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One of several videos made for the 2017 HIGHNESS performance and video series. Kolonie is an experimentation with the immobilising effects and machinations of the production of iconic images. Working with two bee-keepers and their bees to create a living crown on top of the artist`s head, Kolonie seeks to critically render visible the fact that a queen's image is often only fierce through the work of many hands. And a desire to rule can rot very quickly.

Melanie Jame Wolf is an Australian born artist who lives and works between Melbourne and Berlin. She makes work about economies. Sometimes solo, sometimes with friends. Always exploring systems of value and exchange, particularly as they occur in the murky field of immaterial capital… the social, the cultural, the affective. She investigates these flows as they are produced through ideas of ghosts, of gender, of pop, of myth, of morality, of sensuality, of class.

Unlike television comedies, many of our family conversations don`t make sense, but when my Father talks, we struggle to understand. U

Steven Woloshen was born in Montreal, Canada in 1960. For more than 30 years, he has passionately created over 50 award-winning, abstract films and time-based installations for festivals, galleries and museums. Twice nominated for Canada`s Governor General`s award, he has received numerous research and creation grants and, most recently, was awarded the 2016 René Jodoin lifetime achievement award, 2015 Wiesbaden Lifetime Achievement Award. Woloshen is a teacher, film conservationist, animator, craftsman and the author of two books, Recipes for Reconstruction: The Cookbook for the Frugal Filmmaker (2010), a hands-on manual for decay, renewal and other handmade, analogue film techniques, and Scratch, Crackle & Pop! A Whole Grains Approach to Making Films without a Camera (2015). Under his own banner, Scratchatopia, Woloshen has hosted solo retrospectives and taught handmade filmmaking techniques in Argentina, Morocco, USA, Slovenia, Australia, France, Great Britain, Greece, Portugal, Spain, Slovakia, Poland, Mexico, Serbia, Hungary, Austria and Canada.

Documentation of Rebecca Belmore?s performance VIGIL from the 2002 Talking Stick Festival in Vancouver . Performing on a street corner in the Downtown Eastside, Belmore commemorates the lives of missing and murdered aboriginal women who have dissapeared from the streets of Vancouver.

Born in Glasgow, Scotland in 1964 to Chinese parents from Malaysia and Mauritius. Trained as a dancer for 3 years at the Central School of Ballet. Danced with Swedish ballet companies, London Festival Ballet, Hong Kong Ballet, Union Dance Company, The Featherstonehaughs, Lloyd Newson etc etc. Freelanced as a dancer and extra/actor in various productions. Trained as a journalist at the London College of Printing. Regular writer for City Limits, SiYu Chinese Times, Dance Theatre Journal, The Independent, Socialist etc Researcher and producer at London Weekend Television. Assistant Producer at the BBC.

Une jeune femme travaille comme gardienne dans une prison désespérément surpeuplée à Madagascar. Elle passe son temps à rêver de son père, un meurtrier qui l'a abandonnée enfant, après avoir tué son propre frère. Dans son imagination, son père devient un tueur mythique, errant dans les campagnes et lançant des dés enchantés pour décider du sort de ses victimes. En secret, elle rêve du jour où il pourrait arriver parmi les prisonniers. Lorsqu'un nouveau détenu arrive en prétendant connaître son père, les fantasmes de la jeune femme commencent à tourner au cauchemar.

