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Nicolas Provost
Stardust
Vidéo | hdv | couleur | 20:0 | Belgique, USA | 2010
Provost`s 2007 piece `Plot point` used a subtle combination of music, editing and photography to lead the viewer into a subconscious process of establishing and discovering a story. `Stardust` takes this a stage further, manipulating recorded conversations taken from films as well as background music. Provost moves from New York to Las Vegas, filming the public going about their daily business. He then uses these clips of people engaging in conversations, making phone calls, watching a screen or gazing into space, and adds film music and dialogue over the top. Provost is the master of exploiting the associations and reactions learned by the public through years of watching crime and action films and television programmes, using film music to build tension, to induce emotional responses, to alter the nature of what is seen or heard. He also uses parataxis to great effect, presenting two separate and unrelated things together, so that the audience generates links. For example, hearing gunshots while the camera shows only a closed door, we think that the shots have been fired in the room behind the door. Through his understanding of cinematographic language, Provost manipulates the audience into generating narratives and developing characters. As the piece progresses, the plots that must be built become more complex and less believable, exposing the tricks Provost is playing.
Nicolas Provost (b.1969, Belgium) is a filmmaker and visual artist living and working in Brussels, Belgium. His work is a reflection on the grammar of cinema and the relationship between visual art and the cinematic experience. He has also written and directed several short and mid-length fiction films. His work has been broadcast, screened and exhibited worldwide on both visual art platforms and film festivals and have earned a long list of awards and screenings at prestigious festivals including The Sundance Film Festival, The Berlinale, The Viennale, The San Francisco International Filmfestival, Cinevegas, The International Film Festival Rotterdam, and The Locarno Film Festival. Solo exhibitions include The Seattle Art Museum, USA, Musée d!art moderne et contemporain, Strasbourg, France, De Brakke Grond, Amsterdam, Tim Van Laere Gallery, Antwerp, Belgium, C-Space Gallery, Beijing, China, The International Media Art Biennale, Poland, Solar Galeria de Arte Cinematica, Vila do Conde, Portugal.
Nicolas Provost
The Diver
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 6:40 | Belgique | 2005
Provost utilise le plus souvent des disciplines jumelles de l'art vidéo en tant que référence pour le spectateur, utilisant plus particulièrement ces éléments qui sont les plus gravés dans notre mémoire culturelle collective. Pour "The Diver" ("Le Plongeur"), il a choisi la scène de balcon empruntée au théâtre et immortalisée par Roméo et Juliette, comme lieu de rencontre entre amoureux. Il utilise la musique pour exprimer des émotions trop fortes pour être décrites avec des mots, d'une manière qui évoque les classiques du film. L'atmosphère est determinée par la couleur et la lumière, ce qui rappelle l'art de la peinture. De la danse moderne, il a emprunté la capacité d'exprimer le désir ardent par le moindre changement physique de la posture, du geste ou du regard. Le titre de cette oeuvre, "The Diver" évoque même des associations de la littérature dramatique dans le sens où il paraît difficile à dire, à partir de la vidéo, si le couple se tenant ainsi à deux doigts du bord sur le toit d'un grand building ne fait pas en vérité l'expérience d'un désir inventé. La distance qui les sépare pourrait être bien insupportable pour l'un d'entre eux. Grâce à tous ces ingrédients combinés, Provost atteint un effet exacerbé tel que chaque prise de vue dans cette scène pourrait servir très bien pour la couverture d'une fiction de quatre sous. La musique et les détonations des feux d'artifice en arrière plan s'enflent d'une façon telle que les haut-parleurs s'agitent tandis que l'environnement jouit d'une lumière dramatique. La passion est tout autour et le spectateur partage ce que les deux amoureux doivent ressentir secrètement.
Nicolas Provost
Tokyo Giants
| | | 23:0 | Belgique | 0
Provost shot this final part of the `Plot Point Trilogy` in Tokyo. He here presents the man in the street as a film protagonist whose reality lies somewhere between a dream and a nightmare. In these three aesthetic reinterpretations, Provost, using seemingly insignificant raw material, not only moulds mystical spaces that compellingly absorb the viewer, but also masterfully shows that the dream-world called ?cinema? is simply a constructed parallel reality comprising clichés, technical rules and dramaturgical conventions.
