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An art professor tells the peculiar story of her student E., a strange young woman whose conceptual performance pieces and singular existence leave the professor increasingly unmoored. Combining fictional narrative, personal anecdote and private conversation, Communicating Vessels explores how we influence each other in ways that are sometimes good, sometimes bad, yet always urgent and necessary. An unusual tribute to art and its creation, channelling seminal performances by Joan Jonas and Lygia Clark.

Maïder Fortuné, studied literature and theatre (École Jacques Lecoq in Paris) before entering Le Fresnoy National Studio for Contemporary Arts, where she developed a performance-related practice of the technological image. With its great formal rigor, Fortuné’s work commands all the viewer’s attention for a genuine experience of the image and its processes. Recently, her practice turned to more narratives preoccupations. Lecture performances and films deeply rooted in writing, are the mediums she process to open up new narrative strategies. Her work has been exhibited internationaly (Europe, Brazil, Canada, China, Japan). In 2010 she won the Villa Medicis fellowship in Roma, Italy. Recent shows and performances have been held at Gallery 44, Toronto, Centre Pompidou Paris, and the Toronto International Film Festival. In 2019, her mid-length film L’inconnu de Collegno was part of IFFR Bright Future selection. In 2020, Communicating Vessels runs for the Accomodo Tiger award at IFFR Rotterdam. ANNIE MACDONELL- BIO Annie MacDonell is a visual artist. Her practice begins from the photographic impulse to frame and capture, and is concerned with the production and circulation of images in the present moment. Her work includes film, installation, sculpture, performance and writing in addition to photography. She received a BFA from Ryerson University in 2000, followed by graduate studies at Le Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains, in France. Recent solo shows have been held at Gallery 44, Toronto, Parisian Laundry, Montreal, the Art Gallery of Ontario. Recent performances have been presented at Nuit Blanche Toronto, le Centre Pompidou and the Toronto International Film Festival. In 2019, her films have screened at TIFF and the Viennale. In 2012 she was short-listed for the AGO AMIA prize for photography, and she was long listed for the Sobey Art Award in 2012, 2015 and 2016. She is a founding member of Emilia Amalia, a feminist research and writing group. She is an assistant professor at Ryerson University and lives in Toronto with her family.

La cour intérieure du building Canebière, construit par Fernand Pouillon en 1952 comme vision d’un habitat populaire de qualité. La caméra suit lentement les lignes verticales et horizontales des fenêtres. Des traces d’habitation humaine ponctuent l’uniformité de la façade (linge, plantes en pots). Le rythme se syncope, s’accélère : des mouvements de balancier font suite aux panoramiques, le brouhaha des pas et des voix dans le hall amorce un crescendo. L’écran passe au noir, et la voix de James Baldwin s’exprime en français sur la place qu’accorde la société française aux Algériens. Entre le volet visuel sans paroles et le volet parlé sans images, un fil : l’héritage des luttes populaires au sein de la société française, de leur exigence de dignité et d’égalité.

Performeuse, artiste visuelle, cinéaste, autrice et enseignante française. Maïder Fortuné vit et travaille à Paris. Elle y suit une formation littéraire puis théâtrale à l’École Jacques Lecoq, avant d’intégrer le Studio des arts contemporains du Fresnoy à Tourcoing. C’est là qu’elle rencontre l’artiste canadienne Annie MacDonell (1976-), avec qui elle collabore depuis 2015, notamment sur les films Communicating Vessels (2020) et Outhere (for Lee Lozano) (2021). M. Fortuné enseigne le film et l’écriture en école supérieure d’art depuis 2007. De Totem (2001) à Outhere (for Lee Lozano), l’inquiétante étrangeté imprègne l’univers filmique de l’artiste. Le monde qui s’y invente est résolument artificiel, travaillé par l’incertitude même de la dimension spectrale et mémorielle de toute image. Ses productions ne donnent pas à voir un tout mais le signe fantôme d’autre chose, un reste, une empreinte qui persiste dans le psychisme. Les images que M. Fortuné y convoque s’inscrivent dans l’inconscient collectif, icônes occidentales du monde du merveilleux (Licorne, 2007 ; Curtain !, 2007), de l’industrie du divertissement (Once forever, 2008), du monde du théâtre (Characters, 2008) ou des premiers temps du cinéma (Totem ; Aurore, 2011), ou encore de la littérature, empruntées à Rainer Maria Rilke, Vladimir Nabokov et Virginia Woolf pour Carousel (2015), LEJ (2013), Parnassus Mnemosyne (2015), The Yellow Blind (2015), images qui se font écho les unes aux autres. Tout y est transitoire, instable, voué à de constants glissements, dédoublements, errances, qui ouvrent les représentations à de nouvelles plasticités et plongent les spectateurs et spectatrices dans une véritable expérience de l’image et des procédés que l’artiste met en jeu. C’est la circulation poreuse d’éléments qui fonde et élabore – par répétitions, variations, superpositions – des structures visuelles et narratives non linéaires.

Un portrait visuel du réalisateur avant-gardiste Stephen Dwoskin, qui était handicapé, tel qu'il est représenté par son environnement. Le film est un mouvement très personnel à travers le passé et le futur de Steve, comme nous permettent de le percevoir la maison dans laquelle il a vécu ces trente dernières années ainsi que les objets qui s'y trouvent ; ces objets qui à la fois l'entourent et le représentent en tant qu'individu ayant un handicap mais aussi en tant qu'artiste-réalisateur qui a connu une longue carrière pleine de succès.