Maéva Ranaïvojaona est auteure, réalisatrice et productrice. Franco-malgache, elle vit et travaille à Paris (France) et Vienne (Autriche). Suite à l'obtention de diplômes à l'école des beaux-arts de Dijon (France) et de Bourges (France), elle travaille plusieurs années en tant qu'assistante auprès d'artistes comme Ernesto Neto au Brésil et Kristina Solomoukha à Paris (France), puis comme assistante réalisateur auprès de jeunes cinéastes en France et en Allemagne. Entre 2012 et 2016 elle écrit, produit et réalise deux films courts, qui seront sélectionnés dans des festivals tels que le Festival International du Film de Rotterdam (Pays-Bas) et le Short film Corner de Cannes (France). En 2016, Maéva Ranaivojaona remporte en tant que productrice le prix Air France du FIDLab, Marseille (France). En 2017, elle ouvre à Paris (France) la branche française de Subobscura Films avec le producteur et réalisateur Georg Tiller. En 2020, le long-métrage "Zaho Zay", co-produit et co-réalisé par Maéva Ranaïvojaona et Georg Tiller, gagne deux prix au FID Marseille (France), puis le prix MehrWert de la Viennale, Vienne (Autriche). Suite à des études non achevées de philosophie et de théâtre, Georg Tiller étudie le cinéma et la télévision avec Harun Farocki à la Akademie der bildenden Künste Wien, Vienne (Autriche), puis la réalisation et la mise en scène à la Filmakademie Wien, Vienne (Autriche), dans les cours de Michael Haneke et Christian Berger. Il étudie également la réalisation à la DFFB – Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin (Allemagne). Il a travaillé comme artiste et cinéaste indépendant, producteur de ses travaux et de ceux de ses amis, dans le cadre du collectif d'artistes Naivsuper. Il a travaillé comme associé à Mengamuk Films en Allemagne, et est actuellement directeur de la société de production Subobscura Films à Vienne (Autriche) et à Paris (France). Les films produits par Georg Tiller ont été sélectionnés dans des festivals de renommée mondiale, notamment à la Berlinale, Berlin (Allemagne); au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas); et à la Viennale, Vienne (Autriche). Ses œuvres ont été exposées à la biennale de Sao Paulo (Brésil); au Centre Georges Pompidou, Paris (France); et à la Lulea Winter Bienal, Lulea (Suède).

A mound of coal, black dust dissipating into the air, a stone statue of a worker: These are the opening images of White Coal. Loosely inspired by Hermann Melville`s "The Confidence Man", the story of a blind passenger aboard a Mississippi steamboat, the first thread of White Coal follows the journey of a Polish coal transport ship and a male figure dressed as in silent movies of the proletarian heyday. Always seeming to appear as if someone had called for him, this man wanders around a disintegrating industrial town aimlessly. We see dogs barking, and the sounds of heavy industry linger in the air. He enters a ship furtively, apparently unaware that it is a coal ship set to travel on down a narrow river. It is as if the boat had the entire crew under a spell cast by its slow but steady motion. Only minimal movements are possible on board this ship, and the "blind passenger" becomes the spectator of this self-contained routine. The film`s second thread portrays the physical structures and environment in which coal is exploited at the world`s largest coal-burning power plant, located in Taychung, Taiwan. Here color enters the film, yet it feels like the present is falling behind the past, industrial landscapes, truck transports, giant chimneys burning coal, monitoring stations following their own beat. Computers out of order and people scooting around in chairs. The drone of the Polish coal ship is mirrored by the crushing din of industry, then cancelled out by an aseptic control room vacuum that swallows whatever might otherwise be a human gesture. This is Melville`s steamboat, chugging slowly and unstoppably down a river with no end, where human beings have no voice with which to speak and exist encapsulated in their own imagined present tense. Although the film uses the material as the primary source of its investigation, White Coal is less a film about coal than an exploration of industrial film motifs from the 1920s to the present.

After unfinished philosophy and theater studies, he studied film studies first with Harun Farocki at the Academy of Fine Arts Vienna, then film directing and cinematography with Michael Haneke and Christian Berger at the Film Academy Vienna and later film directing at the German Film and Television Academy Berlin (dffb). Since early on he has been working as a freelance artist and filmmaker later also as a producer of his own and his friends work, initially with the artist collective naivsuper. His films have been shown at numerous film festivals around the world and he has exhibited his work at the Bienal de Såo Paulo, the Centre Georges Pompidou and the Luleå Vinter Bienal among many other places. He is one of the co-founders of the production company Mengamuk Films and managing director of Subobscura Films. Georg currently lives in Vienna and Berlin.

Une jeune femme travaille comme gardienne dans une prison désespérément surpeuplée à Madagascar. Elle passe son temps à rêver de son père, un meurtrier qui l'a abandonnée enfant, après avoir tué son propre frère. Dans son imagination, son père devient un tueur mythique, errant dans les campagnes et lançant des dés enchantés pour décider du sort de ses victimes. En secret, elle rêve du jour où il pourrait arriver parmi les prisonniers. Lorsqu'un nouveau détenu arrive en prétendant connaître son père, les fantasmes de la jeune femme commencent à tourner au cauchemar.