Nicolas Provost (° 1969, Belgium) is a visual artist who recently moved back to Belgium after a 10 years? stay in Oslo, Norway. Now he lives and works in Brussels, Belgium. His work is to be seen worldwide on both film- and visual arts platforms. His films have earned a long list of awards and screenings at prestigious festivals as among others The Sundance Film Festival, The San Francisco International Filmfestival, Cinevegas, The International Film Festival Rotterdam, The Viennale, The Locarno Film Festival, The Ann Arbor Film Festival, Clermont-Ferrand, Impakt Film Festival, The Asian International Film Festival (Seoul), ?? The works of Nicolas Provost can be seen as cinematic experiences as much as they are poetic audiovisual paintings. They intend to walk on the fine line between dualities and balance between the grotesque and the moving, beauty and cruelty, the emotional and the intellectual, between cinema and fine arts. Time and again his phantasmagorias provoke both recognition and alienation and succeed in catching our expectations into an unravelling game of mystery and abstraction forcing the viewer to reflect on the fenomenon of the audiovisual. With manipulations of time, codes and form, cinematographic and narrative language is analysed, accents are shifted and new stories are told. Apart from the use of film and visual language, sound is also a constant factor in Provost?s body of work, as a rhythmical spine or an emotional guideline.
Sarah Pucill
Stages of Mourning
Film expérimental | 16mm | couleur et n&b | 18:0 | Royaume-Uni | 2004
?J?ai utilisé une plainte dans cette performance pour la caméra, la compréhension avec la perte de ma partenaire, Sandra Lahire. Un voyage de deuil inclus une mise en scène pour moi-même et pour la caméra. Le pouvoir hallucinatoire du fantôme de la mémoire est placé avec la nature du matériel basé sur une lentille pour transporter le fantôme. La texture de la peau et de la voix de la personne décédée sont insufflées avec la pixelisation et le grain de la photographie, du film et de la video. SP.??
??Sarah Pucill est une chargée de court expérimentée à la Fine Art Media BA de la University of Westminster. Elle a étudié les arts créatifs à la Manchester Metropolitan University (un BA en 1987), et les beaux-art et média à la Slade School of Art de Londres (doctorat en 1990). Ensuite, elle a fait un MA en théorie visuelle à la University of East London (1997). Son travail photographique et filmique fut montré internationalement dans des musées, des festivals et des galeries. Elle a été nominée pour des récompenses au Norway Women?s Film Festival pour BLACK COMB AND MILK AND GRASS. Son film YOU BE MOTHER a remporté le prix expérimental du Oberhausen Short Film Festival (Germany, 1991) et le prix de l?innovation au Atlanta Short Film Festival (USA, 1995). Le film de Sarah STAGE OR MOURNING a fait une première au London Gay and Lesbian Film Festival 2004 le 29 mars à 20 :40 et le 1er avril à 18 :30 au NFT. Les films de Sarah : Backcomb UK, Mirrored Measure Australia, and You be Mother UK passerons à la télévision l?année prochaine.
Noëlle Pujol, Andreas BOLM
Dossier Scolaire
Fiction expérimentale | | couleur | 23:0 | France | 2012
Deux filles et un garçon sont pris au piège dans les couloirs d`une école déserte. Une histoire d`amour et de fantômes.
Andreas Bolm is a german filmmaker who studied at the University of Television and Film in Munich. He directed and produced several films that have been screened at many festivals worldwide. Jaba (2006) was presented by Cinéfondation at the Festival de Cannes and won the ?Golden Mikeldi? for best documentary at the Zinebi film festival in Bilbao. In 2009 Andreas attended the Cinéfondation Residence Festival du Cannes, where he developed his film Die Wiedergänger/ The Revenants (2012). The film was premiered in 2013 at the 63th Berlinale, Perspektive deutsches Kino. Noëlle Pujol is a french artist and a filmmaker. Her practice spans documentary films, video installations, photography and drawings. Since 1998 Noëlle had numerous presentations of her work in contemporary art spaces and international film festivals. Her latest work consists in two films, Histoire racontée par Jean Dougnac (2010) and Le Dossier 332 (2012), meant as a two-part piece.