Claire Fowler est une réalisatrice britannique qui travaille sur des histoires documentaires et expérimentales. Diplômée du Royal College of Art et de l'université d'Oxford, elle partage son temps entre l'Europe, où elle vient de finir une résidence de trois mois à Paris, et les Etats Unis, où elle effectue en ce moment un documentaire d'une demi-heure qui explore les difficultés qu'ont les enfants palestiniens pour obtenir des soins médicaux essentiels en Cisjordanie (en association avec le fond de soutient pour les enfants de Palestine).

Cette farce est une farce ancienne, vivace dans les compilations de l'humour juif. Bien que les détails différent selon les versions, la scène est la même : un prêtre défie un rabbin dans un débat sur la condition du peuple juif.

Nick Fox-Gieg est un animateur et scénographe de théâtre de La Haye. Ces films courts ont été diffusés lors des Festivals de films de Ottawa et Rotterdam, au centre Georges Pompidou et sur Canada's CBC Television.

« Tlada Tajuk » (« Sans titre », en malais) est une vidéo réalisée au cours d?une résidence artistique à Kuala Lumpur (Malaisie). La vidéo consiste en de gros titres de journaux anglais malais découpés, et en une sorte de karaoké marmonné. Un groupe d'artistes a été invité par l?École des Beaux-Arts de Paris et le Ministère de la Culture malais à passer quelques semaines à Kuala Lumpur afin de créer une ?uvre qui reflète leur expérience en Malaisie. Dans un pays complexe, où au moins trois ethnies, avec leurs langues, leurs cultures, leurs nourritures, leurs religions respectives interagissent ensemble, la langue anglaise a été choisie pour présenter la Malaisie au monde occidental. Elle sert à la fois comme moyen de communication et comme filtre. Tous les jours, l?auteur a lu et conservé les titres des journaux anglais de Kuala Lumpur (les seuls qu?elle pouvait comprendre), manière de prendre le pouls de la ville et de la comprendre. Tenter de se faire une idée de Kuala Lumpur en si peu de temps, comme toujours dans ce type d?expérience, s?est démontré impossible. Le résultat, bien sûr, est plus proche d'un journal intime qui, à travers les gros titres de Kuala Lumpur, en dit plus sur l'artiste que sur la ville elle-même.

L?artiste Daniela Franco est née au Mexique et vit actuellement à Paris. Elle emploie une variété de médiums pour présenter des projets généralement collectifs et interdisciplinaires. Elle archive les collections d?autres personnes, conserve précieusement des lettres adressées à des étrangers et des photographies de personnes qu?elle n?a jamais rencontrées. Elle fait la critique de concerts auxquels elle n?a jamais participé et d?expositions d?art qu?elle n?a jamais vues. Elle a reçu les bourses Fulbright et Rockefeller. Son travail a fait l?objet d?expositions collectives et individuelles dans le monde entier. Actuellement, elle travaille sur « Sandys at Waikiki », un livre de photographie réalisé en collaboration avec certains membres du groupe français Oulipo et d?autres écrivains, qui sera publié en 2009.

The video work of Michel François is often based on the isolation of interludes, tiny events and movements, the engraving of tiny sculptures in real time. He draws up an inventory of the world around us making use of antitheses: not merely formal, but also philosophical; social or political-economical oppositions. This video was recorded during a single night in the studios of the American TV-network FOX. The camera wanders around between abandoned cameras and illuminated TV-screens. In the background the dialogues resound, and the soundtrack of the program which was broadcast at that time-an episode from a lawyer series. The duration of the film corresponds with the last minutes of the programme. The acoustic climax echoes through the empty, dehumanized studio.

Né en 1956, Michel François vit et travaille à Bruxelles, en Belgique. Fasciné par les gestes de la vie courante et par les tensions qu`ils révèlent, Michel François se démarque, depuis les années 80, par une pratique singulière où règnent désordre et ambiguïté. Parallèlement à la photographie, éditée sous forme d`affiche puis de livre, l`artiste a créé une approche particulière de la sculpture et de l`installation, où ses travaux et ses images sont souvent rassemblés, accumulés et réactualisés. Son travail a fait l`objet de multiples expositions tant en Europe qu`à l`étranger. Récemment, la Galleria d`Arte Moderna à Bologne, Italie, le Westfälischen Kunstverein à Münster et la Fondation Ursula-Blickle-Stiftung à Kraichtal, Allemagne, lui ont consacré une importante exposition. Ses travaux ont été présentés notamment dans le cadre du Mois de la Photo à Montréal 2001, à la Fondation Miró de Barcelone (2001), au Printemps de Cahors (2000), à la Kunsthalle de Berne (2000), à la 48e Biennale de Venise (1999) où il représentait la Belgique, à la Biennale internationale d?Istanbul (1997) et au Witte de With, Center for Contemporary Art de Rotterdam (1997). Ses ?uvres se retrouvent dans de nombreuses collections privées et publiques européennes.

