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Cette vidéo est la première partie d`un triptyque sur des expériences d`errance dans des zones frontalière , où géographies physiques et imaginaires sont rendues indiscernables.

Bouchra Khalili est une artiste franco-marocaine. Elle est née à Casablanca en 1975. Ses vidéos explorent l`espace méditerranéen, qu`elle envisage comme un territoire dédié au nomadisme et à une errance labyrinthique. Dans ses vidéos, elle explore les relations plastiques et conceptuelles qu?entretiennent géographies physiques, imaginaires, et mentales. Placé sous le signe du déplacement, son travail tente de perturber les limites entre cinéma et arts plastiques, fiction et documentaire, essai et expérimentation. Ses vidéos ont été montrées dans de nombreux festivals, expositions, et biennales. Bouchra Khalili a étudié le cinema à la Sorbonne Nouvelle et est diplômée de l?Ecole Nationale Supérieure d`Arts de Paris-Cergy.

Une déambulation aérienne au-dessus d`une grande ville indéterminée. On y voit un écran de télévision qui diffuse des images publicitaires dans l?espace public, une architecture fortement urbanisée, et un littoral occupé. Parallèlement, des voix échappés d?un film, évoquent des rendez-vous à prendre ou manqués, parlent du cinéma comme utopie, et discutent du « monde comme volonté et représentation ».

De nationalité Française et Marocaine, Bouchra Khalili est née à Casablanca en 1975, et a grandi à Paris, où elle vit et travaille. Ses vidéos ont été montrées dans de nombreux festivals, expositions, et biennales : New York Video Festival (Lincoln Center); New Arab Video (Caixa Forum of Art ,Barcelona) ; The Film-Laboratorio (Museum of Contemporary Art of Rome and Villa Médicis), The Biennale of The Moving Image (Genève, Switzerland), VideoBrasil (Sao Paulo, Brazil), Cinéma d`Avant-Garde (La Cinémathèque Française, Paris). En 2005, elle est lauréate du programme Bourse Louis Lumière ? Villa Médicis Hors Les Murs (Ministère des Affaires Etrangères). En 2006, plusieurs programmations spéciales lui sont consacrées : Fondation Caixa Forum of Art, Instituto Itau Cultural (Belo Horizonte, Brazil), and Palacio das Artes (Belem, Brazil. Parallèlement à son travail d?artiste, elle collabore à des publications de cinéma, et est co-programmatrice de La Cinémathèque de Tanger.

Watch with the Weary Ones est un court documentaire qui observe le paysage urbain américain tandis que la cinéaste se laisse doucement glisser vers des souvenirs d’Iran. Il met en regard les surfaces des villes des États-Unis et les sensations de quelqu’un vivant loin de chez soi, suspendu entre deux lieux. Le film réfléchit à la peine que portent celles et ceux qui ont quitté l’Iran en quête d’une autre vie, et ceux qui sont restés et continuent de se battre pour la leur. Il s’agit de tenir deux mondes à la fois, celui qui est devant toi et celui qui ne te quitte jamais, et de tenter de donner un sens à ce poids

Sina Khani (alias Sina Ahmadkhani) est un cinéaste, scénariste et monteur né à Téhéran et basé à Los Angeles. Son premier long métrage a remporté le prix du Meilleur long métrage expérimental international au Portoviejo Film Festival et a reçu distinctions, nominations et sélections au Regina IFF, au Toronto International Nollywood FF, au New York City Indie FF, ainsi que dans de nombreux autres festivals internationaux. Il a récemment obtenu son MFA à la Virginia Commonwealth University et continue à créer des histoires audacieuses, centrées sur les personnages.

In a modern city, a boy is locked up in his room for some time. He insulates himself more and more in his universe ? even speaks with him, hears voices. He creates his own imaginary world. He defies the imperceptible.

Day Fly is based on the hikikomori phenomenon What is Hikikomori ? Hikikomori, which literally means "pulling away, being confined" (i.e., "acute social withdrawal") is a Japanese term to refer to the phenomenon of reclusive adolescents and young adults who have chosen to withdraw from social life, often seeking extreme degrees of isolation and confinement due to various personal and social factors in their lives. The term "hikikomori" refers to both the sociological phenomenon in general and to individuals belonging to this societal group. In the film, the main actor wears a mask, which becomes a character in itself as he moves and plays with different perception. The mask is the means for a transference to occur between model and watcher. The speechless face, staring without emotion, becomes the face of a dweller of another world being watched in our own. such an eerie juxtaposition draws viewers in close to Khazem`s and Park `s silent innocents.