Noëlle Pujol, Ludovic Burel
Rien n'a été fait
Documentaire | dv | couleur | 39:0 | France | 2007
Néo-établis, nous nous sommes clandestinement infiltrés dans l?usine. Comme dans un camp, une prison ou un coffre dont la porte se serait malencontreusement refermée, nous y avons été durant de nombreuses années enfermés (y étions-nous par quelque force contraints ?). De cette profondeur de champ temporelle résulte l?effet de sédimentation des matériaux filmiques (on y mixe du super-8, du 16 mm, de l?Hi8, du VHS, de la DV). Dans ce cimetière de machines ? ce musée imaginaire où ne subsistent que des photographies de « nos ancêtres, les robots » ?, nous nous sommes progressivement métamorphosés en archéologues-amateurs ou, pour faire dans la science-fiction documentaire, en derniers survivants de l?usine (version Solaris plutôt que Planète des singes). Dispersés sur les quelque 6 000 m2 de l?entreprise, les trois protagonistes-zombis de Rien n?a été fait vaquent à leurs micro-occupations (moins STO cependant ? service de travail obligatoire ? que CAT ? centre d?aide par le travail). Héritage fordiste oblige, ils cultivent tous trois le solo, le mono (la monotâche, la monodie, etc.). Il y a Bernard, le relieur qui, avec du kraft, papier machine et musique, raccorde (évocation du défilement des images : il y débobine et rembobine à plusieurs reprises un bruissant rouleau de papier kraft). La maquilleuse, Jacqueline, qui donne le ?la? à la chromie « bleu archives » du film (sa seule parole aussi : elle y égrène le long listing de ses tenues de sortie de l?usine). Ludovic, le gardien des archives, qui fouille et grappille des images publicitaires, des ektachromes, de « girls and machines » (machines d?imprimerie tout à la fois prothétiques et mutilantes). On y usine dur pendant ce long dimanche postindustriel dans ce camp de vacances autogéré. (L.B.)
Noëlle Pujol Noëlle Pujol est née en 1972 à Saint-Girons. Elle est diplômée de l?Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris et du Studio national des arts contemporains Le Fresnoy, à Tourcoing. Son travail artistique explore les domaines du cinéma documentaire et de l?installation vidéo. Ses films ont été montrés au Festival international du fim documentaire de Marseille, au Festival international du film de Belfort, au Filmmaker Film Festival - Doc11 de Milan, au Festival international de Locarno. En 2008, deux expositions personnelles de l?artiste ont eu lieu à la Galerie du Triangle à Rennes et à l?ERBA de Valence. Le travail de Noëlle Pujol a été montré dans les expositions de groupe Variations, Galerie les filles du Calvaire (Paris, 2007) ; Exposition universelle d?Aïchi, pavillon français (Japon, 2005) ; Ficcions documentals, CaixaForum, Fundacio la Caixa, Barcelone (Espagne, 2004) ; Sportivement vôtre, Domaine départemental de Chamarande (France, 2004) ; From a global world, Galerie Ludovic de Wavrin, Paris, (France, 2003). Elle prépare actuellement son premier long métrage « Elles étaient une fois monmon ». (http://noellepujol.free.fr) Ludovic Burel Ludovic Burel est né à Lille en 1968. Artiste, enseignant, éditeur, il vit et travaille à Grenoble. De 2000 à 2005, il a coas- suré la direction artistique de la revue de culture politique Multitudes. En 2006, il a cofondé les éditions it: (readit.fr). Il a par ailleurs coorganisé au Centre national d?art contemporain de Grenoble, le Magasin, une série d?événements liés à la pratique du son et de la vidéo sur internet, ainsi que de la performance : en 2001, 5 x 55 ; en 2002, bug?nmix (http://bu- gnmix.online.fr) ; en 2003, borderphonics (http://borderphonics.samizdat.net) ; en 2005, Ressources (http://ressources. samizdat.net) ; en 2006, eXecute ; en 2008, Vidéodrama. En 2007, il a coassuré le commissariat de dddaaa, un colloque international et une exposition de design graphique qui ont eu lieu à l?École régionale d?art ainsi qu?au Lux, le CRAC de Valence. En 2008, il a participé aux expositions et événements suivants : Ultramoderne, Centre d?art Passerelle, Brest ; Valeurs croisées, Biennale d?art contemporain, Rennes ; Carte Blanche à Noëlle Pujol & Ludovic Burel, Université Paris VIII, Saint-Denis ; 19e festival international de l?affiche et du graphisme, Chaumont ; Artiste-enseignant ? Une stratégie d?encapsulation, Ecole supérieure d?art de Bourges ; Contrechamp, « L?accès-l?usine », Le Cinématographe, Nantes ; etc.
