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La théorie des vagues est un film en trois mouvements, au fil desquels, à partir du motif de la vague, la question du passage de la perception à la représentation tente de se résoudre. Le film s?ouvre sur la description d?une maison tout au bord de l?eau, sur laquelle les vagues viennent éclater les jours de tempête. Ce lieu évoqué par la narratrice est celui où j?ai passé les deux premières années de ma vie. Hormis le récit que l?on m?en a fait, je n?en garde aucun souvenir, aucune image, même si je peux supposer qu?il a affecté mon mode de perception. C?est un autre lieu, le laboratoire de mécaniques des fluides de l?école centrale de Nantes, qui a réactivé la mémoire de cette maison au bord de l?eau, quarante ans après. Là, les vagues viennent s?écraser régulièrement sur les murs de béton d?un bassin à houle.

Muriel Toulemonde est née à Lille en 1970. Durant ses études à l?Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris et après, (DNSAP en 1997), elle bénéficie de plusieurs résidences à l?étranger : Milan (1991), Los Angeles (1994), Cologne (1999), Budapest (2001), Delphes (2004).

"Sarcocoptes" signifie en grec "coupeurs de viande". Cette courte vidéo d'art est une animation expérimentale. L'être humain se transforme en fonction de ses émotions. Caractère durable de l'esprit humain et de son anatomie. Les codes anatomiques se transforment. Les émotions et les souvenirs s'incarnent et entrent en conflit avec la propre chair de l'Homme. Une simple pensée ressemble à une opération chirurgicale. L'organisme s'approche t-il à chaque instant de la mort ou est-il déjà prêt à renaître ? Une créature solitaire qui creuse dans son esprit à la découverte de soi-même.

Giorgos TOURLAS est né à Athènes en 1979. Il est diplômé de l'école des Beaux-Arts d'Athènes où il a étudié dans le laboratoire d'étude de Rena Papaspyrou entre 1999-2000 et 2003-2004. Il a également étudié la mosaïque et l'informatique dans ce même département. Actuellement, il continue ses études de 3ème cycle en art numérique. En Espagne, à l'Université des beaux-arts de Valence en 2002, il a étudié la chalcographie (technique de gravure sur cuivre) et l'animation.

Au risque et limite de l?enfermement, une perception du monde dans un espace confiné. Petit à petit des images flottantes, des atmosphères de travail, des lieux de vie? Un mètre carré d?existence. Habiter un lieu, inventer des perspectives, vivre dans un temps autre que celui vécu par le commun des mortels et pourtant demeurer si semblable. Un paradoxe troublant

Par des sons et des éléments visuels évocateurs, ETHER vise à créer un environnement immergent des données décomposées. L?image se craquelle et se tord, intégrant et désintégrant le son vidéo. Les sifflements et les bourdonnements de son à des kilomètres de là remplissent la pièce, des morceaux dérobés de musique et de voix se décomposent en un brouillon. Dans la pièce sombre, le diptyque video, seule illumination, est projeté sur un mur blanc. Dans les coins de la pièce quatres hauts parleurs mettent en avant un yaourt sonore qui enveloppe mais n?intimide pas.

Bruce Tovsky est un artiste visuel et sonore qui réside à Brooklyn, New York. Il a été diplômé d?un MFA en multimédias (art du film, de la vidéo, du son, de la performance et de l?installation) à la Rutgers University en 1979. Il a commencé à montrer des vidéos aux USA, en Europe et au Japon dans le début des années 80. Certaines de ses vidéos sont présentes dans la collection The Kitchen et The New York Library Donnell Library Center, toutes deux à New York. Il a embrassé une carrière diversifiée comme producteur audio (Liquid Liquid, Lydia Lunch, Karen Finley, F?tus) et moteur/designer vidéo pour des publicités ou des clips. Pendant ces dernières années, il a créé des vidéos en direct et des improvisations sonores, souvent en collaboration avec l?artiste sonore John Hudak, dans de nombreux lieux autour de New York dont Diapason, Experimental Intermedia, Issue Project Room, et son propre espace d?installations, 106BLDG30 au Brooklyn Navy Yard. Lors de l?été 2003, il a présenté ??for the time bing? ? æc Hudak au ??Festival off Mixology? ? de Roulette au The Performing Garage. Cette performance fut distribuée en 2004 sous le label de Jason Kahn, CUT, et rééditée dans le numéro de Février de The Wire. En octobre 2003, Torsky a assemblé un groupe d?improvisateurs - Beo Morales, David Linton, Michael Schumacher and Brooks Williams ? afin de jouer une pièce pour le festival Réseaunances à l?Ircam de Paris. Sa pièce vidéo et sonore la plus récente, ETHER, a fait sa première à 106BLDG30 dans le Navy Yard en juin 2005, et a été diffusé dans des festivals internationaux à Sao Paulo et Séoul. La bande-son de ETHER fut récemment programmée dans un documentaire radio de la BBC et sur des stations radios à ondes courtes.

"Beatings Of The Devil" is based on the concept and weather event called sunshowers, or, as my grandmother would often say when it rained while the sun was shining, “The devil is beating his wife”. This wildly inappropriate, and outdated colloquial phrase, which resonated deeply within me as a child, provides a point of departure and interpretation for this work. Created through a series of shoots spanning over four years, the piece has evolved into a memorial to my mother, and a reckoning for my father, who recently lost his wife of 51 years. The piece premiered at the 2022 Art of Brooklyn Film Festival, and won the Vanguard Award for Best Experimental Short.

Bradly Dever Treadaway is a Brooklyn based artist, educator and curator utilizing lens-based image making, moving images, sound, sculpture, installation and performance to comment on the breakdown of intergenerational communication and broken familial links due to natural disaster, technological evolution, mental health challenges, societal shifts and the continuance of interpersonal detachment occurring within American communities. His work is visualized through archival interventions, recontextualizing the archive to serve as form, medium, subject matter and concept, elevating domestic ephemera and rituals while questioning material significance within the photographic medium. Treadaway creates memorials, monuments and mnemonic devices to illustrate ancestral collisions with contemporary responses. His work has been exhibited at the Whitney Museum of Art, the Center for Photography at Woodstock, The International Center of Photography,The Ogden Museum of Southern Art in New Orleans, Agora Gallery in Chelsea, NY, The Mobile Museum of Art, The Ospedale degli Innocenti in Florence, Italy, and the Lishui Museum of Photography in China. His film/video work has been screened at the New Orleans Film Festival, the Carnegie Museum of Art, the National Centre for Contemporary Art in Moscow, Russia, Union Docs, Anthology Film Archives, the Art of Brooklyn Film Festival, the Nashville Film Festival, the Coney Island Film Festival, and at the Brooklyn Arts Council’s Scene: Brooklyn. Treadaway’s work has been curated by Vince Aletti, Kevin Jerome Everson, Jon Feinstein and Julian Cox and is part of the permanent collections at The Center for Photography at Woodstock, The Ogden Museum of Southern Art, The Masur Museum of Art, the Ewing Gallery at the University of Tennessee, the Brooklyn Public Library and the Mobile Museum of Art. Treadaway has recently held residencies at Trestle Art Space and BRIC Media Arts in Brooklyn, Kutztown University in Pennsylvania and the Contemporary Arts Center at Woodside in NY.

Booked For Safekeeping addresses faltering outlets for the containment and expression of violent impulses, the reactionary bluster of discourse in contemporary society and the isolation and paranoia developing within American communities. Juxtaposed against the grace, rhythm and force inherent within the motions of a boxer engaged in battle with himself are archival images from a 1960 film produced by the Louisiana Association for Mental Health addressing the apprehension and incarceration of "disturbed" people. While investigating the propensity and commonality of violence, the piece alludes to the distressing shift in tone and approach regarding the policing of communities, wherein patience, compassion, and de-escalation are too often replaced with militaristic distance and aggressive control.

Bradly Dever Treadaway is a Brooklyn and New Orleans based artist and teacher utilizing lens-based image making, sculpture, installation and performance to comment on the breakdown of intergenerational communication. His work revolves around fleeting family histories visualized through archival interventions and elevated domestic rituals while questioning material significance within the photographic medium. Treadaway creates memorials, monuments and mnemonic devices to fading family histories using with personal and public archives, recontextualizing the archive to serve as form, medium, subject matter and concept. Treadaway is a Fulbright Scholar to Italy and works as both a Faculty member and the Digital Media Coordinator at The International Center of Photography in New York City. His work has been exhibited at the Whitney Museum of Art, Center for Photography at Woodstock, The International Center of Photography, The Mobile Museum of Art, The Ospedale degli Innocenti in Florence, Italy, and the Lishui Museum of Photography in China. His film/video work has been screened at the New Orleans Film Festival, the Carnegie Museum of Art, the National Centre for Contemporary Art in Moscow, Russia, Union Docs, Anthology Film Archives, the Nashville Film Festival, the Coney Island Film Festival, and at the Brooklyn Arts Council?s Scene: Brooklyn.

Comma Boat is one of four movies to date completed in 2013 by Trecartin, first shown as a work in progress at the Arsenale of the the Venice Biennale. Since settling in Los Angeles in 2010, Fitch and Trecartin have designed and built a modular maze of sets on a soundstage with the help of Hollywood technicians who have rigged the space with lights and hydraulics enabling it to move and change for different projects.

