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A video is a stream of information, and this moving image relies upon the relationship of static frames which are algorithmically determined.... In the language of video compression, the (I) frames are the reference points between which movement is interpolated. Manual deletion or misplacement of (I) frames results in a video glitch known as a datamosh ‘ the stream of nformation d srupted, d sorgan zed ‘ nterupeted ‘ lost ‘ the ( ) frame removed, rejected ‘ BUT, reclaimed, the (I) frame, the burning bolts of the machine, are at once reasserted in this dance macabre.... (I) FRAME is a mechanical ballet set to the original tempo that characterizes motion on screen at 24 (I) frames a second’.

Karissa Hahn is a visual artist who uses the mechanical devices of cinema to deconstruct former artifacts by physically transforming celluloid - an osmosis of digital manipulation & optical printing; creating a degraded aggregation into resurrection. Her work often employs a series of format transfers to birth digitally-native effects on film and homogenized products which have been referred to as ‘spectra ephemera.’ Karissa currently makes performative short super 8 films, hi8 videos filmed in the break room, and phone calls to corporations. Hahn has shown work around the globe in various micro-cinemas and institutions. Andrew Kim makes many different kinds of films. He is inspired by motion picture technology and how it is/was/and can be used to create meaning. Armed with a wry sense of humor, in conjunction with a concern for formal playfulness, Andrew attempts to transcend the exact mechanics that make movies possible. He is searching for a new kind of knowledge. Andrew`s films have screened at a variety of venues and festivals in the United States and abroad. He lives by the Los Angeles River in Los Angeles, California.

Mutated hackable bodies, bodies that didn’t quite work out and bodies that can no longer be classified as bodies. Hybridised flesh and code using AI. Drawing on the transhumanist musings of Yuval Noah Harari, humans are now hackable animals.

Ian Haig's work has been exhibited in galleries and video/media festivals around the world. Including exhibitions at: The Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne; The Ian Potter Museum of Art, Melbourne; The Experimental Art Foundation, Adelaide; The Australian Centre for the Moving Image, Melbourne; Gallery of Modern Art, Brisbane; The Museum of Modern Art, New York; Artec Biennale – Nagoya, Japan; Centre Georges Pompidou, Paris; China Millennium Monument Art Museum, Beijing; Museum Villa Rot, Burgrieden-Rot, Germany; Kunstlerhaus Bethanien, Berlin, Germany; The Havana Biennial, Cuba. In addition his video work has screened in over 150 festivals internationally including The Ann Arbor film festival, US and VideoBrasil, Sao Paulo, Brazil. In 2003 he received a fellowship from the New Media Arts Board of the Australia Council and in 2013 and 2017 he curated the video art shows Unco and Very Unco at The Torrance Art Museum in Los Angeles.

This entire animation is a revolving mechanism, with no beginning or outcome. There`s only an obsession-like force pushing the plot along, which causes regeneration, substitution, disruption/disintegration, construction, circulation and chain reactions to occur between different objects. I take advantage of the language of animation to excavate and erect hidden relations between various objects, while the plotline moves in the direction of nothingness. Changes occur randomly throughout the production process of this work, which is devoid of presuppositions or predefined script. Hence, the work requires me to personally participate in each part of the production, taking the thought variables that continuously spring up throughout this process and record them into the development of the work. Therefore, the process is also a part of the "performance art" involved in making the work.

1984 Born in Shandong, China
2008 Bachelor of Fine Arts, Central Academy of Fine Arts, Beijing, China. Currently lives and works in Beijing

`Invisible Clothes` is a quasi-sci-fi film about the conversation between a scientist and a fashion stylist on invisible clothes, reflects upon one`s ego constituted by the gaze of others and the subject perceiving that ego. An abundance of metaphors and satire exposes the absurdity of contemporary society, which constantly produces human desire. "The Other holds a secret-the secret of what I am. He makes me be, and thereby he possesses me, and this possession is nothing other than the consciousness of possessing me. (...) the Other steals my being from me." - Jean-Paul Sartre