Le travail vidéo de Michel François est le plus souvent basé sur l'isolement des intervalles, événements minuscules et mouvements, la gravure de micro sculptures en temps réel. Il dessine un inventaire du monde autour de nous utilisant des antithèses : des oppositions non pas simplement formelles mais aussi philosophiques, économiques et politiques. Cette vidéo a été enregistrée en une seule nuit dans les studios de l'American TV-network FOX. La camera erre entre caméras abandonnées et écrans de télévision lumineux. A l'arrière- plan les dialogues résonnent de la bande son du programme diffusé à cette heure-ci, un épisode d'une série sur un avocat à la cour. La durée du film correspond aux dernières minutes du programme. L'apogée acoustique fait écho à travers le studio vide et déshumanisé.

Né en 1956, Michel François vit et travaille à Bruxelles, en Belgique. Fasciné par les gestes de la vie courante et par les tensions qu`ils révèlent, Michel François se démarque, depuis les années 80, par une pratique singulière où règnent désordre et ambiguïté. Parallèlement à la photographie, éditée sous forme d`affiche puis de livre, l`artiste a créé une approche particulière de la sculpture et de l`installation, où ses travaux et ses images sont souvent rassemblés, accumulés et réactualisés. Son travail a fait l`objet de multiples expositions tant en Europe qu`à l`étranger. Récemment, la Galleria d`Arte Moderna à Bologne, Italie, le Westfälischen Kunstverein à Münster et la Fondation Ursula-Blickle-Stiftung à Kraichtal, Allemagne, lui ont consacré une importante exposition. Ses travaux ont été présentés notamment dans le cadre du Mois de la Photo à Montréal 2001, à la Fondation Miró de Barcelone (2001), au Printemps de Cahors (2000), à la Kunsthalle de Berne (2000), à la 48e Biennale de Venise (1999) où il représentait la Belgique, à la Biennale internationale d?Istanbul (1997) et au Witte de With, Center for Contemporary Art de Rotterdam (1997). Ses ?uvres se retrouvent dans de nombreuses collections privées et publiques européennes.

Les portes de la perception, de type électrique. Le Chronomops de Tina Frank ouvre les portes sur des dimensions véritablement différentes : différentes des études en arts réductionnistes de nos jours, différentes des images exposées et minimalistes et différentes des filtres et des couches expérimentales omniprésentes. Chronomops occupe un espace chatoyant coloré, mais qui est en même temps un excès de couleur, une frénésie de la perception et un carrousel pop. Une architecture abstraite de barres de couleurs verticales est lancée dans une rotation sans fin, par laquelle des modules et des barres de bâtiments volent les uns autour des autres ? le système dans son ensemble tourne de cette manière. La force, mouvement en parti saccadé forme un maelström numérique dont l?aspiration tire le spectateur dans ses tréfonds. Un système faisant surface à travers un vide, plongeant fermement à travers sa propre dynamique vers un nouvel excès de mobilité, alors que des axes espérant aventureusement, ses dissolvants temporairement en des lignes en deux dimensions, ensuite, bouclant encore en un staccato de couleurs et de lumières, tendant vers un angle à 90°, latéral - laissant un sentiment extrêmement étourdissant au réveil. Chronomops, accompagné d?une musique de General Magic, musique qui est aussi composée comme un flux divisé, montre ainsi que la pop psychédélique a toujours su être vrai : que ?l?autre? côté à l?air juste passé le coin du groove parfait, un labyrinthe de couleurs et de formes mises en place en mouvements irréguliers qui n?ont qu?à peine à être élevées de leur invisibilité et libérées de leur état incompréhensible. La vie intérieure de la musique électronique a semblé apparaître tellement colorée et captivante.(Christian Höller)

Tian Frank a commencé à travailler comme designer en 1995. Son design-manche pour Mego - un label de musique électronique de Vienne - est bientôt reconnu comme futur "classique" et imprimé dans plusieurs livres de design et des magazines. En même temps, elle développe des concepts visuels et des lignes esthétiques pour les entreprises, organisations, conférences tout en travaillant pour U.R.L. Entre 1996 et 2000, Mathias Gmachl ( du manuel des fermiers) et Tina Frank ont travaillé ensemble sous le nom de Skot et ont expérimenté de nouvelles formes de vidéos en temps réel. En 2002, le label japonais Gas sort le premier DVD de Tina Frank ??Fuzzy Motion ? Picture without legs 1995-2002??. Tina Franl a collaboré avec de nombreux musiciens et designers comme Chicks on Speed, Oren Ambarchi & Martin Ng, General Magic, Florian Hecker, etc. Elle a aussi participé à de nombreuses performances dans des festivals, des institutions artistiques comme le centre Georgres Pompidou à Paris ou l'ICC à Tokyo et à plusieurs revues de musique et de design qui mettent en évidence son dynamisme pour les activités de design et vidéo.

"The Clearance" est un film 35mm tourné dans un musée médical à Londres. C'est un document sur la destruction, la dispersion et la numérisation de la collection de spécimens humains du musée. Le film se compose d'une série de plans liés par une esthétique minimaliste, sans ordre véritable, juste montrés "l'un après l'autre". Ce qui se passe à l'écran, la signification des choses et des actions représentées, imprègne la surface de l'image et flotte à travers le film. "The Clearance" est une sorte de document mais non un documentaire. Réalisé en réponse aux débats autour des lois régissant la collection de tissu humain, le film mélange les méthodes du documentaire d'observation avec une mise en scène théâtrale du sujet pour produire une méditation obsédante sur la notion de "chose", et sur les cadres légaux, sociaux et culturels qui influencent son statut.

