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?No Place Nowhere? peut parler de plein de sujets. C?est un voyage personnel à travers l?image et le temps. C?est le portrait d?un quartier marginal. C?est la rencontre entre la réalité et la fiction. C?est la recherche constante d´une réalité dans le documentaire. C?est une répétition musicale et la construction permanente d?un film. C?est un documentaire qui traite plus des questions que des réponses. Un visage silencieux, une autoroute vide, un paysage d?hiver, le vent qui souffle dans les feuilles d´un arbre, la mer, n?importe quel quartier donne pour ?créer par les moyens du registre?, une vérité unique pour chaque spectateur.

José Luis Torresest un jeune réalisateur chilien né en 1975. Avec le court métrage ??The Dead?? il a gagné le Fondart Award en 1998. Depuis, il a réalisé beaucoup de vidéos courtes et indépendantes. En 2003, il a reçu une bourse de la Fundación Andes pour la création du documentaire ??No Place Nowhere??. Il travaille en ce moment sur ce qui sera son Opera Prima en réalisation de film : ??The Sky, the Earth and the Rain??, pour lequel il a eu la bourse de la Fundación Carolina pour le projet de développement de la réalisation ibéro-américaine à Madrid en 2003, en Espagne, et la subvention Hubert Bals 2004 du Rotterdam?s Film Festival pour les projets de développement et une mention pour la qualité du projet dans le II Bal du 6e Independent Filmmaking Festival, Buenos Aires, 2004. Dernièrement, il a fini un film en 35 mm ??Women Workers coming out of Factory?? avec le support de la Fondo de Fomento Audiovisual Nacional (FONDART) et qui fut sélectionné dans de nombreux festivals de cinéma comme Toulouse, Huesca, Belo Horizonte, Sao Paulo, Drama (Grand Prix Best Short Film) Viña del Mar and Leeds. Le documentaire ??No Place Nowhere?? a été sélectionné dans plusieurs festivals de film dont le Barcelona DOCUPOLIS 2004 Documentaries International Festival, dans la catégorie Opera Prima, Rotterdam Film Festival, Rencontres de Toulouse, It?s all true documentary festival in Brazil, Vancouver, Canada, Viennale in Austria, etc. Il a été nommé meilleur réalisateur au VIII Santiago Documentaries Festival, FIDOCS 2004.

With no visible human presence, we move through the interior of a house. Like all houses, it contains spaces of darkness and corners hidden from view. That house, that interior, hides its flat background of ephemeral construction. We are inside a set built to the limits of the frame that films it. That house was only a fragment of what it appears to be. “The Uninvited” is a short film not about what there is, but about what there could be. Cinema is an apparatus of power over the representations shown therein and the bonds of continuity of a society. “The Uninvited” shows a house haunted by those absences, its blind spots and the violence of its limits and exclusion that its representations have meant.

Fabiola Torres-Alzaga is a Mexican artist working in contemporary art. She studied photography at “The active school of photography” and visual arts at “La Esmeralda” in Mexico City. She has been investigating focus and nearsightedness present in the act of gazing, and its repercussions in our socio-spatial relationships. I have a keen interest in cinema and its articulations of space and time, as well as stage magic and its defiance of logic. Both disciplines comprise the basis of my research. Through them, I seek to expand the scope of the visible, creating illusionary worlds that intrude into real space, counter-spaces that claim inclusive folds within the rigid limits of patriarchy to generate Other possible relations. Her work has been shows at MUAC (Mexico City, 2021), Lille3000 (France, 2019), the Biennal FEMSA (Zacatecas, 2018), the Anthology Film Archives (New York, 2018), the Biennal of Moving Images (Buenos Aires, 2018), the Paul Kasmin Gallery (New York, 2018), Videoex , Maison des Arts de Malakoff (France, 2016), the Polytechnic Museum of Moscow (Russia, 2015), MARCO (Monterrey, 2015), Museum of El Chopo (Mexico City, 2014), Museum of Modern Art (Mexico City, 2014), Laboratorio Arte Alameda (Mexico City, 2011), the Center for Contemporary Art (Tel Aviv, 2006) and Sala de Arte Público Siqueiros (Mexico City, 2004), among others. She has published “Historias de la noche” (Stories of the night, ESPAC, 2019) a book/project in dialogue with cinema curator Mara Fortes, and a solo catalogue “Fabiola Torres-Alzaga: In between acts” (Museo Universitario del Chopo, 2015), she´s currently a member of the Fonca’s Sistema Nacional de Creadores.

Hardly Working sheds a limelight on the very characters that normally remain in the background of video games: NPCs. They are non-player characters that populate the digital world as extras to create the appearance of normality. A laundress, a stable boy, a street sweeper and a carpenter are observed with ethnographic precision. They are Sisyphus machines, whose labour routines, activity patterns as well as bugs and malfunctions paint a vivid analogy for work under capitalism.

The pseudo-marxist media guerilla Total Refusal explores and practices strategies for artistic intervention in contemporary video games. It works with tools of appropriation and rededication of game resources. Their films and performances were presented among others at Berlinale ‘20, Locarno 22 and at the MoMA in NYC and they have received more than 46 international and national awards and honorary mentions. The current members of Total Refusal are: Susanna Flock, Adrian Jonas Haim, Jona Kleinlein, Robin Klengel, Leonhard Müllner & Michael Stumpf

Existerait-il une fin à l’analyse, ou bien serions-nous condamnés, comme dans Mémoires d’une infirmière, à revivre et réexaminer les événements passés éternellement, néanmoins sous un nouvel angle ? Ce troisième volet d’une trilogie d’hybride de film et de théâtre, avec des marionnettes, se passe après la mort, dans un au-delà où la psychanalyse est obligatoire et s’avère être un processus infini. Sur la frontière flottant entre rêve et cauchemar, utopie et dystopie, la protagoniste : E recherche du sens de l’amour via le transfert envers son analyste, qu’elle perçoit comme un objet sauveteur et réparateur. Le psychanalyste est la marionnette de David Lynch et la marionnette de Larry David est à l’accueil du hall post-mortem.

Esther Toth, née à Budapest, est diplômée de l’École Nationale Supérieure des Beaux Arts. En 2010 elle a commencé une série de films avec des marionnettes : une exploration du processus psychanalytique, qui se suivra par un film sur Walter Benjamin. Les deux premiers volets de la trilogie (M’as-tu rêvé ou t’ai-je rêvé ? , Sisters, un cas classique) ont été présentés au Palais de Tokyo, Mémoires d’une infirmière au Freud Museum, à Londres, et il sera projeté au Centre Pompidou à Paris, à l’automne 2017.