Berlin/Charlottenburg Le jeudi 20 Mars, au lieu de boire mon café du matin, j'ai suivi à la télévision le début de la guerre en Irak en sautant d'une chaîne à l'autre. J'étais à la fois désemparée, impuissante et tétanisée. Les semaines qui ont suivi, j'étais tous les jours devant le téléviseur et je frottais mes pieds l'un contre l'autre jusqu'à les blesser. Comme une personne enchaînée qui ne se résout pas à sa situation, mais ne peut pas non plus la changer. Constamment à la recherche de nouvelles, j'alternais entre les informations en langue allemande, anglaise, française et arabe et je parcourais les journaux en ligne. Je voulais comprendre et me trouvais de nouveau dans cette envie(désir) d'avoir du nouveau, des retransmissions en direct, des discussions contradictoires. Il y avait tout simplement tout, livré à domicile. En tant qu'arabe vivant en Europe, on m'a souvent demandé ce qu'il en était de la situation au proche-orient. Surtout au début de la guerre. A chaque conversation téléphonique, cette question tenait lieu de salutation. Je sentais de la prudence ou coyais entendre de la pitié. Cetains me consolaient avec l'espoir d'un dénouement rapide. Ces attitudes étaient compréhensibles, mais le fait d'en parler continuellement était devenu une torture. Ces discussions récurrentes sur les effets et els conséquences de chaque nouvel événement et le sentiment de devoir en permanence me justifier me démolissaient. Et je me demande combien de temps cette sorte d'occupation va encore durer? Ou plutôt je pose des questions sur le réveil. "Comment te sens-tu?" me demandent-ils tous. Je réponds: "Comme ça!",

Née en 1965 à Damas, Syrie. Etudes à l'université de Damas et à l'université d'arts appliqués de Vienne. Peinture, graphisme, performance vidéo, photographie.

Pour la performance "Flower Carrier", Sonia Khurana a pendant six ans parcouru des villes à travers le monde en tenant une fleur en plastique. Chaque lieu nous est révélé de façon à la fois visuelle et acoustique : par la cacophonie des bruits de la rue quand l'artiste évolue dans la petite ville de Modinagar, par les rues embouteillées de Delhi, par le village vallonné de Rajpur, par les métros bondés de Londres par la frontière Badarur jouxtant Delhi qui est touchée par des problèmes de [sous] développement. Le simple fait de marcher le regard rivé sur la tige d'une fleur [en plastique recyclé] devient bientôt une sorte de rituel personnalisé ; une étude du soi dans un univers urbain se transforme rapidement en une insurrection de ville turbulente?. Il n'y a pas de grande narration. La narration se fait ici dans et à travers l'action, presque comme une forme d'enquête psycho-visuelle.

S o n i a K h u r a n a abridged bio: Sonia Khurana?s studies in art include an M.A. in 1999 at the Royal College of Art, London, earllier art education in Delhi, a short course at the Film and Television institute in Pune, and in 2002, a 2-year Research residency at the Rijksakademie in Amsterdam. All of the above was pursued through sholarships and Awards, including the coveted INLAKS Award, in 1997. She now lives and works in New Delhi. « My art practice embraces areas in-between video, photography, elements of performance, text, drawing and installation. In my work I often makes psycho-sexual enquiries into two main areas of experience: interiority, or embodied experience, and the dynamics of identity. Recent body of work focuses on the poetics of inner experience mostly through performance-based videos that are often visually simple and understated Through deleberately poetic intimations, I strive to explore and re-define the space of the political. » During and beyond November 2007, Sonia?s works are currently showing at : ?Public places Private Spaces? - Newark Museum, ? Horn Please? - Kunstmuseum Bern, ? Tiger by the tail ? - Rose Museum, Boston, ?India-Art Now? Spazio Oberdan, Milan, Film Festival Roma, Rome, ?Performa 2007? ? Gallery Elga Wimmer, New York and ?Global Feminisms? - Davis Museum, Wellselly.