Yang Ah Ham lives and works in Amsterdam, Netherlands and Seoul, Korea. She has lived in different cities and deals with society and individuals` lives through this experience. Yang Ah Ham showed her continuous project, `Adjective Life in the Nonsense Factory` in ArtSonje Center, Seoul 2010 followed by `Transit Life` in Gumho Museum of Art, Seoul 2005 and `Dream...in Life` in Insa ArtSpace, Seoul 2004. Her works also has been exhibited in Art of Communication :Anri Sala, Yang Ah Ham, Philippe Parreno, Jorge Pardo,The National Museum of Contemporary Art, Seoul,2011; Gwangju Biennale, Gwangju 2010; Shanghai Biennale, Shanghai 2008; Busan Biennale, Busan 2006. She was awarded Arts Award of the Year, Arts council Korea 2005 and nominated for Hermes Art Prize, Hermes Foundation 2008. Her monograph was published in 2011 supported by Mondriaan Foundation. Currently she was involved in the artist initiative project,`be mobile in immobility`(DEPO, Istanbul 2011, Total Museum, Seoul 2011) as a co-organizer . She studied at; New York University, New York; Seoul National University, Seoul; and did the following Artist in Residence, Platform Garanti contemporary Art Center, Istanbul 2010; Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Amsterdam 2006-7; ISCP, The International Studio and Curatorial Program, New York 2003; ArtPace, San Antonio, U.S. 2000.

"Velserbroek" est le nom d'un quartier en périphérie de Haarlem, aux Pays-Bas. Ce quartier est un exemple-type de ce que les néerlandais nomment "Architecture Sociale", important complexe de logements, avec parfois plus de 8000 résidences, et semblables en de nombreux points à une banlieue américaine ordinaire. L'artiste a été frappé par le nombre très faible d'habitants. Tout était quasiment désert. Il a également effacé numériquement toute trace de voiture, vélo ou être humain, ce qui renforce l'aspect de vide et d'étrangeté. Il a choisi le thème des nouvelles habitations néerlandaises comme métaphore du sentiment d'aliénation et du déplacement du concept traditionnel de la maison, familier et pourtant étranger. La vidéo résulte du montage de centaines d'images figées.

Robert Hamilton est un artiste multimédia qui travaille avec la vidéo, le son et la sculpture. Ses premières vidéos datent de 1983, et elles ont été projetées dans de nombreux festivals nationaux et internationaux, remportant plusieures récompenses. Le travail d'Hamilton s'intéresse aux récits expérimentaux, explorant divers types de relations humaines. Il invente des effets sonores et visuels, avec une économie de moyens.

Le spectateur de la vidéo est à la place de celui qui regarde le portait d`un proche s`éloigne dans la route. Le spectateur est mis dans la position de celui qui part et voit les choses disparaitre/apparaitre autour de lui. La vidéo Leave est une recherche de la simplicité d`un plan. La simplicité d`une sensation.

Born in 1982 in Tangier, Morocco, Hamza Halloubi works across a wide range of media, including video, photography, sculpture, and installation. Exploring the relationship between the individual and the faculty of knowledge, he aims at a representation of alternative ideas of identity and culture by disrupting the dogmas of what is defined and established in culture. He comprises quotes in order to discuss issues such as institution, exile, solitude, and melancholy. Instead of direct perspectives he is interested in gestures and attitudes that upset the established order. Halloubi attended LA CAMBRE Ecole Nationale Supérieure des Arts Visuels de Bruxelles. He was the subject of a solo exhibition at The Monty "Modest Expectations", Antwerp(2011). Recent important group exhibitions include IMAGINE BEING HERE NOW The 6th Momentum Biennial, Moss, Norway(2011), FotoTageTrier 2010 ?LEBEN elementar?, Trier, Germany(2010), 4th Cairo Video Festival, Goethe Institute, Egypt(2010), BAD MOON RISING 3, Boots Contemporary Art Space, St. Louis, MO, USA (2010), the 1st International Roaming Biennial of Tehran 1st station: Istanbul, Turkey(2008) The artist lives and works in Brussels, Gent and Tangier.

Nature Morte is a film about the Italian painter Georgio Morandi (1890-1964). It shows his images, paintings and photographs in a book. The film juxtaposes the still life paintings made by the artist with striking images drawn from art history and events of the 20th century. It is a reading of Morandi?s work in relation to the unstable history of the last century, termed by the Marxist historian Eric Hobsbawm ?the age of extremes?. The film questions the relationship between the artist and the political and artistic news of the time.