« Jalal, la nuit dernière, j’ai rêvé de notre film. » « Quel film ? » « Celui sur lequel nous travaillons ces jours-ci. » « Hong Kong, Chine, Solaris ? » « Oui. » Peut-on faire un rêve dans lequel les souhaits, les plus profonds et inconscients sont exaucés par Solaris ou un équivalent de Solaris, l’océan extraterrestre hyperintelligent et sensible du film Solaris de Tarkovski qui exauce de tels souhaits ? Oui, si notre méta-souhait est de voir nos souhaits inconscients réalisés de la manière dont Solaris le fait plutôt que de la manière dont les rêves le font (par le biais de mécanismes tels que la condensation et le déplacement). Il faut cependant garder à l’esprit que, puisque les rêves sont des exaucements de souhaits, Solaris ou un équivalent de Solaris finirait par nous rendre incapables de rêver, insomniaques, car il rendrait les rêves superflus. En rêvant de Solaris ou d’un équivalent de Solaris, on rêverait d’un endroit où l’on ne peut pas rêver, où il n'y a pas de rêves.

Graziella Rizkallah est une réalisatrice libanaise. Ses vidéos ont été présentées à la 11ème Biennale de Sharjah, au Musée d’art moderne de San Francisco, au MAXXI, à la première Biennale d'Asie et à la 5ème Triennale de Guangzhou, à la 7ème Biennale d’urbanisme et d’architecture de Shenzhen, au Times Art Center de Berlin, à Darat al Funun (Amman) et au Beirut Art Center. Jalal Toufic est un penseur et un mortel à en mourir. Il est né en 1962 à Beyrouth ou à Bagdad et est mort avant de mourir en 1989 à Evanston, dans l’Illinois. Outre l’écriture de plus de dix livres, il a réalisé plus de dix films et vidéos, dont des films-essais et des films conceptuels, des courts métrages (7 minutes, 8 minutes, etc.), des longs métrages (110 minutes, 138 minutes, etc.) et des films « inhumainement » longs (72 heures, 50 heures), des vidéos qui sont des œuvres autonomes et d’autres qui font partie d’œuvres mixtes, des films qu’il a tournés et des films dont toutes les images sont tirées d’œuvres d’autres cinéastes (Hitchcock, Sokourov, Bergman, etc.). Son travail a été présenté aux 6ème, 10ème et 11ème Biennales de Sharjah, à la 9ème Biennale de Shanghai, à la 5ème Triennale de Guangzhou, au MoMA PS1, au Musée d’art moderne de San Francisco, au Centre Pompidou, au ZKM, à la Kunsthalle Fridericianum, au MAXXI, au Witte de With et aux Deichtorhallen de Hambourg.

La théorie des vagues est un film en trois mouvements, au fil desquels, à partir du motif de la vague, la question du passage de la perception à la représentation tente de se résoudre. Le film s?ouvre sur la description d?une maison tout au bord de l?eau, sur laquelle les vagues viennent éclater les jours de tempête. Ce lieu évoqué par la narratrice est celui où j?ai passé les deux premières années de ma vie. Hormis le récit que l?on m?en a fait, je n?en garde aucun souvenir, aucune image, même si je peux supposer qu?il a affecté mon mode de perception. C?est un autre lieu, le laboratoire de mécaniques des fluides de l?école centrale de Nantes, qui a réactivé la mémoire de cette maison au bord de l?eau, quarante ans après. Là, les vagues viennent s?écraser régulièrement sur les murs de béton d?un bassin à houle.

Muriel Toulemonde est née à Lille en 1970. Durant ses études à l?Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris et après, (DNSAP en 1997), elle bénéficie de plusieurs résidences à l?étranger : Milan (1991), Los Angeles (1994), Cologne (1999), Budapest (2001), Delphes (2004).

"Sarcocoptes" signifie en grec "coupeurs de viande". Cette courte vidéo d'art est une animation expérimentale. L'être humain se transforme en fonction de ses émotions. Caractère durable de l'esprit humain et de son anatomie. Les codes anatomiques se transforment. Les émotions et les souvenirs s'incarnent et entrent en conflit avec la propre chair de l'Homme. Une simple pensée ressemble à une opération chirurgicale. L'organisme s'approche t-il à chaque instant de la mort ou est-il déjà prêt à renaître ? Une créature solitaire qui creuse dans son esprit à la découverte de soi-même.

Giorgos TOURLAS est né à Athènes en 1979. Il est diplômé de l'école des Beaux-Arts d'Athènes où il a étudié dans le laboratoire d'étude de Rena Papaspyrou entre 1999-2000 et 2003-2004. Il a également étudié la mosaïque et l'informatique dans ce même département. Actuellement, il continue ses études de 3ème cycle en art numérique. En Espagne, à l'Université des beaux-arts de Valence en 2002, il a étudié la chalcographie (technique de gravure sur cuivre) et l'animation.

Au risque et limite de l?enfermement, une perception du monde dans un espace confiné. Petit à petit des images flottantes, des atmosphères de travail, des lieux de vie? Un mètre carré d?existence. Habiter un lieu, inventer des perspectives, vivre dans un temps autre que celui vécu par le commun des mortels et pourtant demeurer si semblable. Un paradoxe troublant

Par des sons et des éléments visuels évocateurs, ETHER vise à créer un environnement immergent des données décomposées. L?image se craquelle et se tord, intégrant et désintégrant le son vidéo. Les sifflements et les bourdonnements de son à des kilomètres de là remplissent la pièce, des morceaux dérobés de musique et de voix se décomposent en un brouillon. Dans la pièce sombre, le diptyque video, seule illumination, est projeté sur un mur blanc. Dans les coins de la pièce quatres hauts parleurs mettent en avant un yaourt sonore qui enveloppe mais n?intimide pas.