Megan Fraser vit et travaille à Londres, Paris et New York. Elle est diplômée du Bard College de New York depuis 2007. Son travail a été montré dans divers lieux à travers le monde: Koelnischer Kunstverein, Koln, Oberhausen Film Festival, Allemagne, Rotterdam International Film Festival, Pays -Bas, The Walker Art Centre, Minneapolis et The Tramway, Glasgow.

Une plongée tête baissée dans le paysage urbain capitaliste, portée par une caméra dynamique et un montage d’une grande finesse. Productivité, optimisation, mouvement constant vers l’avant. Dans ce court-métrage expérimental de l’artiste et réalisatrice Lisa Freeman, la frénésie de la caméra et la rapidité du montage transmettent l’exigence terne et ininterrompue faite au corps : travailler, toujours, dans notre société capitaliste. À travers des fragments d’environnements de béton, des corps sur des tapis de course, des mannequins de crash-tests et d’autres images urbaines omniprésentes, combinés à une bande-son de respirations hachées et de conversations disloquées, Hook, Spill, Cry Your Eyes Out propose un commentaire acéré sur ce que notre société érige abusivement en nécessité absolue.

Lisa Freeman est une artiste et réalisatrice basée à Dublin, en Irlande. Son travail interroge les structures économiques et de pouvoir, et explore la manière dont l’intimité peut être mobilisée comme forme de résistance. Ses œuvres récentes ont examiné le quotidien — là où les sons de la ville traversent les rêves, nostalgies ou espoirs d’autrui, et où de petits moments conduisent à des événements plus surréels (Slipped, Fell and Smacked my Face on the Dance Floor) — ainsi que l’isolement social dans l’espace public (Hook, Spill, Cry Your Eyes Out). Freeman occupe un atelier au Temple Bar Gallery + Studios à Dublin. Elle a reçu plusieurs bourses et aides à la création du Arts Council of Ireland. Son travail fait partie de la collection du Arts Council of Ireland. Elle a participé à des résidences en Corée du Sud (BARIM Arts, 2016), ainsi qu’à la Cité Internationale des Arts à Paris dans le cadre d’un programme avec l’Institut Français, soutenu par Temple Bar Gallery + Studios Dublin et Bétonsalon, Paris (2025).

Des clowns autour d’un piano inondé, d’étranges courtiers en bourse, des fontaines en carton dans l’espace urbain. Sans structure narrative définie, les frontières entre soi, corps et conscience se brouillent. Des signes familiers deviennent étrangers, les espaces se dissolvent, les significations échappent. Malgré son abstraction, le film semble étrangement accordé à notre présent. Comme s’il révélait un malaise plus profond et enfoui sous la surface des images du quotidien, difficile à nommer, mais pourtant pleinement perceptible.

Moritz Frei est un artiste visuel qui travaille avec l’installation, la vidéo, le texte et le son. Sa pratique oscille entre analyse et absurdité, utilisant l’humour comme stratégie pour interroger les structures sociales et médiatiques. L’expérimentation, et la possibilité de l’échec, fait partie intégrante de son processus, lui permettant d’explorer avec légèreté les mécanismes de contrôle et de perception. Frei a étudié à la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig. Pendant de nombreuses années, il a travaillé à temps partiel dans des vidéoclubs, la Filmgalerie 451 à Berlin et Alpha 60 à Leipzig, deux lieux de référence pour le cinéma expérimental et international. Cette expérience a affûté son regard sur la matérialité et la puissance des images en mouvement. Le point de départ de son travail artistique et cinématographique fut la première tasse de café qu’il a partagée avec Bruno Ganz, pour son film Meine erste Tasse Kaffee (Ma première tasse de café).

Comment rétablir l’avenir de nos relations avec les autres espèces? Un voyage dans la forêt près de Taipei, une destination incertaine. Une spéculation nomade sur les relations et les processus qui se produisent entre les espèces, et sur des dimensions qui dépassent l'être humain.

Mauricio Freyre est né à Lima (Pérou) en 1976. Chercheur, artiste audiovisuel et réalisateur, il a une formation en architecture. Ses projets tournent autour des structures et des systèmes de pensée en marge du construit et du projeté, concentrant l'attention sur les angles morts, les zones d'ombre, les accidents, les distorsions et les formes de conscience exclues. Il travaille actuellement sur le projet audiovisuel "Estados Generales", axé sur le rôle de la botanique et de son pouvoir au sein des sciences coloniales, explorant la dimension politique et subversive du monde végétal par rapport à une épistémologie occidentale. Il a obtenu le prix national du film expérimental, décerné par le ministère de la culture du Pérou, ainsi que la Matadero Production Grant, Madrid (Espagne). Ses films et installations ont été présentés dans divers programmes et expositions, notamment au Festival Internacional de Cine Valdivia (Chili); au Strangloscope, Florianópolis (Brésil); aux Rencontres Internationales Paris/Berlin (France/Allemagne); à L’Alternativa, Barcelone (Espagne); à la Haus der Kulturen der Welt, Berlin (Allemagne); au TENT, Rotterdam (Pays-Bas); au Nederlands Film Festival, Utrecht (Pays-Bas); et à la Fundación Telefonica Lima (Argentine).