Un curateur, "Amalia Pica" "m"'écrit un SMS, demandant de réaliser une vidéo courte hors des chewing-gums collés sur les trottoirs d'Amsterdam. "Je" me mets à réfléchir sur la manière dont "j'" ai été éduqué à mâcher du chewing-gum, à me brosser les dents, à porter des vêtements. Puis, "j'" établis des comparaisons avec une petite amie qui porte des vêtements différemment, qui mâche du chewing-gum différemment, et qui aurait réalisé différemment.

Sung Hwan Kim, artiste né en 1975 à Seoul, en Corée, a obtenu un Master of Science in Visual Studies au M.I.T, et a été en résidence d'artiste à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten. Il a présenté ses oeuvres dans des lieux comme la Biennale de Gwangju, la Biennale de Busan, l'Institut d'Art Contemporain de Portland, Asia Society, D.U.M.B.O art center, Pacific Film Archive, Le Plateau (Paris), The Living Art Museum (Reykyavik), Mediamatic (Amsterdam), SMART Project Space, (Amsterdam), Objectif-Exhibitions(Anvers), Leeum Samsung Museum of Art (Séoul) et dans différents festivals internationaux de cinéma. En tant que performer, il a participé à "Lines in the Sand" de Joan Jonas, à la Documenta 11 de Cassel, à la Tate Modern de Londres et The Kitchen de NYC.

Pour les travailleurs migrants philippins employés dans des usines à la périphérie de Séoul, la maison est à la fois un lieu quitté et un espace paradoxal de désir et de crainte — un lieu emporté par les inondations mais qui continue de hanter la mémoire. Sans cesse déplacés, relogés, remis en mouvement, leur idée du foyer devient indissociable du mouvement même de leurs corps. Les sons des machines d’usine, des fragments de films d’horreur et des images de téléphones portables s’entrelacent pour composer un récit qui se déploie à l’intérieur du corps du travailleur migrant lui-même. J’ai commencé à imaginer une maison pour celles et ceux qui dérivent toujours.

Woong Yong Kim a étudié la réalisation cinématographique et l’art contemporain à la Haute école d’art et de design de Genève (HEAD – Genève), en Suisse, et développe une pratique à la croisée de l’installation vidéo et du cinéma. Il a participé à plusieurs programmes de résidence, notamment au Digital Arts Studios de Belfast, au CEEAC de Strasbourg, à la résidence MMCA Goyang, au SeMA Nanji Studio, à l’ACC, ainsi qu’en tant qu’artiste invité à la Rijksakademie. Il a également achevé les cours doctoraux en théorie du film et des médias à la Graduate School of Advanced Imaging Science de l’université Chung-Ang. Par ailleurs, il a traduit et publié en coréen Exhibiting the Moving Image (JRP|Ringier).

Situé approximativement dans la Corée des années 30, "Vaudeville" est un poème visuel sur le désespoir, l'errance et la perte d'identité culturelle.

Chansoo Kim a étudié l'animation à la Faculté D'Animations et Arts Numériques à l'Université de Californie du Sud, et il a produit des courts-métrages animés en utilisant diverses techniques, du dessin à la main au procédé de stop-motion (image par image) et de CGI (images de synthèse). Ses films, "Woman in the Attic" et "Floating" ont attiré l'attention des critiques dans le circuit des festivals. Son nouveau film, "Vaudeville", fait actuellement la tournée des festivals depuis le printemps 2005. Chansoo a récemment achevé l'"Animation Apprentice Program" aux studios "Rhythm and Hues" et travaille actuellement en animation CG.

The work is composed of two separate films followed by each other. Both films explore transcendental issues through archaeological and illegal excavations of tombs. "After Life" consists of a sequence of meditative short scenes picturing the ruins of a small Faliscan necropolis Cavone di Monte Li Santi in Italy and its surrounding natural elements. The rock-cut chamber tombs of the necropolis had been illegally excavated before they were archaeologically discovered in 2015 – a phenomenon still faced by many rural archaeological sites. At the center of "Red Impasto Jar" is a looted archaeological tomb object. In antiquity, the funeral was a significant ceremony where entombing of the body was just one component in the complex sequence of events. This ancient Faliscan tomb item dating back to the 6th century BCE was passed on to the archaeological museum (Mazzano Romano, Italy). The jar is radically altered and damaged by being cemented into the structures of a house as a decorative element. The film portrays the state of the pottery focusing on the detailed choreography and documentation of the object with a slow 360º rotation on a robust industrial motor against a monochromatic background.

