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Couched as a fictional story, Coming to Terms is a meditation on a death, and its psychological impact on a fractured and divided family. Its formal structure is far from normal narrative story-telling in the cinema.

Jon Jost is a 50 year veteran of filmmaking with some 36 features to his name. He also paints, writes, does photography and writes and sings country-western music.

Trois femmes d'âge mûr se rendent à la mer, deux d'entre elles (Miglio et Gianfelici) réconfortent la troisième (Nano) que son mari vient de quitter. Au cours de leur tentative pour consoler Anna, les deux femmes sont entraînées dans le maelström de sa tristesse. Cette oeuvre est surtout un récit à caractère poétique, dans lequel le véritable sujet, l'impact du 11 septembre sur l'intelligentsia européenne et italienne, n'est jamais mentionné, mais demeure à l'arrière-plan agissant de manière invisible sur les personnages. La "Lunga Ombra" a été réalisée sur une durée de 5 jours, de manière improvisée, sans suivre de script, mais seulement avec la vague idée d'évoquer l'angoisse qui s'est répandue en Europe à la suite du 11 septembre, un trouble qui s'immisce insidieusement, au-delà des mots.

Jon Jost a réalisé des vidéos et des films expérimentaux, dont quelques 15 long-métrages sur film celluloid, en 16 et 35 mm, et 12 long-métrages en vidéos numériques, ainsi que de nombreux films très courts; et plus récemment, des installations avec plusieurs écrans. Il vit actuellement à Lincoln Nebraska, aux Etats-Unis, où il est en résidence d'artiste.

Tourné à Newport (Oregon), une petite ville côtière où la flottille de pêche a disparu qui survit désormais grâce aux résidences secondaires et au tourisme, HOMECOMING s`inscrit profondément dans la réalité actuelle de l`Amérique. Nous faisons la connaissance d`une famille ordinaire: Jeff (Keith Scales) et sa femme Mattie (Kate Sannella), ainsi que leur fils Chris (Ryan Harper Gray). Jeff dirige une petite agence immobilière avec sa femme. Chris est un chômeur fainéant de 26 ans qui vit avec sa petite amie plus jeune que lui (Kat Eastman). Petit à petit, nous apprenons l`existence d`un autre fils, engagé dans l`armée, "là-bas". Mattie boit de temps en temps en cachette, Jeff quant à lui n`est pas très honnête dans son travail. Lorsque Mattie oublie d`envoyer des papiers à la banque, l`entreprise de Jeff perd un contrat de 50 000 dollars. Chris se fait plaquer par sa copine et consulte un psychothérapeute des services sociaux (Steve Taylor). Nous découvrons que Jeff est le beau-père de Chris et que son propre fils, Steve, est en Irak. Steve retourne à la maison dans un cercueil. Après les funérailles, la famille se rassemble au bord de l`océan et les déchirures internes apparaissent. Jeff et Chris se disputent violemment et Chris se retrouve à terre, le nez en sang. Mattie boit et finit à son tour par terre alors que Jeff perd le contrôle. Chris va chez son psychothérapeute et leur rencontre s`achève par une fellation. Il passe voir son ex pour tenter de renouer; elle le rejette. Chris saute d`une falaise surnommée dans la région "Jump Off Joe`s". HOMECOMING n`est pas un film basé sur un scénario, c`est plutôt un poème symphonique; ses significations émergent de son atmosphère, de ses humeurs, de son sens du temps et de l`espace. Il est pensé comme une métaphore de l`Amérique en général, qui est actuellement très divisée et incapable de débattre de manière constructive en passant outre cette division. Ce film aborde ce sujet de manière poétique, douce, à travers des personnages incapables de confier aux autres ou à eux-mêmes l`inquiétude qui se fige en eux.