Termed "the most consequential artist to have emerged since the 1980s" by The New Yorker, Ryan Trecartin is one of the most innovative artists working with video today. Trecartin`s video narratives unfold like futuristic fever dreams. Collaborating with an ensemble cast of family and friends, he merges sophisticated digital manipulations with footage from the Internet and pop culture, animations, and wildly stylized sets and performances. While the astonishing A Family Finds Entertainment (2005) has drawn comparisons to Jack Smith, early John Waters, and Pee-Wee`s Playhouse, Trecartin crafts startling visions that are thoroughly unique. Kevin McGarry writes, "Ryan Trecartin has established a singular video practice that in form and in function advances understandings of post-millennial technology, narrative and identity, and also propels these matters as expressive mediums. His work depicts worlds where consumer culture is amplified to absurd or nihilistic proportions and characters circuitously strive to find agency and meaning in their lives. The combination of assaultive, nearly impenetrable avant-garde logics and equally outlandish, virtuoso uses of color, form, drama and montage produces a sublime, stream-of-consciousness effect that feels bewilderingly true to life." Ryan Trecartin was born in 1981 in Webster, Texas. He received a BFA from the Rhode Island School of Design in Providence, Rhode Island in 2004. Solo exhibitions include Any Ever, which traveled from the Power Plant, Toronto in 2009 to the Museum of Contemporary Art, Los Angeles in 2010, then to the Museum of Contemporary Art, North Miami, FL in 2011; MoMA P.S.1, Long Island City, New York; Musée d`Art Moderne de la Ville de Paris, France (both in 2011); Kunsthalle Wien, Austria; Wexner Center for the Arts, Columbus, OH; Hammer Museum, Los Angeles, and Elizabeth Dee Gallery, New York. His works have been seen in group exhibitions at the San Francisco Museum of Modern Art; ZKM - Center for Art and Media, Karlsruhe, Germany; Garage Center for Contemporary Culture, Moscow, Russia; The Eighth Gwangju Biennale, Gwangju, South Korea; MIT/List Visual Arts Center, Cambridge, MA; New Museum of Contemporary Art, New York; Guggenheim Museum Bilbao, Spain; the 2006 Biennial Exhibition of the Whitney Museum of American Art, New York; USA Today: Works from the Saatchi Collection, Royal Academy of Arts, London; Moore Space, Miami, Florida; The Getty Center, Los Angeles; New York Underground Film Festival, New York; Chicago Underground Film Festival, Chicago; and Smack Mellon, Brooklyn, among others. In 2009 Trecartin was the recipient of the first Jack Wolgin Fine Art Prize, presented by the Tyler School of Art at Temple University, Philadelphia, which recognizes the highest level of artistic excellence on an international level. In 2009 he received the Calvin Klein Collection New Artist of the Year Award at The First Annual Art Awards, Solomon R. Guggenheim Museum, New York. He also received a Pew Fellowship in the Arts in 2009. Trecartin lives and works in Los Angeles.

A bed-bound woman's year passes as a day: her time is no longer measured by the increments of a clock but by the quality of weather outside her window. Objects emerge and merge in the gloom; the woman dissolves and reforms. Her muteness, her glaucomas and her inactivity render things indeterminate. By naming objects, animal and phenomena we reduce and delineate them, and so separate ourselves from the world around us - she cannot do this.

Peter Treherne is a moving image artist working in the South East of England. His films explore the affects of the environment, particularly weather, on agricultural and creative labour. His work is distributed by the Canadian Filmmakers Distribution Centre and Kinoscope, has been funded by Arts Council England, and has screened internationally at festivals and galleries including Festival ECRA, Whitechapel Gallery and London Institute of Contemporary Arts. Peter is also director of the Slow Film Festival, an organisation that shares moving image art with the British public in rural areas. The festival has collaborated on programmes with institutions including Close-Up Film Centre, MUBI and the British Council, and has screened work from artists including Ben Rivers, Kevin Jerome Everson, Babette Mangolte and James Benning. Peter also holds a master’s degree in Film Aesthetics from the University of Oxford.

Alors qu’on trait les vaches dans une ferme laitière britannique, une tempête cataclysmique se profile à l'horizon. Un mystérieux météorologue enquête sur cet étrange phénomène météorologique, et suit son objet d’étude jusqu'à la ferme. Mais, face à de telles conditions (la pluie battante et la vie animale rétive), ses recherches peuvent-elles aboutir à des résultats?

Peter Treherne est réalisateur de films expérimentaux et artiste dans le domaine des images en mouvement. Il travaille dans le sud-est de l'Angleterre. Il utilise une multitude de caméras bon marché et de filtres ND, ainsi que les contingences de la pluie, de la neige, du brouillard et d'autres états atmosphériques lugubres, pour pixelliser et reconfigurer paysages et récits. Il a fait ses études à l'Université d'Oxford (Royaume Uni), où il a obtenu un Master en esthétique cinématographique. Il est également directeur du Slow Film Festival, Mayfield (Royaume-Uni). Ce festival expose des œuvres d'images en mouvement de longue durée et à propos de paysages.

1221 AMOR est une vidéo combinant la prise de vue réelle et l`animation 3D. Cette vidéo examine la question du récit dans une oeuvre de fiction sans protagoniste et reposant sur la matière et ses processus de transformation. L`histoire repose ainsi sur les liens établis entre les différents états minéraux soient la pierre, l’os et le fossile. Dans les trois séquences qui composent 1221 Amor, différentes temporalités s’entremêlent pour créer un temps comprimé, indéfini qui va à l’encontre de notre représentation traditionnellement linéaire du temps. Les sons et les images ont été réalisés à partir d’expériences faussement scientifiques et des codes narratifs des films de catastrophe.

Nourri par le cinéma, les arts visuels, la littérature et la philosophie, le travail vidéographique de Julie Tremble explore la matérialité des émotions et la narrativité des éléments naturels. Elle détient une maîtrise en études cinématographiques de l`Université de Montréal (Montréal, 2005) et un baccalauréat combinant cinéma et philosophie (Montréal, 2000). Son travail a été présenté dans des centres d`artistes, en galerie, de même que dans différents festivals à travers le Canada. En 2013, elle a reçu le prix du Conseil des arts et des lettres du Québec pour la meilleure œuvre d`art et d`expérimentation remis dans le cadre de la 31e édition des Rendez-vous du cinéma québécois. Ses vidéos sont distribuées par le Groupe Intervention Vidéo. Elle réside actuellement à Montréal. Julie Tremble est représentée par la Galerie Joyce Yahouda.

APOCALYPSE BABY est une émission de télé-achat cynique qui utilise la catastrophe climatique comme argument de vente. Une satire pop sur le consumérisme et la crise climatique, sur l’individualisme, l’hédonisme et la mauvaise conscience, sur toutes ces contradictions que nous portons en nous.

Camille Tricaud et Franziska Unger sont un duo de réalisatrices. Elles ont commencé à travailler ensemble en 2018. Elles viennent d’horizons différents: l’une, française originaire de Bordeaux, formée au cinéma documentaire et expérimental (à la Hochschule für Fernsehen und Film Munich), l’autre, allemande originaire de Heilbronn, formée à l’architecture et aux arts visuels (Ecole d’Architecture de Dresden).  Elles décident de travailler ensemble sur le clip “Apocalypse Airlines”, explorant sur le mode de la satire les relations entre crise climatique et marketing à travers le biais d’une compagnie aérienne fictive. Ce court-métrage remporte plusieurs prix à travers le monde, entre autres le “Short Tiger Award” du Festival de Cannes 2020.  Elles continuent alors leur travail commun et obtiennent en 2020 la possibilité de développer un projet au sein de la résidence "Media Art" de la Kirch Stiftung. Elles élaborent alors un univers leur permettant de mettre à jour les liens entre consumérisme et mauvaise conscience, changement climatique et individualisme, hédonisme et marketing. Ce sera le télé-achat de “Apocalypse Baby, We Advertise The End Of The World”. Le film sera nominé et finaliste des Oscars du court-métrage étudiant dans la catégorie "expérimental" de l'année 2021. Elles sont toutes deux dans un questionnement perpétuel sur les modes d’actions, individuels et/ou politiques, qui permettent de lutter contre le changement climatique, et se sentent souvent prises dans une certaine contradiction. En tant qu’artistes, elles cherchent une forme visuelle pour y répondre.  Toutes deux considèrent le changement climatique actuel comme l’une des crises les plus importantes et toutes deux voient le médium film comme un moyen de provoquer réflexion et prise de conscience.  Elles continuent actuellement leur collaboration sur un nouveau film : “Next Time, Dear God, Please Choose Someone Else”, une histoire d’amour, de tempête et de saut à ski. 

In an exercise of compensation, I invert the condition of the representations of prominent figures of class society. Between the social pages and the elitist advertising, I incrust them in the context of the settlers, the called ?D sector?. By means of digital abrupt manipulation turning to a stereotype, an exchange in a coarse way the roles of the social actors, I execute a pleasant revenge in photomontage key. For the speech, I used an early ?opened work?, as Umberto Eco concept, the prologue of a Peruvian basic book: Seven Essays Interpretation of the Peruvian Reality, by Jose Carlos Mariátegui, whose reflection about a racist society is still remaining up to the present. Declared in Quechua and without subtitles the voice force the spectator to enjoy a despised and unloved language.

Visual Artist and teacher Produced artwork with diverse media: video, installations, assembly, graphic arts, silkscreen, stage scene. In the decade of the 80`s, he participated in the underground scene of music and alternative art in Lima, Peru. Took part in artwork collective production: Macho Cabrio, Bestiarios, MUTA. Collaborates in initial and formative events of electronic art in Peru, organized by DACP, ATA, Medios Nómades. Founder member and director of DACP projects (Peruvian Cultural Artistic Development), Lima 2000-2008. Group of artists who promoted and produced Peruvian video-art works internationally. His video work was exhibited in diverse festivals placed in Japan, Los Ángeles, Barcelona, Madrid, Paris, Berlín, London. At the moment he is a teacher of Visual Arts at Corriente Alterna Fine Art School

Partant d'une visualisation par satellite, destinée à nous surveiller, l'artiste a découvert le plan du Pérou, comme une silouhette humaine. Les images satellite servent en quelque sorte à faire illusion: de très loin, le territoire est magnifique, et montre une topographie verte et vivante. Cependant, le drame humain que vivent la plupart des habitants de cette zone colorée montre le contraire: de près, les choses semblent très lointaines. Pour cette raison, l'artiste expose la forme de son pays de façon impertinente. L'orientation est inversée: le sud est au nord, et l'est est à l'ouest. Quelle va être alors la perpective la plus forte?

Carlos Troncoso est l'auteur d'une oeuvre multiple: vidéo, installations, assemblage, arts graphiques, sérigraphie, théâtre. Dans les années 1980, il a participé à la scène musicale underground et d'art alternatif à Lima, au Pérou. Il a pris part à la production d'oeuvres collectives: Mucho Cabrio, Bestiarios, MUTA. Il collabore à des événements dans le domaine de l'art électronique, organisés par DACP, ATA, Medios Nómades. Il est membre fondateur et directeur des projets DACP (développement artistique et culturel péruvien), à Lima (2000-2007). Il fait partie d'un groupe d'artistes qui fait la promotion de l'art vidéo péruvien dans le monde. L'oeuvre vidéo de Troncoso a été montrée dans plusieurs festivals, au Japon, à Los Angeles, à Barcelone, à Londres. Actuellement, il enseigne les arts visuels à l'école supérieure des beaux-arts Corriente Alterna.