Born in 1982 in Tangier, Morocco, Hamza Halloubi Across a wide range of media, including video, photography, sculpture, and installation. Hamza Halloubi?s work shows an interest both in the grammar and semiotics of film and language. These rather theoretical fields are then linked to more subjective issues such as memory and translation. Taking personal experience as a point of departure and filtering it through more abstract concepts, Hamza Halloubi creates inviting visual metaphors. His films develop an aesthetic that tries to merge the internal poetics of human encounters with a rather conceptual approach. His light boxes and installations investigate language?s ability to evoke narratives from fragmented writings. The artist lives and works in Brussels and Tangier.

J`ai marché dans la jungle du Brésil, c`était tellement calme que je pouvais seulement entendre le chant de l`oiseau local BEM-TE-VI (BIEN-TE-VOIR) et mon souffle. Puis j`ai vu cinq personnes. J`essayais de continuer à marcher, mais n`importe où que j`aille, ils émergeaient toujours devant moi, encore et encore. Jusqu`au moment où la nuit tombait. BEM-TE-VI a été tourné le 22 août 2017 de 16h55 à 17h12 dans la jungle à l’ouest de Recife, au Brésil. J`ai montré ce qui est arrivé sur mon chemin, la relation avec les cinq personnes et la relation avec moi-même par un plan séquence. Mon corps est l`endroit où le péché peut s`échapper et je veux l`affronter et l`effacer. Cependant, ce n`est pas qu`un cours discontinu, j’ai donné à moi-même et à ces cinq personnes une sorte de destin et j`ai expérimenté ce qui se rapproche de la de limite de ce destin, y compris mon orientation sexuelle. Au cours de ma discontinuité, j`ai découvert que cette limite peut se transformer en expérience et même en expérience libre et c`est une expérience privée. Ces expériences sont basées sur ma croyance religieuse et le pouvoir théologique.

Ses oeuvres sont souvent créées dans différents temps et espaces, lieux et corps. Entre l`implantation et la transformation des symboles, une performance en art vidéo apparemment absurde mais néanmoins émouvante est présentée.

THE MOIST CABINET is inspired by the literary genre of climate fiction. Through the voice-over of the film, we encounter poems by Bettina von Arnim and William Shakespeare, each in the original language. Hanakam & Schuller view these poems from the 16th and 19th centuries a prequel to cli-fi. Both poets seem to be in dialogue with each other, yet testify to different attitudes: in Shakespeare, the description of nature serves as a catalyst of sexual desire; in Arnim, the physical encounter with nature triggers a need to preserve the source of erotic experience: “Your silence, nature, do not break.?/?Not on rustling leaf?/?With stylus wake thee.” THE MOIST CABINET thus also describes the influence of literary narratives on the relationships between nature and humans, and the consequential actions.

HANAKAM & SCHULLER is an artist duo living in Vienna. As artists and explorers, Markus Hanakam and Roswitha Schuller redesign the rules of fine arts and create unconventional arrangements and new world designs in videos and objects as well as applied artforms. Their works have been shown in Haus der Kulturen der Welt, Berlin; Eyebeam Art + Technology Center, New York; Palais de Tokyo, Paris; MAK, Vienna; MAK Center for Art and Architecture, Los Angeles; and the National Art Center in Tokyo. In 2022 they will work with Current Interests on a spatial installation for MAK Garage Top in Los Angeles.

The work contains sounds extracted from the amateur videos filmed during the protests in Belarus in 2020. The videos are mostly very brutal and full of violence and evoke pure and irrational rage and hatred. By cutting off the images and leaving only the sounds I want the viewer/listener to concentrate on what is behind: sounds of the beatings, a dinner in a kitchen with shooting in the background, heavy breathing of those running away, sobbing of a person filming from a balcony, etc. I provide CCTV camera footage from Minsk for my work. Nothing is happening on the screen, it's just a square and people walking by, living normal lives, but the sounds you hear prove that they don't live normal lives anymore. At the same time, this duality reminds us that active protests were totally suppressed. This very view from a CCTV camera looks almost exactly like a view from a prison cell camera - same angle, same grey colours, same texture, and same figures down there. The final part of my work is a footage from a police wagon showing police beating the detained after they were brought to the detention centre.