Wojciech Pus
Endless - VR Segue
VR vidéo 360 | 0 | couleur | 18:0 | Pologne | 2022
A queer poem about gender transformations, hallucinogenic desires, and uncanny relationships. It’s past dawn, in an apartment inhabited by several figures. They are frozen in time, frozen in the movements they were making. They look at each other, caress each other, sleep, masturbate with VR helmets on their faces. In one magical moment, they come to life and start a languidly intoxicating party. In Wojciech Pu?’s essayistic 360° film, we follow several people of different genders and ethnic identities as they navigate a path through night, life, desire, and futility. Fragments of their stories are only fleetingly revealed in poetic speeches that resemble a verbal symphony rather than a narrative. The director builds the experience on hallucinogenic light work and uncomfortable camera movements. Will this party ever end, or have we found ourselves trapped with the characters in a labyrinth of existence that has no end?
Wojciech Pu? - filmmaker and artist. They work with moving images and sound. Their films/installations/live acts have been screened / exhibited / shown at Warsaw’s Museum of Modern Art, Haus der Kulturen der Welt in Berlin (Rencontres Internationales Paris/Berlin), ICA in London, Museé du Louvre in Paris (Rencontres Internationales Paris/Berlin), Foksal Gallery in Warsaw, Art Museum in Lodz, Urban Glass in New York, A:D: Curatorial in Berlin, Spike Art Magazine / Yvonne Lambert in Berlin and Exchange Gallery in Lodz. Professor at the Cinematography Department in Lodz Film School, Poland.
Wojciech Pus
Queer Landscapes | Segues from Endless
Fiction expérimentale | 4k | couleur | 22:13 | Pologne | 2020
"Queer Landscapes | Segues from Endless" est un portrait expérimental d’une personne en transition. À travers leurs recherches, les différents personnages et voix du film forment un essai à plusieurs. Cette trame de rêve éveillé prend la forme d’un chœur d'identités opprimées, qui deviennent révolutionnaires et libres. L'essence de ce film repose sur la communauté informelle de performeurs de différents milieux sociaux, identités de genre, nationalités et statuts migratoires (Chili, France, Mexique, Pologne, Ukraine). La combinaison de leurs histoires personnelles avec des fragments d'œuvres littéraires, de films, d’autobiographies et de rêves crée une structure en mosaïque, qui s’inscrit dans le genre de l'abstraction queer.
Wojciech Pus est artiste. Il travaille dans divers domaines artistiques: le cinéma, le théâtre, les arts visuels et l’opéra. Dans son travail, il combine l'esthétique du cinéma expérimental avec des éléments d'installation lumineuse et vidéo, leur conférant un caractère filmique. Il a développé un style original et reconnaissable, faisant largement référence au rythme, au mouvement et au temps, qu’il analyse au moyen du film. Il confronte le spectateur à des représentations abstraites ayant un potentiel narratif, construites par le montage et la musique. Ses œuvres sont à la limite de deux réalités - la réalité tangible et celle créée par la visualité du film.
Joakim Pusenius
I Don't Know the River
Doc. expérimental | hdv | couleur | 27:44 | Finlande | 2016
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Joakim Pusenius (b. 1984) graduated (BFA & MFA) from Finnish School of Fine Arts in 2014. Before the arts school Pusenius studied in University of Helsinki theoretical philosophy, aesthetics and tv- and media studies (BA). Pusenius works mainly with moving image. In his artistic practise he is focusing on the means of the audiovisual medium by developing new ways of using camera and storytelling. He is interested in film making without a strict sense of storyline or the arch of drama. More likely he is interested in the dichotomy of the cinema: The possibility of cinemas metaphysical otherness and its capability of immersion. Eternal recurrence, existential solitude and disconnection by the modern technology are common themes in Pusenius` works. Last year Pusenius was working in Le Fresnoy - Studio National des arts Contemporains producing his most recent film work "Reste pour la nuit".