Maéva Ranaïvojaona est auteure, réalisatrice et productrice. Franco-malgache, elle vit et travaille à Paris (France) et Vienne (Autriche). Suite à l'obtention de diplômes à l'école des beaux-arts de Dijon (France) et de Bourges (France), elle travaille plusieurs années en tant qu'assistante auprès d'artistes comme Ernesto Neto au Brésil et Kristina Solomoukha à Paris (France), puis comme assistante réalisateur auprès de jeunes cinéastes en France et en Allemagne. Entre 2012 et 2016 elle écrit, produit et réalise deux films courts, qui seront sélectionnés dans des festivals tels que le Festival International du Film de Rotterdam (Pays-Bas) et le Short film Corner de Cannes (France). En 2016, Maéva Ranaivojaona remporte en tant que productrice le prix Air France du FIDLab, Marseille (France). En 2017, elle ouvre à Paris (France) la branche française de Subobscura Films avec le producteur et réalisateur Georg Tiller. En 2020, le long-métrage "Zaho Zay", co-produit et co-réalisé par Maéva Ranaïvojaona et Georg Tiller, gagne deux prix au FID Marseille (France), puis le prix MehrWert de la Viennale, Vienne (Autriche). Suite à des études non achevées de philosophie et de théâtre, Georg Tiller étudie le cinéma et la télévision avec Harun Farocki à la Akademie der bildenden Künste Wien, Vienne (Autriche), puis la réalisation et la mise en scène à la Filmakademie Wien, Vienne (Autriche), dans les cours de Michael Haneke et Christian Berger. Il étudie également la réalisation à la DFFB – Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin (Allemagne). Il a travaillé comme artiste et cinéaste indépendant, producteur de ses travaux et de ceux de ses amis, dans le cadre du collectif d'artistes Naivsuper. Il a travaillé comme associé à Mengamuk Films en Allemagne, et est actuellement directeur de la société de production Subobscura Films à Vienne (Autriche) et à Paris (France). Les films produits par Georg Tiller ont été sélectionnés dans des festivals de renommée mondiale, notamment à la Berlinale, Berlin (Allemagne); au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas); et à la Viennale, Vienne (Autriche). Ses œuvres ont été exposées à la biennale de Sao Paulo (Brésil); au Centre Georges Pompidou, Paris (France); et à la Lulea Winter Bienal, Lulea (Suède).

A mound of coal, black dust dissipating into the air, a stone statue of a worker: These are the opening images of White Coal. Loosely inspired by Hermann Melville`s "The Confidence Man", the story of a blind passenger aboard a Mississippi steamboat, the first thread of White Coal follows the journey of a Polish coal transport ship and a male figure dressed as in silent movies of the proletarian heyday. Always seeming to appear as if someone had called for him, this man wanders around a disintegrating industrial town aimlessly. We see dogs barking, and the sounds of heavy industry linger in the air. He enters a ship furtively, apparently unaware that it is a coal ship set to travel on down a narrow river. It is as if the boat had the entire crew under a spell cast by its slow but steady motion. Only minimal movements are possible on board this ship, and the "blind passenger" becomes the spectator of this self-contained routine. The film`s second thread portrays the physical structures and environment in which coal is exploited at the world`s largest coal-burning power plant, located in Taychung, Taiwan. Here color enters the film, yet it feels like the present is falling behind the past, industrial landscapes, truck transports, giant chimneys burning coal, monitoring stations following their own beat. Computers out of order and people scooting around in chairs. The drone of the Polish coal ship is mirrored by the crushing din of industry, then cancelled out by an aseptic control room vacuum that swallows whatever might otherwise be a human gesture. This is Melville`s steamboat, chugging slowly and unstoppably down a river with no end, where human beings have no voice with which to speak and exist encapsulated in their own imagined present tense. Although the film uses the material as the primary source of its investigation, White Coal is less a film about coal than an exploration of industrial film motifs from the 1920s to the present.