Born in Belarus in 1986. Studied languages in Belarus, Poland and Germany, which later influenced my artistic practice and let me not be limited to only one cultural context. Different approaches to education in Belarus and Europe gave me a strong push for further personal development. Served mandatory military service in 2009-2010. There I observed the state system of patriarchy and violence, which I would later often refer to in my projects. Studied at the School of contemporary photography Docdocdoc in St. Petersburg, participated in Simon Menner's master class in Minsk, took the online course More than a project, went to residencies organized by ISSP and Sputnik Photos and basically never stopped self-education. In the winter of 2022-2023, I attended the Social Camp course organized by the Goethe Institute to support civil society in Belarus. After the events in Belarus in 2020, I focused on the modern archive and propaganda narratives, and how an authoritarian system creates an alternative reality in the age of the Internet. In 2015 I got polish citizenship, now I have two.

When Jerusalem was divided into Israeli West and Jordanian East by the 1948 war, Musrara was among the neighbourhoods split in half by the Armistice Line. Palestinian Arabs who lived on the Israeli controlled side fled or were driven out of their homes from what thereafter became known as West Musrara. After the Six-Day War of 1967, Israel annexed East Jerusalem. The No Man?s Land was dismantled, but the city remained divided, as Palestinians were prevented from returning to their homes. Some of the expropriated Palestinian houses were converted into bed and breakfasts by the Israeli Jews who now occupied them, promising a ?homey atmosphere? for tourists in search of an ?authentic experience of Jerusalem?. It is in one of those guesthouses in West Musrara that the Palestinian artist stayed for thirteen nights in August 2007. The result is a film that has the feel of a crime scene investigation. Stills from the interior of the house, environmental sounds, oral history of Palestinian refugees, video-footage from the artist?s drifts through east and west Musrara, interlace with a diaristic text - opening an intimate space that is at once unsettling and evocative. The wounded city becomes tangible.

Alexandra Handal is a London based artist with a transnational upbringing. Born into a Bethlehemite, Palestinian family, Handal has lived in numerous cities around the world, among them: New York City, Port-au-Prince, Jerusalem, and Santo Domingo. She obtained an MA in Studio Art at New York University (2001), a BFA in Painting and minor in Art History at Boston University, Boston, MA (1997); and pursued parallel studies during the summer in Paris and Madrid. Handal is currently completing a combined practice/theory PhD at Chelsea College of Art and Design, London. She is the recipient of the University of the Arts London Research Studentship Award (2004) and was a Finalist for the Young Artist of the Year, Hassan Hourani Award from the A.M. Qattan Foundation, Ramallah, Palestine (2004). Her video From the Bed & Breakfast Notebooks was selected for the prestigious New Contemporaries 2009 internationally juried exhibit, which showcases emerging artists in the United Kingdom. Her artworks have been included in group exhibitions internationally, namely at A Foundation, London (2009) Cornerhouse, Manchester (2009); Al-Hoash Gallery, Jerusalem (2009); DePaul University Museum, Chicago, IL (2005); A Space Gallery, Toronto, Canada (2003); The Performance Space, Sydney, Australia (2003); Dumbo Art Center, Brooklyn, NY (2001).

La nouvelle œuvre vidéo de Michelle Handelman, "These Unruly and Ungovernable Selves (The Lockdown)", recontextualise des personnages de ses œuvres précédentes dans un essai visuel hypnotique à propos de la transfiguration de l'intériorité pendant les périodes d'isolement et de peur. La vidéo prend la pandémie de Covid comme point de départ, et la filtre à travers les écrits de la théoricienne Jill Casid sur le nécrocène, et les écrits de Walter Benjamin, extraits du "Livre des passages", se glissant entre seuils et limites, considérant que le bioterrorisme n'est peut-être pas seulement la propagation intentionnelle d’un virus, mais peut-être aussi ce qui vit à l'intérieur de nous, notre propre peur, que le capitalisme tardif utilise pour nous détruire. Les personnages de Michelle Handelmann, qui ont tous déjà été confrontés aux questions existentielles de l’appartenance et de la peur dans ses projets "Dorian, a Cinematic Perfume" (2009-2011), "Irma Vep, The Last Breath" (2013-2015), et "Hustlers & Empires" (2018), sont juxtaposés à des images et des textes trouvés pendant la pandémie, pour prendre une nouvelle forme qui nie et lutte contre l’enfermement. Casid écrit: "Qu'aucun d'entre nous ne se repose pendant que nous vivons notre mort. Que nous n'oubliions pas, mais que nous fassions l’effort de tenir compte de ceux qui ne sont pas encore comptés, des crimes de la guerre sans fin dans laquelle nous sommes toujours."