Bruce Tovsky est un artiste visuel et sonore qui réside à Brooklyn, New York. Il a été diplômé d?un MFA en multimédias (art du film, de la vidéo, du son, de la performance et de l?installation) à la Rutgers University en 1979. Il a commencé à montrer des vidéos aux USA, en Europe et au Japon dans le début des années 80. Certaines de ses vidéos sont présentes dans la collection The Kitchen et The New York Library Donnell Library Center, toutes deux à New York. Il a embrassé une carrière diversifiée comme producteur audio (Liquid Liquid, Lydia Lunch, Karen Finley, F?tus) et moteur/designer vidéo pour des publicités ou des clips. Pendant ces dernières années, il a créé des vidéos en direct et des improvisations sonores, souvent en collaboration avec l?artiste sonore John Hudak, dans de nombreux lieux autour de New York dont Diapason, Experimental Intermedia, Issue Project Room, et son propre espace d?installations, 106BLDG30 au Brooklyn Navy Yard. Lors de l?été 2003, il a présenté ??for the time bing? ? æc Hudak au ??Festival off Mixology? ? de Roulette au The Performing Garage. Cette performance fut distribuée en 2004 sous le label de Jason Kahn, CUT, et rééditée dans le numéro de Février de The Wire. En octobre 2003, Torsky a assemblé un groupe d?improvisateurs - Beo Morales, David Linton, Michael Schumacher and Brooks Williams ? afin de jouer une pièce pour le festival Réseaunances à l?Ircam de Paris. Sa pièce vidéo et sonore la plus récente, ETHER, a fait sa première à 106BLDG30 dans le Navy Yard en juin 2005, et a été diffusé dans des festivals internationaux à Sao Paulo et Séoul. La bande-son de ETHER fut récemment programmée dans un documentaire radio de la BBC et sur des stations radios à ondes courtes.

All the Good Times is a sound based video installation and performance examining transatlantic aspirations in land lock as a metaphor for generational divides and the fetishization of histiographies. Performative gestures that seek to reclaim dislocated fatherhood and recalibrated pride blend with archival footage shot by the artists’ respective grandfathers. Fleeting memories are punctuated with the rhythm and repose of staged theatricality. Immersed in a soundscape that transforms the traditional tune All the Good Times are Past and Gone into an aggressively celebratory jazz infused piece the gallery is peppered with tv stacks littered with repetitive inconclusive processions. The installation examines the role of nostalgia coupled with the legacies of creole cuisine and the Black Atlantic questioning the distancing of technology and spirituality. The piece premiered at the 2019 Art of Brooklyn Film Festival.

Bradly Dever Treadaway is a Brooklyn based artist, educator and curator utilizing lens-based image making, moving images, sound, sculpture, installation and performance to comment on the breakdown of intergenerational communication and broken familial links due to natural disaster, technological evolution, mental health challenges, societal shifts and the continuance of interpersonal detachment occurring within American communities. His work is visualized through archival interventions, recontextualizing the archive to serve as form, medium, subject matter and concept, elevating domestic ephemera and rituals while questioning material significance within the photographic medium. Treadaway creates memorials, monuments and mnemonic devices to illustrate ancestral collisions with contemporary responses. His work has been exhibited at the Whitney Museum of Art, the Center for Photography at Woodstock, The International Center of Photography,The Ogden Museum of Southern Art in New Orleans, Agora Gallery in Chelsea, NY, The Mobile Museum of Art, The Ospedale degli Innocenti in Florence, Italy, and the Lishui Museum of Photography in China. His film/video work has been screened at the New Orleans Film Festival, the Carnegie Museum of Art, the National Centre for Contemporary Art in Moscow, Russia, Union Docs, The Rencontres Internationale Paris/Berlin, Anthology Film Archives, the Art of Brooklyn Film Festival, the Nashville Film Festival, the Coney Island Film Festival, and at the Brooklyn Arts Council’s Scene: Brooklyn. Treadaway’s work has been curated by Vince Aletti, Kevin Jerome Everson, Jon Feinstein and Julian Cox and is part of the permanent collections at The Center for Photography at Woodstock, The Ogden Museum of Southern Art, The Masur Museum of Art, the Ewing Gallery at the University of Tennessee, the Brooklyn Public Library and the Mobile Museum of Art. Treadaway has recently held residencies at Trestle Art Space and BRIC Media Arts in Brooklyn, Kutztown University in Pennsylvania and the Contemporary Arts Center at Woodside in NY. In 2021, he received City Artist Corps Grant to curate and produce Archival Interventions, a film screening at FiveMyles gallery in Crown Heights and he is the recipient of a 2024 Foundation for Contemporary Arts Grant. Treadaway is a Fulbright Scholar to Italy and a Faculty member at The International Center of Photography in New York City where he has taught a range of courses including topics related to analog and digital photography, video, sound, installation and archival interventions as the as the founding media. From 2008-2020, Treadaway also held the position of Digital Media Coordinator at ICP. Additionally, he has taught a range of courses at Bard College, SUNY Purchase, The Fashion Institute of Technology (FIT), Barnard College and Louisiana State University. He is available for private and small group mentorship on all lens-based topics – critique and project development, technical skillsets and workflows and more. Justin Randolph Thompson is an artist, cultural facilitator and educator born in Peekskill, NY in ’79. Based between Italy and the US since 1999, Thompson is Co-Founder and Director of Black History Month Florence, a multi-faceted exploration of Black histories and cultures in the context of Italy founded in 2016. Having realized, coordinated, curated, facilitated and promoted over 300 events and with 8 ongoing research platforms, the initiative has been reframed as a Black cultural center called The Recovery Plan. Thompson is a recipient of a 2022 Creative Capital Award, a 2020 Italian Council Research Fellowship, a Louis Comfort Tiffany Award, a Franklin Furnace Fund Award, a Visual Artist Grant from the Fundacion Marcelino Botin and an Emerging Artist Fellowship from Socrates Sculpture Park amongst others. His work and performances have been exhibited widely in institutions including The Whitney Museum of American Art, the Centro de Arte Reina Sofia and The American Academy in Rome and are part of numerous collections including The Studio Museum in Harlem, and the Museo MADRE. His life and work seek to deepen the discussions around socio-cultural stratification and the arrogance of permanence by employing fleeting temporary communities as monuments and fostering projects that connect academic discourse, social activism and DIY networking strategies in annual and biennial gathering, sharing and gestures of collectivity.

"Beatings Of The Devil" is based on the concept and weather event called sunshowers, or, as my grandmother would often say when it rained while the sun was shining, “The devil is beating his wife”. This wildly inappropriate, and outdated colloquial phrase, which resonated deeply within me as a child, provides a point of departure and interpretation for this work. Created through a series of shoots spanning over four years, the piece has evolved into a memorial to my mother, and a reckoning for my father, who recently lost his wife of 51 years. The piece premiered at the 2022 Art of Brooklyn Film Festival, and won the Vanguard Award for Best Experimental Short.

