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LINDEN HOTEL, Video Installation by Stefan Roloff The phenomenon of political imprisonment is timeless. Yet, its victims can only speak to us from the past. It is its nature to be silenced in the present. The group of former Stasi- prisoners I interviewed have never before spoken on tape or in public. To remove the boundaries of time I have interviewed them as silhouettes. At first glance, this gives them an air of illegality. The viewer gets the impression that they can?t reveal their identity. Faces can be misleading. Beauty, gender, age, race or other categories disappear when we view a silhouette. What remains is the tone of their voice and their body- language, keys to their subconscious. It is my goal to bring the experiences of former political prisoners into the present and communicate the immediacy they feel. Though they were released from jail decades earlier, their trauma continues to haunt them and - as many of the interviews show ? it extends into the lives of their children. Initially, I projected the talking silhouettes of nine former prisoners on to the walls of their former cells at the Stasi- prison in Potsdam.

Stefan Roloff is an independent artist and film maker, working in New York and Berlin. In 1984, he was invited to experiment on prototypes of digital video and imaging computers at the New York Institute of Technology. Here, he created ?Face?, his first Moving Painting which, produced by Peter Gabriel, was the predecessor of his video ?Sledgehammer?. Subsequently, he continued to combine his paintings and videos in collaborations with musicians. (?Zaar? with Gabriel, ?Dominic Christ? with Suicide, ?Big Fire? with Jazz musician Andrew Cyrille.) From 1989 to 1999, he worked on the documentary film ?Seeds?. Traveling through remote areas of West Virginia, he followed the story of a 22- year old woman who committed suicide in 1981 in an isolation cell at the State Prison for Women. The film was combined with an installation, ?Pence Springs Resort?, a life-size three-dimensional photographic rendering of the isolation cell which the viewers could physically enter. His second documentary film ?The Red Orchestra?, is a portrait of his late father, Helmut Roloff, a resistance fighter against the Nazis. It was nominated best foreign film 2005 by the Women Critics Circle. Currently, Stefan Roloff is preparing "Cafe Holland", his first feature film, with Carola Stabe, a former GDR dissident.

A veiled metaphor for the instabilities of our times shot with a low-res Flip Camera

Peter Rose’s works in film, video, installation, and performance have received extensive national and international exhibition, including shows at the Whitney Museum, the Museum of Modern Art, the Centre Pompidou, the Yokohama Museum of Art, and more recently at the Fabric Workshop and Museum, the Rotterdam International Film Festival and the Film Society of Lincoln Center. Rose is concerned with new forms of vision, improvisations in fictitious languages, and the pleasures of obscure journeys. The work is included in several major international collections.

For several years I have been experimenting with a tactic I call ?transfalumination,? I venture at night into the marginal geographies of the city and perform peculiar ceremonies with light, hoping to bring back images that appeal to some deep sense of the mysterious. ?Journey to Q?xtlan? is a journey, an opera, and a koan that presents some of the results of this research. It?s a kind of dream.

Peter Rose?s works in film, video, installation, and performance have received extensive national and international exhibition, including shows at the Whitney Museum, the Museum of Modern Art, the Centre Pompidou, the Yokohama Museum of Art, the Fabric Workshop and Museum, the Rotterdam International Film Festival and the Film Society of Lincoln Center. Rose is concerned with new forms of vision, the structures of language, and the pleasures of obscure journeys. His work is included in several major international collections.

Ulysse amarre son bateau à une machine architecturale étrangère, un labyrinthe qui fait écho à de Chirico et à Escher, un espace de mystère et de pouvoir où les règles de la perspective sont transformées et d?où émergent d?autre espaces.

Les films, vidéos et installations de Peter Rose ont été montrés dans le monde entier. Son travail fait partie de plusieurs collections majeures. Il a reçu plusieurs récompenses et bourses significatives et son travail a été largement présenté, notamment au Festival du film d?Oberhausen, au Moma à New York, au Black Maria film festival, au Festival du film de Londres, au Whitney Museum, festival du film d?Amsterdam. Il réalise une installation vidéo destinée à l?aéroport international de Philadelphia.