The history of an experimental housing project in Lima, conceived as an international competition, is the starting point of an exploration on the nature of transformation and hybridization in the context of the project of modernity in Perú. The unfinished housing complex designed in the late sixties gathered the architectural avant-garde of that time, incorporating notions of self-construction, metabolism and progressive growth to its architecture. Juxtaposing the briefing of the project, together with archival material of three sources, the film explores different sequences of formal procedures. Transfers, cuts and superpositions, in a sequence of permanent transformation, operate as transcriptions that explore various relations and configurations of the material, to displace a fixed point of view.

Mauricio Freyre (1976, Lima) is an artist and filmmaker, his projects revolve around structures and systems of ideas between the constructed and the projected, focusing on blind spots, dark areas, accidents and distortions, in the search of invisible narratives, metaphors, dimensions and forms of consciousness that were excluded and silenced. He is currently working on a project that studies the role of botanics, its agency within the colonial sciences, along with its role within the modern project in Peru; exploring the political and subversive dimension of the plant world in relation to a western epistemology. His films and installations have been part of different programs and exhibitions including FIC Valdivia, Haus der Kulturen der Welt, TENT Rotterdam, Unforseen Festival, Nederlands Film Festival, Film Museum Amsterdam, Fundación Telefonica.

When does the fiction of a film start? Where do characters go when the movie is over? A story made of fragments and discarded footage from a film shooting. The camera examines the landscape of the mise-en-scène, looking for meaning in the elements that make up the picture.

Mauricio Freyre is an artist and filmmaker, graduated from Architecture and Fine Arts, based in Madrid. He uses the film medium to explore structures and systems of thought behind the constructed and projected. His projects and films have been exhibited at Haus der Kulturen der Welt (Berlin), Fundación Telefonica (Lima), TENT Museum (Rotterdam), W139 (Amsterdam), Nederlands Film Festival (Utrecht), FIC (Valdivia), Sunset Cinema (Luxemburg), Filmmuseum (Amsterdam), etc. He is currently a visiting teacher at The Berlage (Delft), KABK Royal Academie of Art (The Hague) and ETSAM Universidad Politècnica (Madrid).

Ce court-métrage clandestin nous transporte au travers des tensions qui règnent entre la mémoire de l?icône locale Ernesto « Che Guevara et la réalité quotidienne à Santa Clara (Cuba), faite de dictature, de pauvreté et de prostitution. Ce documentaire regroupe des monologues de citoyens de Santa Clara. Au travers de leurs témoignages reflétant leur acceptation passive de la dictature, on voit pourtant transparaître par des gestes, des attitudes ce qui ne peut être dit. Puis la fluidité du film est entrecoupée par des images fixes du « Che », de façon à proposer au spectateur un voyage dans la mémoire, le présent et l?idéal.

Yariv Friedman est né en Israël en 1971. Il vit en suisse depuis 1999. Licencié en droit et en économie de l?Université de Tel-Aviv, il travaille actuellement à Genève dans le cadre d?un programme de compensation des victimes de l?holocauste. Il a étudié la direction d?acteurs à Paris. En septembre 2004, il a réalisé Dona Juanita (fiction, 15?) qui depuis sa courte existence a été chaleureusement accueilli dans plusieurs festivals (Cardiff, Haïfa, Pskov). Cuba Libre est son deuxième film. Actuellement, il travaille sur « la rivière » (long-métrage documentaire, mars 2005) et Ecclésiaste (long-métrage fiction, novembre 2005)

A la base de l'animation informatique "VOLUME I" se trouve l' image d'archive d'un stock de 100000 photos commerciales. Le matériel brut de départ a été trié selon des critères formels comme la couleur, le contraste, la composition, et rassemblé en une animation d'images individuelles. Les changements d'image interviennent si rapidement que l'oeil ne peut pas suivre. La fréquence des changements d'image rappelle la vue de l'intérieur d'un train à grande vitesse, lorsque devant l'ordonnance du paysage formant décor des personnes, des arbres, des objets passent en une fraction de seconde pour diparaître aussitôt. Les images sont en fait la matière première de l'industrie publicitaire, qui les utilise pour des annonces et des brochures. Elles montrent le monde sous un angle idéalisé. Le contenu des images ont avant tout une charge positive et se distinguent par leur interchangeabilité sémantique. Les images relevant de tous les thèmes d'actualité importants ont été rassemblés afin de correspondre au caractère encyclopédique de ce travail. En amont du choix du matériel à inclure dans la réserve il y a eu une sélection en fonction de la pureté du contenu symbolique. VOLUME I crée une association avec des images de rêve. Une course folle à travers les images supposées être les dernières fait établir au récepteur une comparaison entre ce qu'il a vu ailleurs -consciemment ou inconsciemment- et le flot d'images. Le mouvement rapide de l'oeil est imité; les images bougent toutes seules. Les clichés cherchent leur contexte dans le monde des représentations du spectateur et s'émancipent ainsi du lien avec leur finalité originelle.