Bradly Dever Treadaway is a Brooklyn based artist, educator and curator utilizing lens-based image making, moving images, sound, sculpture, installation and performance to comment on the breakdown of intergenerational communication and broken familial links due to natural disaster, technological evolution, mental health challenges, societal shifts and the continuance of interpersonal detachment occurring within American communities. His work is visualized through archival interventions, recontextualizing the archive to serve as form, medium, subject matter and concept, elevating domestic ephemera and rituals while questioning material significance within the photographic medium. Treadaway creates memorials, monuments and mnemonic devices to illustrate ancestral collisions with contemporary responses. His work has been exhibited at the Whitney Museum of Art, the Center for Photography at Woodstock, The International Center of Photography,The Ogden Museum of Southern Art in New Orleans, Agora Gallery in Chelsea, NY, The Mobile Museum of Art, The Ospedale degli Innocenti in Florence, Italy, and the Lishui Museum of Photography in China. His film/video work has been screened at the New Orleans Film Festival, the Carnegie Museum of Art, the National Centre for Contemporary Art in Moscow, Russia, Union Docs, Anthology Film Archives, the Art of Brooklyn Film Festival, the Nashville Film Festival, the Coney Island Film Festival, and at the Brooklyn Arts Council’s Scene: Brooklyn. Treadaway’s work has been curated by Vince Aletti, Kevin Jerome Everson, Jon Feinstein and Julian Cox and is part of the permanent collections at The Center for Photography at Woodstock, The Ogden Museum of Southern Art, The Masur Museum of Art, the Ewing Gallery at the University of Tennessee, the Brooklyn Public Library and the Mobile Museum of Art. Treadaway has recently held residencies at Trestle Art Space and BRIC Media Arts in Brooklyn, Kutztown University in Pennsylvania and the Contemporary Arts Center at Woodside in NY.

Booked For Safekeeping addresses faltering outlets for the containment and expression of violent impulses, the reactionary bluster of discourse in contemporary society and the isolation and paranoia developing within American communities. Juxtaposed against the grace, rhythm and force inherent within the motions of a boxer engaged in battle with himself are archival images from a 1960 film produced by the Louisiana Association for Mental Health addressing the apprehension and incarceration of "disturbed" people. While investigating the propensity and commonality of violence, the piece alludes to the distressing shift in tone and approach regarding the policing of communities, wherein patience, compassion, and de-escalation are too often replaced with militaristic distance and aggressive control.

Bradly Dever Treadaway is a Brooklyn and New Orleans based artist and teacher utilizing lens-based image making, sculpture, installation and performance to comment on the breakdown of intergenerational communication. His work revolves around fleeting family histories visualized through archival interventions and elevated domestic rituals while questioning material significance within the photographic medium. Treadaway creates memorials, monuments and mnemonic devices to fading family histories using with personal and public archives, recontextualizing the archive to serve as form, medium, subject matter and concept. Treadaway is a Fulbright Scholar to Italy and works as both a Faculty member and the Digital Media Coordinator at The International Center of Photography in New York City. His work has been exhibited at the Whitney Museum of Art, Center for Photography at Woodstock, The International Center of Photography, The Mobile Museum of Art, The Ospedale degli Innocenti in Florence, Italy, and the Lishui Museum of Photography in China. His film/video work has been screened at the New Orleans Film Festival, the Carnegie Museum of Art, the National Centre for Contemporary Art in Moscow, Russia, Union Docs, Anthology Film Archives, the Nashville Film Festival, the Coney Island Film Festival, and at the Brooklyn Arts Council?s Scene: Brooklyn.

All the Good Times is a sound based video installation and performance examining transatlantic aspirations in land lock as a metaphor for generational divides and the fetishization of histiographies. Performative gestures that seek to reclaim dislocated fatherhood and recalibrated pride blend with archival footage shot by the artists’ respective grandfathers. Fleeting memories are punctuated with the rhythm and repose of staged theatricality. Immersed in a soundscape that transforms the traditional tune All the Good Times are Past and Gone into an aggressively celebratory jazz infused piece the gallery is peppered with tv stacks littered with repetitive inconclusive processions. The installation examines the role of nostalgia coupled with the legacies of creole cuisine and the Black Atlantic questioning the distancing of technology and spirituality. The piece premiered at the 2019 Art of Brooklyn Film Festival.

Bradly Dever Treadaway is a Brooklyn based artist, educator and curator utilizing lens-based image making, moving images, sound, sculpture, installation and performance to comment on the breakdown of intergenerational communication and broken familial links due to natural disaster, technological evolution, mental health challenges, societal shifts and the continuance of interpersonal detachment occurring within American communities. His work is visualized through archival interventions, recontextualizing the archive to serve as form, medium, subject matter and concept, elevating domestic ephemera and rituals while questioning material significance within the photographic medium. Treadaway creates memorials, monuments and mnemonic devices to illustrate ancestral collisions with contemporary responses. His work has been exhibited at the Whitney Museum of Art, the Center for Photography at Woodstock, The International Center of Photography,The Ogden Museum of Southern Art in New Orleans, Agora Gallery in Chelsea, NY, The Mobile Museum of Art, The Ospedale degli Innocenti in Florence, Italy, and the Lishui Museum of Photography in China. His film/video work has been screened at the New Orleans Film Festival, the Carnegie Museum of Art, the National Centre for Contemporary Art in Moscow, Russia, Union Docs, The Rencontres Internationale Paris/Berlin, Anthology Film Archives, the Art of Brooklyn Film Festival, the Nashville Film Festival, the Coney Island Film Festival, and at the Brooklyn Arts Council’s Scene: Brooklyn. Treadaway’s work has been curated by Vince Aletti, Kevin Jerome Everson, Jon Feinstein and Julian Cox and is part of the permanent collections at The Center for Photography at Woodstock, The Ogden Museum of Southern Art, The Masur Museum of Art, the Ewing Gallery at the University of Tennessee, the Brooklyn Public Library and the Mobile Museum of Art. Treadaway has recently held residencies at Trestle Art Space and BRIC Media Arts in Brooklyn, Kutztown University in Pennsylvania and the Contemporary Arts Center at Woodside in NY. In 2021, he received City Artist Corps Grant to curate and produce Archival Interventions, a film screening at FiveMyles gallery in Crown Heights and he is the recipient of a 2024 Foundation for Contemporary Arts Grant. Treadaway is a Fulbright Scholar to Italy and a Faculty member at The International Center of Photography in New York City where he has taught a range of courses including topics related to analog and digital photography, video, sound, installation and archival interventions as the as the founding media. From 2008-2020, Treadaway also held the position of Digital Media Coordinator at ICP. Additionally, he has taught a range of courses at Bard College, SUNY Purchase, The Fashion Institute of Technology (FIT), Barnard College and Louisiana State University. He is available for private and small group mentorship on all lens-based topics – critique and project development, technical skillsets and workflows and more. Justin Randolph Thompson is an artist, cultural facilitator and educator born in Peekskill, NY in ’79. Based between Italy and the US since 1999, Thompson is Co-Founder and Director of Black History Month Florence, a multi-faceted exploration of Black histories and cultures in the context of Italy founded in 2016. Having realized, coordinated, curated, facilitated and promoted over 300 events and with 8 ongoing research platforms, the initiative has been reframed as a Black cultural center called The Recovery Plan. Thompson is a recipient of a 2022 Creative Capital Award, a 2020 Italian Council Research Fellowship, a Louis Comfort Tiffany Award, a Franklin Furnace Fund Award, a Visual Artist Grant from the Fundacion Marcelino Botin and an Emerging Artist Fellowship from Socrates Sculpture Park amongst others. His work and performances have been exhibited widely in institutions including The Whitney Museum of American Art, the Centro de Arte Reina Sofia and The American Academy in Rome and are part of numerous collections including The Studio Museum in Harlem, and the Museo MADRE. His life and work seek to deepen the discussions around socio-cultural stratification and the arrogance of permanence by employing fleeting temporary communities as monuments and fostering projects that connect academic discourse, social activism and DIY networking strategies in annual and biennial gathering, sharing and gestures of collectivity.