Odysseus amarre son bateau au mileu d'une étrange machine achitecturale, un labyrinthe aux échos de De Chirico et d'Escher, un lieu de mystère et de pouvoir où les règles de la perspective sont défiées, où d'autres espaces émergent. La vidéo nous emmène dans un voyage vertigineux, euphorisant, à travers un parking en sous-sol, une descente en spirale dans les profonfeurs d'un espace. C'est aussi une lamentation. Odysseus se souvient de la mer.

Le travail de Peter Rose dans la vidéo, l'installation et la représentation a été montré sur le plan international: au Whitney Museum, au Museum of Modern Art, au Centre Pompidou, au Yokohama Museum of Art, au Rotterdam International Film Festival et au Film Society of Lincoln Center. Rose s'intéresse aux nouvelles formes de vision, aux structures du langage et à la découverte de lieux inconnus. Ses films et ses vidéos sont intégrés dans plusieurs collections importantes à travers le monde. Il a également donné de nombreuses conférences sur son travail.

A suite of multi-dimensional riffs that use topological, performative, metapoetic, spatiotemporal, architectonic, kinaesthetic, choreographic, and observational strategies to conjure new forms of vision.

Since 1968 Peter Rose has made over thirty films, tapes, performances and installations. Many of the early works raise intriguing questions about the nature of time, space, light, and perception and draw upon Rose?s background in mathematics and on structuralist filmmaking. He subsequently became interested in language as a subject and in video as a medium and generated a substantial body of work that played with the feel and form of sense-a kind of intellectual comedy. Recent projects have involved a return to the landscape as subject and the mechanics of perception. His films, videos, installations, and performances have received extensive national and international exhibition, including shows at the Whitney Museum and the Museum of Modern Art, the Centre Pompidou, the Yokohama Museum of Art, and exhibition at the Fabric Workshop and Museum, the Rotterdam International Film Festival and the Film Society of Lincoln Center. His works have drawn support from an impressive roster of sources, including the National Endowment for the Arts, the Pennsylvania Council on the Arts, the Guggenheim, Independence and Pew Foundations, and have been the subject of a number of articles on contemporary media art. His work is included in several major international collections.

« Studies in Transfalumination » (5 minutes 30, 2008) exploite des lampes de poche trafiquées et des projecteurs vidéo désossés pour explorer la complexité visuelle du monde ordinaire : un tunnel, une touffe d?herbe, une table abandonnée, le dessous d?un pont, le brouillard, un morceau de rocher, et un arbre. Toutes les images sont des prises de vue en temps réel, et n?ont recours à aucun procédé d?animation.

Depuis 1968, Peter Rose a réalisé plus de trente films, bandes, performances et installations. Beaucoup de ses ?uvres de jeunesse soulèvent la question fascinante de la nature du temps, de l?espace, de la lumière et de la perception et s?appuient sur sa formation en mathématique et en réalisation structuraliste. Il s?est intéressé par la suite au langage en tant que sujet et à la vidéo comme médium et réalisé un important corpus d??uvres jouant avec la sensation et la forme du sens ? une sorte de comédie intellectuelle. Ses projets récents concernent le retour au paysage en tant que sujet et la mécanique de la perception. De nombreuses expositions ont été consacrées à ses films, vidéos, installations et performances, à l?échelle internationale. Ses ?uvres ont reçu des aides de la part d?un nombre important d?institutions prestigieuses et ont fait l?objet de nombreux articles dans la presse d?art actuelle. Ses ?uvres font partie de plusieurs collections majeures au plan international.

Content Summary/ Accompanying Info: This video is an intervention into footage from the first meeting of the Central Round Table of the GDR. The meeting took place on December 7th 1989 in East Berlin, two months after the beginning of mass demonstrations across the country. The Round Table was set up to bring together members of the established political parties and the newly formed oppositional groups on equal terms. A few hours into the meeting, proceedings are interrupted as a noisy demonstration approaches outside. In the ensuing 10-minute scene, participants try to decide on a collective response. Sounds from the demonstration can be heard ebbing and swelling outside the window, while the participants inside debate. The demonstrators are never seen, only heard. The 2-channel video shows the scene in its entirety. It unfolds as a series of interventions into the material that are themselves based on motions and gestures taken from the footage: pans, zooms, the shaking of the camera, the gestures and movements of the participants, the different qualities and sources of sound. These are amplified, repeated, looped, in order to confront and confound notions of inside and outside, language and body, representation and embodiment.

