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Dans l?installation vidéo à trois canaux « The Officiel », Chelsea Tonelli Knight explore les fantasmes du pouvoir au sein de la bureaucratie. Tourné dans les bureaux privés et les couloirs de l'ONU à New York, « The Officiel » entreprend d?examiner le rôle d?un diplomate de sexe masculin au sein d?une institution idéalisée. Ce qui semble à première vue être un documentaire ou une interview se transforme en un récit fragmenté dans lequel le théâtre de l'autorité et de la séduction se joue entre le diplomate et son interlocuteur, non identifié. Les deux personnages adoptent une série d'attitudes, en déplaçant les tensions entre institutionnel et intime et en questionnant la manière dont ils se définissent l?un l'autre.

Chelsea Tonelli Knight est une vidéaste et artiste performance basée à Chicago (USA). Elle a obtenu son MFA (Master of Fine Arts) à la School of the Art Institute de Chicago en 2007 et a été boursière Fulbright en Italie en 2007. Knight a exposé aux USA et en Europe, notamment lors d?expositions à la Werkschauhalle Gallery des Spinnereigalerien de Leipzig (Allemagne), au St. Louis Art Museum (USA), au Centro Arte Moderna e Contemporanea della Spezia (Italie) et a participé en 2007 à la Biennale d?Istanbul (Turquie).

?Then I saw the face belonging to the voice that had spoken all night long.?

Oliwia Tonteri studies documentary film and Jerem Tonteri film editing at University of Art and Desing (UIAH), Helsinki.

Jaan Toomik (born 1961; lives and works in Tallinn) is a video artist and a painter, often described as the most widely acknowledged Estonian contemporary artist on the international scene. In the Estonian art world Toomik received recognition as a painter from the late 1980s and from the early 1990s as an installation and video artist. The critics often refer to him internationally as the most well-known contemporary artist from Estonia [2] mainly due to his short video works that have received wide international acclaim (e.g. Father and Son, 1998). He has participated at the São Paulo Biennale (1994), ARS ?95 (1995), Manifesta 1 (1996), Venice Biennale (1997; 2003), 4th Berlin biennial of contemporary art (2006).

In the medieval Town Hall Square, in the heart of the Old Town of Tallinn stands a huge fir tree. Christmas is in the air. On the streets is the hustle and bustle of present buying and preparation. Around the tree itself is a Christmas market, a range of kitsch, purpose built, festive stalls almost filling the square with their decorative, superfluous bric-a-brac. Approaching faintly is the familiar sound of the Hare Krishna, those naives with their innocent philosophy who always bring a condescending smile to our faces, blissfully chanting their way through the city ? ?Hare Krishna - Hare Rama?. But as the sound approaches it becomes clear that the chant is not Hare Krishna but actually ?Hare Christmas - Hare Christmas?, and it is not our friends from the Krishna community but in fact a line of Santa Clauses in the familiar red attire and with flowing white beards, skipping along to the rhythm of the chant. A young girl is explaining to us her desire to do something good and worthwhile in the world. She wants to help others. She is kind. The sound of her voice is honest but we do not see the speaker ? what we see is an interior, a living place, if it can be called that. The slum, of an alcoholic, anti-social character, who it is hard to believe has any hope left or even cares anymore. The rooms are infested with cockroaches and flies. Heaps of decomposing rubbish strewn around. We can easily imagine the smell of the place. Two different worlds that at some point in time will collide.

With precisely composed filmic-tableaux and through minimal movements the work Carusel evokes the image of a post-apocalyptic playground, while somewhere outside or above various doomsday scenarios take their course. It is a setting of the Zeitgeist-phenomenon celebrated by our pop culture in graphic novels, computer games and television series in all of its enjoyment and pessimism. Carusel triggers trails of thought in-between mythical traditions and actual fear of the dark. In an elevator ride in one of the sequences, we eavesdrop a conversation of a family: Arguably, the rest of the world still standing. Carusel was shot in the damp caverns of a former Romanian salt mine which was reused as a bomb shelter in the second world war and is now refurbished as an erie underground amusement park. Though equipped with a carousel, ping-pong tables, a childrens’ playground and rowboats, the combination with large threatening steel structures and surreal light-objects still produce a gloomy atmosphere and ambience of fear. It seems that the mythical echos of the historically charged site are still abound, yet absurdly translated into an uncanny and bizarre „amusement park“. Marlies Wirth