Michelle Handelman est artiste visuelle, réalisatrice et écrivaine. Son travail repousse les limites du genre, de la race et de la sexualité. Ayant traversé les années de la crise du sida et des luttes culturelles, elle a construit un ensemble d'œuvres qui explorent les zones sombres et inconfortables de l'identité queer. Elle a reçu le prix de Creative Capital en (2019); la bourse Guggenheim Fellow (2011); le Art Matters Award (2011); et la bouse NYFA – New York Foundation for the Arts Fellow (2011). Elle a exposé son travail à de nombreuses reprises, notamment au San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco (USA); au Eli & Edythe Broad Art Museum, East Lansing (USA); à la PERFORMA Biennial, New York (USA); au MIT List Visual Arts Center, Cambridge (USA); à Participant, Inc, New York (USA); à la Henry Art Gallery, Seattle (USA); au Museum of Contemporary Art Chicago (USA); au Contemporary Arts Museum Houston (USA); au Guangzhou 53 Art Museum (Chine); au Film at Lincoln Center, New York (USA); au British Film Institute, Londres (Royaume-Uni); et au Centre Georges Pompidou, Paris (France). Dans les années 90, Michelle Handelman habitait à San Francisco, où elle a collaboré avec Monte Cazazza, pionnier de la scène de la musique industrielle, a réalisé le long métrage "BloodSisters : Leather, Dykes and Sadomasochism" (1995), et a joué dans plusieurs films de Lynn Hershman-Leeson. Son travail a fait l'objet d'articles dans Bomb Magazine, Artforum, Art in America, Filmmaker Magazine et le New York Times. Son travail fait partie de nombreuses collections privées, notamment celle du Eli & Edythe Broad Art Museum, East Lansing (USA); celle de la Kadist Art Foundation, Paris (France); celle de la di Rosa Foundation and Preserve, Napa (USA); et celle du Zabludowicz Art Trust. Elle vit à Brooklyn, New York (USA), et est professeure au département de cinéma, médias et arts du spectacle du Fashion Institute of Technology, New York (USA).

The eighty-year-old actress Libgart Schwarz suddenly loses her language while rehearsing for a film version of the play KASPAR. The play is based on the historic enfant sauvage Kaspar Hauser who assumedly grew up locked in a dark room with no social contacts. Just as it’s protagonist, MY SENTENCE does not fit in. Although in German, it is about universal politics of language and (age) discrimination. Amina Handke’s first feature-length film translates her father’s famous play into cinematic language. The protagonist, originally a young man, is replaced/played by the director’s mother. The play itself questions the rules and violence of language and naturalistic narration. The movie transforms this disobedience into a world full of quotations and references. „What begins as a pure and playful family meta-fiction turns into a surreal, partly nonsensical Babylonian confusion, it’s just that it’s not different languages that are clashing but layers and fragments of the German language, the language of the father. Losing a language becomes an act of resistance against the expected channels of communication, the seriousness of conversation and also the model text. There couldn’t be a truer adaption of the original play than the one taking it apart.“ Patrick Holzapfel, VIENNALE

Amina Handke's work evolves around topics of originality, subjectivity, authorship / audienceship and reception: where does the actual work happen, who produces it, how many versions or realities of it exist and where – in the minds, as documents, as remains? And what is it worth? Her perception of artistic work emphasises the privilege of formulating questions rather than contributing to the universe of commodities. Her practice roots in a wide range of expertise and experience in the fields and intersections of arts, social practice, participative media and a multitude of disciplines: mainly time based (audiovisual, performing and conceptual) arts. It is fueled by the concern to exchange experiences and thoughts with others and to create dialogues about the perception of contradictory, complex constructions of reality. As a curator, she combines her artistic concerns with reflections on working processes and documentary / expanded artistic practices.

La source d?inspiration de ce film est Faces, de John Cassavetes, mais quelque chose de tout à fait original s?y produit. La question "qu?attendez-vous de la vie ?" est mise en scène avec un plaisir de jouer non dissimulé, et de courageuses prises de risque. Dans un espace extrêmement réduit, quatre tempéraments féminins, et leurs attentes érotiques se croisent et circulent autour du "beau marin". Le résultat est une miniature atmosphérique et condensée qui vacille entre l?hystérie et l?auto-dérision. Remake a reçu un premier prix à Oberhausen, dans le cadre de la meilleure contribution à la compétition allemande.