In 1962, Oscar Niemeyer was invited to conceive an international fairground in the city of Tripoli, Lebanon, which was never completed. To Remain in the No Longer looks at how architecture operates in this failed state. By examining the precarity of the project site that remains to this day, the film reflects on the country’s current socio-economic crisis. Employing archival materials, interviews, and 16mm and digital film, the experimental documentary explores the political and cultural forces that have come to bear on the site—from its halted construction to its imposed abandonment and attempted reappropriations. How has architecture been instrumentalized in the ongoing construction of a national narrative? What is the role of architects in shaping society within corrupt ecologies of power and failed financial engineering? Film becomes a plastic medium to reframe the positivism of urban masterplans and architectural monuments and formulate a social critique. Modern structures under threat of collapse stand in as protagonists to tell the story of a promised metropolis that never came to be, while the fairground acts as a lens to look at implicit collapse beyond the perimeter of the site.

Based between Beirut and Amsterdam, artist and filmmaker Joyce Joumaa earned a BFA in Film Studies from Concordia University in Canada. In 2021-2022, Joumaa had her first institutional solo show at the CCA The Canadian Centre for Architecture. Her work has shown at the Montreal Museum of Fine Arts, Fofa Gallery, the Sharjah Architecture Triennial and in the 2024 60th Venice Biennale.

« Ce n?est pas dans l?idée de fiction ou de documentaire que je me suis posé la question du cinéma... Je pourrais parler de composition, de structure musicale des images ; c?est dans ce sens que ce film a pris, petit à petit, forme dans mon esprit. En effet, la musique permet d?aborder le réel avec des notions de pleins, de vides, de rythmes, de temporalités... J?ai toujours eu une relation à l?image qui se construit dans cette abstraction là, construisant toujours le réel. »

Valérie Jouve was born in 1964 in Saint Etienne, France, and she currently lives in Paris. She has produced documentaries that have been shown in diverse festivals, and has produced numerous individual and collective exhibitions in Europe, China, and the United States.

Through multiple screens, men and women recount their most vivid dreams. The series of portraits becomes an exploration of the collective unconscious in a time of crisis.

Dragana Jovanovi? obtained a postgraduate degree at the Academy of Media Arts Cologne in Germany. Her studies focused on Film Directing and Writing. She also holds a bachelor's degree in Production from the Faculty of Dramatic Arts at the University of Arts Belgrade in Serbia. Her graduation short fictional film ON THE OTHER SIDE OF THE PILLOW A ROSE WAS BLOSSOMING (2018) was nominated by the German Film Academy for the First Steps Award and it was screened in numerous international film festivals such as Festival Premiers Plans d’Angers, ISFF Oberhausen, DRAMA ISFF, among others. Jovanovic’s films explore the collective unconscious by interpreting archetypes of folk and fairy tales and ancient mythology, and placing these narratives in contemporary contexts. Her focus centers on capturing her characters' inner worlds, revealing the interplay between their subconscious realms and their present-day realities. Her latest work, AURORA'S DREAM (2023), earned the Best Cinematography award for her own contribution. It premiered internationally at FID Marseille and continues to make its mark on the festival circuit.

http://nocinema.org/ WEB INTERLUDES: Présenté dans une version initiale au Walker Art Center à Minneapolis à la fin des années 90, nocinema.org est une application en ligne développée par Jérôme Joy. Ce projet est un documentaire/fiction en ligne et une série d`interludes pour le web, dont les déroulements ne sont jamais identiques. Nocinema.org est en quelque sorte un cinéma improbable et un film sans début ni fin, sans acteurs ni scénario, excepté les histoires que nous pouvons nous construire en suivant le fil des images et des sons streamés. Nocinema.org est un système automatisé construit sur des processus de sélection de streaming webcams en direct autour du globe, captant des "plans" dans différents lieux, panoramisés et temporisés par le montage généré en ligne, dans lequel s`intercalent quelques plans noirs (écoute sans image). Les sons, organisés à chaque fois selon des mixages calculés en direct, proviennent d`une base de données sonores continuellement alimentée et mise à jour par une équipe de complices: Magali Babin, DinahBird, Christophe Charles, Yannick Dauby, Chantal Dumas, Jérôme Joy, Luc Kerléo, Alain Michon et Jocelyn Robert.

