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The surface of the skull is smooth as marble, except for the fractures surrounding a small, round bullet hole. The camera penetrates this opening, revealing the rock-like landscape within, of deep ravines, jagged-edged craters, and bony reefs. Here and there we see a web hanging, inhabited by a spider. Bullet records the skull of an unidentified body from the Peruvian violent period, which raged from 1980 to 2000 and took 70,000 lives. Since then, many remains have been found but cannot be identified and they still hover, as it were, under the status “NN” ­–“No Name.” The film tries to shed light on the forces that penetrate the lives of people: natural or social forces that overtake observation, the imagination and memory.Bullet constitutes an indictment of arbitrary executions and judicial vacuum in which they remain.

I am a visual artist and filmmaker who works with video installations. I have had recent exhibitions at, among other places: De Pont Museum (NL), MAXXI Museum (IT); MALI – Museo de Arte de Lima (PE); Rose Art Museum (US); La Casa Encendida (ES); Palais de Tokyo (FR); Kyoto Art Center (JP); Das Fridericianum (DE); and Matadero (ES). My work has been shown at various art biennials and internationally, including Videobrasil, the 13th Havana Biennial (CU), Asian Art Biennial (TW), the 2nd Wuzhen Contemporary Art Exhibition (CN) and the Beijing Biennial (CN). I have also collaborated as audiovisual art director for stage productions in Peru, Spain, Austria and Italy. In 2018, I was granted the Han Nefkens Foundation Award. I live in Amsterdam, where I teach at the Rietveld Academie. I am currently a PhD research student at the Department of Visual Cultures - Goldsmiths, University of London.

An unnatural landscape appears in an empty theater. Without any human action, a series of events begin to unleash. The motionless scene is abruptly interrupted by artificial disasters. When the scenography breaks down and the staged landscape collapses, the inhabitants confront their extintion. As the long-shot continues, the remnants left behind appear again, inexplicably recomposed. The fundamental motivation is to explore the limits, one’s own limits, ethical limits, political limits, of control over others deaths.

Maya Watanabe is a Peruvian visual artist who works with video installations. Her work has been exhibited at: Palais de Tokyo, Matadero Madrid, Kadist Art Foundation, Das Fridericianum, Museo de Arte Contemporáneo de Lima, and Kyoto Art Center among others. She has been featured in festivals like Videobrasil, LOOP, FILE, Transitio MX, Madrid Abierto, Havana Film Festival, and Beijing Biennale. She has also collaborated as a set designer and audiovisual art director for theatre plays performed in Peru, Spain, Austria and Italy. Watanabe is based between Amsterdam and Madrid.

Au-delà de la subtile sensation cutanée liée aux larmes coulant sur les joues, s?étend le vide cruel. Un vide glacé, surgissant quand les larmes s?évaporent. Un grand vide rempli d`affects. Un homme vit son errance dans cet espace vide. Il se plonge dans la mémoire de sa famille perdue à travers leurs souvenirs partagés sur la Cerisaie de Tchekhov. Ainsi la résonance des larmes serait orchestrée par un monologue-dialogue se déroulant comme le deuil d?une déchirure éternelle.

Atsuhiko Watanabe est un cinéaste/vidéaste japonais qui vit et travaille à Paris. Il est diplômé du Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains, où il a réalisé deux courts-métrages tels que Aliénation (Festival de Locarno 2003) et Resonance of tears (Festival de Rotterdam 2005).

La vidéo pour l'?uvre de @c, "int.15/35", est une visualisation directe de la musique. Le son est électronique, rempli de tons aigus et d'attaques soudaines de parasites qui s'arrêtent aussi brusquement qu'elles ne surviennent. La vidéo réagit à cette expérience en utilisant des couleurs claires et vives et des formes pointues. Utilisant l'analyse FFT pour obtenir les caractéristiques spectrales du son, toutes les formes de la vidéo réagissent instantanément aux changements de son, de telle sorte qu'on les perçoit comme un tout, comme un ensemble.

Marius Watz est un artiste qui travaille avec des stratégies génératrices pour créer des formes visuelles, utilisant souvent un style indicatif de formes organiques et de couleurs saturées. Autodidacte, il réalise ses ?uvres comme des logiciels, créant des ?uvres pour un large éventail d'applications, de projections dans des lieux publics à des visuels live de musique.