"Dans le saisissant deuxième long métrage de Minh Quý Truong, un homme vivant sur Mars en 2045 examine des images rapportées de ses rencontres avec une communauté autochtone dans la jungle vietnamienne. Au fil de ses expériences, ses pensées dérivent: de questions d'identité, d'esthétique et de politique de l'image, aux pratiques funéraires rituelles, en passant par les forces visibles et invisibles qui façonnent les cultures. Combinant des éléments de science-fiction et d'ethnographie, "The Tree House" est une exploration puissante de la manière dont le temps et l'environnement influencent notre compréhension de la notion de lieu et de foyer." (57e New York Film Festival)

Truong Minh Quý est né en 1990 à Buôn Ma Thuot, une petite ville des Hauts Plateaux du Centre (Vietnam). Il vit et travaille ici et là, dans la vibration des souvenirs et du moment présent. Ses récits et ses images, qui se situent entre le documentaire et la fiction, entre le personnel et l'impersonnel, s'inspirent du paysage de son pays natal, de ses souvenirs d'enfance et du contexte historique vietnamien. Dans ses films, il a expérimenté le fait d’associer pendant le tournage des concepts-images abstraits à des improvisations réalistes. Il a été élève à l'Asian Film Academy 2012, dans le cadre du Busan International Film Festival, Busan (Corée du Sud), et a participé à la section Talents de la Berlinale 2016, Berlin (Allemagne). Ses films ont été sélectionnés pour des festivals et expositions à l’international, notamment le Festival international du film de Locarno (Suisse); le New York Film Festival (USA); le Festival International du Court Métrage à Clermont-Ferrand (France); les Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Allemagne); le Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas); le Busan International Film Festival (Corée du Sud); Les Rencontres Internationales Paris/Berlin (France/Allemagne). En 2017, il a remporté le principal Prix Artistique de la 20e édition de VideoBrasil, São Paulo (Brésil). Son deuxième long métrage, "The Tree House", a été présenté en première au 72e Festival international du film de Locarno (Suisse) [Compétition Filmmakers of The Present, Prix Boccalino de la critique suisse], où il a été élu l’une des "trois des meilleures premières du festival" par la plateforme Mubi, et qualifié d'"ode singulière et envoûtante à la mémoire et au cinéma" par le site The Film Stage. Le film a ensuite été projeté notamment au 57e New York Film Festival (USA) [Projections]; à la Viennale, Vienne (Autriche); au Festival des 3 Continents, Nantes (France) [Compétition internationale]; au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas) [Bright Future Main Program]; à CPH:Dox, Copenhague (Danemark)[Artist & Auteur]; et au Göteborg International Film Festival (Suède). Actuellement, Truong Quý Minh poursuit ses recherches sur l'analogique et les nouveaux médias au Fresnoy - Studio national des arts contemporains, Tourcoing (France).

The persons are looking for each other. Sometimes they feel they are going to see the other, but it is just an illusion of mind. The gazes that point out of the frames to somewhere invisible. The repetition of images recalls the feelings of a loosen memory.

Truong Minh-Quy was born in 1990 in Buon Ma Thuot, a small city in the central highlands of Vietnam. In 2008 he entered film directing class at the Cinema and Theatre University in Ho Chi Minh City. After one year, he decided to quit the school to pursuit his independent filmmaking path. In 2012, he was a fellow of AFA (Asian Film Academy, Busan International Film Festival). In Feb 2016, he attends Berlinale Talent Campus, Berlin International Film Festival. Gradually he has realized the dilemma that he feels between urban and rural life. His favorite place is his family farm where he can be alone with his dog, listening to the wind moving through the hills. Recently, he is working at ZeroStation, an alternative art space in Ho Chi Minh city.

An ancient tree tells us about a murder story that has happened deep in the jungle The author tells about the relationship between his father and him 1000 years have passed

Truong Minh Quy was born in 1990 in Buon Ma Thuot, a small city in the central highlands of Vietnam. From 2008-2010, he was a film directing student at the Cinema and Theatre University in Ho Chi Minh City. He decided to quit school at his second year to pursuit his independent filmmaking path. He gradually realizes the dilemma that he feels between urban and rural life. His favorite place is his family farm where he can be alone with his dog, listening to the wind moving through the hills. In 2012, he participated in AFA (Asian Film Academy, Busan International Film Festival). Recently, he is working at ZeroStation, an alternative art space in Ho Chi Minh city.

Interprétation libre du mythe dans laquelle Tsai Ming Liang propulse une femme délaissée par son amant dans la cohue de la gare des bus de Kuala Lumpur.

Tsai Ming Liang was born in Malaysia in 1957. His films have received numerous awards, including the Golden Lion in Venice for Vive l?Amour (1994), the Silver Bear for The River, and 5 Fipresci-Prizes in Berlin. Since his first feature film Rebels of the Neon God (1992) up to the breathtaking I Don?t Want to Sleep Alone, Tsai Ming Liang?s films always feature a cool, sensitive vision of life, human relations and solitude. He is considered to be one of the masters of contemporary cinema. Here he offers a very free and personal interpretation of Puccini´s Madame Butterfly.

Dans "Terms of Play", 60 phrases d’entraînement ont été extraites du logiciel de clonage vocal "Lyrebird IA" et recombinées en scénario pour former un dialogue. Celui-ci a ensuite été interprété par deux acteurs. Chaque ligne a été interprétée avec une émotion différente: parfois factuelle, parfois dramatique ou chantante... Cette œuvre vidéo à 2 canaux s’intéresse au processus des technologies d'apprentissage automatique, qui jouent un rôle croissant dans la production de films. En s'appropriant et en réinterprétant les phrases d’entraînement (que le logiciel a lui-même extraites de textes, romans et essais accessibles au public), cette vidéo inverse ces processus et les interroge de manière critique.

Florian Tscharf (né en 1987, en Allemagne) est artiste vidéo et médiatique. Il a étudié le Media Design à Ravensburg (Allemagne), la réalisation à la Filmakademie Baden Württemberg, Ludwigsburg (Allemagne), et les arts de l'écran à la Bezalel Academy of Arts and Design, Jérusalem (Israël). Il vit et travaille à Berlin (Allemagne).

La pièce maîtresse Paul Tschinkel : « Robert Mapplethorpe » est une interview du photographe, montrée ici pour la première fois et effectuée dans son studio de Bond Street en 1983. Tout en s?interrogeant sur Mapplethorpe l'artiste et Mapplethorpe l'homme, ce film intime entre en résonance avec d?autres entretiens réalisés par ceux qui le connaissaient le mieux.

Le peintre Paul Tschinkel a obtenu un MFA (Master of Fine Arts) à la Yale School of Art and Architecture (USA). Au début des années 1970, il s'est tourné vers la vidéo artistique, et est ainsi devenu l'un des premiers artistes vidéo à utiliser ce nouveau média. Après avoir exposé ses vidéos dans les galeries new-yorkaises, il s'est tourné vers la télévision câblée, en réalisant l?émission « Paul Tschinkel's Inner-Tube », diffusée de 1974 à 1979. En 1979, Tschinkel est passé des prises de son réalisées dans son studio de Soho à l'enregistrement et la production de musique live Punk/New Wave des clubs de New-York. En 1979, Tschinkel a également créé et produit une série documentaire appelée ART / New York.

Pays de neige (Snow Country), 2015  Une marche faisant le vide comme un moment de suspension, cet espace indéfini semblable à celle d’une respiration avant tout commencement. Comme ce temps durant lequel la toile se prépare avant l`application de la peinture, comme celui pendant lequel la feuille blanche attend l`écriture, ou lorsque la pensée s`apprête à devenir parole. Dans cette vidéo de Su-Mei Tse le balayage souligne le moment magique durant lequel on se prépare à agir, à se laisser emporter par ses désirs, à marcher dans la neige …

Violoncelliste de formation et fille de musiciens professionnels, Su-Mei Tse développe un univers plastique qui s’exprime dans un vocabulaire de formes minimales où l’harmonie s’impose. Mettant en espace le son et la musique, elle exprime son regard sur le monde qui nous environne dans un état d’esprit imprégné par la philosophie zen, avec « la volonté de figurer le son, de rendre palpable l’impact physique et émotionnel de la fréquence sonore » (M. Le sauvage). Jouant sur la relation des sens, elle ravive notre intuition dans des oeuvres qui apparaissent comme des moments de respiration. Marquée aussi par la philosophie humaniste, Su-Mei Tse produit des pièces qui mettent en exergue le chemin de l’homme vers lui-même dans un rapport introspectif car si, comme le dit John Cage, « le silence n’existe pas », il renvoie toutefois à l’écoute de soi. De ce positionnement, naît une ambiance méditative : les sens entrent en éveil progressivement tandis que l’équilibre apparaît entre des elements organiques, matériels et culturels a priori inassimilables. Quant aux espaces, soustraits poétiquement par son geste, ils se révèlent sous l’angle du sensible. (H. Lallier)

Dans Mistelpartition (2006), une lignée d?arbres défile « en travelling » comme une partition musicale. Le silence est interrompu par une musique. Celle-ci est visualisée par des illuminations dans le gui des branches hivernales ? lointain reflet d?une mélodie oubliée.

Su-Mei TSE 1973 Luxembourg (L) SU-MEI TSE est une artiste plasticienne basée au Luxembourg et à Paris. Elle choisit son médium (installations, vidéos, photographies, objets, etc.) en fonction de l?idée qui fonde l??uvre à réaliser. Son, rhythme et musique sont des éléments importants dans son travail. La mise en suspension, les moments de silence et l?invitation à une certaine introspection caractérisent l??uvre de Su-Mei Tse. Su-Mei`s work has recently been exhibited at Tim Van Laere Gallery in Antwerp, at Peter Blum Gallery and PS1 in New York, at Albion Gallery in London, and at Casino, Forum d`Art Contemporain in Luxembourg and at the Kunsthaus in Zürich. Prix 2006 SR-Medienkunstpreis, Saarländischer Rundfunk, Saarbrücken, 2006 2005 Edward Steichen Award, bourse et résidence d?artiste à NY pour 2006, 2003 Lion d?Or pour la meilleure participation nationale, 50. Esposizione Internazionale d?Arte, Biennale di Venezia, Venise 2000 Prix d?art Robert Schuman, prix interrégional SaarLorLux

No land to live In the production process of this piece of work. I feel the transition of political atmosphere in Taiwan. The atmosphere of distrust spread around the society. In this work, all of these are just like after leaving an anxious scene. Maybe a insurrection, a late night party, an end of a sex, or on the way return after a rebellion protest. Don’t want to return, the so-called home, the place to live. No one will wait there, or it doesn’t matter anymore. Thinking of where can self exist. And the body rather stay at the interim middle, somewhere no where. I shoot 56 street scene in midnight Taipei. Those bodies have no intent to return to the place they live. Maybe they feel too strong about the place they just left, and the feeling can’t be soothed. They need a place in the middle, just stay there, exist there. Let self feel the existence of self. To recover the senses of the body. And this status becomes a kind of ceremony. The ceremony of trying to cover or stop what just happened. The fluttering insects are the summon of ghost. It’s a foretell of the past and those unhappened. Entrenching the body, waiting for the evidence left, becoming the existence.