Jérôme Joy (compositeur) vit en France Compositeur et artiste-enseignant à l`École Nationale Supérieure d`Art de Nice Villa Arson depuis 1992, Jérôme Joy coordonne le laboratoire de recherche et cursus 3ème cycle Locus Sonus audio in art avec Peter Sinclair et Anne Roquigny. Après un parcours de performances et de concerts instrumentaux et électroacoustiques à partir de 1982, il développe depuis 1995 de nombreux projets en réseau d`envergure internationale (concerts de musique en réseau, database sonore participative, projets musicaux entre musique électronique, radiophonie, cinéma et performances) et des performances musicales qui mettent en jeu ces mêmes technologies (programmation, systèmes en réseau, improvisation, streaming, etc.). Ses projets et concerts, personnels ou en collectif sont présentés dans de nombreux festivals, colloques et événements internationaux - 99Generators Vancouver, Invençao Sao Paulo, Gallery 9 Walker Art Center, Murs du Son Villa Arson, Festival Manca Nice, Festival Lust London, Brussels2000, Festival GMEM Marseille, SoundBox Helsinki, Kunst in der Stadt Bregenz, NTT CC Tokyo, Musiques en Scène Lyon, Bauhaus Weimar Universität, School of the Art Institute of Chicago, ISEA Osaka, 33RPM SFMOMA San Francisco, Open Radio CCCB Barcelona, Festival Sonor Nantes, Festival d`Automne Paris, Festival Multi Avatar Québec, Festival Radiophonic Bruxelles, etc. Il a publié plusieurs articles et ouvrages en France et à l`étranger - Logs aux éditions è®e en 2005, NetzMusik/NetMusic aux éditions Wergo Berlin en 2004 -. Ses dernières réalisations sont tournées vers les réseaux et la radiophonie - Collective JukeBox, picNIC, nocinema.org, PacJap, pizMO, Lib_, Sobralasolas ! - et vers des projets d`improvisation live avec plusieurs artistes: DinahBird, etc. Jérôme Joy a été invité ces dernières années en tant que compositeur en résidence au LIEM CDMC Madrid Spain, au CIRM Nice France, à l`Institut Français Alexandrie Egypt, et au NTT ICC Tokyo Japan, et en tant que conférencier dans de nombreux colloques internationaux: Multi Québec (2007), Engrenages Radio Festival Marseille (2006), Scopitone Festival Nantes (2005), CCCB Barcelona (2004), ISEA Nagoya (2003), Northwestern University Evanston (2002), School of the Art Institute of Chicago (visiting artist since 2001), Philosophy International College Paris (2000), CIREN Univ. Paris VIII (2000), Bauhaus Weimar University (1999), Invencao Sao Paulo (1999), Imagina Monaco (1998 and 2005), etc. Il a également participé à de nombreux festivals et événements: 99 Generators Concerts Vancouver, Murs du Son Villa Arson Nice, Art Entertainment Network Walker Art Center Minneapolis, Festival Manca Nice, Festival Lust London, Brussels2000, SoundBox Helsinki, Kunst in der Stadt Bregenz, Ars Acustica San Francisco, Arts Electroniques Festival Rennes, Musiques en Scène Lyon, GMEM Festival Marseille, JuniRadio Berlin, Resonances Festival Nantes, Festival send+receive Winnipeg, 33RPM SFMOMA San Francisco, MIMI Festival Marseille, Festival d`Automne Paris, Silenceradio.org Brussels, Festival SonoR Nantes, Festival Radiophonic 07 Brussels, Das Kleine Field Recordings Festival Berlin, etc.

The scripts are based on resources like instructional videos and management training tools, sales pitches and tutorials on stress management. Collaging and adapting elements from these and other sources, the work gives birth to a ‘subject’ who speaks with a double tongue, veering between the human and the digitally generated, and delivering a message that is simultaneously authoritative and incoherent, reassuring and vacuous.