Patrick Topitschnig is a Vienna based filmmaker and audio artist and also collaborates on theatre projects. After he finished his studies in Commercial Information Technology he studied Intermedia Art and Narrative Film in Vienna and Berlin under the likes of Bernhard Leitner, Erwin Wurm, Constanze Ruhm and Thomas Arslan. For his diploma in 2012 he produced the experimental video “Right to Hospitality”. He received several awards, such as the Fred Adelmueller Grant and the Ursula Blickle Preis for his video "Concision of the Whole" (2007) ("Zerschneidung des Ganzen"). In 2013 he was granted the STARTstipendium for video and media art (Austrian Federal Ministry for Culture and Arts). He works primarily with video and sound, often within installative contexts. His works center on direct physical experience and immediate reception of time, as well as on enduring and measuring the passing of time on a visual or on an acoustic basis. Permanent repetitions or continuous oscillations constitute a recurrent theme.

"Postponing the Inevitable" est un film présentant trois interprétations différentes du thème de la mort proche. Basés sur des histoires vraies, les chapitres "Falling", "Faking" et "Freezing" se situent entre le récit cinématographique traditionnel et un espace ambigu de représentation visuelle, demandant au spectateur d'interpréter les indices qui lui sont proposés: un éboueur est photographié par une femme pour une raison inconnue, un homme va et vient sur une plage, un hôpital ne contient qu'un seul patient.

Noam Toran est né en 1975 à las Cruces à New Mexico. Il a étudié les beaux arts. Il a réalisé des décors de théâtre et de cinéma avant de recevoir son MA en design au Royal College of Art de Londres. Son oeuvre utilise plusieurs disciplines et médias, du film à l'installation en passant par le design conceptuel, et explore les implications sociales, psychologiques et éthiques des technologies naissantes, de la culture de masse, du cinéma et de la photographie. L'oeuvre de Toan est exposée, projetée et publiée sur le plan international, notamment au MOMA de New York, au MUDAM du Luxembourg, au Centre Pompidou de Paris, et au Kulturhuset de Stockholm. Actuellement, il enseigne au Royal College of Art et donne des conférences à travers le monde.

With no visible human presence, we move through the interior of a house. Like all houses, it contains spaces of darkness and corners hidden from view. That house, that interior, hides its flat background of ephemeral construction. We are inside a set built to the limits of the frame that films it. That house was only a fragment of what it appears to be. “The Uninvited” is a short film not about what there is, but about what there could be. Cinema is an apparatus of power over the representations shown therein and the bonds of continuity of a society. “The Uninvited” shows a house haunted by those absences, its blind spots and the violence of its limits and exclusion that its representations have meant.

Fabiola Torres-Alzaga is a Mexican artist working in contemporary art. She studied photography at “The active school of photography” and visual arts at “La Esmeralda” in Mexico City. She has been investigating focus and nearsightedness present in the act of gazing, and its repercussions in our socio-spatial relationships. I have a keen interest in cinema and its articulations of space and time, as well as stage magic and its defiance of logic. Both disciplines comprise the basis of my research. Through them, I seek to expand the scope of the visible, creating illusionary worlds that intrude into real space, counter-spaces that claim inclusive folds within the rigid limits of patriarchy to generate Other possible relations. Her work has been shows at MUAC (Mexico City, 2021), Lille3000 (France, 2019), the Biennal FEMSA (Zacatecas, 2018), the Anthology Film Archives (New York, 2018), the Biennal of Moving Images (Buenos Aires, 2018), the Paul Kasmin Gallery (New York, 2018), Videoex , Maison des Arts de Malakoff (France, 2016), the Polytechnic Museum of Moscow (Russia, 2015), MARCO (Monterrey, 2015), Museum of El Chopo (Mexico City, 2014), Museum of Modern Art (Mexico City, 2014), Laboratorio Arte Alameda (Mexico City, 2011), the Center for Contemporary Art (Tel Aviv, 2006) and Sala de Arte Público Siqueiros (Mexico City, 2004), among others. She has published “Historias de la noche” (Stories of the night, ESPAC, 2019) a book/project in dialogue with cinema curator Mara Fortes, and a solo catalogue “Fabiola Torres-Alzaga: In between acts” (Museo Universitario del Chopo, 2015), she´s currently a member of the Fonca’s Sistema Nacional de Creadores.