Biography: Elske Rosenfeld (b. 1974 in Halle/S., GDR) uses a variety of media to rework archival materials from the history of state socialism in Eastern Europe and to relate them to contemporary political forms. Recent works in the formats video, performance, and writing have focussed on the physical, gestural content of archival documents from situations of revolution or protest (Paris 1968, East Berlin 1989, Cairo 2011) – to address the body as a site and archive of political events. Various abstracted interventions into and around these materials reactivate political energies that were set loose in these instances and continue to reverberate into the present day. Rosenfeld lives and works in Berlin and Vienna. She holds a PhD-in-Practice from the Academy of Fine Arts in Vienna. Her work has been presented internationally at institutions including Forum Stadtpark/Steirischer Herbst 2015, Graz; Berlin Art Week 2014; Sarai Reader 09/Devi Art Foundation, Delhi; Vienna Art Week 2011; BAK, Utrecht; Shedhalle, Zürich; mumok kino, Vienna; Kunsthalle Exnergasse, Vienna; GfzK, Leipzig; tranzit, Cluj, Romania; the Education Programme of documenta13. She has taken part in international residencies, including the Visual Arts Residency at the Banff Centre for the Arts, Canada. Her texts have been published in/on eipcp.net, Reviews in Cultural Theory, Springerin – Hefte für Gegenwartskunst, and in a number of books and collections. She has been awarded a DOC-Fellowship of the Austrian Academy of Sciences, and project funding from the Programme for Arts-based Research/FWF, Austria. www.elskerosenfeld.net

"Trilling" reprend des séquences de la série des années 80 "Three's Company" et crée un enchaînement de boucles gestuelles progressives. Le trompétiste Taylor Haskins a collaboré à la bande son, apportant une réponse improvisée unique à chaque clip.

Catherine Ross travaille la vidéo et la photographie, mettant en scène des gestes qui passent souvent inapperçus dans leur contexte original. Isolant les mouvements des humains et/ou des objets, ses vidéos créent de nouvelles séquences musicales qui révèlent une relation fondamentale entre mouvement et son. Elle découvre que le mouvement révèle une maladresse inhérente, une humeur qui fait écho à notre propre vulnérabilité. Son travail a été presenté dans des expositions et des festivals à travers le monde: au Brésil, en Finlande, en Irlande, en Angleterre, au Canada et aux Etats-Unis. Ross a suivi des cours à la Skowhegan School of Painting and Sculpture en 2002, l'Itlantic Center for the Arts en 2003 et a reçu pour 2005-6 une résidence de la Marie Walsh Sharpe Foundation. Récemment, Catherine Ross a été gratifiée du "Best International Short Award" au Darklight Festival de Dublin, en Irlande. Elle vit et travaille à Brooklyn, New York.

Théodolitique (2015) est un projet cinématique qui réunit le géodésique et le filmique, unissant la très longue histoire de l’arpentage et celle, comparativement nouvelle, des technologies cinématographiques. Reliant ces deux méthodes d’observation visuelle et d’enregistrement, Théodolitique documente des étudiants arpenteurs de l’École des Métiers du Sud-Ouest de Montréal au cours d’une seule journée, lors d’un examen extérieur. Théodolitique utilise un large éventail de techniques filmiques et acoustiques — y compris un microphone parabolique pour capter les sons distants, ainsi qu’une « théodocam » construite sur mesure pour recréer le point de vue d’un arpenteur — afin de refléter et mimer la manière dont les étudiants bougent, réfléchissent et apprennent leur métier. Tourné sur un terrain dédié à la pratique adjacent à l’École des Métiers, Théodolitique est un film à la fois chorographique et chorégraphique.