"Beatings Of The Devil" is based on the concept and weather event called sunshowers, or, as my grandmother would often say when it rained while the sun was shining, “The devil is beating his wife”. This wildly inappropriate, and outdated colloquial phrase, which resonated deeply within me as a child, provides a point of departure and interpretation for this work. Created through a series of shoots spanning over four years, the piece has evolved into a memorial to my mother, and a reckoning for my father, who recently lost his wife of 51 years. The piece premiered at the 2022 Art of Brooklyn Film Festival, and won the Vanguard Award for Best Experimental Short.

Bradly Dever Treadaway is a Brooklyn based artist, educator and curator utilizing lens-based image making, moving images, sound, sculpture, installation and performance to comment on the breakdown of intergenerational communication and broken familial links due to natural disaster, technological evolution, mental health challenges, societal shifts and the continuance of interpersonal detachment occurring within American communities. His work is visualized through archival interventions, recontextualizing the archive to serve as form, medium, subject matter and concept, elevating domestic ephemera and rituals while questioning material significance within the photographic medium. Treadaway creates memorials, monuments and mnemonic devices to illustrate ancestral collisions with contemporary responses. His work has been exhibited at the Whitney Museum of Art, the Center for Photography at Woodstock, The International Center of Photography,The Ogden Museum of Southern Art in New Orleans, Agora Gallery in Chelsea, NY, The Mobile Museum of Art, The Ospedale degli Innocenti in Florence, Italy, and the Lishui Museum of Photography in China. His film/video work has been screened at the New Orleans Film Festival, the Carnegie Museum of Art, the National Centre for Contemporary Art in Moscow, Russia, Union Docs, Anthology Film Archives, the Art of Brooklyn Film Festival, the Nashville Film Festival, the Coney Island Film Festival, and at the Brooklyn Arts Council’s Scene: Brooklyn. Treadaway’s work has been curated by Vince Aletti, Kevin Jerome Everson, Jon Feinstein and Julian Cox and is part of the permanent collections at The Center for Photography at Woodstock, The Ogden Museum of Southern Art, The Masur Museum of Art, the Ewing Gallery at the University of Tennessee, the Brooklyn Public Library and the Mobile Museum of Art. Treadaway has recently held residencies at Trestle Art Space and BRIC Media Arts in Brooklyn, Kutztown University in Pennsylvania and the Contemporary Arts Center at Woodside in NY.

Booked For Safekeeping addresses faltering outlets for the containment and expression of violent impulses, the reactionary bluster of discourse in contemporary society and the isolation and paranoia developing within American communities. Juxtaposed against the grace, rhythm and force inherent within the motions of a boxer engaged in battle with himself are archival images from a 1960 film produced by the Louisiana Association for Mental Health addressing the apprehension and incarceration of "disturbed" people. While investigating the propensity and commonality of violence, the piece alludes to the distressing shift in tone and approach regarding the policing of communities, wherein patience, compassion, and de-escalation are too often replaced with militaristic distance and aggressive control.

Bradly Dever Treadaway is a Brooklyn and New Orleans based artist and teacher utilizing lens-based image making, sculpture, installation and performance to comment on the breakdown of intergenerational communication. His work revolves around fleeting family histories visualized through archival interventions and elevated domestic rituals while questioning material significance within the photographic medium. Treadaway creates memorials, monuments and mnemonic devices to fading family histories using with personal and public archives, recontextualizing the archive to serve as form, medium, subject matter and concept. Treadaway is a Fulbright Scholar to Italy and works as both a Faculty member and the Digital Media Coordinator at The International Center of Photography in New York City. His work has been exhibited at the Whitney Museum of Art, Center for Photography at Woodstock, The International Center of Photography, The Mobile Museum of Art, The Ospedale degli Innocenti in Florence, Italy, and the Lishui Museum of Photography in China. His film/video work has been screened at the New Orleans Film Festival, the Carnegie Museum of Art, the National Centre for Contemporary Art in Moscow, Russia, Union Docs, Anthology Film Archives, the Nashville Film Festival, the Coney Island Film Festival, and at the Brooklyn Arts Council?s Scene: Brooklyn.

Comma Boat is one of four movies to date completed in 2013 by Trecartin, first shown as a work in progress at the Arsenale of the the Venice Biennale. Since settling in Los Angeles in 2010, Fitch and Trecartin have designed and built a modular maze of sets on a soundstage with the help of Hollywood technicians who have rigged the space with lights and hydraulics enabling it to move and change for different projects.