« Jalal, la nuit dernière, j’ai rêvé de notre film. » « Quel film ? » « Celui sur lequel nous travaillons ces jours-ci. » « Hong Kong, Chine, Solaris ? » « Oui. » Peut-on faire un rêve dans lequel les souhaits, les plus profonds et inconscients sont exaucés par Solaris ou un équivalent de Solaris, l’océan extraterrestre hyperintelligent et sensible du film Solaris de Tarkovski qui exauce de tels souhaits ? Oui, si notre méta-souhait est de voir nos souhaits inconscients réalisés de la manière dont Solaris le fait plutôt que de la manière dont les rêves le font (par le biais de mécanismes tels que la condensation et le déplacement). Il faut cependant garder à l’esprit que, puisque les rêves sont des exaucements de souhaits, Solaris ou un équivalent de Solaris finirait par nous rendre incapables de rêver, insomniaques, car il rendrait les rêves superflus. En rêvant de Solaris ou d’un équivalent de Solaris, on rêverait d’un endroit où l’on ne peut pas rêver, où il n'y a pas de rêves.

Graziella Rizkallah est une réalisatrice libanaise. Ses vidéos ont été présentées à la 11ème Biennale de Sharjah, au Musée d’art moderne de San Francisco, au MAXXI, à la première Biennale d'Asie et à la 5ème Triennale de Guangzhou, à la 7ème Biennale d’urbanisme et d’architecture de Shenzhen, au Times Art Center de Berlin, à Darat al Funun (Amman) et au Beirut Art Center. Jalal Toufic est un penseur et un mortel à en mourir. Il est né en 1962 à Beyrouth ou à Bagdad et est mort avant de mourir en 1989 à Evanston, dans l’Illinois. Outre l’écriture de plus de dix livres, il a réalisé plus de dix films et vidéos, dont des films-essais et des films conceptuels, des courts métrages (7 minutes, 8 minutes, etc.), des longs métrages (110 minutes, 138 minutes, etc.) et des films « inhumainement » longs (72 heures, 50 heures), des vidéos qui sont des œuvres autonomes et d’autres qui font partie d’œuvres mixtes, des films qu’il a tournés et des films dont toutes les images sont tirées d’œuvres d’autres cinéastes (Hitchcock, Sokourov, Bergman, etc.). Son travail a été présenté aux 6ème, 10ème et 11ème Biennales de Sharjah, à la 9ème Biennale de Shanghai, à la 5ème Triennale de Guangzhou, au MoMA PS1, au Musée d’art moderne de San Francisco, au Centre Pompidou, au ZKM, à la Kunsthalle Fridericianum, au MAXXI, au Witte de With et aux Deichtorhallen de Hambourg.

La théorie des vagues est un film en trois mouvements, au fil desquels, à partir du motif de la vague, la question du passage de la perception à la représentation tente de se résoudre. Le film s?ouvre sur la description d?une maison tout au bord de l?eau, sur laquelle les vagues viennent éclater les jours de tempête. Ce lieu évoqué par la narratrice est celui où j?ai passé les deux premières années de ma vie. Hormis le récit que l?on m?en a fait, je n?en garde aucun souvenir, aucune image, même si je peux supposer qu?il a affecté mon mode de perception. C?est un autre lieu, le laboratoire de mécaniques des fluides de l?école centrale de Nantes, qui a réactivé la mémoire de cette maison au bord de l?eau, quarante ans après. Là, les vagues viennent s?écraser régulièrement sur les murs de béton d?un bassin à houle.

Muriel Toulemonde est née à Lille en 1970. Durant ses études à l?Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris et après, (DNSAP en 1997), elle bénéficie de plusieurs résidences à l?étranger : Milan (1991), Los Angeles (1994), Cologne (1999), Budapest (2001), Delphes (2004).

"Sarcocoptes" signifie en grec "coupeurs de viande". Cette courte vidéo d'art est une animation expérimentale. L'être humain se transforme en fonction de ses émotions. Caractère durable de l'esprit humain et de son anatomie. Les codes anatomiques se transforment. Les émotions et les souvenirs s'incarnent et entrent en conflit avec la propre chair de l'Homme. Une simple pensée ressemble à une opération chirurgicale. L'organisme s'approche t-il à chaque instant de la mort ou est-il déjà prêt à renaître ? Une créature solitaire qui creuse dans son esprit à la découverte de soi-même.