Hangover Ltd. est un groupe de jeunes femmes cinéastes qui réunit Christine Groß, Sophie Huber, Ute Schall, Tatjana Turanskyj, et Claudia Splitt. Elles travaillent ensemble depuis quelques années. Elles ont notamment réalisé PETRA, en coproduction avec le Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, et Sehnsucht nach Schüssen, avec le Prater-Volksbühne.

The Belfast Exposed photography archive contains over half a million images produced by community groups, amateur and professional photographers over the past 30 years. It represents a valuable historical document recording political, cultural and social change in Northern Ireland over these 3 decades. Since 2001 Belfast Exposed have been commissioning artists to produce work using this archive as raw material, previous artists include Duncan Campbell and Broomberg & Oliver Chanarin. Three Short Films about Learning is a latest project to be commissioned in this series. The work juxtaposes a selection of images taken from the archive with excerpts from a lecture series outlining theories of social and environmental psychology. The lecture series is Introduction to Psychology by Paul Bloom, made available by Yale University through the free online learning platform Academic Earth. The archive imagery includes marches, masked gunmen at funerals, and paramilitary punishments. The rhythm of the speech varies throughout from carefully measured statements to free flowing thoughts, and the images are timed to mirror this rhythm.

Michael Hanna completed his MFA at the University of Ulster in 2012 and recently undertook residencies at the Millennium Court Arts Centre and Digital Art Studios, Belfast. He graduated with BA (Hons) in Sculpture at Edinburgh College of Art in 2009. Hanna was shortlisted for the Converse / Dazed Emerging Artist Award with the Whitechapel Gallery, London. He has been involved in exhibitions in the UK and internationally including Interplanetary Revolutions at Golden Thread Gallery, Belfast and Instances of Agreement at the Kao Yuan Arts Centre in Taiwan. Most recently Hanna took part in Multiplicity - an exhibition curated by NURTUREart and shown across four galleries in New York. It was an international survey of artworks sharing an interest in the politics and poetic potential of contemporary urban environments.

Framing the activities of a group of lighthouse spotters against the uncertain future faced by Irish lighthouses, An Illustrated Guide to Lighthouse Spotting idles with common documentary conventions in a kind of epistemological dilettantism, whereby the diseased triumvirate of rhetorical development, drama and realism is inoculated by mild incoherence, mundanity and idiosyncratic fancy.

Mike Hannon works as an independent artist, and as a freelance documentor for creative sectors and the visual arts. His previous pieces have included both conventional, TV documentary and experimental work.

Musarion adapts the eponymous work by German writer Christoph Martin Wieland and transfers the love story into the present day. Phanias withdrew from the city of Athens to the countryside to leave his old life behind. But one day he encounters his former girlfriend Musarion who tries to bring him back to reason. The art film follows their struggle to find an enlightened form of love that can overcome philosophical and political fanaticism. Musarion was directed by a collective of five young artists and mixes elements of the original text, opera, theatre, video art and narrative film.

Vincent Hannwacker was born in 1997 in Munich, Germany. Since 2016 he studies Media Art at Julian Rosefeldt's class at the Academy of Fine Arts Munich. Since 2017 he studies Screenwriting at the University of Television and Film Munich (HFF).

"Circunvalasion" fait partie de un working in progres - Barrio Godoy -que je commençais il y a deux ans. Un ensembles de travaux auteurs de la périphérie. Circunvalasion est le nom de une autoroute que entoure Rosario, una ville a 300k de Buenos Aires, en Argentina. Il y a des usines métallurgiques, le port est a quelques kilometres. Les camions viennent des diferentes provinces du pays. Av. circunvalacion 8,54 ?Film Numérique Dans la périphérie à Rosario, sur la Nationale A008 les camions passent sans interruptions. Marga et Mariela nous parlent au bord de la route.

Au commencement des années 70, adolescente engagée au côté des montoneros, Julieta Hanono est enlevée et incarcérée par la dictature argentine. Après un effacement de près de trois décennies durant lesquelles son expérience de la disparition semble s?être prolongée, cet épisode aura une influence profonde sur son travail. Au commencement des années 2000, installée en France depuis les années 80, Julieta Hanono renoue avec la pratique artistique, à laquelle elle avait dû brutalement renoncer. Ses pièces, teintée de psychanalyse et de marxisme, associant sculpture, dessin et film, sont traversées par son expérience de la disparition et se présentent comme une répétition de ses souvenirs, une conceptualisation méditative qui tend à la réconcilier avec son passé. Simultanément, les pièces se tournent vers l?extériorité : un mouvement qui correspond au souci de l?artiste de reconstituer son lien à l?autre et d?explorer, à travers celui-ci, les fondements de la socialité.