"Tropic Telecom" reflète le Paris contemporain dans sa réalité hybride et post-coloniale. Ce film se développe à partir du Palais de la Porte Dorée, inauguré en 1931 à l'occasion de l'Exposition coloniale de Paris. Il s’agit du seul bâtiment de l'exposition qui ait été conservé après la fin de l'événement, situé dans le sud-est de la ville en bordure du Périphérique. Son style architectural se présente comme une synthèse de l'Art Déco, alors moderne, et d'éléments librement interprétés des styles architecturaux et des arts premiers. Un bassin à crocodiles se trouve dans l'aquarium du palais, encore accessible, qui servait à présenter les poissons des colonies tropicales. À mesure que le film avance, un alligator albinos, que le bassin accueille aujourd'hui, entame un voyage surréaliste. Il conduit le spectateur à travers les lieux de l'histoire coloniale et migratoire française, ainsi qu’à travers de grands ensembles brutalistes et post-modernes de la banlieue parisienne, construits à partir de 1970 et représentant l'utopie résidentielle d'un Paris postcolonial. Une structure d'images émerge, situant les processus de négociation esthétique, politique et sociale en cours dans un champ de communication polyphonique.

Nico Joana Weber est née en 1983 à Bonn (Allemagne). Elle vit et travaille à Ludwigshafen am Rhein (Allemagne). Elle a étudié les beaux-arts et l'histoire de l'art au Goldsmiths College de Londres (Royaume-Uni), et a terminé ses études de deuxième cycle en 2013, à la Kunsthochschule für Medien, Cologne (Allemagne). Au moyen de différents mediums, tels que la vidéo, l'installation, la photographie et le dessin, elle explore les caractéristiques esthétiques et politiques de l'architecture et du paysage, dans des contextes transculturels. Son travail est alimenté par la recherche incertaine de traces historiques, et de processus culturels de transformation et d'appropriation. Cette recherche n'arrive pas à des solutions simplistes, mais se concentre plutôt sur des zones d'ambivalence. Nico Joana Weber a reçu de nombreuses bourses et récompenses, notamment le prix Villa Romana, Florence (Italie) [2016], et le Bonn Art Award, Bonn (Allemagne) [2019]. Elle a participé à des expositions et festivals variés, notamment au Kunstmuseum, Bonn (Allemagne) [2020]; à la Kunstverein Kärnten, Klagenfurt (Autriche) [2019]; au Goethe Institute Bulgaria, Sofia (Bulgarie) [2019]; à la Artothek, Cologne (Allemagne) [2018]; à la Temporary Gallery, Cologne (Allemagne) [2017]; au Museum unter Tage, Bochum (Allemagne) [2017]; au Skulpturenmuseum Glaskasten Marl, Marl (Allemagne) [2017]; à la Villa Romana, Florence (Italie) [2016]; au Goethe Institute, Paris (France) [2016]; au Aesthetica Short Film Festival, York (Royaume-Uni) [2015]; et au International Short Film Festival Oberhausen (Allemagne) [2015].

Vraie fausse comédie musicale, faux vrai making off, Wordly desires met en scène le quotidien d`un tournage dans les profondeurs de la jungle asiatique, mêlant des séquences chantées dont la durée déstabilise et enivre le spectateur, à des scènes lascives à l`ambiance mystérieuse. On retrouve ici les thèmes de prédilection du réalisateur thaïlandais, son goût pour la rencontre amoureuse et son attraction viscérale pour l`inquiétante étrangeté de la forêt tropicale.

Apichatong Weerasethakul, né à Bangkok en 1970, entame une carrière d`architecte avant d`obtenir un diplôme de cinéma au Art Institute de Chicago, en 1997. Ses travaux commencent à circuler dans le monde entier, dont Mystérieux objet à midi, son premier long métrage expérimental en 2000 et le court Boys at noon, la même année. En quelques années, il s`impose ainsi comme un des chefs de file de la scène expérimentale taïwanaise. Parallèlement en 1999, Apichtapong Weerasethakul fonde Kick the machine, une entreprise de promotion du cinéma expérimental et indépendant à travers le monde. En 2002, il présente à Cannes son premier long métrage de fiction, "Blissfully yours", considéré par de nombreux observateurs comme une des grandes révélations de cette édition. Suivra "Tropical malady", en 2004

“Vapour” se déroule dans le village de Toongha dans la région de Mae Ram en Thaïlande, où le réalisateur vit depuis plusieurs années. Les nuages descendent sur le village et l’engloutissent pour une journée. Ils touchent les tuiles, les lits, les chaises, les tapis, l’herbe, et les habitants, contaminant tout d’une vapeur blanche. Le village est en proie à des problèmes de gestion des terres et depuis près de soixante ans s’oppose au gouvernement thaïlandais.