The works of David K. Ross are concerned with the processes and activities which enable infrastructural monuments, cultural institutions, and architectural structures to exist. Using photography, film and installation to carry out these inquiries, he examines the performative capacities of un-scripted activities, along with the relationships that exist between the recorded event and its re-presentation in physical space. These inquires have been applied to various projects including a study of the enigmatic activities of student land surveyors, the uncanny and oneiric qualities of a series of rooms at the Art Institute of Chicago, the nuanced and poetic movements of dancers about to perform, the mythic and sublime qualities of an urban lighting fixture in Montréal, the quietude of artists’ storage spaces, and a close examination of colour coded art shipping crates.

L'immeuble des Nations Unies à New York, la nuit. Douglas Ross filme une architecture vide, seulement encore animée par des lumières, intermittentes, vacillantes.

Douglas ROSS est né en 1969. Il vit et travaille à New York. Son travail a été exposé au musée d'art contemporain de Miami, au festival du film de Rotterdam, à Turin, au KW institut d'art contemporain à Berlin, PS1 Contemporary Art Center / MoMA, The Walker Art Center. Il a également effectué des résidences d'artistes et participé à des programmes d'échanges au Japon

Appréhendées comme un voyage mental, visuel et sonore proche de l’esprit surréaliste, les images se succèdent au rythme de l’énonciation mystique du thàme astral de Ersnt dressé par un astrologue de Sedona, également saxophoniste, qu’il a lui-même dressé après avoir constaté une erreur dans l’heure de naissance de celui commandé par Breton en 1930. Sa voix off accompagne le spectateur. à la fois atmosphère sonore et piste narrative, elle parait guider cette chasse au fantôme - probablement celui de l’esprit de Max Ernst qui, partout, imprègne les lieux. Tandis que la mélodie rappelle les bandes sonores de méditation disponibles dans les boutiques de souvenirs de la ville, la désynchronisation répétée des rushes dans le temps évoque, tel ce chat dont le corps se dédouble, le “voyage astral” cher aux surréalistes, l’expèrience de hors corps, la sensation de flottement. Dans son film Real Estate Astrology (2015), Maxime Rossi développe une réflexion à facettes pour portraiturer un lieu. Il confronte deux états de narration entre lesquels le spectateur peut osciller, du diagnostic des traces objectives d’une quète, real estate, au pronostic à valeur prédictive d’une vie dressé d’après l’interprètation stellaire, astrology.

Le travail de Maxime Rossi contourne les limites de genre prédéfini comme de style pour puiser ses formes et son inspiration dans de multiples sources : l’histoire de l’art, l’ethnographie ou la littérature. L’impressionnant éventail des registres provoque une étrange narration, que l’artiste utilise pour dévoiler des vérités en portant un nouveau regard sur des sujets que nous pensions connaître avec certitude. À travers le prisme kaléidoscopique d’une pratique complexe et hétéroclite mêlant la sculpture, l’installation, la performance, la scénographie et la vidéo, Maxime Rossi ignore l’idée même de catégories et propose une discipline singulière qui convoque la « beauté convulsive » chère aux surréalistes. Maxime Rossi est né en 1980, il vit et travaille à Paris, France. Son travail a fait l’objet de projections au Centre Pompidou, Paris et au MUMOK, Vienne (Autriche). Il a notamment été montré dans le cadre d’expositions personnelles et collectives au Palais de Tokyo, Paris, à l’Emba / Galerie Édouard-Manet, Gennevilliers, à la Fondation François Schneider, Wattwiller, à La Halle des bouchers, Vienne, à la 19e Biennale de Sydney, au S.M.A.K. de Gent ou au Musée d’Ethnographie de Genève, Suisse.

Seule dans sa chambre une femme danse; un touriste erre dans les rues animées de Tokyo ; une poète parle de rivières, de pitié et de fantômes.

Clément Roussier est né en 1984. Il est l'auteur de deux recueils de poésie (Maintenant il est toujours trois heures; Fondane) publiés en 2025 aux éditions Derrière la salle de bain; ainsi que d'un roman, Sullivan et les ciels de feu des soirs de la savane, publié en 2020 chez l'École des Loisirs. Dans le silence et dans le bruit, sa première réalisation, remporte le Grand Prix de la Compétition Française au FID Marseille 2023.