Giorgos TOURLAS est né à Athènes en 1979. Il est diplômé de l'école des Beaux-Arts d'Athènes où il a étudié dans le laboratoire d'étude de Rena Papaspyrou entre 1999-2000 et 2003-2004. Il a également étudié la mosaïque et l'informatique dans ce même département. Actuellement, il continue ses études de 3ème cycle en art numérique. En Espagne, à l'Université des beaux-arts de Valence en 2002, il a étudié la chalcographie (technique de gravure sur cuivre) et l'animation.

Par des sons et des éléments visuels évocateurs, ETHER vise à créer un environnement immergent des données décomposées. L?image se craquelle et se tord, intégrant et désintégrant le son vidéo. Les sifflements et les bourdonnements de son à des kilomètres de là remplissent la pièce, des morceaux dérobés de musique et de voix se décomposent en un brouillon. Dans la pièce sombre, le diptyque video, seule illumination, est projeté sur un mur blanc. Dans les coins de la pièce quatres hauts parleurs mettent en avant un yaourt sonore qui enveloppe mais n?intimide pas.

Bruce Tovsky est un artiste visuel et sonore qui réside à Brooklyn, New York. Il a été diplômé d?un MFA en multimédias (art du film, de la vidéo, du son, de la performance et de l?installation) à la Rutgers University en 1979. Il a commencé à montrer des vidéos aux USA, en Europe et au Japon dans le début des années 80. Certaines de ses vidéos sont présentes dans la collection The Kitchen et The New York Library Donnell Library Center, toutes deux à New York. Il a embrassé une carrière diversifiée comme producteur audio (Liquid Liquid, Lydia Lunch, Karen Finley, F?tus) et moteur/designer vidéo pour des publicités ou des clips. Pendant ces dernières années, il a créé des vidéos en direct et des improvisations sonores, souvent en collaboration avec l?artiste sonore John Hudak, dans de nombreux lieux autour de New York dont Diapason, Experimental Intermedia, Issue Project Room, et son propre espace d?installations, 106BLDG30 au Brooklyn Navy Yard. Lors de l?été 2003, il a présenté ??for the time bing? ? æc Hudak au ??Festival off Mixology? ? de Roulette au The Performing Garage. Cette performance fut distribuée en 2004 sous le label de Jason Kahn, CUT, et rééditée dans le numéro de Février de The Wire. En octobre 2003, Torsky a assemblé un groupe d?improvisateurs - Beo Morales, David Linton, Michael Schumacher and Brooks Williams ? afin de jouer une pièce pour le festival Réseaunances à l?Ircam de Paris. Sa pièce vidéo et sonore la plus récente, ETHER, a fait sa première à 106BLDG30 dans le Navy Yard en juin 2005, et a été diffusé dans des festivals internationaux à Sao Paulo et Séoul. La bande-son de ETHER fut récemment programmée dans un documentaire radio de la BBC et sur des stations radios à ondes courtes.

Project Strings est une performance audiovisuelle en direct et un essai vidéo du duo artistique TraumaZone. Le projet s’appuie sur le livre Staying with the Trouble de Donna Haraway, où l’autrice réfléchit à la manière dont idées, êtres et mondes s’entrelacent comme les fils du jeu de la ficelle (Cat’s cradle). Partant de ces jeux de ficelles comme principe central, Strings aborde les notions de coexistence entre humains et non-humains au sein d’un même système social. Au fil du récit, la grille solide des connexions se dissout progressivement, laissant émerger la fluidité comme principe fondamental de coopération. La performance conjugue des visuels réactifs — en direct et préenregistrés — et un dispositif sonore live incluant une boucle de 20 secondes issue des radiations électromagnétiques émises par un panneau solaire, combinée à des fragments d’émissions AM enregistrées lors d’une résidence artistique en milieu rural bavarois. L’essai vidéo propose une version condensée du matériau, avec un rythme narratif plus énergique. Project Strings invite le public dans un paysage méditatif où sons et images œuvrent de concert à défaire les structures rigides et à embrasser des modes d’existence plus fluides et interdépendants.