Apichatong Weerasethakul, né à Bangkok en 1970, débute une carrière d`architecte avant d’obtenir un diplôme de cinéma au Art Institute de Chicago, en 1997. Ses travaux commencent à circuler dans le monde entier, dont «Mystérieux objet à midi», un premier long métrage expérimental en 2000 et le court «Boys at noon», la même année. En quelques années, il s’impose ainsi comme un des chefs de file de la scène expérimentale thailandaise. Parallèlement en 1999, Apichtapong Weerasethakul fonde «Kick the machine», une entreprise de promotion du cinéma expérimental et indépendant à travers le monde. En 2002, il présente à Cannes son premier long métrage de fiction, «Blissfully yours», considéré par de nombreux observateurs comme l’une des grandes révélations de cette édition. Suivra «Tropical Malady», en 2004. En 2005, Apichatpong a été consultant pour le projet Tsunami Digital Short Films, 13 films commissionnés par le Bureau pour l’Art contemporain et la Culture du ministère de la Culture thaïlandais. Ces films devaient rendre hommage aux victimes du tsunami et permettre aux artistes de réinterpréter ce tragique événement. Le film d’Apichatpong s’intitulait «Ghost of Asia», réalisé en collaboration avec l’artiste cinéaste française Christelle Lheureux. En 2008, il fait partie du jury cannois présidé par Sean Penn. En 2009, «Primitive Project» présenté parallèlement au musée d’art moderne de la ville de Paris et à Liverpool se remémore les affrontements sanglants à Nabua qui ont opposé civils et forces de l’ordre lors de la Guerre Froide, quand on tentait d’éradiquer toute trace de communisme chez les villageois. Dans les années 2000, il milite également contre la censure du cinéma en Thaïlande. Après avoir reçu le prix Un certain regard en 2002 pour «Blissfully Yours» et le prix du jury pour «Tropical Malady» en 2004, le cinéaste obtient la Palme d’or du Festival de Cannes 2010 pour son film «Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures».

The idea, as Weerasethakul himself explained in the introduction, was to shoot something with a new camera that Mubi lend him. The result: an experimental film in the nicest sense of the word; that is, to integrate the camera in the shoot (and with it all the mishaps, ups and downs that it might find/create) instead of shooting against it; that is, trying to hide it and keeping it safe, which is the standard procedure in non-experimental cinema. He therefore joined forces with his new toy avoiding the common threat that looms over every filmmaker that wants to do something other than a purely mechanical film (a film-machine): namely, that his film may become so aesthetically thick that it will be inscrutable. The challenge and virtue of Ashes, as with Mekong Hotel, is to create a welcoming film. This has also been achieved because the colour and the shape of the film is by now familiar turf for us: different brush, same hand. A boy and a dog, a dusty path, youths in the countryside, a bonfire?; all pieces from his well-known scrapbook. In a way it is like a twenty-minute walk in a different corridor of the same cave that he used for his earlier project, called Primitive. Weerasethakul is a better balladeer than poet, and since poetry is almost the unavoidable soul in a film like this (which is anything but prose), that shows. His struggle to master the new tool is often a beautiful and enjoyable one, but he doesn´t win out entirely, and has to rely on a certain narrative, without which the film would eventually sink. And so we are told by the narrator that the first half of this film it´s a dream, a drawn one; film as mental image.

Apichatpong ?Joe? Weerasethakul (born July 16, 1970) is a Thai independent film director, screenwriter, and film producer.He has a degree in Architecture from Khon Kaen University and a Master of Fine Arts in Filmmaking from The School of the Art Institute of Chicago. He has been making films and videos since the early 90s. His feature films include Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives, winner of the prestigious 2010 Cannes Film Festival Palme d?Or prize; Tropical Malady, which won a jury prize at the 2004 Cannes Film Festival; Blissfully Yours, which won the top prize in the Un Certain Regard program at the 2002 Cannes Film Festival; and Syndromes and a Century, which premiered at the 63rd Venice Film Festival and was the first Thai film to be entered in competition there. Themes reflected in his films include dreams, nature, sexuality (including his own homosexuality), and Western perceptions of Thailand and Asia, and his films display a preference for unconventional narrative structures (like placing titles/credits at the middle of a film). He is one of the few filmmakers in Thailand who have worked outside the strict Thai studio system. In his films, he experiments with certain elements found in the dramatic plot structure of Thai television and radio programs, comics and old films. He finds his inspiration in small towns around the country. In his work, he often uses non-professional actors and improvised dialogue in exploring the shifting boundaries between documentary and fiction.