À Fukushima daiichi, le ventre de la centrale nucléaire effondrée maintient pour encore très longtemps les humains à distance. Seules d’autres machines peuvent s’en approcher. Elles filment pour les hommes ce qu’ils ne peuvent plus voir. Entre mouvements pendulaires lancinants et pénétrations gyroscopiques, ces images annoncées par l’exploitant comme des explorations scientifiques rigoureuses s’avèrent être des plongées chaotiques et hallucinées au cœur d’un magma radioactif irréductible.

Philippe Rouy vit et travaille à Paris. Ses films sont montrés dans des festivals et des lieux de diffusions tels que FIDMarseille, Torino Film Festival, Rotterdam IFF, Jihlava IFF, UnionDocs New York, Cinéma Spoutnik de Genève, Cinema Nova de Bruxelles, etc...

"Après le pont, commence le pays des fantômes" (Dracula - Bram Stocker)

Vincent Roven est né en Mai 1968. Il a étudié aux Beaux Arts de Marseille - Luminy. Il a obtenu son diplôme d´études supérieures en Arts Plastiques en 1994. Depuis 1995, il vit et travaille à São Paulo, Brésil, et a participé à la réalisation de plusieurs travaux audiovisuels/ cinéma, parmi lesquels: - "Kyrie ou le début du Chaos" (fiction, 35mm, 15 min., 1998): réalisateur assistant/ directeur artistique: - "Jusqu´à 120 ans" (documentaire, digital, 70 min., 2002): co-direction - ULALAPA (fiction/doc - digital, 12 min., 2003): co-direction, montage, son - LOGOLOGO (fiction - digital, 7 min., 2005): réalisation, montage, son et Photographie Il développe également des activités liées aux arts plastiques et a réalisé plusieurs expositions collectives et individuelles parmi lesquelles: 2001 - "Medodanóia" - exposition individuelle réalisée au "Centro Cultural São Paulo" - São Paulo - Brésil 2000 - "SUNSET" - exposition individuelle réalisée à la "FUNARTE" (Fondation Ntionale des Arts) - São Paulo - Brésil

"Commonwealth" examine les idées du progrès social en revisitant le programme spatial russe des années soixante, en particulier, l'orbite de la terre de Youri Gargarin en 1961. La présentation des évènements publics formants la perception de ce qui est bon pour la communauté et relevant l'esprit d'une communauté est examinée en relation avec le rôle d'une figure de proue individuelle, sélectionné dans la masse pour représenter une société internationalement. Inspiré d'une part par les écrits de Hobbes sur les politiques du corps, et les écrits sur l'histoire de la science, l'?uvre examine les idées de gouvernance et de communauté et l'usage de la division des modèles sociaux pour créer l'ordre. Une riche collection de références visuelles est rassemblée pour construire l'?uvre; par exemple, les Allégories d'un Bon Gouvernement: Les effet d'un bon gouvernement sur les villes et les campagnes d'Ambrogio Lorenzetti, des mosaïques murales soviétiques, l'iconographie de la course spatiale, le langage visuelle du progrès et les architectures utopiques et le design des expositions universelles de la fin des années soixante au début des années soixante-dix.

Paul Rowley est né à Dublin. David Phillips est né à Memphis. Ils travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et le son. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers` Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, à la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d`Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d`Art de Bonn, et "Bambi" à l`ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro. Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. Ils viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonates and Interludes" de John Cage. Ils ont été sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l`aéroport Lax de Los Angeles.

DMC-13 is a short video produced on analog video synthesisers at the Experimental Television Center in New York. The film uses images from a documentary on John DeLorean - the ill fated automobile manufacturer - who opened his luxury sports car factory in Belfast at the height of the troubles in the north of Ireland. As the US car industry collapsed, and DeLorean was arrested for alleged cocaine smuggling, his dream of `affordable luxury`, which had spent over £100 million of taxpayers money, also perished.

Paul Rowley is a visual artist and filmmaker. He first began making films in 1995. Since then he has completed over 30 shorts, feature films, video installations, and documentaries. The works are shown both in galleries and film festivals. Previous screenings include - Centre Pompidou Paris, Hammer Museum Los Angeles, Forum Expanded at the Berlin Film Festival, Photographers` Gallery, London, Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid, Museum of Modern Art Dublin. He recently completed a 60 screen permanent installation at Los Angeles International Airport.