After unfinished philosophy and theater studies, he studied film studies first with Harun Farocki at the Academy of Fine Arts Vienna, then film directing and cinematography with Michael Haneke and Christian Berger at the Film Academy Vienna and later film directing at the German Film and Television Academy Berlin (dffb). Since early on he has been working as a freelance artist and filmmaker later also as a producer of his own and his friends work, initially with the artist collective naivsuper. His films have been shown at numerous film festivals around the world and he has exhibited his work at the Bienal de Såo Paulo, the Centre Georges Pompidou and the Luleå Vinter Bienal among many other places. He is one of the co-founders of the production company Mengamuk Films and managing director of Subobscura Films. Georg currently lives in Vienna and Berlin.

With my film film, Possessed. I had a strong, slightly illicit, urge to commandeer the original train sequence from the 1931 film Possessed and make it move in such a way as to give the girl (Joan Crawford) what she thought she wanted: a position on the inside. To do that, I had to create my own (all encompassing) vehicle. By my count, the original sequence provides three orders of motion: the motion (and stillness) of the passengers on the train, the motion of the train itself, and finally the motion of the girl (Joan) outside of the train. By injecting my own additional level of motion, I was able to move Joan from her position on the outside looking in (played melodramatically as desire?s longing for the just-out-of-reach) to a position inside, looking around (played as pure vision). But maybe that?s really just my fanciful imagining and, as such, pretty much situates me in Joan?s original position: projecting desire onto a handy passing vehicle. In the end, at least this much is true: we both love staring into this passing train. In fact, we never seem to tire of it.

Fred Worden has been making experimental film since the mid 1970?s. His films have been shown in the 2002 Whitney Biennial, The Museum of Modern Art , The Centre Pompidou, The Pacific Film Archive, The New York Film Festival, The London Film Festival, The Rotterdam International Film Festival, The Toronto Film Festival, The Hong Kong International Film Festival and numerous other experimental film venues.

Two associates undertake some impromptu physical experimentation on the streets of Greensboro, North Carolina. 1 part contact improv, 1 part parkour, 8 parts play.

Jason Workman b1970 New Zealand Lives Melbourne, Australia Workman is an artist,writer and poet. Workman`s film, writing and physical interventions focus on public space as a field of play and everyday creativity. www.everydaypress.net

Workman prend une voie peu orthodoxe, en bas de l'escalier ? en partie « parkour » (art du déplacement), en partie graffiti physiques.

Le travail de l'artiste consiste principalement à introduire des gestes, des textes et des objets dans l'espace public. L'artiste s'intéresse à l?introduction subtile d?interventions minimales et calmes dans le flux de la vie quotidienne. Il essaie de ne pas différencier l?« art-pratique » de la « pratique de la vie ». À cette fin, il a créé des interventions sur son lieu de travail, dans des espaces de vente au détail, dans les trains, les parcs, sur le trottoir. Ces interventions sont poétiques, éphémères et souvent à petite échelle, c?est pourquoi, il arrive que seul un petit nombre de gens les remarque. Le souhait de l?artiste est de réussir à obtenir un sourire, une pause, un moment de désorientation chez ce petit nombre de personnes. Son travail est intuitif et exploratoire. Il cherche des opportunités par lesquelles s?engager, en jouant, dans les aspects de notre réalité quotidienne.

In one place, a replica of the Democracy Monument is being built. Meanwhile, the actual Democracy Monument on Ratchadamnoen road was rioting with protests demanding the reform of the monarchy.

Suwaporn Worrasit (b.1987, Bangkok) is a cinematographer and a documentary filmmaker in Thailand. He utilizes the observation methods to create his works.

Quand un petit garçon et une petite fille trouvent une idole dans l`estomac d`un lapin, ils reçoivent de grandes richesses, mais pour combien de temps ?

Run vit à Londres et travaille en tant qu'animateur indépendant depuis 1990, année où il a obtenu sa maîtrise en animation au Royal College of Art. Il a produit plusieurs court-métrages auto-produits ainsi que des publicités et des vidéo-clips (notamment pour Howie B and The Chartalans). Il a fourni des illustrations au magazine NME pendant plusieurs années.

Everyday Vrealities is a virtual reality documentary about different kinds of families, homes and ways of life. The viewer can, using their VR-headset, walk freely around from home to home, and witness everyday scenes happening in front of them. The film consist of nine homes, each linked to another. The viewer can witness a father playing games with his daughter, a couple doing yoga, a mother helping her son do his homework, an elderly mother teaching her daughter how to make pottery, a kid doing somersaults, a family with their newborn etc. The viewer can also re-enter some of the rooms to see new scenes. In the film there are no interviews or backstories. It is not a film of big emotions, but more of reflections and observation. It is in a sense “slow tv”, with seemingly nothing much happening. We can using the free movement in the space to quietly observe an everyday event unfolding, and even revisit it later if we want. The combined length of all clips is around 50 minutes.