Maren Dagny Juell is an artist working with moving image, installation and VR/AR. Maren was born in Oslo, Norway where she currently has a studio. She received her MA from Chelsea College of Art (London) in 2004. The last solo shows have been at Trondheim Center for Electronic Arts (2023), Tenthaus (2021), Atelier Nord Oslo (2019), Trafo Kunsthall (2018), Podium Oslo (2017) and Trøndelag Senter for Samtidskunst (2018). Work has been included in group shows at Bergen Center for Electronic Arts (2021), Astrup Fearnley Museum of Modern Art (2008) and Stavanger Kunstmuseum (2015) amongst others. Moving image works have been screened internationally like The Australian video Biennial in Melbourne( 2017 and 2019). She has participated in and made new works for various biennials including; Riga Photography Biennial (2020), Meta.Morf Trondheim international biennale for art and Technology (2022) and Art Encounters Biennial, Timisoara Romania (2023). In 2024 she won the Nordic Award category at Lumen Prize for “Human Resource the Musical”.

A surreal post-apocalyptic home party placed in an undefined future where the location is fluid. This work focus on 3D printed replicas of various household plastic objects, common in 2012, which take on a new role in an imagined post plastic future. The party-host guides the party participants through a fragmented story about and relationship with objects. Re-enacting a home party, in a world where this is not possible or relevant. Questioning ideas around Object Orientated Ontology and current collection and valuation of artifacts.

Maren Dagny Juell is an artist working with moving image, installation and VR/AR. Maren is born in Oslo, Norway where she currently has a studio. She received her Fine Art MA from Chelsea College of Art (UK) in 2004. Exhibitions include solo shows at Tenthaus (NO), Atelier Nord Oslo (NO), Trafo Kunsthall (NO), Trøndelag Senter For Samtidskunst (NO), Akershus Kunstnersenter (NO), Podium Oslo (NO) and group shows at Bergen Center for Electronic Arts (NO), Astrup Fearnley Museum of Modern Art (NO) and Stavanger Kunstmuseum (NO) amongst others. She has participated in and made new works for various biennials including; Riga Photography Biennial (LT) 2020, The Australian video Biennial in Melbourne (2017 and 2019), Meta.Morf Trondheim international biennale for art and Technology (NO) 2022 and Art Encounters Biennial, Timisoara Romania 2023.

"Hotel" est une animation interactive en 10 parties, dans l'espace anonyme d'un hôtel extraordinaire et étrange, que l'on peut voir aujourd'hui en ligne sur www.submarinechannel.com/hotel. Pour Submarine Channel, l'artiste multimédia Han Hoogerbrugge a créé une série interactive qui se déroule dans un hôtel virtuel. Le visiteur parcourt les chambres, rencontre des gens et heurte des objets. L'hôtel est grand. L'hôtel est une tête. L'hôtel suit la logique du rêve. L'hôtel est aussi le point de départ de "Preconstruction" (www.preconstruction.biz), l'entreprise du Dr Doglin qui mène des recherches sur les "accidents étranges". En échange d'argent, des volontaires acceptent de subir les tests que le Dr Doglin opère sur eux. Il semblerait que ces tests ne présentent aucun danger pour les volontaires? Chaque épisode est accompagné d'une bande dessinée (que l'on peut ouvrir et lire en cliquant sur la barre de menu) qui explore l'univers parallèle d'un certain Dr Goldin, qui n'a apparemment aucun lien avec notre autre bon docteur. "Hotel" est parfois sombre et inquiétant, mais il peut aussi être humoristique voire risible. C'est un jeu dans lequel on ne peut apparemment rien perdre, mais où l'on ne peut rien gagner non plus. En bref, c'est un environnement où les visiteurs du monde entier peuvent tous reconnaître un peu d'eux-mêmes.

Han Hoogerbrugge (né en 1963) est un artiste mondialement célèbre. Depuis 1996, il a présenté des ?uvres d'animation sur son site web, www.hoogerbrugge.com. Ce site attire plus de 3000 visiteurs par jour. Au départ, Hoogerbrugge, attiré par les possibilités sans précédent qu'offrait le net, a présenté un site appelé "Modern Living". Il s'agissait d'une page expérimentale où les possibilités offertes par la publication électronique étaient étudiées. En septembre 2001, le numéro 100 de la série "Modern Living" fut présenté ; ce fut le dernier. En collaboration avec Gil Kay de Wiggle, Hoogerbrugge a aussi créé "Flow" pour le site NPS Short Film. Son ?uvre prend forme d'une manière intuitive : les pensées et les idées sont converties en animations interactives. Han Hoogerbrugge s'efforce d'évoquer une atmosphère, de faire quelque chose de reconnaissable qu'on ne peut exprimer avec des mots. Submarinechannel.com Submarinechannel.com est spécialisé dans les programmes de nouveaux médias comme les courts-métrages numériques, les jeux sur Internet, les animations et les graphic novels. Submarine Channel produit et diffuse les ?uvres d'une jeune génération de concepteurs de programmes. Tous issus du monde des jeux vidéos, des BD, du graphisme et des clips vidéo, ces artistes ont en commun leur quête de nouvelles formes de narration pour leurs histoires. Submarinechannel.com fait partie de la société de production Submarine d'Amsterdam, fondée par Bruno Felix et Femke Wolting.