"Gravity Loop" est une série de photographies et de vidéos qui reconfigure une image unique dans le but de présenter différentes manières d'appréhender le temps. Prenant son point de départ dans la relativité, la série conduit à réfléchir sur les récentes découvertes en physique théorique et en String Theory, qui interrogent les possibilités du temps en tant que dimension non-continue, soit le fait, au niveau quantique, qu'il puisse y avoir des trous dans le temps. Bien que le modèle de l'atome comme sphère solide de matière ait été remplacé au début du XXe siècle par un modèle qui décrit l'atome comme espace presque vide, la vidéo recourt à de semblables idées pour illustrer d'éventuels modèles de capture du temps dans un temps non-continu. Une manière d'imaginer ce concept visuellement est de considérer l'utilisation des horloges pour indiquer l'heure. A la place d'une horloge unique qui montre le passage du temps de manière continue, au lieu de devoir imaginer un nombre infini d'horloges identiques, chacune d'entre elle parvient à l'existence pour une infime fraction de seconde, montre l'heure, et puis disparaît. Dans les intervalles des apparitions de ces horloges, il n'y a rien, un trou dans le temps où aucune manière et aucun movement ne peuvent exister.

Paul Rowley (né à Dublin) et David Phillips (né à Memphis) travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et des sons. Ils présentent leurs oeuvres sur les écrans des galeries, des musées et des festivals. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers? Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d'Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d'Art de Bonn, et "Bambi" à l'ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, "Prog:ME". Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. En 2000, ils ont été récompensés par le Glen Dimplex Artists? Award, le prix annuel d'art contemporain du Musée irlandais d'Art Moderne, qui est une sorte de Turner Prize irlandais. Cette vidéo brève intitulée "Suspension" a reçu le Golden Spire du Festival International de Cinéma de San Francisco et ces artistes ont remporté le prix du New Langton Arts Award. Paul a récemment remporté les prix du Irish American Arts, à la fois celui de la catégories des films hors 35mm et le prix général. Paul a été en résidence d'artiste à l'Atlantic Center for the Arts de Floride avec Gillian Wearing et il a reçu pour le travail qu'il poursuit depuis 1997, de nombreux prix de l'Irish Arts Council. Il a été membre de Macdowell Artist Colony à New Hampshire, et récemment, il s'est rendu en Italie pour travailler sur une nouvelle série de vidéos à la Bogliasco Fondation. Il a bénéficié d'une résidence à l' Experimental television Center de New York en 2005, qui lui a permis d'obtenir récemment une bourse du NYCSA, le New York State Council for the Arts. Paul et David viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonatas and Interludes" de John Cage, dont la première a eu lieu au mois de juillet dernier, au Stone de New York, en collaboration avec le pianiste Emily Manzo. Paul est en train d'achever un documentaire long métrage tourné dans le camp de vacances ouvert par Billy Butlin à Mosney, et qui est aujourd'hui utilisé comme centre d'accueil pour les demandeurs d'asile. Ils ont aussi été récemment sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l'aéroport Lax de Los Angeles, annoncée pour 2007.

En physique classique, l'énergie d'un système dans lequel la matière passe d'un état à un autre semble atteindre un plateau quand on approche du niveau de température critique. Issu d'observations basiques en physique, la vidéo examine comment un changement structurel et les états intermédiaires qui lui sont associés peuvent être appliqués à des lectures sociologiques. Analysant les sociétés en temps de crise, et appréhendant les moments de situation explosive comme des catalyseurs d'un changement social accéléré, la vidéo relie entre eux esthétiquement le champ social et les sciences physiques afin de voir ce à quoi une société peut ressembler à un moment d'extrême agitation.