Timo Wright is a media artist based in Helsinki, Finland. Noteworthy exhibitions include e.g. Nakanojo Biennale, Nikolaj Kunsthal, Kunsthall Charlottenborg, Samuelis Baumgarte Galerie, Galerie Anhava, Helsinki Art Museum, Helsinki Design Museum, Amos Anderson Art Museum, Kunsthalle Helsinki as well as festivals such as IDFA, Slamdance, Nordisk Panorama and International Film Festival Rotterdam. His films have been shown at over 80 festivals and exhibitions worldwide.

Ex Nihilo is an experimental short documentary about life, death and our attempts to control them. It tells the stories of an advanced humanoid robot, a cryonics facility, where the brains of deceased people are held and of a ninternational seed vault, where crop seed from around the world are held frozen. The first film is about one of the most advanced humanoid robots, HUBO. It can walk on uneven terrain, drive a vehicle and operate different tools. The second film is about Oregon Cryonics, a cryonics organisation in Salem, Oregon, USA. At their facility human brains of deceased people are kept at very low temperatures. The third film is about the Svalbard Global Seed Vault, which s situated on the island of Spitsbergen midway between Norway and the North Pole. The vault holds seeds of more than 4000 different plant species at '18 °C. The crates of seeds from all around the world are kept side-by-side deep inside the frozen vault.

Timo Wright is a media artist based in Helsinki, Finland. Wright has graduated with MA degree from the Aalto University School of Art and Design in Helsinki in 2014. He has participated in domestic and international exhibitions since the mid 2000s including Kunsthall Charlottenborg (2017&2018), Samuelis Baumgarte Galerie (2017), Galerie Anhava (2016), Helsinki Art Museum (2013), Helsinki Design Museum (2012), Amos Anderson Art Museum (2012), Kunsthalle Helsinki (2012, 2010, 2009) and Helsinki Art Museum's Kluuvi Gallery (2012), as well as festivals such as IDFA, Slamdance, Nordisk Panorama, International Film Festival Rotterdam and Japan Media Arts Festival. His films have been shown at over 70 festivals and exhibitions worldwide.

EVENT is a spin-off short film from Heli Meklin`s performance "Simple Events". What goes up, must come down.

Timo Wright is a media artist and documentary film director. His works are mostly political, ranging from photographing everything he owns to ?racist? computers. Recently he has been collaborating with several prominent choreographers working alongside them bringing new computer based content and interaction into dance performances. www.timowright.com

Il s'agit d'une vidéo réalisée sur papier, composée d'images numériques et de matériaux physiques, et qui explore l'essence des images en mouvement. J'ai divisé la vidéo numérique au ratio filmique de 24 images par seconde. Grâce au processus de transformation numérique par impression et numérisation, la vidéo recomposée se situe entre mouvement et immobilité, virtuel et concret, numérique et matériel. Ces contrastes ont ainsi été mis en relation avec la philosophie orientale du taoïsme, "un corps avec deux côtés". Dans cette vidéo, j'ai essayé de visualiser cette loi naturelle abstraite, qui échappe à toute description. Le Tao est vide mais inépuisable, caché mais toujours présent, un mode de vie mais pas une vérité localisable. "darkness within darkness" cherche, de la même manière, à comprendre le contraste même entre l'établi (matériel) et l'abstrait (numérique), en révélant le temps invisible de l'image.

Wu Chia-Yun (née en 1988 à Taïwan) a obtenu un Master en communication visuelle au Royal College of Art, Londres (Royaume-Uni), et un Master en cinéma à la National Taiwan University of Arts, Taipei (Taïwan). Elle est artiste et réalisatrice, et vit à Taipei (Taïwan). Son travail est un mélange d'images, de vidéos, de médias mixtes et d'installations, axé sur les thèmes de la "condition humaine" et du "temps de l'image". Wu Chia-Yun a été récompensée en tant que Emerging Artist Made in Taiwan par le ministère de la Culture [2017]; a reçu le premier prix des Kaohsiung Awards, Kaohsiung Museum of Fine Arts, Kaohsiung (Taïwan) [2019]; et a présenté une exposition solo au National Taiwan Museum of Fine Arts, Taichung (Taïwan) [2019]. Ses œuvres ont également été sélectionnées à l’international, notamment au Festival européen des arts médiatiques, Osnabrück (Allemagne) [2020]; à The European Independent Film Channel, Paris (France) [2015]; et au Shanghai international Film Festival (Chine) [2014].