Nicholas Pye
A Life of Errors
Fiction expérimentale | 16mm | couleur | 13:50 | Canada | 2006
Dans un trois-pièces décrépit, deux amants, interprétés par les réalisateurs du film, cessent de s'aimer et se montrent amers l'un envers l'autre. Ils sont indifférents l'un envers l'autre. Dans le théatre de leur sommeil, ils cherchent à se blesser l'un l'autre et cette série de jeux enfantins va inévitablement trop loin. Leur manque de confiance grandissant, ces somnambules deviennent habiles à déconstruire l'amour.
SHEILA PYE est née en 1978 près d'Hamilton, en Ontario. Elle a étudié la peinture, la photographie et la vidéo à la Faculté d'Art et de Design d'Ontario, où elle a obtenu son diplôme et remporté la meilleure bourse pour des études de troisième cycle. Elle a fini sa Maîtrise des Beaux-Arts (MFA) dans la production de film à l'Université Concordia de Montréal. Elle travaille et vit actuellement à Toronto, où elle est résidente au "Canadian Film Centre" dans le Laboratoire du Réalisateur. Elle a écrit, dirigé et produit 8 court-métrages et travaille actuellement à l'élaboration de son premier long-métrage "The Young Arsonists". Son oeuvre a été exposée internationalement dans des galeries d'art, musées et festivals de film. Elle a été prestataire de nombreux prix pour sa réalisation de film et son art-visuel. Sheila entretient aussi une activité artistique active qui vient compléter son intérêt pour la performance, le cinéma, et les photos grand-format. Ses prochaines expositions en solo sont prévues pour New York, Chicago, Los Angeles et Naples. Sheila a été invitée à participer aux Rencontres Internationales Paris/Berlin et a été récemment pré-sélectionnée afin d'assister au Festival de Cannes de Résidence en 2006. NICHOLAS PYE est né en 1976 à Torquay, en Angleterre. Il vit et travaille à Toronto. Nicholas a récemment été diplômé pour sa Maitrise des Beaux-Arts à l'Université Concordia et l'École de Cinéma Mel Hoppenheim, et a reçu son diplôme d'études de premier cycle à la Faculté d'Art et de Design d'Ontario au printemps 2002. Jusqu'ici son oeuvre a principalement été de nature photographique, mais il collabore souvent avec sa femme Sheila Pye sur des court-métrages et des travaux vidéos. Nicholas a fait de nombreuses expositions en solo à Toronto, Montréal, Miami, New York et Chicago. Pendant qu'il étudiait encore à la Faculté d'Art et de Design d'Ontario (OCAD) il reçut plusieurs prix pour sa photographie contemporaine et son cinéma. Nicholas enseigne acteullement les arts de l'image à la Faculté d'Art et de Design d'Ontario.
Nicholas Pye
Loudly, Death Unties
Fiction | | couleur | 11:0 | Canada | 2007
La vie isolée d'un jeune homme et d'une jeune femme (joués par les réalisateurs) est interrompue par l'irruption d'une jeune fille dans la pièce cachée de leur cabane délabrée. Comme un esprit venant annoncer la mort, elle joue une musique obsédante sur son violon. Incapables d'entrer dans la pièce mystérieuse, le couple est de plus en plus intrigué et frustré par sa présence. Quand la femme commence à sentir les forces de la gravité, l'homme doit se décider à entendre les appels de la jeune fille et dire adieu à celle qu'il aime.