Termed "the most consequential artist to have emerged since the 1980s" by The New Yorker, Ryan Trecartin is one of the most innovative artists working with video today. Trecartin`s video narratives unfold like futuristic fever dreams. Collaborating with an ensemble cast of family and friends, he merges sophisticated digital manipulations with footage from the Internet and pop culture, animations, and wildly stylized sets and performances. While the astonishing A Family Finds Entertainment (2005) has drawn comparisons to Jack Smith, early John Waters, and Pee-Wee`s Playhouse, Trecartin crafts startling visions that are thoroughly unique. Kevin McGarry writes, "Ryan Trecartin has established a singular video practice that in form and in function advances understandings of post-millennial technology, narrative and identity, and also propels these matters as expressive mediums. His work depicts worlds where consumer culture is amplified to absurd or nihilistic proportions and characters circuitously strive to find agency and meaning in their lives. The combination of assaultive, nearly impenetrable avant-garde logics and equally outlandish, virtuoso uses of color, form, drama and montage produces a sublime, stream-of-consciousness effect that feels bewilderingly true to life." Ryan Trecartin was born in 1981 in Webster, Texas. He received a BFA from the Rhode Island School of Design in Providence, Rhode Island in 2004. Solo exhibitions include Any Ever, which traveled from the Power Plant, Toronto in 2009 to the Museum of Contemporary Art, Los Angeles in 2010, then to the Museum of Contemporary Art, North Miami, FL in 2011; MoMA P.S.1, Long Island City, New York; Musée d`Art Moderne de la Ville de Paris, France (both in 2011); Kunsthalle Wien, Austria; Wexner Center for the Arts, Columbus, OH; Hammer Museum, Los Angeles, and Elizabeth Dee Gallery, New York. His works have been seen in group exhibitions at the San Francisco Museum of Modern Art; ZKM - Center for Art and Media, Karlsruhe, Germany; Garage Center for Contemporary Culture, Moscow, Russia; The Eighth Gwangju Biennale, Gwangju, South Korea; MIT/List Visual Arts Center, Cambridge, MA; New Museum of Contemporary Art, New York; Guggenheim Museum Bilbao, Spain; the 2006 Biennial Exhibition of the Whitney Museum of American Art, New York; USA Today: Works from the Saatchi Collection, Royal Academy of Arts, London; Moore Space, Miami, Florida; The Getty Center, Los Angeles; New York Underground Film Festival, New York; Chicago Underground Film Festival, Chicago; and Smack Mellon, Brooklyn, among others. In 2009 Trecartin was the recipient of the first Jack Wolgin Fine Art Prize, presented by the Tyler School of Art at Temple University, Philadelphia, which recognizes the highest level of artistic excellence on an international level. In 2009 he received the Calvin Klein Collection New Artist of the Year Award at The First Annual Art Awards, Solomon R. Guggenheim Museum, New York. He also received a Pew Fellowship in the Arts in 2009. Trecartin lives and works in Los Angeles.

A bed-bound woman's year passes as a day: her time is no longer measured by the increments of a clock but by the quality of weather outside her window. Objects emerge and merge in the gloom; the woman dissolves and reforms. Her muteness, her glaucomas and her inactivity render things indeterminate. By naming objects, animal and phenomena we reduce and delineate them, and so separate ourselves from the world around us - she cannot do this.

Peter Treherne is a moving image artist working in the South East of England. His films explore the affects of the environment, particularly weather, on agricultural and creative labour. His work is distributed by the Canadian Filmmakers Distribution Centre and Kinoscope, has been funded by Arts Council England, and has screened internationally at festivals and galleries including Festival ECRA, Whitechapel Gallery and London Institute of Contemporary Arts. Peter is also director of the Slow Film Festival, an organisation that shares moving image art with the British public in rural areas. The festival has collaborated on programmes with institutions including Close-Up Film Centre, MUBI and the British Council, and has screened work from artists including Ben Rivers, Kevin Jerome Everson, Babette Mangolte and James Benning. Peter also holds a master’s degree in Film Aesthetics from the University of Oxford.

Alors qu’on trait les vaches dans une ferme laitière britannique, une tempête cataclysmique se profile à l'horizon. Un mystérieux météorologue enquête sur cet étrange phénomène météorologique, et suit son objet d’étude jusqu'à la ferme. Mais, face à de telles conditions (la pluie battante et la vie animale rétive), ses recherches peuvent-elles aboutir à des résultats?

Peter Treherne est réalisateur de films expérimentaux et artiste dans le domaine des images en mouvement. Il travaille dans le sud-est de l'Angleterre. Il utilise une multitude de caméras bon marché et de filtres ND, ainsi que les contingences de la pluie, de la neige, du brouillard et d'autres états atmosphériques lugubres, pour pixelliser et reconfigurer paysages et récits. Il a fait ses études à l'Université d'Oxford (Royaume Uni), où il a obtenu un Master en esthétique cinématographique. Il est également directeur du Slow Film Festival, Mayfield (Royaume-Uni). Ce festival expose des œuvres d'images en mouvement de longue durée et à propos de paysages.

1221 AMOR est une vidéo combinant la prise de vue réelle et l`animation 3D. Cette vidéo examine la question du récit dans une oeuvre de fiction sans protagoniste et reposant sur la matière et ses processus de transformation. L`histoire repose ainsi sur les liens établis entre les différents états minéraux soient la pierre, l’os et le fossile. Dans les trois séquences qui composent 1221 Amor, différentes temporalités s’entremêlent pour créer un temps comprimé, indéfini qui va à l’encontre de notre représentation traditionnellement linéaire du temps. Les sons et les images ont été réalisés à partir d’expériences faussement scientifiques et des codes narratifs des films de catastrophe.

Nourri par le cinéma, les arts visuels, la littérature et la philosophie, le travail vidéographique de Julie Tremble explore la matérialité des émotions et la narrativité des éléments naturels. Elle détient une maîtrise en études cinématographiques de l`Université de Montréal (Montréal, 2005) et un baccalauréat combinant cinéma et philosophie (Montréal, 2000). Son travail a été présenté dans des centres d`artistes, en galerie, de même que dans différents festivals à travers le Canada. En 2013, elle a reçu le prix du Conseil des arts et des lettres du Québec pour la meilleure œuvre d`art et d`expérimentation remis dans le cadre de la 31e édition des Rendez-vous du cinéma québécois. Ses vidéos sont distribuées par le Groupe Intervention Vidéo. Elle réside actuellement à Montréal. Julie Tremble est représentée par la Galerie Joyce Yahouda.

APOCALYPSE BABY est une émission de télé-achat cynique qui utilise la catastrophe climatique comme argument de vente. Une satire pop sur le consumérisme et la crise climatique, sur l’individualisme, l’hédonisme et la mauvaise conscience, sur toutes ces contradictions que nous portons en nous.