La conception de cette œuvre repose en grande partie sur les peintures rupestres préhistoriques de Célèbes, ainsi que sur des fossiles et des vestiges non découverts, ou faisant encore l'objet de fouilles en Asie de l'Est, en Asie du Sud-Est, et dans d'autres régions du monde. La création de peintures rupestres marque l'avènement d'une créature intelligente découvrant des images pour une expérience immersive. Des espèces différentes peuvent développer des fonctions similaires, parce qu'elles se trouvent dans des environnements similaires - ce que nous appelons l'évolution convergente; des groupes ethniques différents sont également capables de développer les mêmes capacités cognitives dans des environnements similaires. Les peintures rupestres de la grotte de Leang-Leang, parmi les plus anciennes du monde, ont été témoins de l'apparition de la conscience, qui s'est produite à différents endroits au fil de l'histoire de l'humanité. Cela illustre l’existence d’une communauté entre les êtres humains, et la façon dont ils évoluent progressivement, pour partager davantage de similitudes.

Wu Chi-Yu, né en 1986, est artiste. Il vit à Taipei (Taïwan). Depuis longtemps, son travail cherche à rétablir les liens entre les êtres humains, les objets, les animaux et le monde en ruine laissé par le capitalisme technique. Sa pratique s'articule autour des images en mouvement, cherchant des récits contemporains dans une mémoire oubliée, à travers la reproduction de l'histoire orale et des mythes. Il collabore également à des projets d'installation, d'installation vidéo et de performance. Parmi les expositions auxquelles il a déjà participé, citons "The Ouroboros" à The Cube Project Space, Taipei (Taïwan), et au Casino Luxembourg (Luxembourg) [2019]; "Serious Games" au HOW Art Museum, Shanghai (Chine) [2019]; la 12e Biennale de Shanghai: Proregress, à la Power Station of Art, Shanghai (Chine) [2018]; "Trans-Justice" au MOCA – Museum on Contemporary Art, Taipei (Taïwan) [2018]; "Crush", au Para Site, Hong Kong (Chine) [2018]; la Biennale de Taipei, au Taipei Fine Arts Museum, Taipei (Taïwan) [2016]; "The 2nd CAFAM Future Exhibition", au CAFA – Central Academy of Fine Arts Art Museum, Pékin (Chine) [2015]. Ses films ont notamment été projetés au Short Film Program-Art Basel, Hong Kong (Chine) [2019]; au Beijing International Short Film Festival, Pékin (Chine) [2017]; au EXiS Festival, Séoul (Corée du Sud) [2017]; et au Arkipel Festival, Jakarta (Indonésie) [2016]. Il a présenté une exposition solo, "91 Square Meters of Time", au TKG+ Project, Taipei (Taïwan) [2017], et a été artiste en résidence à la Rijksakademie van beeldende kunsten, Amsterdam (Pays-Bas) [2014-2015].

La voix glaçante du leader charismatique et meurtrier de masse des années 1960, Charles Manson, s’inscrit dans la vague actuelle de divisions, d’hostilité anti-immigrés, d’antisémitisme, de misogynie et de troubles politiques dans une Amérique déchirée par la contagion de la haine et de la violence. Manipulateur ultime, Manson savait comment exploiter les aspects les plus incendiaires de l’air du temps au cours de la tumultueuse période vietnamienne pour alimenter son propre agenda. Il a tour à tour colporté la peur et l'amour et a utilisé sa première exposition aux enseignements bibliques pour attiser les feux d'un dogme dérangé qui comprenait une guerre raciale imminente qui serait imputée aux Noirs. Tel un réalisateur à l’apparence extérieure d’un hippie épris de paix, Manson a donné des instructions précises à ses partisans alors qu’ils se mirent à commettre des meurtres effroyables dans les collines d’Hollywood et au-delà, tandis qu’il restait dans les coulisses. L’amalgame de Manson entre suprématie blanche, méthode de Dale Carnegie et dévouement à son interprétation tordue de l’idéologie chrétienne trouve une note dangereusement familière dans l’Amérique de 2024.