Nicholas Pye est né à Torquay, en Angleterre, en 1976. Il vit et travaille à Toronto, au Canda, où il enseigne au College of Art and Design d'Ontario. Comme musicien, Nicholas a enregistré quatre albums pour lesquels il a fait des tournées dans les années 90. Se tournant vers l'art, il a passé un Master of Fine Arts à la Concordia University en 2005. Il poursuit une pratique artistique intense, en collaboration avec son épouse Sheila, dans les domaines de la représentation, du cinéma et de la photographie grand format. Leur travail a été montré dans des galleries d'art à travers le monde, des musées, des festivals de film, et a été récemment acquis par le Smithsonian?s Institute?s Hirshhorn Museum. En 2008, ils vont participer à une résidence de six mois en Autriche, ainsi qu'à de nombreuses expositions. Filmographie ?Loudly, Death Unties? HD, 11:00, co-réalisateur/scénariste ?A Life of Errors? Super16mm, 12:00, 2006, co-réalisateur/scénariste Toronto International Film Festival, Locarno International Film Festival ?Untitled? 16mm, 7 installation loop Locarno International Film Festival ?The Paper Wall? Super16mm, 11:00, 2004, co-réalisateur/scénariste Lauréat: meilleur film expérimental, Worldwide Short Film Festival Lauréat: European Media Arts Festival Sheila Pye est née Hamilton, Ontario, en 1978. Elle a étudié la peinture, la photographie et la vidéo au College of Art and Design d'Ontario. Elle a obtenu un diplôme en production de film à la Concordia University de Montréal et a effectué une résidence au Canadian Film Centre. Elle a écrit, réalisé et produit sept courts métrages et prépare actuellement son premier long métrage, "The Young Arsonists". Son travail a récemment été selectionné au festival de Cannes. Elle enseigne au College of Art and Design d'Ontario.
Nicholas Pye, Sheila PYE
The Paper Wall
Fiction expérimentale | 16mm | couleur | 10:42 | Canada | 2004
Mis en boite dans deux chambres néanmoins séparées par une fine cloison de papier, un frère et une s?ur communiquent leurs désirs. Etonnant, provocateur et laissant perplexe, le duo est irrespirable à regarder au fur et à mesure qu'ils deviennent de plus en plus dépendant l'un de l'autre. Ils ont des besoins réciproque pour effectuer les actions physiques même les plus basiques comme respirer. "Sheila et Nicholas Pye explorent un type de rencontre différent dans leur film irritant (parfois hilarant) découvrant les vulnérabilités de l'interdépendance émotionnelle. Sarah Milroy, The Globe and Mais, This Week, Samedi 5 Juin 2003. Page M8.
SHEILA PYE est née près de Hamilton, dans l'Ontario en 1978. Elle a étudié la photographie, la peinture et la vidéo à l'Ontario College of Art and Design où elle fut diplômée et reçue la bourse maximum pour le 2ème cycle. Elle a fini son MFA en production de film à la Concordia Univeristy de Montréal. Elle vit et travaille actuellement à Toronto où elle est résidente Centre canadien du Film dans le laboratoire des directeurs. Elle a écrit, dirigé, produit, édité et structuré 5 courts métrages et est en train de développer son premier film en collaboration. Son travail a été exposé internationalement dans des galeries d'arts, des musées et des festivals. Elle a reçu de nombreuses récompenses pour son travail académique, la réalisation de films et son art visuel. Elle continue aussi une pratique artistique, souvent en collaboration avec son mari Nicholas, qui intègre leurs intérêts communs dans les spectacles, les films et des photographies à grand format. NICHOLAS PYE est né à Torquay en Finlande en 1976Il travaille et vit à Toronto. Il vient de finir son master de beaux-arts à Concordia Universities Mel Hoppenheim school of cinema et a reçut sa licence en beaux-arts à l'Ontario College of Arts an Design a printemps 2002. Jusqu'à maintenant son travail était plutôt de nature photographique mais il a souvent collaboré sur des courts métrages et travaux vidéos avec sa femme, Sheila Pye. Nicholas a fait de nombreuses expositions en galeries à Toronto, Montréal, Montréal, Miami, New York et Chicago. Tant qu'il était étudiant à OCAD et Concordia, il a reçu de nombreuses récompenses pour ses photographies et son cinéma contemporain. Nicholas enseigne pour le moment l'image artistique à l'Ontario College of Art and Design.
