajectory, and entangles collective memory, experience and the production of images. The second part reveals another staircase, abandoned and barricaded, on a small stage-like platform, outside the former Espai Memorial Walter Benjamin. The second staircase modestly suggests an alternative mode of framing memory. The title, borrowed from Marcel Duchamp’s 1912 painting, proposes to dialogue Walter Benjamin’s writing on history and reproduction with Duchamp’s attempt—in relation to the developments in photography—to capture movement autonomous from a body. Nude Descending a Staircase is the first chapter in a series of works titled Gathering Series.

Sirah Foighel Brutmann and Eitan Efrat (both °1983 in Tel Aviv) have been working in collaboration for several years and are creating works in the Audiovisual field. Living and working in Brussels. Their works have been shown in film festivals as IDFA and Rotterdam Film Festival (NL); Courtisane (BE); New Horizons (PL); on ARTE/WDR; exhibited in solo exhibitions at Kunsthalle Basel (CH) and Argos (BE), and group exhibitions in STUK (BE); EMAF (DE) and The Petah-Tikva Museum for Contemporary Arts (IL). Their works have been produced by Auguste Orts and Argos (BE) and distributed by EYE institute (NL), they have won prizes in IMAGES (CA) and Oberhausen Film Festival (DE). Sirah and Eitan have presented their work as featured artists at the 59th Flaherty Film Seminar (US), and have participated in artists talks and presentations in institutions such as FLACC, Genk, LUCA BFA class, Brussels, L`erg BFA class, Brussels, DocNomads 2014, and Bezalel MFA class, Tel Aviv. Sirah and Eitan`s practice focuses on the performative aspects of the moving image. In their work they aim to mark the spatial and durational potentialities of reading of images – moving or still; the relations between spectatorship and history; and the temporality of narratives and memory. Sirah and Eitan are members of the artists-run collective Messidor