The war film "Inchon" was met with disastrous reviews upon its U.S. premiere in 1981, leading to the cancellation of its planned Korean premiere under the revised title "Oh! Inchon." The film's legacy is one of failure, plagued by propaganda, a desire for heroism, and financial, artistic, and ethical compromises that affected the production from start to finish. "Inchon" became a monumental box-office flop, receiving heavy criticism in both South Korea and the U.S., and is often remembered today as one of the worst movies ever made. In the years between 2009 and 2011, Julià embarked on a quest to gather fragments and first-hand accounts from Korea, the United States, and Italy—collecting the voices of those who witnessed, participated in, or were affected by the making of this ill-fated endeavor. This film revisits the elusive "Oh! Inchon," resurrecting along the way some remnants of Julià's 2011 “Notes on the Missing Oh.”

Film and video installations, photography, performance, and printed matter have been at the core of Adrià Julià’s practice. Julià studies the evasive language of images as a means of representation and reception of personal and collective historical events. His critique of opticality and visuality points to the reliance on images in the act of negotiating memory, resistance, displacement, and survival. Julià is currently investigating early photography and film technologies as they relate to processes of erosion and subjugation in the Americas. His solo exhibitions include “Not Even the Dead Will Survive” at Pinacoteca São Paulo, "Think of It as Money!" at Contemporary Art Center of University of California Irvine, "Conquest of the Useless" at La Virreina Centre de la Imatge in Barcelona, “Hot Iron” at the Miró Foundation of Barcelona, “Hot Iron Marginalia” at the Tabakalera in San Sebastian, “Indications for Another Place” at the Museo Tamayo in Mexico City, “La Villa Basque, Vernon, California” at the Orange County Museum of Art in Newport Beach and at Artists Space in New York City, “A Means of Passing the Time” at LAXART in Los Angeles, “No Place Like Home” at Seoul’s Insa Art Space, “Truc Trang Walls” at The Room Gallery University of California in Irvine, “Love. Destiny. Heroes.” at Dan Gunn in Berlin, “Cat on the Shoulder” at 18th Street Art Center in Santa Monica, “Notes on the Missing Oh” at Project Art Centre in Dublin, and “Ruinas del Habla” at Galería Soledad Lorenzo in Madrid. Julià has also participated in group shows at the Metropolitan Museum of Art in New York City, at the Museo Reina Sofía in Madrid at Witte de With in Rotterdam, at De Appel in Amsterdam, at Seoul’s Museum of Art, at the Generali Foundation in Vienna, and at the Akademie der Künste in Berlin. He participated in the 9th Lyon Biennial, the 29th São Paulo Biennial with the performance “Ruinas da Fala” at the Teatro Arena, the 7th Mercosul Biennial in Porto Alegre, the Jakarta Biennale XIII, and the Kochi-Muziris Biennale in 2014. In 2015, Adrià Julià was named a Guna S. Mundheim Visual Arts Fellow by the American Academy in Berlin. Through the years, he has received substantial grants from Art Matters, the American Center Foundation, the Botín Foundation, the California Community Foundation, and the La Caixa Fellowship program. In 2002, he was awarded the Altadis Prize. His work has been featured in Artforum, Frieze, Flash Art, X-Tra, the Los Angeles Times, The New York Times, Osmos, and Camera Austria, to mention few.

A la tombée de la nuit, un oracle volant s’avance et déroule un message.