Yang Qiu
Xiao Cheng Er Yue (A Gentle Night)
Fiction | 4k | couleur | 15:5 | Chine | 2017
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QIU Yang was born and raised in Changzhou, China. He studied film directing at the Victorian College of the Arts, Australia. His last short film A Gentle Night was selected for the 70th Festival de Cannes Short Film Competition in 2017. And in 2015, his short Under the Sun was selected for the 68th Festival de Cannes Cinéfondation competition and is now selected for more than 80 international film festivals, including the AFI Fest, New Directors/New Films, Clermont-Ferrand, Palm Springs and nominated for the 52nd Taipei Golden Horse Award. He has been chosen to participate the Taipei Golden Horse Film Academy, mentored by the legendary film master Hou Hsiao Hsien, as well as the Swatch Art Peace Hotel residency in Shanghai. He is currently developing his first feature project Under the Sun (same title as the short), which was selected for the CineMart 2016 and Cinéfondation Residence 2017.
Morgan Quaintance
Efforts of Nature
Vidéo | 16mm | couleur | 19:0 | Royaume-Uni | 2023
Combining low resolution footage, 16mm film and satellite imagery, Efforts of Nature considers the passage of time, processes of change and dissolution from two distant perspectives: the existential level of the body and the planetary level of shifting geological conditions.
Morgan Quaintance is a London-based artist and writer. His moving image work has been shown and exhibited widely at festivals and institutions including: MOMA, New York; Mcevoy Foundaton for the Arts, San Francisco; Konsthall C, Sweden; David Dale, Glasgow; European Media Art Festival, Germany; Alchemy Film and Arts Festival, Scotland; Images Festival, Toronto; International Film Festival Rotterdam; and Third Horizon Film Festival, Miami. His practice remains open and responsive to contemporary experience and so largely eschews the rehearsal of set themes. However, interests in the human condition, the cultic milieu, counterculture, ethnography, Afro-Caribbean, East Asian and British histories, and the built environment are all mainstays. He is a 2024 MacDowell Fellow. He was the 2023 IFFR Short Film Nominee for the European Film Awards; the recipient of the 2022 ARTE Award at Kurzfilm Festival Hamburg; in 2021, the Best Documentary Short Film Award at Tacoma Film Festival, USA; the Explora Award at Curtocircuito International Film Festival, Santiago de Compostela; the UK Short Film Award at Open City Documentary Film Festival, London, the Jean Vigo Prize for Best Director at Punto de Vista, Spain, and the Best Experimental Film Award at Curtas Vila do Conde, Portugal; in 2020, the New Vision Award at CPH:DOX, Denmark and the Best Experimental Film award at Curtas Vila Do Conde, Portugal . Over the past fourteen years, his critically incisive writings on contemporary art, aesthetics and their socio-political contexts have featured in publications including Art Monthly, the Wire, and the Guardian, and helped shape and influence the UK’s new landscape of progressive cultural discourse and debate. A key reference here is his 2017 text The New Conservatism: Complicity and the UK Art World’s Performance of Progression, available here. From 2012 – 2023 he was the producer and presenter of Studio Visit, an interview-based, broadcast radio programme for London’s Resonance 104.4FM. The post-broadcast archive of over 100 interviews can be found here, and includes in depth conversations with Carolee Schneemann, Kevin Jerome Everson, Jimmie Durham, Susan Hiller, Jean Fisher, Andrea Fraser, Kathleen Daniel and Billy Woodberry.
Truong Que Chi
Black sun
Fiction | hdcam | couleur | 12:55 | Viet nam | 2012
?Soleil Noir? est le nom d?une chanson de rock qui exprime le pessimisme de la jeunesse de la République du Sud-Vietnam, avant l?unification du pays en 1975. En 2012, des jeunes fredonnent encore cette chanson. « Soleil Noir » ne fait rien d?autres que de décrire un couple de jeunes à la dérive dans la jungle urbaine de la plus grande ville du Vietnam.
Née en 1987 à Hanoi, Truong Que Chi poursuit des études cinématographiques à l?université Lyon 2 et l?université Paris 3 Sorbonne Nouvelle. Elle utilise souvent les médias audiovisuels dans ses projets artistiques et s?intéresse à l?exploration au croisement de fiction et de réalité, du passé et du présent. Ses ?uvres exposent souvent une vision critique de la société vietnamienne actuelle. « Soleil noir » est son premier court-métrage de fiction.