Sound, perception and imagination are essential ingredients in the research and practice of Jonna Kina (b. 1984). Her work reveals the value of fictional viewpoints in non-fictional investigations. Kina’s works have been shown in the Tokyo Photographic Art Museum; Fondazione Pastificio Cerere, Rome; Dunkers Kulturhus, Helsingborg; Musée de l’Elysée, Lausanne; International Film Festival Rotterdam; Hasselblad Foundation, Gothenburg; Espoo Modern Art Museum EMMA; Kumu Art Museum, Tallinn and in Sara Hildén Art Museum, Tampere, among others. Kina has recently been awarded the Finnish Art Prize “Below Zero” (2018) and her film Arr. for a Scene was awarded as the “Best Nordic Short Film” at Nordisk Panorama Film Festival in Malmö (2017). She was also shortlisted for the VISIO Young Talent Acquisition Prize in Florence (2017).

Tourné sur un terrain de camping à la fin de l'été, ce film révèle un paysage transformé de manière spectaculaire par la lumière et le temps, où résonne le caractère éphémère de la présence humaine.

Brandebourg/RDA 1979. Trois terroristes de la fraction ouest-allemande de l?armée rouge, fatigués de combattre, préparent, sous l?égide de la Sécurité d?Etat est-allemande (STASI), des biographies fictives qui doivent leur permettre de mener une existence secrète en Allemagne socialiste. La discussion des trois hommes au sujet de leurs fausses identités se transforme en bilan de leur véritable passé politique et en aveu d?échec sur le plan humain.

Autor, Regisseur, Künstler Etudes de peinture, de cinéma, d?histoire de l?art et de philosophie à la Kunstakademie et à l?université de Düsseldorf. Courts-métrages expérimentaux depuis sa période scolaire (1969), clips musicaux dans le domaine indépendant (en partie rachetés par la Cinemathèque Française), jusqu?à aujourd?hui auteur/réalisateur de 3 longs-métrages . Rainer Kirberg travaille dans le domaine artistique depuis 1979 au travers du cinéma, de l?installation scénique et de la performance. En plus de ses propres projets, pour lesquels il a été responsable de production, des décors, de l?architecture, de tournage et de cut, Rainer Kirberg travaille comme auteur pour l?industrie du film et de la télévision allemandes. Prix du scénario de Rhénanie-Westphalie en 1991, nomination pour le prix du scénario allemand en 1996. Parmi les artistes qui ont collaboré aux projets de Rainer Kirberg, on compte la star de cinéma française Tcheky Caryo ( ?Nikita? ) et des acteurs allemands renommés comme Erwin Leder (?Das Boot ?), Christoph Eichhorn (?Zauberberg? : ?Montagne magique?) et Peter Lohmeyer, sans compter des personnalités de rang international comme Amanda Lear, muse de Dali, et Kenneth Anger, une légende du film underground.

A bird carries us swiftly through empty lobbies and offices of a bank in Frankfurt, until it collides with a glass façade and falls to the floor. In this way, ‘Killing Kidding Colliding’ shows glass as both a material and an ideological symbol, moving between transparency and reflection, making things visible but impossible to touch. Moving mechanically between the different spaces of the bank, it draws attention to its own technique, while looking at the power and ideology of modern architecture, and how its immediate openness, transparency and smoothness also contain an underlying and invisible volatility.

Freja Sofie Kirk is a visual artist based in Copenhagen. Working across video, photography and installation, and often in connection with each other, she looks at the inner mechanisms and contradictions of images. Her work takes the form of a continuous study of spatial and medial constructions, the violence they perform and the architecture they manifest. By utilizing the camera, Freja Sofie Kirk attempts to renegotiate the power relations inherent in both archi- tecture and image production.