TraumaZone est un duo de live-coding basé à Berlin, composé de Ksenia Sova, artiste vidéo, et de Fyodor Stepanov, designer sonore. Leur démarche vise avant tout à politiser la communauté artistique en mettant en lumière des questions essentielles et en créant un espace sûr pour la discussion. Ksenia Sova (they/them) est une artiste média basée en Allemagne. Iel a étudié l’art médiatique à l’Académie des beaux-arts de Leipzig. Son travail s’intéresse particulièrement aux expériences d’aliénation, d’isolement et d’anxiété vécues par un corps queer au sein d’environnements numériques. Iel recourt à une approche du cinéma élargi pour créer des œuvres temporelles présentées lors d’expositions individuelles ou collectives. Fyodor Stepanov (he/they) est un artiste sonore et compositeur basé à Berlin. Il se spécialise dans les œuvres électroacoustiques destinées aux installations interactives, aux performances audiovisuelles et à la vidéo. Sa pratique est portée par les notions de transience, de non-linéarité et d’ambiguïté inhérentes au sonore. L’approche qu’il a développée au cours de la dernière décennie combine algorithmes génératifs, fragments de radiodiffusion, enregistrements de terrain et écoute électromagnétique pour produire des paysages acousmatiques étranges, évoluant lentement sur de longues durées.

"Beatings Of The Devil" is based on the concept and weather event called sunshowers, or, as my grandmother would often say when it rained while the sun was shining, “The devil is beating his wife”. This wildly inappropriate, and outdated colloquial phrase, which resonated deeply within me as a child, provides a point of departure and interpretation for this work. Created through a series of shoots spanning over four years, the piece has evolved into a memorial to my mother, and a reckoning for my father, who recently lost his wife of 51 years. The piece premiered at the 2022 Art of Brooklyn Film Festival, and won the Vanguard Award for Best Experimental Short.

Bradly Dever Treadaway is a Brooklyn based artist, educator and curator utilizing lens-based image making, moving images, sound, sculpture, installation and performance to comment on the breakdown of intergenerational communication and broken familial links due to natural disaster, technological evolution, mental health challenges, societal shifts and the continuance of interpersonal detachment occurring within American communities. His work is visualized through archival interventions, recontextualizing the archive to serve as form, medium, subject matter and concept, elevating domestic ephemera and rituals while questioning material significance within the photographic medium. Treadaway creates memorials, monuments and mnemonic devices to illustrate ancestral collisions with contemporary responses. His work has been exhibited at the Whitney Museum of Art, the Center for Photography at Woodstock, The International Center of Photography,The Ogden Museum of Southern Art in New Orleans, Agora Gallery in Chelsea, NY, The Mobile Museum of Art, The Ospedale degli Innocenti in Florence, Italy, and the Lishui Museum of Photography in China. His film/video work has been screened at the New Orleans Film Festival, the Carnegie Museum of Art, the National Centre for Contemporary Art in Moscow, Russia, Union Docs, Anthology Film Archives, the Art of Brooklyn Film Festival, the Nashville Film Festival, the Coney Island Film Festival, and at the Brooklyn Arts Council’s Scene: Brooklyn. Treadaway’s work has been curated by Vince Aletti, Kevin Jerome Everson, Jon Feinstein and Julian Cox and is part of the permanent collections at The Center for Photography at Woodstock, The Ogden Museum of Southern Art, The Masur Museum of Art, the Ewing Gallery at the University of Tennessee, the Brooklyn Public Library and the Mobile Museum of Art. Treadaway has recently held residencies at Trestle Art Space and BRIC Media Arts in Brooklyn, Kutztown University in Pennsylvania and the Contemporary Arts Center at Woodside in NY.

Comma Boat is one of four movies to date completed in 2013 by Trecartin, first shown as a work in progress at the Arsenale of the the Venice Biennale. Since settling in Los Angeles in 2010, Fitch and Trecartin have designed and built a modular maze of sets on a soundstage with the help of Hollywood technicians who have rigged the space with lights and hydraulics enabling it to move and change for different projects.