Camille Tricaud et Franziska Unger sont un duo de réalisatrices. Elles ont commencé à travailler ensemble en 2018. Elles viennent d’horizons différents: l’une, française originaire de Bordeaux, formée au cinéma documentaire et expérimental (à la Hochschule für Fernsehen und Film Munich), l’autre, allemande originaire de Heilbronn, formée à l’architecture et aux arts visuels (Ecole d’Architecture de Dresden).  Elles décident de travailler ensemble sur le clip “Apocalypse Airlines”, explorant sur le mode de la satire les relations entre crise climatique et marketing à travers le biais d’une compagnie aérienne fictive. Ce court-métrage remporte plusieurs prix à travers le monde, entre autres le “Short Tiger Award” du Festival de Cannes 2020.  Elles continuent alors leur travail commun et obtiennent en 2020 la possibilité de développer un projet au sein de la résidence "Media Art" de la Kirch Stiftung. Elles élaborent alors un univers leur permettant de mettre à jour les liens entre consumérisme et mauvaise conscience, changement climatique et individualisme, hédonisme et marketing. Ce sera le télé-achat de “Apocalypse Baby, We Advertise The End Of The World”. Le film sera nominé et finaliste des Oscars du court-métrage étudiant dans la catégorie "expérimental" de l'année 2021. Elles sont toutes deux dans un questionnement perpétuel sur les modes d’actions, individuels et/ou politiques, qui permettent de lutter contre le changement climatique, et se sentent souvent prises dans une certaine contradiction. En tant qu’artistes, elles cherchent une forme visuelle pour y répondre.  Toutes deux considèrent le changement climatique actuel comme l’une des crises les plus importantes et toutes deux voient le médium film comme un moyen de provoquer réflexion et prise de conscience.  Elles continuent actuellement leur collaboration sur un nouveau film : “Next Time, Dear God, Please Choose Someone Else”, une histoire d’amour, de tempête et de saut à ski. 

In an exercise of compensation, I invert the condition of the representations of prominent figures of class society. Between the social pages and the elitist advertising, I incrust them in the context of the settlers, the called ?D sector?. By means of digital abrupt manipulation turning to a stereotype, an exchange in a coarse way the roles of the social actors, I execute a pleasant revenge in photomontage key. For the speech, I used an early ?opened work?, as Umberto Eco concept, the prologue of a Peruvian basic book: Seven Essays Interpretation of the Peruvian Reality, by Jose Carlos Mariátegui, whose reflection about a racist society is still remaining up to the present. Declared in Quechua and without subtitles the voice force the spectator to enjoy a despised and unloved language.

Visual Artist and teacher Produced artwork with diverse media: video, installations, assembly, graphic arts, silkscreen, stage scene. In the decade of the 80`s, he participated in the underground scene of music and alternative art in Lima, Peru. Took part in artwork collective production: Macho Cabrio, Bestiarios, MUTA. Collaborates in initial and formative events of electronic art in Peru, organized by DACP, ATA, Medios Nómades. Founder member and director of DACP projects (Peruvian Cultural Artistic Development), Lima 2000-2008. Group of artists who promoted and produced Peruvian video-art works internationally. His video work was exhibited in diverse festivals placed in Japan, Los Ángeles, Barcelona, Madrid, Paris, Berlín, London. At the moment he is a teacher of Visual Arts at Corriente Alterna Fine Art School

Partant d'une visualisation par satellite, destinée à nous surveiller, l'artiste a découvert le plan du Pérou, comme une silouhette humaine. Les images satellite servent en quelque sorte à faire illusion: de très loin, le territoire est magnifique, et montre une topographie verte et vivante. Cependant, le drame humain que vivent la plupart des habitants de cette zone colorée montre le contraire: de près, les choses semblent très lointaines. Pour cette raison, l'artiste expose la forme de son pays de façon impertinente. L'orientation est inversée: le sud est au nord, et l'est est à l'ouest. Quelle va être alors la perpective la plus forte?

Carlos Troncoso est l'auteur d'une oeuvre multiple: vidéo, installations, assemblage, arts graphiques, sérigraphie, théâtre. Dans les années 1980, il a participé à la scène musicale underground et d'art alternatif à Lima, au Pérou. Il a pris part à la production d'oeuvres collectives: Mucho Cabrio, Bestiarios, MUTA. Il collabore à des événements dans le domaine de l'art électronique, organisés par DACP, ATA, Medios Nómades. Il est membre fondateur et directeur des projets DACP (développement artistique et culturel péruvien), à Lima (2000-2007). Il fait partie d'un groupe d'artistes qui fait la promotion de l'art vidéo péruvien dans le monde. L'oeuvre vidéo de Troncoso a été montrée dans plusieurs festivals, au Japon, à Los Angeles, à Barcelone, à Londres. Actuellement, il enseigne les arts visuels à l'école supérieure des beaux-arts Corriente Alterna.

"Dans le saisissant deuxième long métrage de Minh Quý Truong, un homme vivant sur Mars en 2045 examine des images rapportées de ses rencontres avec une communauté autochtone dans la jungle vietnamienne. Au fil de ses expériences, ses pensées dérivent: de questions d'identité, d'esthétique et de politique de l'image, aux pratiques funéraires rituelles, en passant par les forces visibles et invisibles qui façonnent les cultures. Combinant des éléments de science-fiction et d'ethnographie, "The Tree House" est une exploration puissante de la manière dont le temps et l'environnement influencent notre compréhension de la notion de lieu et de foyer." (57e New York Film Festival)

Truong Minh Quý est né en 1990 à Buôn Ma Thuot, une petite ville des Hauts Plateaux du Centre (Vietnam). Il vit et travaille ici et là, dans la vibration des souvenirs et du moment présent. Ses récits et ses images, qui se situent entre le documentaire et la fiction, entre le personnel et l'impersonnel, s'inspirent du paysage de son pays natal, de ses souvenirs d'enfance et du contexte historique vietnamien. Dans ses films, il a expérimenté le fait d’associer pendant le tournage des concepts-images abstraits à des improvisations réalistes. Il a été élève à l'Asian Film Academy 2012, dans le cadre du Busan International Film Festival, Busan (Corée du Sud), et a participé à la section Talents de la Berlinale 2016, Berlin (Allemagne). Ses films ont été sélectionnés pour des festivals et expositions à l’international, notamment le Festival international du film de Locarno (Suisse); le New York Film Festival (USA); le Festival International du Court Métrage à Clermont-Ferrand (France); les Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Allemagne); le Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas); le Busan International Film Festival (Corée du Sud); Les Rencontres Internationales Paris/Berlin (France/Allemagne). En 2017, il a remporté le principal Prix Artistique de la 20e édition de VideoBrasil, São Paulo (Brésil). Son deuxième long métrage, "The Tree House", a été présenté en première au 72e Festival international du film de Locarno (Suisse) [Compétition Filmmakers of The Present, Prix Boccalino de la critique suisse], où il a été élu l’une des "trois des meilleures premières du festival" par la plateforme Mubi, et qualifié d'"ode singulière et envoûtante à la mémoire et au cinéma" par le site The Film Stage. Le film a ensuite été projeté notamment au 57e New York Film Festival (USA) [Projections]; à la Viennale, Vienne (Autriche); au Festival des 3 Continents, Nantes (France) [Compétition internationale]; au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas) [Bright Future Main Program]; à CPH:Dox, Copenhague (Danemark)[Artist & Auteur]; et au Göteborg International Film Festival (Suède). Actuellement, Truong Quý Minh poursuit ses recherches sur l'analogique et les nouveaux médias au Fresnoy - Studio national des arts contemporains, Tourcoing (France).