"Industries of Freedom" dresse le portrait d'un groupe de danseurs travaillant dans la plus grande boîte de nuit EDM du monde: Privilege. Les danseurs sont soulevés par des grues, transportés sur une plage dans la gueule d'un requin gonflable, ou planent sous le plafond du club. Nous voyons comment leurs corps se transforment en objets scénographiques, qui se fondent dans le reste de la construction scénique. Dans "Industries of Freedom", la boîte de nuit est présentée à la fois comme un lieu de travail, où les rôles sont strictement définis, et comme un espace où l'on peut vivre les notions de liberté et d'extase, néanmoins strictement chorégraphiées par la logique commerciale de l'industrie du divertissement.

Esben Weile Kjær et Freja Sofie Kirk travaillent tous deux dans le domaine des arts visuels, et utilisent divers médias, notamment le cinéma, la photographie, la sculpture et la performance. Au cours des cinq dernières années, ils ont collaboré sur plusieurs projets de films, qui explorent l'identité, la culture pop et la production d'images. Leurs œuvres ont été présentées à la National Gallery of Denmark, Copenhague (Danemark); au ARoS Aarhus Kunstmuseum (Danemark); au Kunsthal Aarhus (Danemark); au Den Frie Centre of Contemporary Art, Copenhague (Danemark); et à la Factory for Art and Design. Leur travail a également été publié sur des plateformes telles que i-D, Tissue Magazine, Indechs, et Out Magazine. Freja Sofie Kirk est née en 1990. Elle est artiste et vit à Copenhague (Danemark). Utilisant la vidéo, la photographie et la sculpture, souvent en combinaison les unes avec les autres, son travail explore les récits, la culture populaire et la façon dont les images génèrent du sens dans la société contemporaine. Freja Sofie Kirk a une formation en cinéma et en photographie et, en travaillant avec des représentations bidimensionnelles du monde, elle a acquis un intérêt profond pour la signification des images, ainsi qu’une envie de les dissoudre ou de les transformer en qualités matérielles. Ses œuvres contiennent une interaction constante, entre la matérialité et la mécanique, la sensualité et son absence, le réel et l'irréel. Visuellement, elles sont à la fois séduisantes et dérangeantes, mais elles n'en sont pas moins une image des symptômes causés par la réalité actuelle. Esben Weile Kjær est né en 1992. Il est artiste et vit à Copenhague (Danemark). Son travail, qui englobe la sculpture, la vidéo et la performance, s'inspire de l'histoire de la culture et de la musique pop, pour explorer les thèmes de la nostalgie, de l'authenticité et de l'anxiété générationnelle. Dans un langage visuel attentif mais téméraire, il étudie l'économie événementielle d’aujourd’hui, en se concentrant souvent sur les tactiques de marketing et l'esthétique de l'industrie du divertissement. Il s'agit principalement de considérer la relation entre l'art et les industries culturelles qui l'entourent. Dans ce contexte, son travail tente non seulement d'imiter d'autres modes culturels de performance (comme ceux que l'on trouve dans les raves, les manifestations, les conférences de presse et les ballets), mais aussi de devenir une culture pop performative à part entière - souvent à l’aide d’interventions dans l'espace public et commercial, en utilisant des accessoires tels que podiums, canons à confettis, barrières et lasers de soirée.

‘The End’ introduces Todd, an actor who has specialized in playing ill and dying patients in the context of medical practice situations for 30 years. Through documenting the scenography of a simulated hospital, a heart surgery on a plastic torso and Todd in an hotel room repeatedly falling to the floor - playing dead - ‘The End’ reflects on the way we use narratives to navigate reality. Layers of Todd’s voice and fragments from his scripts contribute to the blurring of lines between the fictitious and the actual, while elements of repetition in both speech and image remold ideas of linearity. In this way, ‘The End’ investigates the images, rituals and words associated with the certainty of death. It asks what space and shape it is granted — in the daily as well as on the screen - and how our emotional lives are continually shaped by the images we consume, leading us to turn to the language of fiction in the moments of our lives when we cannot find the words ourselves.