TSENG YU-CHIN Born in 1978 Documenta 12 Germany Kassel Lectorate at the Shih Chien University Communication Design Lectorate at the Taipei National University of the Arts CCAA Best Young Artist of Chinese Contemporary Art Awards 2008 Paris La Cité internationale des Arts International Artist Residency Program New York Location One International Artist Residency Program honour 2003 Shih Chien University Communication Design Graduate with honor 2007 Technical Art at Taipei National University of the Arts outstanding alumni 2013 Shih Chien University Communication Design outstanding alumni Overseas Exhibition 2004 MOMA CONTEMPORARY The New Identity Part-5 Tracing Self 2005 The 10th Hong Kong Independent Short Film and Video Awards ( ifva Asian New Force) 2005 First 2005 The 3rd Fukuoka Asian Art Triennale 2006 England Asian Art Now ! 2006 Red Carpet : Art Video Screening `Taipei Croquis:Single Channel Video Works from Taiwan` Yokohama, Japan 2006 Rencontres internationales Paris/Berlin 2007 sensitivity:memories of twelve artisce works DIMENSIONS ART CENTER(Beijing) 2007 Documenta 12 Germany Kassel 2007 Soft Power: Asian Attitude Shanghai Zendai Museum of Modern Art Shanghai, China 2007 Rencontres nternationals Paris/Berlin/Madrid Paris，JEU DE PAUME 2007 Natura Dèi Teatri`s Performing Arts Festival-XII edizione opere turbate Italy，Parma 2007 TAIWAN CROSSOVER Austria ok-centrum 2007 KonstBio (ArtCinema) Swiss Kulturhuset 2008 Bubble Tea: Art of Taiwan and its Contemporary Mutations The Moravian Gallery in Brno 2008 Penumbra: Contemporary Art from Taiwan . Anne & Gordon Samstag Museum of Art Samstag Museum 2008 New York 5th (Asian Contemporary Art Week 2008)-- Snake Alley 2008 Daniel Andersson and Tseng Yu-chin . New York Location One Gallery 2008 China China China!!! Palazzo Strozzina, Firenze Italy 2008 Daniel Andersson + Tseng Yu-Chin Location . One Soho . New York 2008 CCAA chiese contemporary art awards Creative Center of Bund18 , shanghai 2008 CCAA chiese contemporary art awards Ullens Center for Contemporary Art , Beijing 2008 “ The Program”the video art exhibition Conduit Gallery , USA Texas Dallas 2008 A Voice of Taiwan Art , Japan , Tokyo , O Art Museum 2009 Rites de Passage Heerlen The Netherlands SCHUNCK* 2009 ratorial incubator v.6 The Dark Arts:magic and intuition Canada Toronto Vtape 2009 Love me tender exhibition Germany Kunstverein Wolfsburg 2009 PORTRAIT OF THE YOUTH China Shenzhen J&Z Gallery 2009 SuperGeneration@TAIWAN China Shanghai Art Museum 2009 SuperGeneration@TAIWAN China Beijing Today Art Museum 2010 RESHAPING HISTORY Chin art from 2000 to 2009 China Beijing 2011 ART STAGE SINGAPORE 2012 ART HK Hong Kong 2012 Rencontres nternationals Paris/Berlin/Madrid Paris，Palais de Tokyo，Paris 2013 FOKUS 2013 video kunst festivalGörlitz，German 2013 「urbanity」Asia Video Festival cutlog NY program，New York，USA 2013 Ars Electronica 2013 / Schizophrenia Taiwan 2.0 Linz Austria 2013 St. Petersburg Cyberfest / Schizophrenia Taiwan 2.0 St. Petersburg Russia 2014 Berlin Transmediale 2014/ Schizophrenia Taiwan 2.0 Berlin ，German

Tseng Yu-chin graduated from Shih Chien University and the Graduate School of Technical Art at Taipei National University of the Arts. His works have been exhibited at Documenta 12 Kassel, Germany (2007); MOMA Contemporary: The New Identity, Part 5 (2006); The First Taipei Digital Art Festival (2007); China China China!!! Palazzo Strozzina, Firenze Italy (2008). Tseng is also a poet and filmmaker. He currently teaches at Shih Chien University.

I hate New York! From the day I?ve stepped into the city, I?ve been feeling this way. It has never left my mind, and never denied, except for a few minor surprises or some little goodness. Eating brownies, or the dazzling lights of the Broadway, reduced my dislike of New York. It?s like when I repeatedly write ?I HATE NEW YORK? on the blackboard, at the same time erasing it with a duster, but yet, traces of the words remain, as though I haven?t had any intention to rub it off more forcefully and deliberately. This is a very uninteresting game, where you cannot hide too far in, you cannot hide yourself completely, or camouflage yourself as any item in the darkness under the bed hoping that you won?t be found, whilst listening to the noises outside, you feel safe as you hide. All because, you want to be found, and this is no longer innocent child?s play. You can recklessly hide, because of anger or simply because you wish to hide away with a friend, just the two of you. You can no longer do that! You must be found, and you must show yourself, and face the music! This indeed, is no longer child?s play. Ever since I came to New York, I?ve unconsciously begun to force myself to get along with myself, and even though I?m pretty used to getting along with myself. From the time back in my home country, the solitary me, has been forced to go out and face plenty of things, and this had been repeating itself. And eventually, I took a 15-hour flight and arrived in New York, and I?m left with only myself. It is really a test of inner strength, when you?re all alone, and the only thing you can rely on is the lingering scent of your home country that?s left in your suitcases. All I want to do is to curl up and sleep while embracing the scent, and even more often, I stay indoors, inside this so-called temporary apartment of mine. I confess about my initial insecurity. Amidst the noise that goes on every hour of the day, there is hardly any serenity, and any freedom to ponder. One thinks he can travel to many places, but the truth is, you can?t. The so-called travelling, is merely a physical shift of territory, and subsequently imprisoning oneself again. Forgive my use of vocabulary ? imprisoning. I?m imprisoned. By myself, by words and speech, by this conformity of a life that isn?t mine, by the responsibilities and obligations which I need to bear. I am imprisoned. I?m so perturbed in the winter of New York, that I can?t even be sure of the magnitude of the effects that this major illness that I?m going through is bringing me. I only recall the many feverish nights, dry-coughing, which kept me awake. I groaned with a slight growl, but still I can feel the trembles from the subway beneath my apartment. And I saw a kid, facing me, all curled up, and watching me restlessly, or at least I think he?s watching me! Perhaps?? his gaze isn?t at all on me. He may be simply staring straight, as though a beast is approaching. Or like stealing glances curiously, or perhaps not. I am unable to interpret his feeling. The complexity is preventing him from focusing. It?s a thought of speaking up, but he can?t, except for the urge to speak up, displayed through the shivering of his lips.

Tsen Yu-Chin

"Ne me renie pas encore une fois. J'ai beau être endurant, je n'aime pas la mascarade. Je dois en fait emprunter l'apparence de la pureté, pour que tu croies que tout va bien. Tu seras sûre alors que la vie est parfaite. Et il faudra que je sache où j'en suis et que l'on me dise sans détour ce qui m'attend. Tu me croiras toujours car j'afficherai cet air innocent et un sourire inexpressif. Ce sera ma manière de te convaincre."

Tseng Yu Chin est né en 1978. Il est diplômé de l'Université Shih Chien en communication et design, et en Arts Appliqués à l'Université Nationale des Beaux-Arts de Taipei. Il a travaillé dans le milieu de la réalistion, du théâtre et de l?opéra. Son travail a été montré à Taipei, au festival du court métrage de Hong Kong, à la troisième biennale de Fukuoka.

Je me réveille ce matin. J'ai rêvé de ma grand-mère cette nuit. Elle gémissait et gisait à mes côtés. Je reçois un coup de fil. Ma grand-mère a rendu l'âme. Elle m'était très chère. En ce moment, je pense sans arrêt à quand, étant enfant, j'arrivais en courant dans la cuisine de ma grand-mère. Grand-mère me parlait toujours en hakka, elle me demandait alors de sa voix douce d'où je venais, ou bien si je voulais quelque chose à manger. La cuisine et la vapeur, la buée. Grand-mère a les cheveux blancs. J'attrape le gâteau du nouvel an sur la table et je fixe ma grand-mère d'un air stupide. Ma grand-mère me manque tellement. Mon enfance n'a pas été particulièrement joyeuse, c'est certain, mais c'est ma grand-mère qui m'a offert tous les moments de joie que j'ai eu. En ce moment, à chaque fois que je fait du vélo, j'ai envie pleurer. J'ai l'impression d'étouffer.