Fred Fröhlich, né en 1968 à Suhl (Thuringe), a étudié la photographie, a été élève de masterclasse et assistant à la Hochschule für Grafik und Buchkunst 'école supérieure de graphisme et des arts du livre) de Leipzig, il a effectué de nombreux séjours d'étude aux Etats-Unis, en Espagne, en Thaïlande, au Cambodge, en Russie et au Japon. Il a participé à des expositions collectives à l'étranger comme dans son propre pays et a réalisé des expositions individuelles et des projets liés aux médias dans l'espace public. Fred Fröhlich vit à Berlin.

Saida est une petite fille de sept ans qui danse avec beaucoup de séduction pour la caméra placée devant elle. Elle n?a reçu aucune instruction quand la caméra fut placée. Le spectateur est confronté au regard très intense de Saida, mais en fait, elle est en train de regarder une image d?elle-même qu?elle a inventée sur l?écran de l?appareil. Elle est captivée par son image et n?interrompt son engagement avec elle-même que pour regarder momentanément les adultes autour d?elle ou pour se battre avec les autres filles essayant d?apparaître sur l?écran de la caméra. La pièce met l?accent sur elle et la relation entre ce regard et ce que le spectateur perçoit. Le reste de l?image est hors champ et reproduit sa propre isolation du contexte le temps qu?elle danse devant la caméra.

Graciela Fuentes est un artiste visuelle travaillant la vidéo, les installations et la photographie. Elle est née en 1975 à Monterrey, au Mexique. Elle vit et travaille à New York où elle participe en ce moment au Whitney Museum Independent Study Program. Elle est détentrice d?un MFA de l?université de New York et un BA en Studio Arts de UIW. Son travail a été présenté dans des expositions solos à New York, Mexico, au Portugal et à Puerto Rico. Elle a aussi pris part dans des expositions de groupe majeures à Mexico, New York, en Bolivie, à Paris, en Californie et à Taïwan. Son travail a été imprimé dans Art On Paper, The Village Voice, the New Yorker et Arte al Dia, parmi d?autres. Elle a reçu trois récompenses de la part du National Council for Culture and the Arts de Mexico et en 2005, le Visual Arts Grant de la Fondation Espagnole Marcelino Botin.

La synesthésie miroir-tactile est un phénomène neurologique dans lequel une personne ressent physiquement la même sensation de toucher que celle qu’elle voit éprouvée par quelqu’un d’autre. Un stimulus perçu par un sens déclenche ainsi une sensation dans un autre. Dans la vidéo Mirror Touch (Archipelago DLC_01), les employés de l’entreprise de trading à haute fréquence Archipelago™ sont soumis à une série de tests expérimentaux destinés à développer une forme d’empathie synthétique. Le processus vise à réunifier l’espace du corps et celui de la cognition ; le corporel et l’immatériel ; le réel et l’imaginaire. Accompagné par les acteur·ices du film, le spectateur est guidé par une voix autoritaire dans un voyage suggestif qui mène des terminaux de trading jusqu’à la réalité physique de l’usine. Là, la matérialité brute — et violente — du sol industriel revient en force : le corps du travailleur y demeure le témoin physique de l’empreinte, elle aussi violente, du progrès.

Søren Thilo Funder est un artiste visuel travaillant principalement la vidéo et l’installation. Ses œuvres fonctionnent comme des hybridations de fictions populaires, de tropes culturels et de situations socio-politiques, de projections et d’histoires. Elles sont des constructions narratives qui insistent sur la formation de nouveaux sens dans la fine membrane qui sépare les fictions des réalités. Attentif aux histoires écrites et non écrites, aux paradoxes de l’engagement social, aux glissements temporels et au besoin de récits non linéaires, Thilo Funder propose des espaces où peuvent se produire des rencontres temporelles, politiques et mémorielles à contre-courant.

Archipelago (No one is an island) splashes heedlessly into a fictional exploration of the high frequency trading firm Archipelago and its existence in the strange socio-political, socio-economical and psychological reality of the proliferating internet and lives lived in wireless connectivity. In this business realm, human activity, unfolding in virtual spaces and directed by algorithms, is mainly left to perform the rituals that gives the bodiless stream a body; performing the myths of human ingenuity and dominance; repeating the hierarchical patterns that represent human social activity. The dramatic structure of the two channel video work shapes an archipelago in itself. Every character inhabiting the depicted environment forms an island within herself, literally plugged into a closed circuit; AirPods in ear; screen glued to face. Islands that seem to react upon one another even across time particulars and image frames.

Soren Thilo Funder is a visual artist working primarily with video and installation. His works are mash-ups of popular fictions, cultural tropes and socio-political situations, projections and histories. They are narrative constructions insisting on new meaning forming in the thin membrane negotiating fictions from realities. Invested in written and unwritten histories, the paradoxes of societal engagement, temporal displacements and a need for new nonlinear narratives, Thilo Funder proposes spaces for awry temporal, political and recollective encounters. Soren Thilo Funder has an MA from the Royal Danish Academy of Fine Arts and The School of Art and Architecture at the University of Illinois at Chicago. He is Associate Professor at The Royal Danish Academy of the Arts. He has been artist-in-residence at ISCP in New York, Künstlerhaus Bethanien in Berlin, SOMA in Mexico City, Townhouse Gallery in Cairo, Frankfurter Kunstverein in Frankfurt and Platform Garanti in Istanbul. Previous exhibitions include solo presentations at Turku Museum of Art, Museum of Contemporary Art Zagreb, Tranen Contemporary Art Center, Overgaden – Institute for Contemporary Art and Den Frie - Centre for Contemporary Art, Copenhagen. He was furthermore represented at the 9th Bucharest Biennale, the 19th Biennale of Sydney, the 1st eva International Biennial of Visual Art, the 12th Istanbul Biennial, Manifesta 8 and the 6th International Liverpool Biennial. He recently finished his PhD in Artistic Research at The Art Academy - Department of Contemporary Art, University of Bergen, titled “Oceanic Horror - or How to Survive the Night in the Haunted Mansion of Absolute Capitalism”.