This short film is a personal letter describing my Nabua to Uncle Boonmee. The film comprises of shots of house interiors in the evening. The houses are all deserted except for one, where there is a group of young soldiers, played by some teens of Nabua. Two of them impersonate me by narrating the film: `Uncle... I have been here for a while. I would like to see a movie about your life. So I proposed a project about reincarnation. In my script there is a longan (fruit tree) farm surrounded by mountains. But here there are endless plains and rice fields. Last week I met a man who I thought was your son. But perhaps he was your nephew because he said his father was a policeman who owned hundreds of cows. Judging from the book I have, I don?t think you owned a lot of cows, and you were a teacher, weren?t you? The man was old and couldn?t remember his father?s name very well. It might be Boonmee or Boonma. It was a long time ago, he said. Here in Nabua there are several houses that I think are suitable for this short film for which I got funding from England. I don?t know what your house looked like. I cannot use the one in my script because it is so different from the ones here. Maybe some parts of these houses resemble yours. What was your view like? Was it like this? Soldiers once occupied this place. They killed and tortured the villagers until everyone fled into the jungle.` There is a soldier having dinner alone on the second floor. In a room nearby, there is a mysterious figure sleeping in a pink mosquito nest. The silence is interrupted by the sound of digging heard from the window. From one of the houses, there is a glimpse of a spaceship parked in the backyard. Something small is darting across the frame. In an empty room, the soldier is lying on the floor looking out of the window, preoccupied by his thoughts. In a forest, there is a black, ape-like creature walking among the trees. In one corner of the forest we see a model of a shabby house, a spirit house that no one cares for any longer. In front of a tree a cow stands, doing nothing. After a while, it walks away.

This is a documentary about the armed violence in China during the Great Cultural Revolution. Traces are spread out from the only left ¡°Cultural Revolution Graveyard¡± in Chongqing, recollect the impact of the bygones to their life in the course of their growth, listen to their opinions and reflects to the historical disaster. Also raised the question of why such a tragedy had happened in China? For what reasons had they suffered from the tragedy? From the narrator¡¯s words, we seem to find some solutions, but far from enough. If we are indifferent to the disasters caused by the Cultural Revolution, never reflect about it, there might be possibilities more sufferings would happen, that we are reluctant to see it again.

Lu Wei est un artiste indépendant vivant et travaillant à Pékin. Il est diplômé du département d?arts plastiques de la China Central Academy of Drama et a achevé ses études avec un colloque sur le thème des relations entre la religion et la culture à l?Université de Pékin. Son travail est étroitement lié à son expérience et ses souvenirs personnels et aux mutations rapides de l?histoire de la Chine contemporaine. La mémoire est le sujet principal de sa création. Ses ?uvres ont été internationalement exposées dans beaucoup d?institutions, y compris le ZKM Center for Art and Media de Karlsruhe; le Centre Pompidou à Paris, le Nasher Museum of Art aux Etats-Unis, le WRO Art Centeren en Pologne, le Musée Fabre à Montpellier, le Contemporary Art Centre of South Australia, le Taipei Fine Art Museum, le Centre of Contemporary Art Palau de la Virreina à Barcelone, l?Haus der Kulturen der Welt à Berlin et le Guangdong Museum of Art en Chine, etc.

That is a memory of my sophomore year of 1989, the year when I almost got killed. I don¡¯t feel lucky for my survival, but a strong feeling of sadness for myself, because of my inability to do something in the face of the dead. Twenty years have passed. Mother¡¯s hair has turned gray; beloved ones have dried up the tears. Glorious as forever on this first street of China, silence prevails. Silence, forgetting and deliberate covering, people¡¯s memory turns into a vacuum. The bygones twisted into a blurred picture, true memory gone, illusion remains. that memory makes us more helpless as the time passes by. Remaining silent in the face of reality witnesses our hypocrisy and weakness. Silence, forgetting and deliberate covering, people¡¯s memory turns into a vacuum. The bygones twisted into a blurred picture, true memory gone, illusion remains.

Liu Wei is an independent artist living and working in Beijing. He graduated from the Department of Fine Arts of China Central Academy of Drama and completed his studies at the Symposium on the Relationship between Religion and Culture, hosted by the Beijing University. His works are closely related to personal experience and memory, as well as the reality and rapidly changing history of contemporary China. ¡°Memory¡± is the main subject for his creation of art works, for it connects history at one end while reality at the other end in the clue of memory. Therefore in his works we can find such kind of realistic significance. He¡¯s works have been exhibited at many art institutions internationally including at ZKM Center for Art and Media in Karlsruhe; the Centre Pompidou in Paris, Nasher Museum of Art in U.S, WRO Art Center in Poland, Mus¨¦e Fabre in Montpellier, Contemporary Art Centre of South Australia, Taipei Fine Art Museum, The Centre of Contemporary Art Palau de la Virreina in Barcelona, the Haus der Kulturen der Welt in Berlin and The Guangdong Museum of Art China etc.

« Hopeless Land » montre des chiffonniers, qui sont également des agriculteurs de la banlieue de Pékin, se rendant tous les jours dans une décharge publique pour récupérer des déchets domestiques de la ville, afin d?en tirer de maigres revenus en complément de leurs bas salaires. Avec son rapide développement économique, la ville de Pékin s?est étendue dans toutes les directions. D'une part, les terres cultivées diminuent de façon continue, même si les revenus agricoles restent inchangés. D'autre part, la demande des consommateurs est de plus en plus forte en dépit de la constante augmentation des prix. Cette situation a posé un nouveau dilemme à de nombreux agriculteurs, les forçant à trouver de nouveaux moyens de subsistance. Alors que les médias proclament le développement urbain et la prospérité, sommes-nous vraiment conscients que le processus d'urbanisation est en train de détruire notre environnement et notre mode de vie ?