Né en 1978, Yu-Chin Tseng étudie en ce moment à la Graduate School of Technical Art de la National University of the Arts de Taipei. De 1999 à 2002, il a participé au In-Between Visual Art Design. En 2001, il est devenu membre du Theater Group Visual Art Design de Tai-tung (Taïwan) et du AFA International Ltd. Visual Art. Il a ensuite, en 2003, travaillé au sein du Performance Group Visual Art Design de Taishun et de l'orchestre symphonique national, opéra "Faust", Documentary Film Post Production. Tseng YU-CHIN consacre beaucoup de temps à l'écriture. En 2000, il a publié ses poèmes "Something Trivial" et "My Illness" dans 'In-Between - volume 2', et son roman "Age 20 and 40" dans "In-Between - volume 3". Son texte "Don't Worship Things That Dangle" a été publié dans le DPI Magazine volume 55, en 2003. Il a par ailleurs travaillé avec le groupe de théâtre "Our Snake" à Taitung, en tant qu'inspecteur d'art visuel. Enregistrement de l'installation performée au Chung-cheng No. 2 Stage Fang Feng Art Festival 2003.　Il a également travaillé à la performance du groupe "Audience" Visual Art Design de Taishun. Yu-Chin a reçu les prix suivants : un Golden Harvest taïwanais pour "Our Snake" en 2001, et une distinction au Golden Horse Film Festival pour "Projection and Reflection During That Time" en 2002. En 2004, son oeuvre "Projection and Reflection During That Time" a été sélectionné pour le Spring Film Festival. "I'm Leaving" a été présenté au 10° Hong Kong Independant Short Film and Video Awards 2005 (IFVA Asian New Force). Il a une grande expérience des expositions. Ses oeuvres majeures : "Projection and Reflection During that Time", "Who's listening?", "What had been done?", et "I despise presumptions. But if I could at the very beginning, perhaps I could save a few", a déjà participé à de nombreux festivals, dont le Poor Film Festival, le Golden Horse Film Festival, le Spring Film Festival, le "Noisy" Art Festival; il a également participé à des expositions en ligne : Non Sign Internet Art, The Whimsical and the Fantastic, et l'exposition en ligne des artistes taïwanais du domaine des médias.

Je méprise les présomptions. Mais si c?était possible au tout début, alors en sauverais-je quelques-unes Je perds le langage, surtout le langage oral En général, il fonctionne avec une violence rare Mais il a été finalement remplacé par d?épisodiques vomissements et bile Ceux qui d?habitude parlaient avec moi ont peu à peu disparu Lorsque je parle aux autres, ma gorge me fait mal et je n?arrive pas à reprendre mon souffle Mon corps, ma bouche sont asséchés. Et, je le sens, mes deux incisives de devant vont se briser Je veux parler, mais je reste coi, la poitrine endolorie La création n?a plus rien d?un plaisir A l?origine, elle devait guérir mon auto-indulgence pitoyable Mais maintenant, ce n?est plus ça Je ne peux pas parler de tout, D?habitude les images me rendent fou Mais maintenant je renie la folie Ne pas être compris. Ne pas même me comprendre Je me suis rendu compte que j?allais devenir malade et psychotique Surtout lorsque mes émotions débordent Les mains tremblantes m?effrayent, je dois me pincer les mains, je m?efforce de raidir mes muscles jusqu?à la déchirure Oui, je l?admets. Je désire des émotions pures Mais rien qu?en avalant, j?ai peur d?avoir mal Les choses se répètent, la nuit particulièrement Le son d?une respiration s?approchant de moi. Je vis son épaule se lever et s?abaisser Tout m?était égal Il ne m?importe pas de savoir ce que c?est, si ? Je vois et je suis malade Je soupirai à nouveau. C?est une vieille habitude, j?aime soupirer C?était moi ? C?était moi-même ? ou bien le dos de quelqu?un d?autre ? Au moins L?odeur des gens se fait rare Je déteste les présomptions, oui vraiment En tous aspects En fait, je me suis forcé Que devrait-on regretter ? Oui, voilà un autre signe à égalité La présomption et le regret, à mes yeux, sont égaux, absolus Parce que je me suis forcé Le mot « regret » n?a aucun sens Quoiqu?il en soit, il n?a aucun sens Lui, il ne peut rien changer dans ce corps. Ni le tourner, ni le laver Ou bien est-ce ce qu?on appelle justement « sagesse » ? Le ton de présomption a toujours été perçu comme celui d?un je-sais-tout Je ne sais pas, mais au moins il m?est impossible de présumer Je ne me le permettrais pas Mais ce soir-là, il y avait le dos de cette personne, quelques odeurs La chaleur corporelle s?élevait Je me sens mal. Ma peau se collait aux organes, c?était douloureux Difficulté à respirer calmement Vraiment Si vraiment je le pouvais, si je fermais mes yeux depuis le début Comme au jeu de la vérité Laissons cela me guider Laissons l?air, la chaleur corporelle, les sons Sentir Le début, ce qu?on appelle le début C?est quand les choses arrivent à leur point le plus tortueux Quand je suis encore propre, quand tout est autour de moi, Quand le corps est encore pur et blanc, Vraiment, Si vraiment je le pouvais Peut-être, sans doute Pourrais-je sauver quelque chose Je ne peux pas parler : j?ai perdu le langage Eau, soleil Je ne sentirais plus la douleur de mes organes. Mon corps est blanc, et maintenant sans souillure Je ne me dirigerais plus vers les émotions couvert de taches. Désormais même ces choses minimes n?existent plus Je regrette Je me suis forcé, que devrait-on regretter ? je déteste les présomptions Et ce soir-là, le dos de cette personne Quelques ronflements Je vois un mur blanc que l?obscurité rend gris Soudain Je me vois dans un bus en marche Je suis en train de dormir les yeux fermés Les bruits qui passent. Le soleil qui passe. L?air qui passe Soudain, voilà que je pense A un vieil homme, dans un bus, qui touche mes hanches en haut de mon uniforme Et à une écolière assise en face de moi Dans une attitude aguicheuse. Son uniforme et sa jupe légèrement relevés M?observent et me sourient Je n?arrive pas à dormir. Mon cerveau se remet à fonctionner. Je n?arrive pas à parler A qui puis-je parler ? pas de cela. Mais au plus profond, au plus intime, au plus triste Jusqu?au matin Ce son de respiration près de moi existe Et je suis bien assis dans le bus Les yeux fermés Mais il m?observe Les yeux fermés Qu?est-ce que c?est Je ne sais pas Je n?arrive pas à dire

Né en 1978, TSENG YU-CHIN est diplômé de l?Université Shih Chien en communication et design, et étudie actuellement les arts appliqués à l?Université Nationale des Beaux-Arts de Tapei. De 1999 à 2002, il a participé à In-Between (design d?art visuel), et en 2001 au groupe de théâtre « Tai-Tung » pour le design d?art visuel, et à l?AFA International LTD. En 2003, il travaille pour le collectif « Tai-Shun » et pour l?Orchestre National Symphonique dans la post-production du documentaire sur l?opéra « Faust ». TSENG YU-CHIN écrit beaucoup : en 2000, ses poèmes « Something Trivial » et « My Illness » sont publiés dans le volume 2 de « In-Between », et son roman « Age 20 and 40 » dans le volume 3. Il a également publié « Don?t Worship Things That Dangle » dans le numéro 55 de la revue DPI (2003). En outre, il a travaillé dans la compagnie de théâtre Tai-Tung « Our Snake », comme inspecteur d?Art Visuel, installation exécutée au Festival de Art Stage Fang Feng, Chung Chen n°2. Il a fégalement participé à l?installation « audience » du collectif Tai-Shung (International Art Village). TSENG YU-CHIN a reçu de nombreuses récompenses : pour « Our Snake », il reçut un premier Golden Harvest en 2000, et « Projection and Reflection During That Time » fut nominé pour le Srping Film Festival. « I?m Leaving » eut le 10ème prix au Festival de Hong Kong du court-métrage indépendant, en 2005 (EFVA Asian New Force). Il a exposé de nombreuses fois : ses travaux majeurs (« Projection and Reflection During That Time », « Who?s Listening ? » « What Had been done ? », « I despise presumptions. But if I could at the very beginning, perhaps I could save a few? ) ont été montrés dans divers festivals (Poor Film Festival, Golden Horse Festival, Spring Film Festival, Noisy Art Festival?) ainsi que dans des expositions sur internet (Non Sign ; The Whimsical and the Fantastic: An On-line Exhibition of Taiwan`s Media Artists). En 2005, Il a présenté son oeuvre à la 3ème Triennale d?Art Asiatique à Fukuoka. En 2006, l?artiste crée « Oxy », une exposition solo qui a obtenu le prix Tai-Shin.

Je ne vais pas si mal. Je ne veux pas heurter trop gravement les autres en disant : « Savez-vous? » Je traînais dans un silence immense, je me renferme étroitement en moi-même, moi et mon passé. Et mon nez coule et mes larmes ruissellent. Je perds mon corps, je m?en vais. La chaleur me fait suffoquer, je veux ouvrir ma gorge qui étouffe de sanglots. Et je coupe tout avec un couteau. Je saisis un papier et le balance doucement. Voilà le processus mis en ?uvre, sur le papier. Je le balance, le balance, puis le repose. Un papier noir, dense, couvert de caractères serrés. Je le reprends, à nouveau le balance encore et encore. Ça s?est passé. Voilà tout. J?entendis le heurt du papier. C?est comme lire des mots mais en oublier la forme que le balancement dissipe. Lacunaire? une nuit? lacunaire et dense?comme si quelque chose se passait. Je n?ai pas besoin de dire tout cela, parce que je ne vais pas si mal.

Né en 1978, TSENG YU-CHIN est diplômé de l?Université Shih Chien en communication et design, et étudie actuellement les arts appliqués à l?Université Nationale des Beaux-Arts de Tapei. De 1999 à 2002, il a participé à In-Between (design d?art visuel), et en 2001 au groupe de théâtre « Tai-Tung » pour le design d?art visuel, et à l?AFA International LTD. En 2003, il travaille pour le collectif « Tai-Shun » et pour l?Orchestre National Symphonique dans la post-production du documentaire sur l?opéra « Faust ». TSENG YU-CHIN écrit beaucoup : en 2000, ses poèmes « Something Trivial » et « My Illness » sont publiés dans le volume 2 de « In-Between », et son roman « Age 20 and 40 » dans le volume 3. Il a également publié « Don?t Worship Things That Dangle » dans le numéro 55 de la revue DPI (2003). En outre, il a travaillé dans la compagnie de théâtre Tai-Tung « Our Snake », comme inspecteur d?Art Visuel, installation exécutée au Festival de Art Stage Fang Feng, Chung Chen n°2. Il a fégalement participé à l?installation « audience » du collectif Tai-Shung (International Art Village). TSENG YU-CHIN a reçu de nombreuses récompenses : pour « Our Snake », il reçut un premier Golden Harvest en 2000, et « Projection and Reflection During That Time » fut nominé pour le Srping Film Festival. « I?m Leaving » eut le 10ème prix au Festival de Hong Kong du court-métrage indépendant, en 2005 (EFVA Asian New Force). Il a exposé de nombreuses fois : ses travaux majeurs (« Projection and Reflection During That Time », « Who?s Listening ? » « What Had been done ? », « I despise presumptions. But if I could at the very beginning, perhaps I could save a few? ) ont été montrés dans divers festivals (Poor Film Festival, Golden Horse Festival, Spring Film Festival, Noisy Art Festival?) ainsi que dans des expositions sur internet (Non Sign ; The Whimsical and the Fantastic: An On-line Exhibition of Taiwan`s Media Artists). En 2005, Il a présenté son oeuvre à la 3ème Triennale d?Art Asiatique à Fukuoka. En 2006, l?artiste crée « Oxy », une exposition solo qui a obtenu le prix Tai-Shin.