Les films de Nancy Wyllie ont été projetés dans le monde entier, notamment au Whitney Museum of American Art d'Altria, au 7e salon international des réalisateurs de Berlin, au Tribeca Cinemas Video Art & Experimental Film Festival de New York et au Aesthetica Short Film Festival (ASFF), à York, au Royaume-Uni. et le New Media Film Festival de Los Angeles. "Moth Vitals" était l'une des 28 sélections internationales projetées au Festival international d'art vidéo "Now & After" au State Darwin Museum de Moscou en 2017, où son travail est devenu partie intégrante de la collection permanente. En 2018, son court métrage sur la violence armée, « Reenactments », a remporté le prix Americas du meilleur projet expérimental au TAFFNY The Americas Film Festival de New York, parrainé par la Division des études interdisciplinaires CUNY. Wyllie a parlé de la prolifération de la violence armée aux États-Unis lors de la cérémonie de remise des prix qui a eu lieu au Smithsonian National Museum of the American Indian. Son film sur la bibliothèque personnelle de Marilyn Monroe intitulé « Cover to Cover » a été réalisé avec le soutien des archives de la famille Sam Shaw et projeté en 2022 au Festival international du film de portrait de l'IPFF, à Sophia, en Bulgarie. « Soaked Earth » a été projeté à Human Landscapes, Rome Art Week 2024. Wyllie est titulaire d'une maîtrise du RISD et a étudié le cinéma à NYU.

A chilling voice from the past falls in line with the current wave of divisiveness, anti-immigrant rhetoric and political turmoil in an America torn by violence and bloodshed.

Nancy Wyllie's films have screened throughout the world including The Whitney Museum of American Art at Altria, the 7th International Berlin Director's Lounge, Tribeca Cinemas Video Art & Experimental Film Festival in New York and the Aesthetica Film Festival (AFF), York, UK. "Moth Vitals" was one of 28 international selections screened at 'Now & After" International Video Art Festival at The State Darwin Museum in Moscow in 2017 where her work became part of their permanent collection. “Moth Vitals’ screened at 2020 jellyfest film festival at the AFI /American Film Institute, Mark Goodson Theater, Los Angeles. Also in 2020, ‘Inquest’ was selected for the Blow-up International Arthouse Film Festival, Gene Siskel Theater, Chicago, IL. USA. In 2018, her short gun violence film, ‘Reenactments’ won The Americas Award for Best Experimental Short at The Americas Film Festival New York. The Awards Ceremony took place at the Smithsonian National Museum of the American Indian on June 15, 2018. “Soaked Earth” was selected for the Extremely Shorts Film Festival 2020, Aurora Picture Show, Houston Media Arts and received Honorable mention for Best Experimental at the SENE Film Festival 2021 with an LA Premiere at the Super Shorts Los Angeles Film Festival at the Lee Strasberg Theater and Film Institute, December 2021. Her film project exposing the underbelly of the global skin bleaching epidemic titled, “Getting Under Our Skin” was funded by The Puffin Foundation and screened at The Torpedo Factory in Through These Eyes July- September 2022. Also in 2022 her film “Inquest” was selected for screening at the International Portrait Film Festival (IPFF) in Sophia, Bulgaria and at “Diorama Room Presents: Tune Into Green,” 13 short experimental and expanded documentary films by international filmmaker, sound artists and musicians. 'Soaked Earth' screened at the New York Short Film Festival at Cinema Village, Manhattans oldest independent cinema, in 2022. In 2023, 'Twenty Square Feet' was a semi finalist at the Blow-up Arthouse Film Festival 2023 in Chicago. 'The Through Line' was a semi finalist at Berlin Shorts 2023 and received an Honorable Mention at the Video Art & Experimental Film Festival at Tribeca Cinemas. 'Soaked Earth' is part of Human Landscapes, a Loosenart International Art project, at Rome Art Week 2024. Wyllie holds Master’s degrees from RISD and Tulane University, New Orleans. She studied film at New York University and taught foundation art & design, digital media courses and video art at Ithaca College, RISD, Vermont College of Norwich University (MFA faculty) and at CCRI until 2018.