Liu Wei est né en 1965 en Chine. Artiste indépendant, il vit et travaille à Pékin et s?intéresse principalement à la vidéo et à la photographie. En 1992, il a obtenu son diplôme au Département des Beaux-Arts de la China Central Academy of Drama et il a poursuivi ses études au Symposium on the Relationship between Religion and Culture, organisé par le Département de Philosophie de l'Université de Pékin. Les ?uvres de Wei sont étroitement liées à l'expérience personnelle, à la mémoire, à la réalité de la Chine contemporaine ainsi qu?à l'évolution rapide de son histoire. Ses ?uvres ont été exposées dans de nombreuses institutions, notamment au Centre Pompidou de Paris, au Centre pour l?Art et les Média ZKM de Karlsruhe, au Musée d?Art de Guangdong, au Nasher Museum of Art (USA), à l?AdK de Berlin, au Musée Fabre de Montpellier, au Centre d?Art Contemporain Palau de la Virreina, au Musée des Beaux-Arts de Taipei et au Centre d?Art SESC.

Cette vidéo enregistre le nouvel an 2004 dans le village de Dongzhuang, Beijing, de ces personnes faisant appel, qui sont soit sans abri ou pour qui il est difficile de rentrer chez eux. Le film essaye de montrer leurs vies et d'enregistrer leurs expériences, d'écouter leurs voix et d'apprendre à connaître le niveau le plus bas de la société chinoise et approche une chine réelle voire mythique. En Chine, plusieurs pétitionnaires font appel année après année sans résultats. Ces années d'appel leurs ont tellement dévoré la vie et l'espoir qu'elles ont usé leurs vies entières. Ce sont les gens les plus ordinaires de Chine. Ce sont les groupes qui ne sont pas protégés. Leurs voix sont tellement faibles, personne n'écoute leurs cris.

Born in 1965, P. R. China. Live and work in Beijing. Educational Background：In 1992, graduated with bachelor`s degree in literature, as a design major, from the Department of Fine Arts, of China Central Academy of Drama. In 1995, completed his studies at the Symposium on the Relationship between Religion and Culture, hosted by the Philosophy Department of the Beijing University.

2013, performance,single-channel video (HD, color, sounds）, 233min 45sec Work Description: Rented a minibus, put four 50w-loudspeakers on the top of it, playing the sound of groaning (which cut from the movies), driving through the city streets.

WEI JINQIANG Born in Honghu City, Hubei Province in 1983, WEI JINQIANG currently lives and works in Wuhan. Education: Wei Jinqiang graduated from the Oil Painting Department of Hubei Fine Arts Institute in 2005 with a bachelor degree.

Finale is a short film that follows one man's journey to the silver screen, inspired by and starring un-sung local hero Evan Knoble alongside senior marching ladies, motorcycle clubs, community orchestras and primary school students. Finale merges the essence of a musical with contributions from a diverse range of local community groups located in the Mornington Peninsular of Victoria, Australia. The nostalgia associated with Drive In Cinemas unfolds alongside the local wild natural landscapes to create a journey of longing and commitment. Finale merges the surreal with wild natural landscapes to create a dark portrait of our longing for that one moment of fame. Finale was created by Aphids with its key artists collaboratively writing, creating and producing the work.

Aphids creates epic contemporary art projects using performance, music, site-specificity and new technologies. Collaborative and driven by a passionate belief in the social role of art, Aphids investigates what is current and urgent in contemporary culture. Aphids is led by Artistic Director Willoh S.Weiland in collaboration with Artistic Associates Martyn Coutts, Elizabeth Dunn, Tristan Meecham, Lara Thoms and Thea Baumann (Shanghai). Based in Melbourne, Australia, Aphids has created and presented collaborations across Europe and in Japan, China, South Africa, USA, Mexico and Australia. Current projects include the large scale Forever Now inspired by the Golden Record sent into space in 1977 on the Voyager Space Probe.

Sur une période de douze jours, deux groupes de constructeurs ont bâti et défait en même temps une série de structures murales contiguës semblables à deux terrasses imbriquées. De cinq mètres de haut, elles ont été juxtaposées avec une symétrie rationnelle et bâtie avec les blocs de bétons cellulaires légers en incluant une nouvelle technique de jointure à séchage rapide. Le processus a été synchronisé pour que la construction et la déconstruction soient chorégraphiées en séquences : les segments opposés des deux terrasses bougeaient lentement l?un autour de l?autre jusqu?à ce que la Maison-Birmingham fut achevée. Deux structures séparées de terrasses ont été construites au même endroit au même moment. La Maison-Birmingham fut enregistrée en utilisant des caméras chrono-cinématographiques. La caméra tournait autour de l?installation en boucle dans le sens des aiguilles d?une montre. Après 12 jours, le tout rejoignait son point de départ. La House-Birmingham explore la relation qu?il y a entre le temporaire et le permanent dans l?architecture aussi bien qu?elle cherche les frontières entre le processus, le travail artistique et la documentation.