A series of intense political events at a wildlife reserve in Oregon USA are the focus of The Watchers of Malheur (TWEET TWEET). The work combines reportage with speculative fiction, political events with extended periods of waiting, wild nature with a digital sensory apparatus, and filmic construction with virtual transience. Photo-realistic camouflage, a motion capture studio with a horse and a Berlingo car, vast expanses of the American landscape, fetishized optic tech, and a pitiable animated Twitter bird are just a few of the many layers that comprise the transrealistic story of armed combat between ornithologists and militia members on the borders of the Malheur National Wildlife Refuge.

Soren Thilo Funder is a visual artist working primarily with video and installation. His works are mash-ups of popular fictions, cultural tropes and socio-political situations, projections and histories. They are narrative constructions insisting on new meaning forming in the thin membrane negotiating fictions from realities. Invested in written and unwritten histories, the paradoxes of societal engagement and a need for new nonlinear narratives, Thilo Funder proposes spaces for awry temporal, political and recollective encounters. Soren Thilo Funder has an MA from the Royal Danish Academy of Fine Arts and The School of Art and Architecture at the University of Illinois at Chicago. He is currently a Research Fellow at The Art Academy - Department of Contemporary Art, University of Bergen. He has been artist-in-residence at ISCP in New York, Künstlerhaus Bethanien in Berlin, SOMA in Mexico City, Townhouse Gallery in Cairo, Frankfurter Kunstverein in Frankfurt and Platform Garanti in Istanbul. Previous exhibitions include solo presentations at Turku Museum of Art, Museum of Contemporary Art Zagreb, Tranen Contemporary Art Center, Overgaden – Institute for Contemporary Art and Den Frie - Centre for Contemporary Art, Copenhagen, as well as the duo show “Little Lies” with David Claerbout at Yarat Contemporary Art Centre. He was furthermore represented at the 19th Biennale of Sydney, eva International Biennial of Visual Art - “After The Future”, 12th Istanbul Biennial, Manifesta 8 – Parallel Events and 6th International Liverpool Biennial.

First Citizen (House of the Deaf Man) opens in a small room, where a therapist is in consultation with a young man. Through the use of hypnosis, the young man is experiencing a ma¬nipulation of his unconscious motivation. A feeling of debt is implanted in him through psycho-suggestion. First Citizen (House of the Deaf Man) proposes the idea that the indebt¬edness of the citizen is not only a causality of a flawed eco¬nomic system, but also the last relation that connects the citizen to a community. The only sure way to be part of any power relation is to enter the creditor/debtor relationship. Debt might hence be something that the citizen uncontiously desires - as the only means of experiencing community. First Citizen (House of the Deaf Man) paints an awry portrait of the indebted man with a little help from Goya’s painting ‘Duel with Cudgels’.

Soren Thilo Funder’s works are formal investigations of the power relations of modern day society. Through the use of conceptual visual strategies, cinematic narratives and mise en scène, the works aim to expose the precariousness of contemporary society using fiction to generate new potential spaces for political contemplations and counter-memory. Soren Thilo Funder has an MA from the Royal Danish Academy of Fine Arts and The School of Art and Architecture at the University of Illinois at Chicago. He has been an artist-in-residence at Künstlerhaus Bethanien in Berlin, SOMA in Mexico City, Townhouse Gallery in Cairo, Frankfurter Kunstverein in Frankfurt and Platform Garanti in Istanbul. He was represented at the 19th Biennale of Sydney, 1st Copenhagen Art Festival, eva International Biennial of Visual Art - “After The Future”, 12th Istanbul Biennial, 2nd International Moscow Biennial for Young Art, Manifesta 8 – Parallel Events and 6th International Liverpool Biennial.

In GAME Engine (Orange Bulletproof Kids) we are invited to an exclusive press meeting at an undisclosed location. Here, the spokesperson of a notorious game developer, presents a brand new game engine. A game engine that promises revolutionary in-game experiences, the layout of which are never fully disclosed in protection of its intellectual property value. This oral evasive manoeuvre leads the spokesperson into complex landscapes in which game and reality, body and avatar, the sensorial and the informational, blend together. Parallel to this fiction scenario, a group of CS:GO athletes are recreating their game experiences, using their bodies as vehicles for motoric and visual memory.