Freja Sofie Kirk (b. 1990) is a visual artist based in Copenhagen. Recent exhibitions includes Simian (DK), Kunsthal Charlottenborg (DK), Inter.pblc (DK), 5533 (TR), Copenhagen Contemporary (DK), Bianca D’Alessandro (DK), Kunstforeningen Gl. Strand (DK), Kunstverein Wiesen (DE). Her films have been screened at CPH:DOX, Rencontres Internationales Paris/Berlin, Oberhausen International Short Film Festival, Uppsala International Short Film Festival among others.

Ambiguous Landscapes (2003-2005) comprises large-scale ?dislocated? photo diptychs and a wall-mounted 5-screen video work. The subject matter of natural and man-made landscapes includes a granite stair, a grass field, a paved dyke, a scrubby hillside, and a snowy slope, all rendered unfamiliar and spatially ambiguous with the camera. These landscapes, made abstract by the analogue camera, are brought back into the realm of the real through temporal mechanisms involving the presence of a figure in the work. The figure registers and describes space and time, altering our perception of the depicted landscape, transforming it from a flat image into a three-dimensional space. In the videos, the movement of the figure traversing an otherwise empty and still landscape, reveals the shape of the depicted topography, as well as its expanse, and in the process registers both time and space. These moving images are endlessly repeating, looped with a built-in randomness that produces moments when the same landscape appears, at different points in time, across multiple screens. The videos are nevertheless largely still, setting up a situation of waiting and expectation. www.lisaklapstock.com

Lens-based artist Lisa Klapstock lives and works in Toronto and holds a Communication degree from Simon Fraser University, Vancouver. With a focus on everyday places and their human occupation, Klapstock?s practice investigates the relationship between photographic depiction and visual perception. Since the late 90?s, Klapstock has participated in numerous solo and group exhibitions in Canada, and in Europe where she has also participated in residencies: Stichting Duende Aktiviteiten, Rotterdam (2002); the Helsinki International Artist-in-Residence Programme, Cable Factory (2004); and the Danish International Visual Art Exchange Program, Copenhagan (2007). Klapstock?s work is in corporate and public collections including the Musée de la Photographie, Belgium; the Museet for Fotokunst, Denmark; the National Portrait of Canada, the Winnipeg Art Gallery (CA); the Kamloops Art Gallery (CA), and the Art Gallery of Hamilton (CA). Between 2004 and 2006, Klapstock?s work toured Canada in a solo exhibition, Liminal, organized by the Southern Alberta Art Gallery and accompanied by a monograph. She is represented in Canada by Jessica Bradley Art + Projects, Toronto and Diane Farris Gallery, Vancouver.

Karl Klien, 34 ans, est un membre fondateur du laboratoire MESO base à Frankfurt. Il développe des systèmes audio et vidéos en temps réel. Il réalise aussi de divers travaux dans les champs du multimédia, du design Internet et télévisé, de la production sonore et musicale pour les films et les installations interactives. Il est aussi membre de Involving Systems et le fondateur d?un label, Dienstselle. Il est en 1969 né à Frankfurt sur le Main. En 1990, il entre à HFG OF et en sort diplômé en 98. Il créé en 95 Involving system pour faire des installations vidéos et audio interractives. En 97, il est membre fondateur de MESO pour le design des systèmes média numérique et finalement fonde son propre label, Dienstselle en 2002.

Inauguré en 1968 à Vilnius en Lituanie, le bâtiment du Contemporary Art Centre (CAC) dépendait à l?origine du Lithuanian Museum of Art. Ce n?est qu?en 1992 que le CAC, principalement financé par le Ministère de la Culture Lituanien, devient indépendant. Aujourd?hui, avec ses 2400 m² de surface exposable, le CAC est la plus grande institution dédiée à l?art contemporain des Etats baltes. Fort de cet espace, le CAC s?affirme comme un acteur incontournable de la scène balte, nord européenne. Chaque année, le CAC organise 5 à 6 expositions majeures ainsi qu?une quinzaine de projets plus modestes. Le CAC est aussi le lieu de résidence de la Baltic Triennial of International Art, un festival d?art contemporain, et, tous les deux ans, le CAC passe en revue les évolutions de l?art lituanien. Comme tout centre d?art, le CAC organise des conférences, des projections et des concerts. Comme tout centre d?art, il maintient une bibliothèque, une médiathèque où le public peu venir consulter des livres et des journaux spécialisés ainsi que des vidéos, des CDs, des DVDs et l?Internet. Mais, depuis 2004, le CAC a grandement diversifié ses activités. Depuis octobre 2004, le CAC produit sa propre série pour la télévision lituanienne. Un show très expérimental où un groupe d?inadaptés sociaux et de parias prend les commandes d?un programme télévisé. Inexpérimentés en télévision, ils décident de réinventer le médium. En 2005, en parallèle à son activité de publication de catalogues et de livres, le CAC commence à éditer "CAC Interviu". Magazine trimestriel bilingue (anglais/lithuanien), "CAC Interviu" s?intéresse aux événements régionaux ayant une dimension, une résonance internationale. Cette année, le CAC s?associe à la Vilnius Art Academy et à cinq autres institutions européennes pour proposer un Master de Curatorial Studies. Et, pour la deuxième fois de son histoire, le CAC sera en charge du Pavillon Lituanien lors de la 52ème Biennale de Venise.