Termed "the most consequential artist to have emerged since the 1980s" by The New Yorker, Ryan Trecartin is one of the most innovative artists working with video today. Trecartin`s video narratives unfold like futuristic fever dreams. Collaborating with an ensemble cast of family and friends, he merges sophisticated digital manipulations with footage from the Internet and pop culture, animations, and wildly stylized sets and performances. While the astonishing A Family Finds Entertainment (2005) has drawn comparisons to Jack Smith, early John Waters, and Pee-Wee`s Playhouse, Trecartin crafts startling visions that are thoroughly unique. Kevin McGarry writes, "Ryan Trecartin has established a singular video practice that in form and in function advances understandings of post-millennial technology, narrative and identity, and also propels these matters as expressive mediums. His work depicts worlds where consumer culture is amplified to absurd or nihilistic proportions and characters circuitously strive to find agency and meaning in their lives. The combination of assaultive, nearly impenetrable avant-garde logics and equally outlandish, virtuoso uses of color, form, drama and montage produces a sublime, stream-of-consciousness effect that feels bewilderingly true to life." Ryan Trecartin was born in 1981 in Webster, Texas. He received a BFA from the Rhode Island School of Design in Providence, Rhode Island in 2004. Solo exhibitions include Any Ever, which traveled from the Power Plant, Toronto in 2009 to the Museum of Contemporary Art, Los Angeles in 2010, then to the Museum of Contemporary Art, North Miami, FL in 2011; MoMA P.S.1, Long Island City, New York; Musée d`Art Moderne de la Ville de Paris, France (both in 2011); Kunsthalle Wien, Austria; Wexner Center for the Arts, Columbus, OH; Hammer Museum, Los Angeles, and Elizabeth Dee Gallery, New York. His works have been seen in group exhibitions at the San Francisco Museum of Modern Art; ZKM - Center for Art and Media, Karlsruhe, Germany; Garage Center for Contemporary Culture, Moscow, Russia; The Eighth Gwangju Biennale, Gwangju, South Korea; MIT/List Visual Arts Center, Cambridge, MA; New Museum of Contemporary Art, New York; Guggenheim Museum Bilbao, Spain; the 2006 Biennial Exhibition of the Whitney Museum of American Art, New York; USA Today: Works from the Saatchi Collection, Royal Academy of Arts, London; Moore Space, Miami, Florida; The Getty Center, Los Angeles; New York Underground Film Festival, New York; Chicago Underground Film Festival, Chicago; and Smack Mellon, Brooklyn, among others. In 2009 Trecartin was the recipient of the first Jack Wolgin Fine Art Prize, presented by the Tyler School of Art at Temple University, Philadelphia, which recognizes the highest level of artistic excellence on an international level. In 2009 he received the Calvin Klein Collection New Artist of the Year Award at The First Annual Art Awards, Solomon R. Guggenheim Museum, New York. He also received a Pew Fellowship in the Arts in 2009. Trecartin lives and works in Los Angeles.

A bed-bound woman's year passes as a day: her time is no longer measured by the increments of a clock but by the quality of weather outside her window. Objects emerge and merge in the gloom; the woman dissolves and reforms. Her muteness, her glaucomas and her inactivity render things indeterminate. By naming objects, animal and phenomena we reduce and delineate them, and so separate ourselves from the world around us - she cannot do this.

Peter Treherne is a moving image artist working in the South East of England. His films explore the affects of the environment, particularly weather, on agricultural and creative labour. His work is distributed by the Canadian Filmmakers Distribution Centre and Kinoscope, has been funded by Arts Council England, and has screened internationally at festivals and galleries including Festival ECRA, Whitechapel Gallery and London Institute of Contemporary Arts. Peter is also director of the Slow Film Festival, an organisation that shares moving image art with the British public in rural areas. The festival has collaborated on programmes with institutions including Close-Up Film Centre, MUBI and the British Council, and has screened work from artists including Ben Rivers, Kevin Jerome Everson, Babette Mangolte and James Benning. Peter also holds a master’s degree in Film Aesthetics from the University of Oxford.

In an exercise of compensation, I invert the condition of the representations of prominent figures of class society. Between the social pages and the elitist advertising, I incrust them in the context of the settlers, the called ?D sector?. By means of digital abrupt manipulation turning to a stereotype, an exchange in a coarse way the roles of the social actors, I execute a pleasant revenge in photomontage key. For the speech, I used an early ?opened work?, as Umberto Eco concept, the prologue of a Peruvian basic book: Seven Essays Interpretation of the Peruvian Reality, by Jose Carlos Mariátegui, whose reflection about a racist society is still remaining up to the present. Declared in Quechua and without subtitles the voice force the spectator to enjoy a despised and unloved language.