"Caméra au point, Julieta Hanono arpente le gouffre et s?avance jusqu?à la lisière de l?insondable territoire, celui où l?homme n?est plus l?homme. A l?image, des filets de lumière, des entrefilets de paroles, le tissage d?une pensée matière, épaisseur sans laquelle ne pourrait éclore un quelconque partageable. El Pozo, non lieu d?une histoire insensée ; « El Pozo », l??uvre de Julieta Hanono, « lieu-dit » constitué sur fond de ténèbres, masque rapporté sur une histoire demeurée hors du monde, sur une histoire sans visage. El Pozo n?existe pas, il est trou noir, anti-pensée comme l?on parlerait d?anti-matière. A l??uvre, nous ne le voyons pas. A l??uvre s?expose son exact envers, la raison reconquise. Le sujet doit s?exprimer sans ruser ; le Je doit prendre ici la parole. Je refuse de prétendre que quoi que ce soit du vécu de Julieta Hanono en tant que « disparue » puisse devenir pour moi compréhensible. Rien n?y fait, pas même cette ?uvre qui ne saurait rendre palpable l?inouï qui en est le creuset. Je refuse l?empathie qui semble être de rigueur ? de bienséance ? face à ce que d?aucuns nomment un « témoignage ». L?empathie ne peut être ici que feinte ; forme sommaire d?entente, elle demeure sourde au fond de l?histoire folle traversée par Julieta Hanono. L?inhumanité me restera inaccessible par la pensée, car elle en est son strict négatif. Ce que je vois, ce que je pense face à « El Pozo » est tout autre : il s?agit du chemin que parcourt Julieta Hanono pour renaître à la vie ; il s?agit du secret constitutif de « l?humanité de l?humain » dont parle Georg Lukacs. C?est précisément cette histoire que rapporte Julieta Hanono de son propre gouffre ; c?est précisément là que réside le partageable de son aventure. « El Pozo » expose, vive, l?histoire qui me constitue. « El Pozo » est le récit de la (re)conquête du sujet par lui-même, de la (re)naissance du Je. Voir « El Pozo » dans El Pozo éclaire d?un feu plus brûlant encore le secret dont cette ?uvre nous parle. Cette exposition boucle en quelque sorte la démonstration de vie. Placé (tout) contre les murs du gouffre, l??uvre affirme la conquête de l?artiste. Placé entre l?homme et l?espace de sa négation, l??uvre rend active de manière performative sa propre nécessité : elle recrée le sol même de la pensée en mettant à distance l?inhumain par les images et les mots. Jamais El Pozo n?aura été plus éloigné qu?au moment où « El Pozo » irradiera ces lieux ; jamais El Pozo n?aura été plus terrassé en tant que politique d?anéantissement que lorsque « El Pozo » s?y dressera. L??uvre de Julieta Hanono nous rend El Pozo habitable par la pensée, et sans doute rend-elle habitable par la pensée à l?artiste elle-même sa propre histoire insensée. ?uvre politique par excellence, « El Pozo » se comprend comme le récit de la lutte du sujet contre les machines qui dans l?histoire ont visé son éradication. Dans cette affaire ? constituer et entretenir le monde par les armes de la parole ? , l?artiste se situe en première ligne. Il est celui qui traverse les gouffres pour nous en donner l?image renversée, et donc habitable. Il est celui qui porte à bout de bras, à l?instar de Julieta Hanono arpentant El Pozo caméra au point, « l?humanité de l?humain » jusqu?à nous. Sébastien Thiery