Wolfgang Weileder est un artiste qui travaille avec des sculptures de grande échelle et des installations avec des matériaux et des médias variés. Il se situe dans le contexte architectural et urbain et son travail spécifique au lieu incorpore de nouveaux usages de pratiques socialement et temporairement interactifs. La galerie IKON à Birmingham, en Angleterre a commissionné plusieurs projets dont Maison-Birmingham, une sculpture spécifique au site et basée sur le temps et la vidéo. Depuis 2000, Wolfgang Weileder vit à Newcastle Upon Tyne (communément Newcastle) en Angleterre, où il est chargé de cours à la Contemporary Sculpture Practice à l?université de Newcastle.

« Around the Park » est un projet d'art public commandé par le Madison Square Park Conservancy de New York en 2007. La vidéo, qui a pour vedette le casting canin de Wagman en train de s?amuser un jour d?automne dans le parc, a été présentée sur quatre écrans en plein air près d?un kiosque à nourriture du parc de Madison Square.

Wegman est né en 1943 et vit actuellement à New York. Il a obtenu son BFA (Bachelor of Fine Arts) en peinture au Massachusetts College of Art (USA), puis un MFA (Master of Fine Arts) en peinture à l?Université de l'Illinois, Urbana. Il a reçu de nombreux prix. William Wegman a acquis une renommée internationale grâce à son travail dans la photographie, la peinture, le dessin et la vidéo. Bien que Wegman soit mieux connu pour les portraits spirituels qu?il a fait de ses chiens Weimeraner, il est également une figure très originale dans l'histoire de l'art vidéo.

« Turning Some Pages » a été produit conjointement à l'impression d'une édition limitée de la revue du même nom par le Howard Smith Paper Group, un fabriquant de papier britannique. Le fait de lire un livre donne forme à la structure de ce dessin en mouvement. Des arrangements abstraits de formes et d'images de dés sont intercalés avec des aphorismes énigmatiques ; des flèches indiquent quand tourner la page.

Lawrence Weiner est né dans le Bronx, à New York (USA) en 1942. Il vit et travaille actuellement à New York. Personnage clé de l'art conceptuel, Lawrence Weiner a exploré longtemps la langue et le processus de création artistique. Dans sa récente série d'?uvres numériques, Weiner déploie des dessins animés et des textes épigrammatiques, qui interagissent en un langage symbolique. En fin de compte, ces systèmes visuels et linguistiques prennent un sens narratif provocateur. Il a reçu de nombreuses récompenses et aides financières et ses ?uvres ont été exposées dans le monde entier.

Avec l'avènement de la route loxodromique - une route à cap constant -, un modèle cognitif permettant de concevoir les pillages au cours des voyages de découverte s'est développé dans le monde occidental. Avec la route loxodromique vient le besoin d'utiliser -sans se préoccuper des conséquences- une circonvolution aplatie qui unit le paysage au vol et à la prédestination. Cette création artistique muette de 7 minutes est inhérente à la route loxodromique.

Figure majeure de l'Art conceptuel, Lawrence Weiner a longtemps poursuivi des recherches dans les domaines du langage et de la création artistique. Depuis ses travaux précurseurs des années 1960 et 1970 jusqu'à ses nouveaux projets numériques, Weiner redéfinit radicalement la relation entre artiste et spectateur et la nature même de l'oeuvre d'art. Tout en transformant ses recherches en structures linguistiques et systèmes visuels grâce à des formats et des affichages variés, Weiner a également produit des livres, des films, des vidéos, des spectacles et des travaux audios. Dans ses récentes séries de travaux digitaux, Weiner explore de nouveaux territoires au fur et à mesure qu'il étend ces recherches. En évoquant la philosophie analytique et des jeux linguistiques, Weiner produit des dessins animés et un épigramme qui interfèrent dans un langage symbolique. Finalement, ces systèmes visuels et linguistiques s'appuient sur une signification narrative provocatrice. Lawrence Weiner est né dans le Bronx, à New York, en 1942. Il a reçu de nombreuses subventions et récompenses, dont la Skowhegan Medal for Painting/Conceptual Art; le Wolfgang Hahn Prize, au Ludwig Museum à Cologne, Allemagne; le John Simon Guggenheim Fellowship, et le National Endowment for the Arts Fellowship, parmi beaucoup d'autres. Les oeuvres de Weiner ont été largement et mondialement exposées. Des expositions personnelles récentes ont eu lieu au Kunstmuseum Wolfsburg, en Allemagne; au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, à Washington D.C.; à l'Institute of Contemporary Art de Londres; au Dia Center for the Arts à New York; au Musée d'Art Contemporain de Bordeaux; au San Francisco Museum of Modern Art; au Walker Art Center à Minneapolis; au Philadelphia Museum of Art, et au Musée Ludwig, à Cologne, Allemagne. Son travail a fait partie d'importantes expositions collectives internationales, comme par exemple la Documenta à Cassel en Allemagne et la Biennale de Venise. Weiner vit et travaille à New York.