Visual Artist and teacher Produced artwork with diverse media: video, installations, assembly, graphic arts, silkscreen, stage scene. In the decade of the 80`s, he participated in the underground scene of music and alternative art in Lima, Peru. Took part in artwork collective production: Macho Cabrio, Bestiarios, MUTA. Collaborates in initial and formative events of electronic art in Peru, organized by DACP, ATA, Medios Nómades. Founder member and director of DACP projects (Peruvian Cultural Artistic Development), Lima 2000-2008. Group of artists who promoted and produced Peruvian video-art works internationally. His video work was exhibited in diverse festivals placed in Japan, Los Ángeles, Barcelona, Madrid, Paris, Berlín, London. At the moment he is a teacher of Visual Arts at Corriente Alterna Fine Art School

Partant d'une visualisation par satellite, destinée à nous surveiller, l'artiste a découvert le plan du Pérou, comme une silouhette humaine. Les images satellite servent en quelque sorte à faire illusion: de très loin, le territoire est magnifique, et montre une topographie verte et vivante. Cependant, le drame humain que vivent la plupart des habitants de cette zone colorée montre le contraire: de près, les choses semblent très lointaines. Pour cette raison, l'artiste expose la forme de son pays de façon impertinente. L'orientation est inversée: le sud est au nord, et l'est est à l'ouest. Quelle va être alors la perpective la plus forte?

Carlos Troncoso est l'auteur d'une oeuvre multiple: vidéo, installations, assemblage, arts graphiques, sérigraphie, théâtre. Dans les années 1980, il a participé à la scène musicale underground et d'art alternatif à Lima, au Pérou. Il a pris part à la production d'oeuvres collectives: Mucho Cabrio, Bestiarios, MUTA. Il collabore à des événements dans le domaine de l'art électronique, organisés par DACP, ATA, Medios Nómades. Il est membre fondateur et directeur des projets DACP (développement artistique et culturel péruvien), à Lima (2000-2007). Il fait partie d'un groupe d'artistes qui fait la promotion de l'art vidéo péruvien dans le monde. L'oeuvre vidéo de Troncoso a été montrée dans plusieurs festivals, au Japon, à Los Angeles, à Barcelone, à Londres. Actuellement, il enseigne les arts visuels à l'école supérieure des beaux-arts Corriente Alterna.

"Dans le saisissant deuxième long métrage de Minh Quý Truong, un homme vivant sur Mars en 2045 examine des images rapportées de ses rencontres avec une communauté autochtone dans la jungle vietnamienne. Au fil de ses expériences, ses pensées dérivent: de questions d'identité, d'esthétique et de politique de l'image, aux pratiques funéraires rituelles, en passant par les forces visibles et invisibles qui façonnent les cultures. Combinant des éléments de science-fiction et d'ethnographie, "The Tree House" est une exploration puissante de la manière dont le temps et l'environnement influencent notre compréhension de la notion de lieu et de foyer." (57e New York Film Festival)

Truong Minh Quý est né en 1990 à Buôn Ma Thuot, une petite ville des Hauts Plateaux du Centre (Vietnam). Il vit et travaille ici et là, dans la vibration des souvenirs et du moment présent. Ses récits et ses images, qui se situent entre le documentaire et la fiction, entre le personnel et l'impersonnel, s'inspirent du paysage de son pays natal, de ses souvenirs d'enfance et du contexte historique vietnamien. Dans ses films, il a expérimenté le fait d’associer pendant le tournage des concepts-images abstraits à des improvisations réalistes. Il a été élève à l'Asian Film Academy 2012, dans le cadre du Busan International Film Festival, Busan (Corée du Sud), et a participé à la section Talents de la Berlinale 2016, Berlin (Allemagne). Ses films ont été sélectionnés pour des festivals et expositions à l’international, notamment le Festival international du film de Locarno (Suisse); le New York Film Festival (USA); le Festival International du Court Métrage à Clermont-Ferrand (France); les Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Allemagne); le Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas); le Busan International Film Festival (Corée du Sud); Les Rencontres Internationales Paris/Berlin (France/Allemagne). En 2017, il a remporté le principal Prix Artistique de la 20e édition de VideoBrasil, São Paulo (Brésil). Son deuxième long métrage, "The Tree House", a été présenté en première au 72e Festival international du film de Locarno (Suisse) [Compétition Filmmakers of The Present, Prix Boccalino de la critique suisse], où il a été élu l’une des "trois des meilleures premières du festival" par la plateforme Mubi, et qualifié d'"ode singulière et envoûtante à la mémoire et au cinéma" par le site The Film Stage. Le film a ensuite été projeté notamment au 57e New York Film Festival (USA) [Projections]; à la Viennale, Vienne (Autriche); au Festival des 3 Continents, Nantes (France) [Compétition internationale]; au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas) [Bright Future Main Program]; à CPH:Dox, Copenhague (Danemark)[Artist & Auteur]; et au Göteborg International Film Festival (Suède). Actuellement, Truong Quý Minh poursuit ses recherches sur l'analogique et les nouveaux médias au Fresnoy - Studio national des arts contemporains, Tourcoing (France).