Paul Rowley (né à Dublin) et David Phillips (né à Memphis) travaillent actuellement principalement sur des films, des vidéos et des sons. Ils présentent leurs oeuvres sur les écrans des galeries, des musées et des festivals. Ils ont participé récemment à différentes expositions dont "Re:mote" à la Photographers? Gallery de Londres, "Your chance to live" au 300m3 de Gothenburg, la biennale Kunstfilm de Cologne, "Fricción" au Musée d'Art Contemporain de Mexico City, la Videonale au Musée d'Art de Bonn, et "Bambi" à l'ICA de Philadelphie. Ils ont également participé au festival hollandais Impakt et aux rétrospectives du Darklight Digital Festival de Dublin et du Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, "Prog:ME". Leur exposition "Intrusion" a eu lieu à la Bischoff/Weiss Gallery de Londres, en Juillet. En 2000, ils ont été récompensés par le Glen Dimplex Artists? Award, le prix annuel d'art contemporain du Musée irlandais d'Art Moderne, qui est une sorte de Turner Prize irlandais. Cette vidéo brève intitulée "Suspension" a reçu le Golden Spire du Festival International de Cinéma de San Francisco et ces artistes ont remporté le prix du New Langton Arts Award. Paul a récemment remporté les prix du Irish American Arts, à la fois celui de la catégories des films hors 35mm et le prix général. Paul a été en résidence d'artiste à l'Atlantic Center for the Arts de Floride avec Gillian Wearing et il a reçu pour le travail qu'il poursuit depuis 1997, de nombreux prix de l'Irish Arts Council. Il a été membre de Macdowell Artist Colony à New Hampshire, et récemment, il s'est rendu en Italie pour travailler sur une nouvelle série de vidéos à la Bogliasco Fondation. Il a bénéficié d'une résidence à l' Experimental television Center de New York en 2005, qui lui a permis d'obtenir récemment une bourse du NYCSA, le New York State Council for the Arts. Paul et David viennent de terminer une collection de films pour accompagner une performance de "Sonatas and Interludes" de John Cage, dont la première a eu lieu au mois de juillet dernier, au Stone de New York, en collaboration avec le pianiste Emily Manzo. Paul est en train d'achever un documentaire long métrage tourné dans le camp de vacances ouvert par Billy Butlin à Mosney, et qui est aujourd'hui utilisé comme centre d'accueil pour les demandeurs d'asile. Ils ont aussi été récemment sélectionnés pour réaliser une nouvelle vidéo multi-screen pour l'aéroport Lax de Los Angeles, annoncée pour 2007.

La nuit du 27 avril 1974, des membres d?une branche armée de l?IRA volent 19 peintures à la Russborough House pour une valeur de 8 millions de livres. Parmi ces toiles, des Vermeer, Gainsborough, Velásquez. Les voleurs demandent le retour de prisonniers républicains irlandais détenus en Angleterre et une rançon de 500 000 livres. Les autorités répondent en offrant 100 000 livres de récompenses pour toute information sur l?affaire. Dix jours après le vol, la police irlandaise récupère les peintures dans le comté de York. Rose Dugdale, anglaise fortunée, est inculpée et condamnée. Elle est également condamnée pour son implication dans une opération précédente de l?IRA, l?attaque d?un poste de la Royal Ulster Constanbulary (forces de police d?Irlande du nord), au moyen d?un hélicoptère détourné. Rose Dugdale eut une peine de 18 ans de prison et en effectua 9. Dans cette vidéo, le déroulement des événements est retracé par l?utilisation d?images archivées sur microfiche, disponibles en bibliothèque, système actuellement obsolète. Ces images diffusées par les informations de l?époque sont rephotographiées sur internet, et montées dans une séquence qui les apparie. Ce qui permet une reconstitution de l?événement. L?intérêt de cet exercice pour celui qui regarde la vidéo est la série d?échanges qui y est présentée. La fortune de la famille Beit, initialement utilisée pour l?acquisition de ces peintures, a été accumulée par Alfred Beit, partenaire avec Cecil Rhodes des Mines de Beers en Afrique du Sud, qui, en 1891, détenait 90% de la production mondiale de diamant. Ces profits ont donc été utilisés pour l?achat des peintures, qui ont été volées quatre fois à la Russborough House depuis ces trente dernières années. La séquence des échanges est ici ce qui est intéressant, où des diamants d?Afrique deviennent des chefs d?oeuvres de l?art occidental, des valeurs d?échange pour des prisonniers politiques, et enfin, des objets de marchandage utilisés par des bandes criminelles organisées pour négocier avec l?Etat irlandais.