Green Sky présente la base aérienne de Ramstein,aéroport militaire américain et base militaire de l'OTAN, la nuit de la Saint-Sylvestre 2005/2006. Green Sky montre un événement pacifique. Percevons-nous Green Sky comme un acte de terreur et de violence? De quoi a-t-on besoin pour mettre en scène un acte de terreur? D'un feu d'artifice et d'un atténuateur?

Terracotta Warrior: Video | 8´38´´min. 16. September 2006 Während meines Studienaufenthalts als Stipendiat an der China National Academy of Fine Arts, Hangzhou CHINA (2006), bereitete ich die Intervention Terracotta Warrior in der Nähe der nordchinesischen historischen Stadt Xi?an vor. Mit einem selbst angefertigten Kostüm kopierte ich einen Infanteriesoldaten der ca. 2200 Jahre alten Terrakotta-Armee. In dieser Verkleidung schmuggelte ich mich vorerst unbemerkt unter die Tausenden von individuell ausgearbeiteten Tonsoldaten. Als Skulptur versteinerte ich in einer statuarischen Haltung, ohne sie trotz Aufforderung aufzugeben. Die Performance dauerte 23 min., nach ca.7-10 min wurde ich erst von einem Touristen entdeckt und verraten. Besonders interessierte mich hierbei auch die Situation, dass eine der ältesten Armeen der Welt von einer der größten gegenwärtigen, der chinesischen, bewacht wird. In der Vorbereitung recherchierte ich sehr genau, so habe ich z.B. die Schuhe so täuschend echt nachgearbeitet, dass das original Schuhprofil noch heute im Staub des Museumsbodens von Xi?an als Fußabdruck eines Terrakotta-Kriegers zu sehen ist. Einer möglichen Bestrafung oder Ausweisung entging ich. Die Behörden verstanden, dass ich keinem destruktiven Impuls, sondern meiner Liebe zur Terrakotta-Armee gefolgt bin.

Am 01.09.1980 wurde ich als ältester Sohn in Tieringen, Deutschland, geboren. Von 1999 bis 2002 absolvierte ich eine Steinmetz- und Bildhauerausbildung. Nach abgeschlossener Ausbildung zum Steinbildhauer begann ich im Wintersemester 2002 das Studium der Bildhauerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart bei Werner Pokorny, Udo Koch und Alexandra Ranner. Während dem Hauptstudium wechselte ich in die Fachklasse für Performance und Video von Christian Jankowski. Durch das Baden-Württemberg-Stipendium studierte ich 2006 an der China National Academy of Fine Arts, Hangzhou/China, für ein Semester. Seit 2007 bin ich als Stipendiat in das Förderprogramm der Studienstiftung des deutschen Volkes aufgenommen.

Tout est fait maison

- Né le 24 octobre 1968 à Sarrebruck - Baccalauréat - Formation de typographe - Etudes de danse à Hanovre et Rotterdam - Etudes à l'Ecole des Beaux-Arts de Braunschweig auprès de Birgit Hein et Marina Abramovic - Master au Goldsmiths College de Londres - vit à Berlin