Pauline Julier est artiste et cinéaste. Ses films ont été présentés dans des festivals, des centres d’art et des institutions du monde entier, parmi lesquels le Centre Pompidou à Paris, le Festival Loop à Barcelone, Visions du Réel à Nyon, DOCLisboa, le Tokyo Wonder Site à Tokyo, le Museum of Modern Art en Tanzanie, le Centre d’Art de Genève, à New York, Madrid, Berlin, Zagreb, Bucharest, à la Cinémathèque à Toronto ou encore au Pera Museum Musée à Istanbul. Elle a reçu le Swiss Federal Art Price à Art Basel en 2010 et elle a présenté une exposition solo au Centre Culturel Suisse de Paris en 2017. Cette année, elle participe à l’exposition de Bruno Latour, « Critical Zone » au ZKM et finit une résidence d’une année à l’Institut Suisse de Rome pour un nouveau cycle de recherches et films. Nicolas Chapoulier, co-réalisateur sur ce film, est directeur artistique de la compagnie « Les 3 points de suspension » avec laquelle il tourne mondialement. Auteur, comédien, acrobate, plasticien et metteur en scène, il assure la mise en scène et la direction artistique des spectacles Nié qui tamola, La grande Saga de la Françafrique (nominé aux Molières 2017) Looking for Paradise, et Squash . En 2011, il rédige Nié qui tamola au Editions Requins Marteaux, un roman graphique documentaire. En 2014, il est lauréat de la Fondation Beaumarchais/SACD Ministère de la Culture- Bourse à l’écriture, Ecrire pour la Rue pour le projet Looking for Paradise. En 2015, il fonde le collectif 3615 Dakota, qui réalise des performances urbaines avec lequel ils sont invités au pavillon français de la biennale de Venise d’architecture en 2019.

Le spectateur est à la place de Noé, en plein rêve. Il se réveille dans un lieu clos, avec autour de lui une énorme quantité de graines visiblement conservées à l?abri. L?espace est trop étroit, il décide de sortir. Dehors le monde a disparu sous la glace. Il est seul. Alors qu?il est partagé entre la peur et un sentiment de plénitude face à cette nouvelle découverte, des images désordonnées lui soufflent le souvenir de son monde. Métaphore poétique d?un état de folie lucide, le film suggère la possibilité d?un monde inhabité et stérile, un cauchemar blanc...

Née en 1981 à Genève, Pauline Julier est diplômée avec mention de l?Institut d?Etudes Politiques de Grenoble en 2002 et de l?Ecole Nationale Supérieure de Photographie d?Arles en 2007. Elle présente plusieurs de films dans des expositions collectives et des festivals de cinéma, et son film Pamięć est paru en mars 2009 aux Editions Waknine. Elle a reçu cette année le Prix d`art fédéral Suisse à Art Basel pour l`installation de son dernier film Noé. Elle s?intéresse à plusieurs médiums complémentaires au cinéma et travaille notamment au sein de PHP (Henriette Desjonquères, Paul Fargues, Pauline Julier), collectif transdisciplinaire associé au 104 à Paris dès 2011. Elle filme et écrit pour créer des agencements d`éléments réels et imaginaires. Son travail interroge les rapports étroits et ambigus entre réel et fiction et propose des formes narratives singulières.

Inspirée par le poème féministe italien d’Amelia Rosselli, La Libellula (Panegirico della libertà) (1958), Cercate Ortensia est un film d’archives scientifiques, personnelles et de réseaux sociaux. Entre hommage et vengeance face à son héritage littéraire, le poème de Rosselli se nourrit de l’ambivalence de la figure d’Hortense du poème « H » d’Arthur Rimbaud, entre élan d'ouverture et retrait intime. Cercate Ortensia recrée un mouvement circulaire marquant une bouffée d’air libératrice face au passé et la vieillesse. Le film explore la chute, la disparition, l’oubli, l’évanescence, traçant un lien entre les recherches de pionniers scientifiques, la désorientation liée à la perte de mémoire d'un père vieillissant et malade, jusqu’à l’actualité brûlante de la catastrophe écologique. 