David Phillips est né en 1970 à Memphis, il a étudié les arts à Washington et à Rome. Paul Rowley est né à Dublin en 1971. Il a étudié au Trinity College de Dublin et à San Francisco. Ils collaborent ensemble depuis 1998, et vivent actuellement à New York. Ils réalisent des films, des installations vidéos, des photographies et des travaux sonores. Depuis les débuts de leur collaboration, ils ont reçu de nombreux prix. En 2000, ils ont obtenu le Glen Dimplex Artists? Award, prix annuel d?art contemporain de l?Irish Museum of Modern Art, considéré comme l?équivalent irlandais du Tate?s Turner Prize. Leur vidéo SUSPENSION a reçu le Golden Spire en 1999 au San Francisco International Film Festival. La même année, ils ont reçu le New Langton Arts Bay Area Award for Video. Ils ont récemment exposé à la Photographer?s Gallery de Londres, et ont eu une exposition personnelle au Carillo Gil Museum of Contemporary Art de Mexico City. Leur travail a également été projeté à la Videonale au Kunst Museum de Bonnn ; au ICA de Philadelphie ; au festival Impakt; à Séville ; au Festival of Media Arts de Rio de Janeiro, à Impakt, au nouveau musée d?art contemporain de Bucarest

Contrasting the promise of rescue with threats of captivity and injury, ?Security Fugue? examines personal responses to crisis in the current arena of ubiquitous security. Images of a rescue helicopter move across the screen in exaggerated slow motion, while on a second screen, the camera tracks over aeriel views of a hospital and rescue crew on the ground below. In the audio track, stuttering confessions and dislocated murmurs echo in unison with the constant rhythm of chopping helicopter blades which fills the space. Sources for the piece are varied; a small excerpt of a 35mm Hollywood trailer from the early 1970`s, a 16mm educational film about psychological responses to disasters, taped recordings of phone calls made by Patty Hearst from captivity in 1974, interviews with Hearst from 2003 describing her revisited experiences of captivity, and original sound compositions by the artists. The memory lapse of the amnesiac is taken as a starting point from which to investigate the process of forgetting, remembering and rewriting of recent memories. These editorial patterns of amnesia are juxtaposed visually with images of physical constraint that parallel the collective mental state of a society in a state of siege. Musically, the imitative polyphonic compositional structure of the fugue in which a theme is stated successively in several voices is used both to determine the editing structure of the work and for its references to pursuit and flight. In psychiatry, the fugue is described as a condition of pathological amnesia during which one is apparently conscious of one`s actions, but has no recollection of them after returning to a normal state. This condition, usually resulting from severe mental stress, is of interest in describing a trauma that is experienced both individually and collectively. In installation, the piece is presented as two side-by-side large-scale projections with a surround sound audio mix. A single channel version is also available for cinema and festival screenings.

Artists David Phillips (Memphis, Tennessee 1970) and Paul Rowley (Dublin, Ireland 1971) have been working together collaboratively since 1998, primarily with film, video installation and sound. In 2000, they won the Glen Dimplex Artists? Award, the Irish Museum of Modern Art?s annual contemporary art prize, and seen as the Irish equivalent of the Tate?s Turner prize. Their short video Suspension was awarded a Golden Spire at the 1999 San Francisco International Film Festival. In the same year they were the recipients of the New Langton Arts Bay Area Award for video. Recent exhibitions include Re:mote at the Photographers? Gallery, London, Videonale at the Bonn Kunst Museum, and Bambi at the ICA in Philadelphia. Their work was recently selected by New Museum?s senior curator Dan Cameron to participate in the annual ev+a exhibition in Limerick, Ireland. Recent fesitval screeings include the Impakt festival in Holland, special mention at the Zemos:98 festival in Sevilla, and retrospectives at the Darklight Digital Festival in Dublin and Prog:ME, the Rio de Janeiro festival of Media Arts. Paul has been artist in residence at the Atlantic Center for the Arts, Florida, with Gillian Wearing, and a fellow at the Macdowell Artist Colony in New Hampshire. He has received numerous awards and bursaries from the Irish Arts Council for his work.