Soren Thilo Funder is a visual artist working primarily with video and installation. His works are mash-ups of popular fictions, cultural tropes and socio-political situations, projections and histories. They are narrative constructions insisting on new meaning forming in the thin membrane negotiating fictions from realities. Invested in written and unwritten histories, the paradoxes of societal engagement, temporal displacements and a need for new nonlinear narratives, Thilo Funder proposes spaces for awry temporal, political and recollective encounters. Soren Thilo Funder’s previous exhibitions include solo presentations at Turku Museum of Art, Museum of Contemporary Art Zagreb, Tranen Contemporary Art Center, Overgaden – Institute for Contemporary Art and Den Frie - Centre for Contemporary Art, Copenhagen. He was furthermore represented at the 19th Biennale of Sydney, eva International Biennial of Visual Art - “After The Future”, 12th Istanbul Biennial, Manifesta 8 – Parallel Events and 6th International Liverpool Biennial. He is currently doing a PhD in Artistic Research at The Art Academy - Department of Contemporary Art, University of Bergen.

Disastrous Dialogue focuses on the modern subject?s fixation on catastrophe images, here particularly the Hollywood-produced Catastrophe Cinema. Appropriating movie script dialogue from three major catastrophe movies, all written and directed by the German Director Roland Emmerich, Disastrous Dialogue sets out to challenge the mainstream viewpoint of disaster strategies. The script is translated into Arabic and performed by Egyptian actors, transforming the script through the voice of Hollywood cinema?s unrepresented. The film was shot immediately before the Egyptian Revolution and is dedicated to the actress Sally Zahran who perished during the brutal attacks on Egyptian demonstrators.

Soren Thilo Funder is a visual artist based in Copenhagen, Denmark. His works are audio-visual productions dealing with diverse cultural fields and integrating aspects of critical theory, literature, theater, cinema, Sci-Fi, Horror, political activism and other counter-cultural disciplines. The works are formal investigations of the power relations of modern day society. Through the use of cinematic narratives, choreography and mise en scène, the works strive to expose the precariousness of contemporary society and the broken link between politics and the political. The works use the fictional and extra-real to pose new questions and generate a new potential space, a third place, for political contemplations and counter-memory. Soren Thilo Funder has a MA from the Royal Danish Academy of Fine Arts. He has exhibited his works in international galleries, film festivals, museum exhibitions and public space exhibitions, in countries like Japan, USA, Iceland, Iran, Turkey, Russia, Vietnam, Bulgaria, Spain, Germany and Egypt. He has been an artist-in-residency at SOMA in Mexico City, Townhouse Gallery in Cairo, Frankfurter Kunstverein in Frankfurt am Main and Platform Garanti Contemporary Art Center in Istanbul. He was furthermore represented at the 12th Istanbul Biennial, VII Shiryaevo Biennale of Contemporary Art, 2nd International Moscow Biennial for Young Art, the 6th International Liverpool Biennial and Manifesta 8. In 2011 Soren Thilo Funder is currently artist-in-residence at Art Space SOMA in Mexico City.

Red Tape (Don`t go down into Tarlabasi) Video - HD AppleProRes Duration: 7:09 min. 2010 Coming to Istanbul I was told immediately that I should not go down into Tarlabasi. The ghettoized area Tarlabasi is, apart from not being all that dangerous, also the next poor area to be gentrified. Red Tape takes it outset in the Japanese horror film Kairo and in the mix between documentary and horror fiction it aims to distort the image of ghettoization.

Soren Thilo Funder is a visual artist based in Copenhagen, Denmark. His works are audio-visual productions dealing with diverse cultural fields and integrating aspects of critical theory, literature, theater, cinema, Sci-Fi, Horror, political activism and other counter-cultural disciplines. The works are formal investigations of the power relations of modern day society. Through the use of cinematic narratives, choreography and mise en scène, the works strive to expose the precariousness of contemporary society and the broken link between politics and the political. The works use the fictional and extra-real to pose new questions and generate a new potential space , a third place, for political contemplations and counter-memory. Soren Thilo Funder has exhibited his works in international galleries, film festivals, museum exhibitions and public space exhibitions. He has been an artist-in-residency at Frankfurter Kunstverein in Frankfurt Am Main, Platform Garanti Contemporary Art Center in Istanbul and Townhouse Gallery in Cairo. He was furthermore represented at the 2nd International Moscow Biennial for Young Art, the 6th International Liverpool Biennial and Manifesta 8.

Friedlos (aka The Bandit Wolf-Man) HD DVCPRO Duration: 08:12 Synopsis: On the outskirts of the city, the townsfolk are gathered to expel the citizen and bandit Friedlos (aka The Bandit Wolf-Man). In a heathen display they perform the traditional heathen ritual of banishment. Finally Friedlos is tight to a horse, masked with a wolf?s head and send out of town. The banishment questions contemporary societies exclusion/inclusion relationship. The heathen aspect and the epic western soundtrack underlines this society?s regression towards rhetoric?s and ethics in comparison with those of the Wild West, witch hunts and tribal community fear. Friedlos (aka The Bandit Wolf-Man) is set in a world of no specific time generating a timescape that foresees the future as it dwells in the past.

Soren Thilo Funder is a visual artist, working mainly with audio-visual productions, based in Copenhagen, Denmark. He graduated at the Royal Danish Academy of Fine Arts in 2008. He has also studied at the The University of Illinois at Chicago ? Art and Architecture and The European Film College. He has exhibited in numerous International constellations in countries as Iran, Serbia, United States of America, Japan, Germany, Denmark, Iceland and Spain. His works has been presented in commercial galleries, at film festivals, museum exhibitions and in public space. He has been an artist-in-residency at Frankfurter Kunstverein in Frankfurt Am Main and Platform Garanti Contemporary Art Center in Istanbul.