Pauline Julier est artiste et réalisatrice. Elle explore les liens que l'homme crée avec son environnement à travers des histoires, des rituels, des connaissances et des images. Ses films et installations sont composés d'éléments d'origines diverses (documentaire, théorique, fictionnel) pour restituer la complexité de notre rapport au monde. Ses installations et films ont été projetés dans des centres d'art contemporain, des institutions et des festivals du monde entier, notamment au Centre Pompidou (Paris), au Loop (Barcelone), à Visions du Réel (Nyon), au Tokyo Wonder Site (Tokyo), au Musée d'art moderne de Tanzanie, au Geneva Art Center, au Palazzo Grassi (Venise), à New York, Madrid, Berlin, Zagreb, à la Cinémathèque de Toronto et au Pera Museum d'Istanbul. Julier a présenté une exposition personnelle au Centre Culturel Suisse à Paris (CCS) en 2017 et vient de recevoir le Prix fédéral d'art suisse en 2021. Son film « Naturales Historiae » vient d'être diffusé en ligne sur Vdrome.org et son prochain film, « Way Beyond », sélectionné en compétition à Visions du Réel 2021 sera dans les salles suisse à l’automne. Elle présente ce printemps une grande installation à l’institut d’Art Contemporain de Villeurbanne.

A la tombée de la nuit, un oracle volant s’avance et déroule un message.

Pauline Julier est artiste et cinéaste. Ses films ont été présentés dans des festivals, des centres d’art et des institutions du monde entier, parmi lesquels le Centre Pompidou à Paris, le Festival Loop à Barcelone, Visions du Réel à Nyon, DOCLisboa, le Tokyo Wonder Site à Tokyo, le Museum of Modern Art en Tanzanie, le Centre d’Art de Genève, à New York, Madrid, Berlin, Zagreb, Bucharest, à la Cinémathèque à Toronto ou encore au Pera Museum Musée à Istanbul. Elle a reçu le Swiss Federal Art Price à Art Basel en 2010 et elle a présenté une exposition solo au Centre Culturel Suisse de Paris en 2017. Cette année, elle participe à l’exposition de Bruno Latour, « Critical Zone » au ZKM et finit une résidence d’une année à l’Institut Suisse de Rome pour un nouveau cycle de recherches et films. Nicolas Chapoulier, co-réalisateur sur ce film, est directeur artistique de la compagnie « Les 3 points de suspension » avec laquelle il tourne mondialement. Auteur, comédien, acrobate, plasticien et metteur en scène, il assure la mise en scène et la direction artistique des spectacles Nié qui tamola, La grande Saga de la Françafrique (nominé aux Molières 2017) Looking for Paradise, et Squash . En 2011, il rédige Nié qui tamola au Editions Requins Marteaux, un roman graphique documentaire. En 2014, il est lauréat de la Fondation Beaumarchais/SACD Ministère de la Culture- Bourse à l’écriture, Ecrire pour la Rue pour le projet Looking for Paradise. En 2015, il fonde le collectif 3615 Dakota, qui réalise des performances urbaines avec lequel ils sont invités au pavillon français de la biennale de Venise d’architecture en 2019.

Le spectateur est à la place de Noé, en plein rêve. Il se réveille dans un lieu clos, avec autour de lui une énorme quantité de graines visiblement conservées à l?abri. L?espace est trop étroit, il décide de sortir. Dehors le monde a disparu sous la glace. Il est seul. Alors qu?il est partagé entre la peur et un sentiment de plénitude face à cette nouvelle découverte, des images désordonnées lui soufflent le souvenir de son monde. Métaphore poétique d?un état de folie lucide, le film suggère la possibilité d?un monde inhabité et stérile, un cauchemar blanc...

Née en 1981 à Genève, Pauline Julier est diplômée avec mention de l?Institut d?Etudes Politiques de Grenoble en 2002 et de l?Ecole Nationale Supérieure de Photographie d?Arles en 2007. Elle présente plusieurs de films dans des expositions collectives et des festivals de cinéma, et son film Pamięć est paru en mars 2009 aux Editions Waknine. Elle a reçu cette année le Prix d`art fédéral Suisse à Art Basel pour l`installation de son dernier film Noé. Elle s?intéresse à plusieurs médiums complémentaires au cinéma et travaille notamment au sein de PHP (Henriette Desjonquères, Paul Fargues, Pauline Julier), collectif transdisciplinaire associé au 104 à Paris dès 2011. Elle filme et écrit pour créer des agencements d`éléments réels et imaginaires. Son travail interroge les rapports étroits et ambigus entre réel et fiction et propose des formes narratives singulières.