Julieta Hanono Venir m?installer en France a d?abord signifié prendre de la distance avec ma langue maternelle. Traverser un autre idiome et réinventer à partir de ce détour mes propres mythes. C?est aussi revenir au point de départ, revivre l?exil de mes arrières grand parents, d?Alep, d?Alexandrie, de l?Espagne à l?Argentine. Et dans une spirale ascendante, je veux redessiner leurs parcours. Je pars de Buenos Aires et je débarque en France. A mon arrivée à Paris, j?ai entrepris des ?uvres à partir de portes et de planches que je récupérais. Je ramenais dans mon atelier des objets jetés ; après je compris que faire apparaître ce qu?étais disparus étais en relation a ma propre histoire : le 11 novembre 1977, à l?âge de seize ans, durant la dictature militaire en Argentine je fus portée disparue.( j?étais enlevée de la vie et jetée hors du monde) Ainsi, à Paris surgissaient les reliefs d?un récit enfoui, celui de ma propre histoire qu?en Argentine je ne pouvais voir. Trop proche, elle demeurait là-bas un point aveugle. Tunnel? Loupes / serrures. Ma ligne d?horizon s?épaississait et mon cheminement me conduisait à construire de nouvelles séries de travaux : des « bijoux » et des ?uvres photographiques élaborés à partir d?instruments médicaux. Notamment, je produisais des images numériques prises à travers un spéculum et constituais ainsi la série « Le tunnel ». Ambiguïté du spéculum réunissant en lui-même deux principes : loupe et serrure. Objet à double tranchant peut-être permettant de se rapprocher, de voir en vue d?un savoir scientifique et neutre ; mais aussi permettant d?épier, de se faire le voyeur d?une intimité secrète. « Le tunnel » se compose de différents tableaux. Il s?agit d?une série de déclinaisons, mais aussi d?instantanés que l?on peut approcher indépendamment de la série dans laquelle ils s?inscrivent. Images agrandies, avec une certaine pixellisation, ces « portraits féminins » de dimension identique varient néanmoins selon l?intensité de la lumière et de la couleur. La séquence se lit comme un kaléidoscope à travers lequel se scande le fond de l?affaire, l?énigme de l?origine démultipliée. Toutefois, en chacune de ces compositions l?intérieur ouvre sur ma propre ligne de fuite, mon propre passé noué à ce moment douloureux de l?Argentine, ces années de plomb de la dictature ; en chacune de ces compositions, un temps immobile, celui de mon propre enfermement, l?objet perdu.

Coming to live in France first meant for Julieta Hanono that she was distanced from her mother tongue.Then to relive the exile of her great-grand parents, from Alep, Alexendria, went from Spain to Argentina. Julieta Hanono wanted to outline their journey, she went to Buenos Aries, then arrived in France. On her arrival in France she began her work with doors and planks of wood, things that were thrown out, which she retrieved. She understood later on, the link with her own history: on the 11th of November 1977, at the age of sixteen, during the military dictatorship in Argentina, she was reported missing. In Paris bits of her buried story began to emerge, her own story in Argentina which she wasn`t able to see. Her horizon expanded and her journey led her to construct a new series of work: "Jewels" is elaborate photographic work about medical instruments and digital images.

Intime est la traversée de la France de sud au nord de l?été a l?hiver de la nuit a l?aube. Les séquences son enchaînées avec une camera que fait l?intention de survoler presque sans toucher le réel, immergé comme dans un rêve : le lumières et le chant de la nuit, la brume froide de l?aube, le chant de l?animaux comme un crie que déchire l?espace pour finir dans la désolation de la neige. Intime est aussi l?idée de l?isolement de l?être que se déplie dans le voyage de la vie jusqu?est la mort. Je mis se titre pour le caractère totalement subjective de la façon de filmer. Le film est un première personne. Possiblement c?est un hommage a mon père a sa disparition et a la compréhension que la vie de l?autre peut se voir comme un cercle fermé seulement quand il n?est plus là.

Venir s?installer en France a d?abord signifié pour Julieta Hanono prendre de la distance avec sa langue maternelle. Puis revivre l?exil de ses arrières grands parents, d?Alep, d?Alexandrie, de l?Espagne à l?Argentine. Julieta Hanono souhaite redessiner leur parcours, elle parcourt Buenos Aires, puis arrive en France. A son arrivée à Paris, elle entreprend des ?uvres à partir de portes et de planches, des objets jetés, qu`elle récupère. Elle comprend plus tard le lien avec sa propre histoire : le 11 novembre 1977, à l?âge de seize ans, durant la dictature militaire en Argentine elle fût portée disparue. A Paris surgissaient les reliefs d?un récit enfoui, celui de sa propre histoire qu?en Argentine elle ne pouvait voir. Sa ligne d?horizon s?épaississait et son cheminement la conduisait à construire de nouvelles séries de travaux : des « bijoux », des ?uvres photographiques élaborés à partir d?instruments médicaux et des images numériques.