The persons are looking for each other. Sometimes they feel they are going to see the other, but it is just an illusion of mind. The gazes that point out of the frames to somewhere invisible. The repetition of images recalls the feelings of a loosen memory.

Truong Minh-Quy was born in 1990 in Buon Ma Thuot, a small city in the central highlands of Vietnam. In 2008 he entered film directing class at the Cinema and Theatre University in Ho Chi Minh City. After one year, he decided to quit the school to pursuit his independent filmmaking path. In 2012, he was a fellow of AFA (Asian Film Academy, Busan International Film Festival). In Feb 2016, he attends Berlinale Talent Campus, Berlin International Film Festival. Gradually he has realized the dilemma that he feels between urban and rural life. His favorite place is his family farm where he can be alone with his dog, listening to the wind moving through the hills. Recently, he is working at ZeroStation, an alternative art space in Ho Chi Minh city.

Interprétation libre du mythe dans laquelle Tsai Ming Liang propulse une femme délaissée par son amant dans la cohue de la gare des bus de Kuala Lumpur.

Tsai Ming Liang was born in Malaysia in 1957. His films have received numerous awards, including the Golden Lion in Venice for Vive l?Amour (1994), the Silver Bear for The River, and 5 Fipresci-Prizes in Berlin. Since his first feature film Rebels of the Neon God (1992) up to the breathtaking I Don?t Want to Sleep Alone, Tsai Ming Liang?s films always feature a cool, sensitive vision of life, human relations and solitude. He is considered to be one of the masters of contemporary cinema. Here he offers a very free and personal interpretation of Puccini´s Madame Butterfly.

Dans "Terms of Play", 60 phrases d’entraînement ont été extraites du logiciel de clonage vocal "Lyrebird IA" et recombinées en scénario pour former un dialogue. Celui-ci a ensuite été interprété par deux acteurs. Chaque ligne a été interprétée avec une émotion différente: parfois factuelle, parfois dramatique ou chantante... Cette œuvre vidéo à 2 canaux s’intéresse au processus des technologies d'apprentissage automatique, qui jouent un rôle croissant dans la production de films. En s'appropriant et en réinterprétant les phrases d’entraînement (que le logiciel a lui-même extraites de textes, romans et essais accessibles au public), cette vidéo inverse ces processus et les interroge de manière critique.

Florian Tscharf (né en 1987, en Allemagne) est artiste vidéo et médiatique. Il a étudié le Media Design à Ravensburg (Allemagne), la réalisation à la Filmakademie Baden Württemberg, Ludwigsburg (Allemagne), et les arts de l'écran à la Bezalel Academy of Arts and Design, Jérusalem (Israël). Il vit et travaille à Berlin (Allemagne).

Dans Mistelpartition (2006), une lignée d?arbres défile « en travelling » comme une partition musicale. Le silence est interrompu par une musique. Celle-ci est visualisée par des illuminations dans le gui des branches hivernales ? lointain reflet d?une mélodie oubliée.

Su-Mei TSE 1973 Luxembourg (L) SU-MEI TSE est une artiste plasticienne basée au Luxembourg et à Paris. Elle choisit son médium (installations, vidéos, photographies, objets, etc.) en fonction de l?idée qui fonde l??uvre à réaliser. Son, rhythme et musique sont des éléments importants dans son travail. La mise en suspension, les moments de silence et l?invitation à une certaine introspection caractérisent l??uvre de Su-Mei Tse. Su-Mei`s work has recently been exhibited at Tim Van Laere Gallery in Antwerp, at Peter Blum Gallery and PS1 in New York, at Albion Gallery in London, and at Casino, Forum d`Art Contemporain in Luxembourg and at the Kunsthaus in Zürich. Prix 2006 SR-Medienkunstpreis, Saarländischer Rundfunk, Saarbrücken, 2006 2005 Edward Steichen Award, bourse et résidence d?artiste à NY pour 2006, 2003 Lion d?Or pour la meilleure participation nationale, 50. Esposizione Internazionale d?Arte, Biennale di Venezia, Venise 2000 Prix d?art Robert Schuman, prix interrégional SaarLorLux