Full of feeling and cheerful meeting with Elvis Rromano, a teacher in a Gypsy school somewhere in the countryside of Romania, a fellow country of the European Union. He looks and dresses like Elvis Presley. A guitar and the evergreen songs of Elvis are his permanent companions. Giving an insight into the life of Gypsy-people`s in an untroubled manner, Elvis actually points out the crucial issues of Gypsy roots, European Union identity-politics, the social mobility of Gypsy and his own Otherness in European society. `Hello I am Elvis Rromano. Elvis Rromano means Gypsy Elvis, it?s because I sing Presley?s songs in the Gypsy language. I love what I do, and I do it with passion. I?m unique, I sing in Gypsy. Why? The old Gypsies love Elvis, but they don?t understand his lyrics, many of them don?t know English. So it was a gift for them. Elvis in my very own way, with my own words, in my language, in Gypsy. My lyrics are deeper, more serious. I sing about my roots and my feelings, my own life, as well as the life of the Gypsies. There?s one more reason. I discovered that Elvis was half-Gypsy, from his mother site`

Robert Rumas (b. 1966) ? visual artist and curator, associated with the current of critical art.; a graduate of Gdańsk Academy of Fine Arts; co-founder of Wyspa Gallery in Gdańsk. He creates installations, performances and actions in public space. His works use objects of religious cult, placing them in a non-religious context. His most famous projects include Termofory X 8 (Waterbottles X 8) and Manewry miejskie (City Maneouvers). Simultaneously to his artistic works he has been organizing space and set design in multimedia and theatre performances since 2004. He lives and works in Warsaw. Piotr Wyrzykowski alias Peter Style (b. 1968) - media artist, performer ans set designer. Studied interior architecture and media art at the Fine Arts Academy in Gdansk. He made his debut as a performer in 1990. In his practice he uses video, photography, Internet and sound - creating performances, installations, projects in public space, network projects and multimedia plays. Cofounder and artistic director of CUKT. The best known project of the group was ?Presidential Campaign of Wiktoria Cukt? that proposed a virtual candidate for the President of Poland. He`s work ?Beta Nassau? (1993) is in the collection of MoMA, New York. He lives and works in Gdansk & Kiev.

Casarsa della Delizia, novembre 2010. Un voyage sur la tombe d`un cinéaste, la découverte de la terre du grand-père, un pays où l`on parle une langue locale; est-ce cela qui fait de moi un immigré? Les récits des lieux viennent se mêler à ceux portés par la mer. Mais la mer n`est pas un pays. "Je vais vers un pays que je ne connais pas. Mais je sais que ce pays est important. Il m?attire comme quelque chose d?indispensable. Mais un doute persiste. Ce voyage est la traversée d?une part de moi-même, à découvrir. Mais peut-être qu?en arrivant là-bas, il n?y aura rien. Rien d?autre à découvrir que le fascisme. Mais je ne parle pas de politique, je parle de la nécrose d?une pensée, de la confrontation avec un réel sans histoires, sans mythes."

Né en 1987 à Toulouse (France), Luca Wyss est un cinéaste basé à Paris. Il a étudié à l`Ecole National Supérieur d`Arts de Paris-Cergy. Depuis plusieurs années, il est membre de l`atelier de cinéma expérimental "L`ETNA", avant de fonder le collectif "Les inquiets" avec Félix Albert. Le collectif travaille autour de l?espace méditerranéen, dans le but de tisser des liens de sens et d`images entre les rives de cette mer. Ce travail a amené le collectif à filmer à Pristina (Kosovo), à Alger (Algérie), à Belgrade (Serbie), à Téhéran (Iran) dans une démarche hybride entre documentaire et art contemporain. En parallèle de ce travail de co-réalisation, Luca Wyss développe un travail d`expérimentation narrative, cherchant dans les récits mythiques et les témoignages personnels de nouvelles manières de percevoir l`espace du possible. Ce travail l`a amener à filmer à Beyrouth (Liban), à Toulouse (France), à Bienne (Suisse), à Cazarsa (Italie). Il cherche à faire du mythe une vision du réel. Son dernier film appartient à cette recherche.