António, Zé Maria and João live in the House as they build it. For two years they restarted processes over and over according to their functions in the House. The transformations of the rooms forces constant changes in its organisation. The rooms for eating, dressing or relaxing change. As do the inhabitants. Time passes. The inhabitants move into and out of shot. The camera doesn?t follow them. It stays there focusing on the particular. Natural light invades the geometric spaces, intensifying as the work advances. The sound environment also changes. The silences intensify. The contrasts are stronger and stronger. At the end we see the men who make the film for some, the work for others, or simply a house.

Júlio Alves was born in Lisbon, 1971. He started really early to work in cinema and participated in 14 feature films as AD (assistant director), Sostiene Pereira, with Marcello Mastroianni is among them. In 1995 Alves directed his first short film, A Fachada (1995), followed by O Despertador (1996), Alferes (2000), Ossudo (2007) and O Jogo (2010). Meanwhile, he has done a documentary, 42,195 KM (2010) and he is currently filming A Casa (2011) another documentary, about the building process of a house of contemporary architecture that will be finished with the conclusion of the house, scheduled for September 2011.

Form, function, awe and all.

Sophie Jung was born in 1982 in Luxemburg and grew up in Germany and Switzerland. She studied Photography and Media Arts at the Folkwang school in Essen, the Zürcher Hochschule der Künste and graduated in 2011 from the Rietveld Academy in Amsterdam and is currently doing her MA in Fine Arts at Goldsmiths, University of London. She lives and works in Basel and London.

Ceci est l'histoire d'un Indigène Uitoto qui a organisé une résistance contre l'exploitation du caoutchouc au début du XXe siècle sous la Casa Arana. Yarokamena invoque les forces spirituelles et cosmiques de la guerre, libérant de son conteneur son pouvoir destructeur qui finit par créer une spirale de trahison et de mort. Ce récit remarquable a été interdit par les autorités traditionnelles en raison de son potentiel à inciter les jeunes à la rébellion et à servir de stimulus pour recourir à la sorcellerie. Cette histoire est racontée par Gerardo Sueche, conseiller du peuple Uitoto, traversant des portraits filmiques d'une Amazonie délirante, envahie par des ruines technologiques, des antennes dysfonctionnelles, des navires fantômes et des spectres coloniaux ancrés dans la mémoire orale des survivants de cet épisode d'exploitation et d'extractivisme. Le film utilise le cinéma comme un nouveau récipient pour cette force destructrice.

Andrés Jurado, is a Colombian artist, filmmaker, researcher, and producer whose creative exploration spans experimental and expanded cinema, archives, counter-archives, contemporary art, propaganda, mosquitoes, extraterrestrials, and the space race. He investigates their intricate impacts on shaping modern narratives and politics. He co-founded La Vulcanizadora, a studio that facilitates the convergence of Experimental Cinema, Visual Arts, Expanded Theater, and other practices. His film "El Renacer del Carare" earned a Special Mention at the 31st FIDMarseille (2020) and the Audience Award at Panorama de Cinema Colombiano (Paris, 2021). His recent short film, "Yarokamena," premiered at the 72nd Berlinale Forum Expanded and received an Honorable Mention at DocLisboa, Portugal. Between 2017 and 2021, he curated the Expanded Documentary section at MIDBO in Colombia. Part of the Forensic Architecture Team, he contributed to the "Traces of Disappearance" research and exhibition, focusing on land issues in Colombia. Currently, he's engrossed in his debut feature documentary, "Welcome: Interplanetary and Sidereal Space Conquerors." This captivating essay film offers a Latin American perspective on cinema, colonization, and the space race, following the specters of a jaibaná, an Emberá indigenous shaman involved in preparing astronauts for their monumental lunar journey.