The persons are looking for each other. Sometimes they feel they are going to see the other, but it is just an illusion of mind. The gazes that point out of the frames to somewhere invisible. The repetition of images recalls the feelings of a loosen memory.

Truong Minh-Quy was born in 1990 in Buon Ma Thuot, a small city in the central highlands of Vietnam. In 2008 he entered film directing class at the Cinema and Theatre University in Ho Chi Minh City. After one year, he decided to quit the school to pursuit his independent filmmaking path. In 2012, he was a fellow of AFA (Asian Film Academy, Busan International Film Festival). In Feb 2016, he attends Berlinale Talent Campus, Berlin International Film Festival. Gradually he has realized the dilemma that he feels between urban and rural life. His favorite place is his family farm where he can be alone with his dog, listening to the wind moving through the hills. Recently, he is working at ZeroStation, an alternative art space in Ho Chi Minh city.

An ancient tree tells us about a murder story that has happened deep in the jungle The author tells about the relationship between his father and him 1000 years have passed

Truong Minh Quy was born in 1990 in Buon Ma Thuot, a small city in the central highlands of Vietnam. From 2008-2010, he was a film directing student at the Cinema and Theatre University in Ho Chi Minh City. He decided to quit school at his second year to pursuit his independent filmmaking path. He gradually realizes the dilemma that he feels between urban and rural life. His favorite place is his family farm where he can be alone with his dog, listening to the wind moving through the hills. In 2012, he participated in AFA (Asian Film Academy, Busan International Film Festival). Recently, he is working at ZeroStation, an alternative art space in Ho Chi Minh city.

Interprétation libre du mythe dans laquelle Tsai Ming Liang propulse une femme délaissée par son amant dans la cohue de la gare des bus de Kuala Lumpur.

Tsai Ming Liang was born in Malaysia in 1957. His films have received numerous awards, including the Golden Lion in Venice for Vive l?Amour (1994), the Silver Bear for The River, and 5 Fipresci-Prizes in Berlin. Since his first feature film Rebels of the Neon God (1992) up to the breathtaking I Don?t Want to Sleep Alone, Tsai Ming Liang?s films always feature a cool, sensitive vision of life, human relations and solitude. He is considered to be one of the masters of contemporary cinema. Here he offers a very free and personal interpretation of Puccini´s Madame Butterfly.

Dans "Terms of Play", 60 phrases d’entraînement ont été extraites du logiciel de clonage vocal "Lyrebird IA" et recombinées en scénario pour former un dialogue. Celui-ci a ensuite été interprété par deux acteurs. Chaque ligne a été interprétée avec une émotion différente: parfois factuelle, parfois dramatique ou chantante... Cette œuvre vidéo à 2 canaux s’intéresse au processus des technologies d'apprentissage automatique, qui jouent un rôle croissant dans la production de films. En s'appropriant et en réinterprétant les phrases d’entraînement (que le logiciel a lui-même extraites de textes, romans et essais accessibles au public), cette vidéo inverse ces processus et les interroge de manière critique.

Florian Tscharf (né en 1987, en Allemagne) est artiste vidéo et médiatique. Il a étudié le Media Design à Ravensburg (Allemagne), la réalisation à la Filmakademie Baden Württemberg, Ludwigsburg (Allemagne), et les arts de l'écran à la Bezalel Academy of Arts and Design, Jérusalem (Israël). Il vit et travaille à Berlin (Allemagne).

La pièce maîtresse Paul Tschinkel : « Robert Mapplethorpe » est une interview du photographe, montrée ici pour la première fois et effectuée dans son studio de Bond Street en 1983. Tout en s?interrogeant sur Mapplethorpe l'artiste et Mapplethorpe l'homme, ce film intime entre en résonance avec d?autres entretiens réalisés par ceux qui le connaissaient le mieux.

Le peintre Paul Tschinkel a obtenu un MFA (Master of Fine Arts) à la Yale School of Art and Architecture (USA). Au début des années 1970, il s'est tourné vers la vidéo artistique, et est ainsi devenu l'un des premiers artistes vidéo à utiliser ce nouveau média. Après avoir exposé ses vidéos dans les galeries new-yorkaises, il s'est tourné vers la télévision câblée, en réalisant l?émission « Paul Tschinkel's Inner-Tube », diffusée de 1974 à 1979. En 1979, Tschinkel est passé des prises de son réalisées dans son studio de Soho à l'enregistrement et la production de musique live Punk/New Wave des clubs de New-York. En 1979, Tschinkel a également créé et produit une série documentaire appelée ART / New York.

Dans Mistelpartition (2006), une lignée d?arbres défile « en travelling » comme une partition musicale. Le silence est interrompu par une musique. Celle-ci est visualisée par des illuminations dans le gui des branches hivernales ? lointain reflet d?une mélodie oubliée.

Su-Mei TSE 1973 Luxembourg (L) SU-MEI TSE est une artiste plasticienne basée au Luxembourg et à Paris. Elle choisit son médium (installations, vidéos, photographies, objets, etc.) en fonction de l?idée qui fonde l??uvre à réaliser. Son, rhythme et musique sont des éléments importants dans son travail. La mise en suspension, les moments de silence et l?invitation à une certaine introspection caractérisent l??uvre de Su-Mei Tse. Su-Mei`s work has recently been exhibited at Tim Van Laere Gallery in Antwerp, at Peter Blum Gallery and PS1 in New York, at Albion Gallery in London, and at Casino, Forum d`Art Contemporain in Luxembourg and at the Kunsthaus in Zürich. Prix 2006 SR-Medienkunstpreis, Saarländischer Rundfunk, Saarbrücken, 2006 2005 Edward Steichen Award, bourse et résidence d?artiste à NY pour 2006, 2003 Lion d?Or pour la meilleure participation nationale, 50. Esposizione Internazionale d?Arte, Biennale di Venezia, Venise 2000 Prix d?art Robert Schuman, prix interrégional SaarLorLux