"Winter Soldier" a été réalisé par un collectif anonyme de cinéastes qui a rassemblé cent neuf "anciens" soldats de la guerre du Vietnam dans un hôtel de Détroit du 31 janvier au 2 février 1971, à l`instigation de l`association Vietnam Veterans Against the War. "Winter Soldier" ne comporte ni commentaire ni effet de montage qui dramatise l'image de manière exagérée, mais l`abondance des témoignages est telle que sa vision ne laisse pas le spectateur indemne. Viols, fusillades en masse, corps jetés d`avion dans la mer, prisonniers découpés vivants ou décapités "pour l`exemple"? ce sont tout autant les faits que leur nombre, leur cruauté et le visage angélique de leurs agents qui terrifient. D`où le refus des cinémas (à l`exception d`une salle new-yorkaise) de projeter "Winter Soldier" à sa sortie en 1972. Mais ce qui frappe surtout dans "Winter Soldier", c`est le contraste entre les atrocités que ces soldats d`une vingtaine d`années ont commises un ou deux ans auparavant, avec leur maturité, leur liberté verbale et leur sens de l`urgence politique. Il semble que, toute honte bue, ils aient à l`esprit la nécessité, alors que la guerre bat encore son plein, de rendre leur témoignage utile, et pour cela, de ne pas l`expurger. Winter Soldier, plutôt que de multiplier les témoins, s`attache à une poignée de visages marquants - ceux des plus prolixes et des plus lucides sans doute - qui prennent corps comme personnages, doués d`une profondeur humaine qui dépasse de loin celle des fictions à la Voyage au bout de l`enfer. Le film donne aussi une idée de la disparité ethnique et sociale d`une Amérique dans laquelle, comme le rappelle un Noir dans l`auditoire, "après le lycée, nous [Afro-américains] n`avons pas d`autre choix que d`entrer dans l`armée, sinon on finit à la rue". Ce moment d`intense concentration des locuteurs mais aussi des journalistes de l`assistance offre à la fois un portrait en coupe de la moitié d`une génération qui n`a pu qu`entendre parler de Woodstock depuis "là-bas", et l`occasion du retour d`un pays sur son Histoire : un Indien d`Amérique n`y rappelle-t-il pas, les larmes aux yeux, que les contrats de cession des terres des Indiens rédigés par les colons stipulaient "Tant que poussera l`herbe, tant que couleront les rivières", et qu`au Vietnam, l`herbe ne poussera plus à l`endroit des centaines de villages réduits en cendres ?

Mise en place d?une stratégie guerrière factice. Jeux de samouraïs avec comme décor une ville de province française et un club de free-fight. Dans la vidéo « Un triangle dangereux » l?attention est portée à l?image que donnent d?eux mêmes des amateurs de free-fight, imprégnés par la culture des jeux vidéo et des films d?action. Ils posent, s?observent, se photographient, se filment. Ces images en mouvements sont rythmées par des plans fixes qui leur confèrent un caractère pictural. Les personnages sont piégés dans un récit qui ne démarrera pas, qui les restreint à faire de la figuration.

Elsa Werth née en 1985, vit et travaille à Paris. Elle est diplômée de l?Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris en 2009 et diplômée de l?Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 2013. Elle est lauréate du prix Humankind Léo Burnett en 2013. Elle développe parallèlement un travail de vidéo et de sculpture. Elle assure actuellement le commissariat d?un cycle d?expositions qui aura lieu du 15 mars au 29 mai à Paris. Elle prépare un nouveau film. www.elsawerth.net


The digital film-animation Out of Nothing is the third movie from the project I Wish I Couldn`t Lie / Out of Nothing witch I Started In Spring 2005.

With the aid of digital technique, topography and 3D software I build a virtual Landscape.
This landscape is a result of calculations, nowhere higher than 300 meters and where all shades of green have been translated into a grey scale.
Time and emptiness takes an important role in the work.
Out of Nothing portraying a landscape that in surface does measures 10 kilometers square but never the less is physically inaccessible. The illusion in Out of Nothing is being emphasized by a faint heartbeat that resonates through the space. There are no humans, animals, trees or bushes within the landscape. It is reminiscent of a tundra or steppe emphasizing the insignificance and temporality of men.

I`m fascinated by how we experience time. A short stroll can seem to last for long while in reality only a short time has passed. The reversal also holds true.
The way we experience time does not necessarily rhyme with reality or the conventions of calculating time by means of mechanics. Out of Nothing has a duration of 2 hour and 5 minutes.
I Wish I Couldn`t Lie, the first movie in this triology has a duration of 4 hour an 43 minutes with no sound in it.

Marcel Wesdorp (Rotterdam, 1965) lives and works in Schiedam, the Netherlands He studied at the Graphic Lyceum and at the Academy of Art in Rotterdam. He also followed the advanced programme in photography at the St Joost Academy of Art and Design in Breda. Wesdorp makes film animations, maps and prints of digitally designed landscapes. As a viewer, you can hardly believe that the landscape you are looking at is only a virtual one. Although, in the case of Out of Nothing, it has a calculated surface area of ten kilometres by ten, the landscape cannot be entered. The illusion is reinforced by a soft heartbeat that is heard in the space. Wesdorp is fascinated by the idea of time that humans have. A walk can feel like it has lasted for hours although only a short time has actually elapsed. What happens in our heads is often not aligned to what is happening in reality, or to the common method of time measurement. The visual stroll through the virtual landscape approaches that experience. The Out of Nothing film animation is a landscape resulting from a calculation. It offers a hilly landscape that is not higher than three hundred metres, where green tints have been converted to grey. There are no people, animals, trees or bushes in the landscape. It is a tundra or steppe that emphasizes the insignificance and loneliness of humankind.