Valentinas Klimasauskas est commissaire d?exposition au Contemporary Art Centre (CAC) de Vilnius, en Lituanie, et a participé au projet CACTV, une série télévisée produite par le CAC.

The 2-channel video ?Hair in my soup? uses pencil drawing, photo-collage and video footage to create a multi-disciplinary animation. Over two and a half minutes the video moves through a variety of domestic scenes and settings, connected only through fragments of storylines. The imagery is immediately recognizable yet strange and mysterious, ranging from bicycle wheels that are wearing shoes and pill-popping magpies to grinding teeth and ants in the shower. The two screens go back and forth between displaying separate clips and then merging again into one continuous canvas. The two channels might shift, leave a gap or even show opposite view points of the same scene, relying on the viewer chose their own perspective. By juxtaposing the fantastic elements on both screens, associations and suggestions are created rather than a traditional narrative. The video is looking at life as a subjective experience where imagination and reality become undistinguishable. The ordinary becomes absurd in this rearrangement of everyday occurrences.

Now based in Dublin, German born Klute is currently an artist in residence at Fire Station artist?s studios. After graduating from an Honours BA in Fine Art at IADT in 2006 she has been exhibiting consistently in Ireland and abroad. Previous solo exhibitions were held at Wexford Arts Centre (2009) and The LAB, Dublin (2006). Her work has also been featured in numerous group shows including `How Do You Know?` at Blankspace Gallery in Oakland, `Housewarming` at RUA RED in Tallaght , `Dare to live without limits` at the Sub-Urban Video Lounge in Rotterdam, `Phoenix Park` at the Kerlin Gallery in Dublin, `The Video Project` at the Pawnshop Gallery in Los Angeles. She recently received the Wexford Emerging Visual Artist Award (2008) and the Arts Council Bursary Award (2008 & 2009).

Kari Klyve Gulbrandsen (b. 1980) has directed, photographed and edited several short- and documentary films. Her films are selected for film festivals in US, India and Europe. Odveig Klyve (b. 1954) is a filmdirector and an author of nine books of poetry. She has written and directed short films, presented at international film festivals in Europe, US and India. Her poetry is translated into several languages.

Through a spatiotemporal representation twenty-two hours of a central Helsinki cafe`s life, asking to our permanence and soul of being. How are we, beyond the instants? Every animation frame holds twenty-two hours dispersed through its surface, linearly as if the motif`s time was scanned horizontally. Every subsequent animation frame moves the time`s position across the motif, revealing each bit at a slightly later time. Tracing the life in a watering hole of society, a cafe, the work juxtaposes the static built environment and the fluidity of being. The cafe-goers stay long enough for them to be visually caught, depicted, the essence of their being, almost as if it were their souls, are like colours spilled running in the rain. A blur in motion. Cyclically appearing and disappearing daily.

Miska Knapek is an artist designer, with a past in Graphic Information Design (BA) and graduate studies in artistic interaction design, currently based at Media Lab Helsinki. He explores chaotic patterns and challenging fundamental perceptions of society, optics, time, and space. Applying information visualisation techniques, to photographic/sensory/datamined material, Knapek?s work traces the hidden lives of nature, society and people?s immediate personal surrounds. His work has been exhibited internationally, including at Ars Electronica and Transmediale.