No land to live In the production process of this piece of work. I feel the transition of political atmosphere in Taiwan. The atmosphere of distrust spread around the society. In this work, all of these are just like after leaving an anxious scene. Maybe a insurrection, a late night party, an end of a sex, or on the way return after a rebellion protest. Don’t want to return, the so-called home, the place to live. No one will wait there, or it doesn’t matter anymore. Thinking of where can self exist. And the body rather stay at the interim middle, somewhere no where. I shoot 56 street scene in midnight Taipei. Those bodies have no intent to return to the place they live. Maybe they feel too strong about the place they just left, and the feeling can’t be soothed. They need a place in the middle, just stay there, exist there. Let self feel the existence of self. To recover the senses of the body. And this status becomes a kind of ceremony. The ceremony of trying to cover or stop what just happened. The fluttering insects are the summon of ghost. It’s a foretell of the past and those unhappened. Entrenching the body, waiting for the evidence left, becoming the existence.

TSENG YU-CHIN Born in 1978 Documenta 12 Germany Kassel Lectorate at the Shih Chien University Communication Design Lectorate at the Taipei National University of the Arts CCAA Best Young Artist of Chinese Contemporary Art Awards 2008 Paris La Cité internationale des Arts International Artist Residency Program New York Location One International Artist Residency Program honour 2003 Shih Chien University Communication Design Graduate with honor 2007 Technical Art at Taipei National University of the Arts outstanding alumni 2013 Shih Chien University Communication Design outstanding alumni Overseas Exhibition 2004 MOMA CONTEMPORARY The New Identity Part-5 Tracing Self 2005 The 10th Hong Kong Independent Short Film and Video Awards ( ifva Asian New Force) 2005 First 2005 The 3rd Fukuoka Asian Art Triennale 2006 England Asian Art Now ! 2006 Red Carpet : Art Video Screening `Taipei Croquis:Single Channel Video Works from Taiwan` Yokohama, Japan 2006 Rencontres internationales Paris/Berlin 2007 sensitivity:memories of twelve artisce works DIMENSIONS ART CENTER(Beijing) 2007 Documenta 12 Germany Kassel 2007 Soft Power: Asian Attitude Shanghai Zendai Museum of Modern Art Shanghai, China 2007 Rencontres nternationals Paris/Berlin/Madrid Paris，JEU DE PAUME 2007 Natura Dèi Teatri`s Performing Arts Festival-XII edizione opere turbate Italy，Parma 2007 TAIWAN CROSSOVER Austria ok-centrum 2007 KonstBio (ArtCinema) Swiss Kulturhuset 2008 Bubble Tea: Art of Taiwan and its Contemporary Mutations The Moravian Gallery in Brno 2008 Penumbra: Contemporary Art from Taiwan . Anne & Gordon Samstag Museum of Art Samstag Museum 2008 New York 5th (Asian Contemporary Art Week 2008)-- Snake Alley 2008 Daniel Andersson and Tseng Yu-chin . New York Location One Gallery 2008 China China China!!! Palazzo Strozzina, Firenze Italy 2008 Daniel Andersson + Tseng Yu-Chin Location . One Soho . New York 2008 CCAA chiese contemporary art awards Creative Center of Bund18 , shanghai 2008 CCAA chiese contemporary art awards Ullens Center for Contemporary Art , Beijing 2008 “ The Program”the video art exhibition Conduit Gallery , USA Texas Dallas 2008 A Voice of Taiwan Art , Japan , Tokyo , O Art Museum 2009 Rites de Passage Heerlen The Netherlands SCHUNCK* 2009 ratorial incubator v.6 The Dark Arts:magic and intuition Canada Toronto Vtape 2009 Love me tender exhibition Germany Kunstverein Wolfsburg 2009 PORTRAIT OF THE YOUTH China Shenzhen J&Z Gallery 2009 SuperGeneration@TAIWAN China Shanghai Art Museum 2009 SuperGeneration@TAIWAN China Beijing Today Art Museum 2010 RESHAPING HISTORY Chin art from 2000 to 2009 China Beijing 2011 ART STAGE SINGAPORE 2012 ART HK Hong Kong 2012 Rencontres nternationals Paris/Berlin/Madrid Paris，Palais de Tokyo，Paris 2013 FOKUS 2013 video kunst festivalGörlitz，German 2013 「urbanity」Asia Video Festival cutlog NY program，New York，USA 2013 Ars Electronica 2013 / Schizophrenia Taiwan 2.0 Linz Austria 2013 St. Petersburg Cyberfest / Schizophrenia Taiwan 2.0 St. Petersburg Russia 2014 Berlin Transmediale 2014/ Schizophrenia Taiwan 2.0 Berlin ，German

Tseng Yu-chin graduated from Shih Chien University and the Graduate School of Technical Art at Taipei National University of the Arts. His works have been exhibited at Documenta 12 Kassel, Germany (2007); MOMA Contemporary: The New Identity, Part 5 (2006); The First Taipei Digital Art Festival (2007); China China China!!! Palazzo Strozzina, Firenze Italy (2008). Tseng is also a poet and filmmaker. He currently teaches at Shih Chien University.

I hate New York! From the day I?ve stepped into the city, I?ve been feeling this way. It has never left my mind, and never denied, except for a few minor surprises or some little goodness. Eating brownies, or the dazzling lights of the Broadway, reduced my dislike of New York. It?s like when I repeatedly write ?I HATE NEW YORK? on the blackboard, at the same time erasing it with a duster, but yet, traces of the words remain, as though I haven?t had any intention to rub it off more forcefully and deliberately. This is a very uninteresting game, where you cannot hide too far in, you cannot hide yourself completely, or camouflage yourself as any item in the darkness under the bed hoping that you won?t be found, whilst listening to the noises outside, you feel safe as you hide. All because, you want to be found, and this is no longer innocent child?s play. You can recklessly hide, because of anger or simply because you wish to hide away with a friend, just the two of you. You can no longer do that! You must be found, and you must show yourself, and face the music! This indeed, is no longer child?s play. Ever since I came to New York, I?ve unconsciously begun to force myself to get along with myself, and even though I?m pretty used to getting along with myself. From the time back in my home country, the solitary me, has been forced to go out and face plenty of things, and this had been repeating itself. And eventually, I took a 15-hour flight and arrived in New York, and I?m left with only myself. It is really a test of inner strength, when you?re all alone, and the only thing you can rely on is the lingering scent of your home country that?s left in your suitcases. All I want to do is to curl up and sleep while embracing the scent, and even more often, I stay indoors, inside this so-called temporary apartment of mine. I confess about my initial insecurity. Amidst the noise that goes on every hour of the day, there is hardly any serenity, and any freedom to ponder. One thinks he can travel to many places, but the truth is, you can?t. The so-called travelling, is merely a physical shift of territory, and subsequently imprisoning oneself again. Forgive my use of vocabulary ? imprisoning. I?m imprisoned. By myself, by words and speech, by this conformity of a life that isn?t mine, by the responsibilities and obligations which I need to bear. I am imprisoned. I?m so perturbed in the winter of New York, that I can?t even be sure of the magnitude of the effects that this major illness that I?m going through is bringing me. I only recall the many feverish nights, dry-coughing, which kept me awake. I groaned with a slight growl, but still I can feel the trembles from the subway beneath my apartment. And I saw a kid, facing me, all curled up, and watching me restlessly, or at least I think he?s watching me! Perhaps?? his gaze isn?t at all on me. He may be simply staring straight, as though a beast is approaching. Or like stealing glances curiously, or perhaps not. I am unable to interpret his feeling. The complexity is preventing him from focusing. It?s a thought of speaking up, but he can?t, except for the urge to speak up, displayed through the shivering of his lips.

Tsen Yu-Chin

"Ne me renie pas encore une fois. J'ai beau être endurant, je n'aime pas la mascarade. Je dois en fait emprunter l'apparence de la pureté, pour que tu croies que tout va bien. Tu seras sûre alors que la vie est parfaite. Et il faudra que je sache où j'en suis et que l'on me dise sans détour ce qui m'attend. Tu me croiras toujours car j'afficherai cet air innocent et un sourire inexpressif. Ce sera ma manière de te convaincre."

Tseng Yu Chin est né en 1978. Il est diplômé de l'Université Shih Chien en communication et design, et en Arts Appliqués à l'Université Nationale des Beaux-Arts de Taipei. Il a travaillé dans le milieu de la réalistion, du théâtre et de l?opéra. Son travail a été montré à Taipei, au festival du court métrage de Hong Kong, à la troisième biennale de Fukuoka.

Je me réveille ce matin. J'ai rêvé de ma grand-mère cette nuit. Elle gémissait et gisait à mes côtés. Je reçois un coup de fil. Ma grand-mère a rendu l'âme. Elle m'était très chère. En ce moment, je pense sans arrêt à quand, étant enfant, j'arrivais en courant dans la cuisine de ma grand-mère. Grand-mère me parlait toujours en hakka, elle me demandait alors de sa voix douce d'où je venais, ou bien si je voulais quelque chose à manger. La cuisine et la vapeur, la buée. Grand-mère a les cheveux blancs. J'attrape le gâteau du nouvel an sur la table et je fixe ma grand-mère d'un air stupide. Ma grand-mère me manque tellement. Mon enfance n'a pas été particulièrement joyeuse, c'est certain, mais c'est ma grand-mère qui m'a offert tous les moments de joie que j'ai eu. En ce moment, à chaque fois que je fait du vélo, j'ai envie pleurer. J'ai l'impression d'étouffer.

Né en 1978, Yu-Chin Tseng étudie en ce moment à la Graduate School of Technical Art de la National University of the Arts de Taipei. De 1999 à 2002, il a participé au In-Between Visual Art Design. En 2001, il est devenu membre du Theater Group Visual Art Design de Tai-tung (Taïwan) et du AFA International Ltd. Visual Art. Il a ensuite, en 2003, travaillé au sein du Performance Group Visual Art Design de Taishun et de l'orchestre symphonique national, opéra "Faust", Documentary Film Post Production. Tseng YU-CHIN consacre beaucoup de temps à l'écriture. En 2000, il a publié ses poèmes "Something Trivial" et "My Illness" dans 'In-Between - volume 2', et son roman "Age 20 and 40" dans "In-Between - volume 3". Son texte "Don't Worship Things That Dangle" a été publié dans le DPI Magazine volume 55, en 2003. Il a par ailleurs travaillé avec le groupe de théâtre "Our Snake" à Taitung, en tant qu'inspecteur d'art visuel. Enregistrement de l'installation performée au Chung-cheng No. 2 Stage Fang Feng Art Festival 2003.　Il a également travaillé à la performance du groupe "Audience" Visual Art Design de Taishun. Yu-Chin a reçu les prix suivants : un Golden Harvest taïwanais pour "Our Snake" en 2001, et une distinction au Golden Horse Film Festival pour "Projection and Reflection During That Time" en 2002. En 2004, son oeuvre "Projection and Reflection During That Time" a été sélectionné pour le Spring Film Festival. "I'm Leaving" a été présenté au 10° Hong Kong Independant Short Film and Video Awards 2005 (IFVA Asian New Force). Il a une grande expérience des expositions. Ses oeuvres majeures : "Projection and Reflection During that Time", "Who's listening?", "What had been done?", et "I despise presumptions. But if I could at the very beginning, perhaps I could save a few", a déjà participé à de nombreux festivals, dont le Poor Film Festival, le Golden Horse Film Festival, le Spring Film Festival, le "Noisy" Art Festival; il a également participé à des expositions en ligne : Non Sign Internet Art, The Whimsical and the Fantastic, et l'exposition en ligne des artistes taïwanais du domaine des médias.

Je méprise les présomptions. Mais si c?était possible au tout début, alors en sauverais-je quelques-unes Je perds le langage, surtout le langage oral En général, il fonctionne avec une violence rare Mais il a été finalement remplacé par d?épisodiques vomissements et bile Ceux qui d?habitude parlaient avec moi ont peu à peu disparu Lorsque je parle aux autres, ma gorge me fait mal et je n?arrive pas à reprendre mon souffle Mon corps, ma bouche sont asséchés. Et, je le sens, mes deux incisives de devant vont se briser Je veux parler, mais je reste coi, la poitrine endolorie La création n?a plus rien d?un plaisir A l?origine, elle devait guérir mon auto-indulgence pitoyable Mais maintenant, ce n?est plus ça Je ne peux pas parler de tout, D?habitude les images me rendent fou Mais maintenant je renie la folie Ne pas être compris. Ne pas même me comprendre Je me suis rendu compte que j?allais devenir malade et psychotique Surtout lorsque mes émotions débordent Les mains tremblantes m?effrayent, je dois me pincer les mains, je m?efforce de raidir mes muscles jusqu?à la déchirure Oui, je l?admets. Je désire des émotions pures Mais rien qu?en avalant, j?ai peur d?avoir mal Les choses se répètent, la nuit particulièrement Le son d?une respiration s?approchant de moi. Je vis son épaule se lever et s?abaisser Tout m?était égal Il ne m?importe pas de savoir ce que c?est, si ? Je vois et je suis malade Je soupirai à nouveau. C?est une vieille habitude, j?aime soupirer C?était moi ? C?était moi-même ? ou bien le dos de quelqu?un d?autre ? Au moins L?odeur des gens se fait rare Je déteste les présomptions, oui vraiment En tous aspects En fait, je me suis forcé Que devrait-on regretter ? Oui, voilà un autre signe à égalité La présomption et le regret, à mes yeux, sont égaux, absolus Parce que je me suis forcé Le mot « regret » n?a aucun sens Quoiqu?il en soit, il n?a aucun sens Lui, il ne peut rien changer dans ce corps. Ni le tourner, ni le laver Ou bien est-ce ce qu?on appelle justement « sagesse » ? Le ton de présomption a toujours été perçu comme celui d?un je-sais-tout Je ne sais pas, mais au moins il m?est impossible de présumer Je ne me le permettrais pas Mais ce soir-là, il y avait le dos de cette personne, quelques odeurs La chaleur corporelle s?élevait Je me sens mal. Ma peau se collait aux organes, c?était douloureux Difficulté à respirer calmement Vraiment Si vraiment je le pouvais, si je fermais mes yeux depuis le début Comme au jeu de la vérité Laissons cela me guider Laissons l?air, la chaleur corporelle, les sons Sentir Le début, ce qu?on appelle le début C?est quand les choses arrivent à leur point le plus tortueux Quand je suis encore propre, quand tout est autour de moi, Quand le corps est encore pur et blanc, Vraiment, Si vraiment je le pouvais Peut-être, sans doute Pourrais-je sauver quelque chose Je ne peux pas parler : j?ai perdu le langage Eau, soleil Je ne sentirais plus la douleur de mes organes. Mon corps est blanc, et maintenant sans souillure Je ne me dirigerais plus vers les émotions couvert de taches. Désormais même ces choses minimes n?existent plus Je regrette Je me suis forcé, que devrait-on regretter ? je déteste les présomptions Et ce soir-là, le dos de cette personne Quelques ronflements Je vois un mur blanc que l?obscurité rend gris Soudain Je me vois dans un bus en marche Je suis en train de dormir les yeux fermés Les bruits qui passent. Le soleil qui passe. L?air qui passe Soudain, voilà que je pense A un vieil homme, dans un bus, qui touche mes hanches en haut de mon uniforme Et à une écolière assise en face de moi Dans une attitude aguicheuse. Son uniforme et sa jupe légèrement relevés M?observent et me sourient Je n?arrive pas à dormir. Mon cerveau se remet à fonctionner. Je n?arrive pas à parler A qui puis-je parler ? pas de cela. Mais au plus profond, au plus intime, au plus triste Jusqu?au matin Ce son de respiration près de moi existe Et je suis bien assis dans le bus Les yeux fermés Mais il m?observe Les yeux fermés Qu?est-ce que c?est Je ne sais pas Je n?arrive pas à dire

Né en 1978, TSENG YU-CHIN est diplômé de l?Université Shih Chien en communication et design, et étudie actuellement les arts appliqués à l?Université Nationale des Beaux-Arts de Tapei. De 1999 à 2002, il a participé à In-Between (design d?art visuel), et en 2001 au groupe de théâtre « Tai-Tung » pour le design d?art visuel, et à l?AFA International LTD. En 2003, il travaille pour le collectif « Tai-Shun » et pour l?Orchestre National Symphonique dans la post-production du documentaire sur l?opéra « Faust ». TSENG YU-CHIN écrit beaucoup : en 2000, ses poèmes « Something Trivial » et « My Illness » sont publiés dans le volume 2 de « In-Between », et son roman « Age 20 and 40 » dans le volume 3. Il a également publié « Don?t Worship Things That Dangle » dans le numéro 55 de la revue DPI (2003). En outre, il a travaillé dans la compagnie de théâtre Tai-Tung « Our Snake », comme inspecteur d?Art Visuel, installation exécutée au Festival de Art Stage Fang Feng, Chung Chen n°2. Il a fégalement participé à l?installation « audience » du collectif Tai-Shung (International Art Village). TSENG YU-CHIN a reçu de nombreuses récompenses : pour « Our Snake », il reçut un premier Golden Harvest en 2000, et « Projection and Reflection During That Time » fut nominé pour le Srping Film Festival. « I?m Leaving » eut le 10ème prix au Festival de Hong Kong du court-métrage indépendant, en 2005 (EFVA Asian New Force). Il a exposé de nombreuses fois : ses travaux majeurs (« Projection and Reflection During That Time », « Who?s Listening ? » « What Had been done ? », « I despise presumptions. But if I could at the very beginning, perhaps I could save a few? ) ont été montrés dans divers festivals (Poor Film Festival, Golden Horse Festival, Spring Film Festival, Noisy Art Festival?) ainsi que dans des expositions sur internet (Non Sign ; The Whimsical and the Fantastic: An On-line Exhibition of Taiwan`s Media Artists). En 2005, Il a présenté son oeuvre à la 3ème Triennale d?Art Asiatique à Fukuoka. En 2006, l?artiste crée « Oxy », une exposition solo qui a obtenu le prix Tai-Shin.

Je ne vais pas si mal. Je ne veux pas heurter trop gravement les autres en disant : « Savez-vous? » Je traînais dans un silence immense, je me renferme étroitement en moi-même, moi et mon passé. Et mon nez coule et mes larmes ruissellent. Je perds mon corps, je m?en vais. La chaleur me fait suffoquer, je veux ouvrir ma gorge qui étouffe de sanglots. Et je coupe tout avec un couteau. Je saisis un papier et le balance doucement. Voilà le processus mis en ?uvre, sur le papier. Je le balance, le balance, puis le repose. Un papier noir, dense, couvert de caractères serrés. Je le reprends, à nouveau le balance encore et encore. Ça s?est passé. Voilà tout. J?entendis le heurt du papier. C?est comme lire des mots mais en oublier la forme que le balancement dissipe. Lacunaire? une nuit? lacunaire et dense?comme si quelque chose se passait. Je n?ai pas besoin de dire tout cela, parce que je ne vais pas si mal.

Né en 1978, TSENG YU-CHIN est diplômé de l?Université Shih Chien en communication et design, et étudie actuellement les arts appliqués à l?Université Nationale des Beaux-Arts de Tapei. De 1999 à 2002, il a participé à In-Between (design d?art visuel), et en 2001 au groupe de théâtre « Tai-Tung » pour le design d?art visuel, et à l?AFA International LTD. En 2003, il travaille pour le collectif « Tai-Shun » et pour l?Orchestre National Symphonique dans la post-production du documentaire sur l?opéra « Faust ». TSENG YU-CHIN écrit beaucoup : en 2000, ses poèmes « Something Trivial » et « My Illness » sont publiés dans le volume 2 de « In-Between », et son roman « Age 20 and 40 » dans le volume 3. Il a également publié « Don?t Worship Things That Dangle » dans le numéro 55 de la revue DPI (2003). En outre, il a travaillé dans la compagnie de théâtre Tai-Tung « Our Snake », comme inspecteur d?Art Visuel, installation exécutée au Festival de Art Stage Fang Feng, Chung Chen n°2. Il a fégalement participé à l?installation « audience » du collectif Tai-Shung (International Art Village). TSENG YU-CHIN a reçu de nombreuses récompenses : pour « Our Snake », il reçut un premier Golden Harvest en 2000, et « Projection and Reflection During That Time » fut nominé pour le Srping Film Festival. « I?m Leaving » eut le 10ème prix au Festival de Hong Kong du court-métrage indépendant, en 2005 (EFVA Asian New Force). Il a exposé de nombreuses fois : ses travaux majeurs (« Projection and Reflection During That Time », « Who?s Listening ? » « What Had been done ? », « I despise presumptions. But if I could at the very beginning, perhaps I could save a few? ) ont été montrés dans divers festivals (Poor Film Festival, Golden Horse Festival, Spring Film Festival, Noisy Art Festival?) ainsi que dans des expositions sur internet (Non Sign ; The Whimsical and the Fantastic: An On-line Exhibition of Taiwan`s Media Artists). En 2005, Il a présenté son oeuvre à la 3ème Triennale d?Art Asiatique à Fukuoka. En 2006, l?artiste crée « Oxy », une exposition solo qui a obtenu le prix Tai-Shin.

Deep in the future the massive Event that by definition cannot be remembered separates the Revolution from its history. A man, historical agent of the future socialist authority, believes he has found evidence of the Event`s origins in 20th century The Union. The post-industrial wasteland The Union previewed Earth`s future before it happened. So too, the Man believes, it previewed, and glimpsed the Event, and proved its true nature. The event was Metallic. Amnesialand is the whole world. Our inability to remember the past mirrors their inability to see their future.

Stefanos Tsivopoulos (b. 1973) lives and works in Amsterdam. He participated in international art residencies such as the Rijksakademie van beeldende kunsten Amsterdam, Netherlands; Platform Garanti Istanbul, Turkey; IASPIS Stockholm, Sweden; and ISCP NY, USA. Recent solo shows include The Blind Image, ISCP NY, USA; Amnesialand, Heidelberg Kunstverrein, Germany; The Real The Story The Storyteller Smart Project Space Amsterdam, Netherlands; Lost Monument, Art Forum Berlin, Germany. Group shows include The Rest is History, Manifesta 8 Murcia, Spain; On Morality-Act III, Witte de With, Rotterdam, the Nethrlands; One Giant Leap, BFI Southbank London, UK; Practicing Memory, Fondazione Pistoletto, Biella, Italy; And the moral of the story is... APEXART New York, USA; Hors Pistes-Un Autre Mouvement des Images, Centre Pompidou Paris, France; Monitoring, Friedericianum Kunstverein Kassel, Germany; Destroy Athens, 1st Athens Biennale, Athens, Greece, In Present Tense, Museum of Contemporary Art, Athens. He is recipient of the Golden Cube Award at the 25th edition of the Kasseller Documentary Film Festival in Kassel Germany for his film Untitled (The Remake). He was shortlisted for the 4th edition of the DESTE Prize for Contemporary Art, Athens Greece and the 7th edition of the "Future of Europe" Award.

Tsui’s works explore the adaptive relationship between humans and social systems, questioning the established structure through actions, and creates survival methods, and redefining reality through his behaviors and experiments. Tsui regards such behaviors as means to measure environmental tolerance, and attempts to highlight the absurdity behind certain social values within the system we are accustomed to. By transforming reality in this way, Tsui’s actions crossed various obstacles, and declares a guerrilla-style intervention, and uncovers invisible relationships in everyday environments.

Born in Taipei, in 1974. In 1997 he graduated from the National Institute of the Arts and has exhibited internationally since, including Venice Biennale, Liverpool Biennale, Werkleitz Biennial, Asian Art Museum San Francisco, ZKM Center, Contour Biennial, Chelsea Art Museum, Mori Museum, OK Centrum.

A travers cette vidéo, l'auteur a cherché des lieux, à la fois à Londres et Tapei, qui puissent être interprétés de différentes manières, et qui entretiennent des relations ambiguës avec leur environnement. Puis, il a imaginé dans ces lieux des actions spécifiques, en recourant à la vidéo pour transformer toute la scène en un moment de vie éphémère mais irréel. Par exemple, dans une rue très fréquentée, l'auteur agitait un drapeau à carreaux noir et blanc, comme s'il incitait les automobilistes à participer à une course de vitesse. Il jouait au golf sur un espace vert en pleine ville. Ou dans l'allée longue et étroite d'un parc, il lançait une balle de bowling sur un groupe de pigeons. En apparence, c'est un peu comme la redécouverte, dans un environnement stéréotypé, d'une nouvelle strate dans l'espace urbain qui nous ait familier, même si cette ville invisible apparaît seulement pendant quelques minutes ou quelques petites secondes durant le déroulement de l'action. Néanmoins, comparé à la vidéo?Superficial Circumstance?, dans laquelle l'artiste se transforme lui-même en s'adaptant à son environnement extérieur, l'action de mimétisme qui se déroule dans ?City Spirit?transforme et étend le symbole culturel du vêtement à une reconnaissance de similitude entre les environnements - les environnements sélectionnés possèdent réellement une certaine similitude avec la scène choisie que l'artiste impose à travers ses actions (comme imposer un terrain de golf sur le "gazon" d'un terre-plein central). Ces apparentes similitudes paraissent être un symbole incontournable, déterminant l'existence d'une relation systématique, bien que nous sachions aussi que ces similitudes sont factices. Ce que souligne en fait l'interjection de similitudes par l'artiste est sa limite- même, et cette limite provient de l'existence d'institutions. "Afin d'explorer les possibilités qui gisent au sein des fissures de la ville.. à tout moment, nous nous positionnons nous-mêmes dans une ambiance exotique qui provient du chevauchement de réalités fragmentaires et de la vie de tous les jours." Peut-être faut-il voir "City Spirit" comme une forme de mimétisme environnemental à très grande échelle : au nom de l'art, dans une série de contextes ordinaires, tous nos préjugés sont réactivés. Cette conscience de soi nous permet de nous engager dans ces incessantes confrontations sans lendemain, et de rester indemnes. Peut-être est-ce là le véritable triomphe de la vie contemporaine?

Tsui Kuang-Yu est né en 1974 à Taipei, Taiwan FORMATION 1997 Université Nationale des Arts de Taipei PRIX 2003 Prix Taishin Arts (?prix special du jury?) pour "The Shortcut to the Systematic Life: Superficial Circumstance?, exposition personnelle de K. Y. Tsui à la IT Park Gallery& Photo Studio RESIDENCES 2004 Gasworks Studio, Londres, Royaume-Uni 2006 Rijksakademie van beeldende kunsten Stichting Trustfonds, Amsterdam, Pays-Bas

The artist tries to perceive reality through the performer?s body movements, who confronts with the objects. He repeatedly jumps over different objects such as a window, mailboxes, and even a cow, and then rebounds. This repetitive action reveals his strong desire to be empowered in the physical world. Shao-Lin is a well-known Chinese temple where the legacy of martial art, known as Gong Fu, was originated. These legacies have been depicted in Chinese fictions, soap operas, and films, which represent Gong Fu in an overstated way. The eighteen Copper Guardians are monks who have mastered Gong Fu, and are assigned to protect the temple. They can use their bodies in many magic ways. For instance, they can use their heads to break hard objects. Tsui?s use of this title reveals his inspiration from Chinese legacy and popular culture ,however rather satirical. This Gong Fu monk lives in an urban environment. Gong Fu for him is not a way to show the magic power of body, but rather is just a way of living. He explores how easily he can deal with the obstacles that are in his way in reality. Will the performer?s strong will itself be enough to provide a "shortcut" to penetrate the obstacles and bring him to his desired destination quickly"? The question is apparently ironic and absurd.

PRIX 2003 Prix Taishin Arts (?prix special du jury?) pour "The Shortcut to the Systematic Life: Superficial Circumstance?, exposition personnelle de K. Y. Tsui à la IT Park Gallery& Photo Studio RESIDENCES 2004 Gasworks Studio, Londres, Royaume-Uni 2006 Rijksakademie van beeldende kunsten Stichting Trustfonds, Amsterdam, Pays-Bas

"Mes actions sont documentées au moyen d'une simple caméra numérique. Je fais ces actions dans l'environnement urbain, soulignant les 'interjections' individuelles. J'explore de manière plutôt provocante, j'expérimente les capacités de tolérance d'un environnement donné. Le concept essentiel de ces actions n'est pas seulement de fournir un sujet à l'intérieur d'un écosystème, mais il s'agit de réussir une stratégie dans laquelle le sujet altère de façon délibérée son apparence extérieure pour franchir les barrières environnementales. Ces vidéos incluent des actions où j'entre, je passe au travers et j'agite. Il s'agit d'une imitation, non d'une explication. C'est aussi une déclaration de dissonance parmi les nombreuses identités pré-établies. Vous arrivez dans un certain endroit, avec ses codes sociaux, et vous agissez avec un mode de comportement extrêmement divergeant par rapport à cet environnement. Vous jouez le drame intérieur vécu tous les jours par ceux qui vivent en ville.

BIOGRAPHIE Tsui Kuang-Yu / Né en 1974 à Taipei, Taiwan FORMATION 1997 Université Nationale des Arts de Taipei PRIX 2003 Prix Taishin Arts (?prix special du jury?) pour "The Shortcut to the Systematic Life: Superficial Circumstance?, exposition personnelle de K. Y. Tsui à la IT Park Gallery& Photo Studio RESIDENCES 2004 Gasworks Studio, Londres, Royaume-Uni 2006 Rijksakademie van beeldende kunsten Stichting Trustfonds, Amsterdam, Pays-Bas

"An unremarkable random 70’s newsreel from the artists’ hometown in the Soviet Siberia forms the substrate for a relentless exploration of the representational and narratological technics: without ever collapsing into a ‘story’ or abstraction, horizõn recants the relationship between analog and digital, surface and reference, sense and experience, past and present" (Thomas Zummer)