Albert Quesada
Solo on Bach
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 14:0 | Espagne, Belgique | 2005
Le morceau de musique connu aujourd'hui comme le "Goldberg Variations" a été publié en 1742 sous le nom de "Keyboard practice". Comme son nom d'origine l'indique, ce sont des partitions de musique à répéter. Dans cete performance solo, plusieurs espaces et mouvements de partitions ont été créés dans l'intention d'être pratiqués avec une bande son spécifique. La partition sonore proposée consiste en des chutes d'un enregistrement des Goldberg Variations, 1955 de Glenn Gould. La musique est présentée en même temps que l'artiste. Ils font un parcours parallèle à travers le morceau, ayant un dialogue constant et discontinu, changeant l'approche de ce qu'il en est de la perception. Ces approches différentes sont nourries par la partition sonore, qui a non seulement la musique mais aussi son propre dialogue. Les textes, les mots vrais d'un corps humain peuvent être aussi riches dans leur complexité qu'une partition de musique. Les sons informent et indiquent le vocabulaire de la danse d'une façon particulière. Glenn Gould à ses débuts en tant qu' artiste a choisi de jouer Bach d'une façon très personelle. Ici, le danseur, l'artiste, choisit de se présenter dans une certaine tenue qui n'est pas, à première vue, normale. Ce solo est un exercice de performance solo. Bach et Glenn Gould dirigent.
Albert Quesada est né à Barcelone en 1982. Il vit et travaille à Bruxelles. il a étudié le théâtre et la philosophie. Il apprend la danse à Barcelone, Amsterdam et Bruxelles, dans différentes écoles. Son expérience est celle de la danse moderne et de l?éveil du corps. Ses études sont sa façon de traiter le monde à travers l'improvisation dans ses formes différentes : improvisation libre, improvisation de contact. Artiste et chorégraphe, il est préoccupé par l'art d'exécuter. La liberté d'improvisation dans un ensemble spécifique, forme l'essence de ses créations. Très influencé par l'approche de performance de Deborah Hay ("Your perception is your dance"), il développe des pratiques afin de survivre la danse et faire l'expérience de la danse. Dans ses dernières ?uvres, il se concentre sur le mouvement en dehors de la fonctionnalité de l'action, où il devient pur et nécessaire. L'esprit s'abandonne dans le corps pour accomplir une tâche spécifique. Il organise actuellement le CI-Jams et le Set-Improvisation Jams, il crée des évènements d'improvisations à Amsterdam, Bruxelles et Barcelone.
Emma Quinn
Institute of Contemporary Arts
0 | 0 | | 0:0 | Royaume-Uni | 2007
Institut d'art contemporain: Regroupant un certain nombre de nouvelles formes d?art et de culture des plus prometteuses de Grande-Bretagne et du monde entier, l?Institute of Contemporary Arts (ICA) est le point de rencontre entre exploration artistique et engagement du public, examinant les questions qui façonnent la culture, la société ainsi que les vies individuelles. En tant que telle, c?est l?une des institutions d?art contemporain les plus innovantes et influentes du monde. Situé sur The Mall à Londres, il regroupe trois galeries, deux cinémas, un théâtre dans lequel se tient les concerts et les performances, un programme approfondi de discussions et bar ouvert tard le soir ainsi qu?un café muni d?un accès gratuit au wifi. L?ICA croit en l?aventure créative, en l?exploration et la découverte, et en l?art en tant qu?inspiration. Finalement, l?ICA n?est pas tant un endroit qu?un principe, une croyance en la nouveauté doublée d?une foi inébranlable dans le pouvoir de la créativité. Arts vivants et arts médiatiques: Depuis sa création en 1947, l'ICA a été une des premières institutions à encourager les différentes formes d'arts grâce à son programme d'arts vivants (performance, théâtre) et d'arts médiatique (art créé à partir d'ordinateurs, art mécanique, installation, art scientifique), et il continue à le faire depuis. L'ICA encourage des artistes qui utilisent les technologies omniprésentes qui nous entourent, qu'elles soient plus ou moins sophistiquées. Ces artistes nous permettent de ressentir le monde de manières dont nous n'avions jamais rêvé et ils nous permettent également de voir notre société sous une nouvelle perspective. Traiter des problèmes qui ont une répercussion sur nos vies quotidiennes et qui sont susceptibles de provoquer des discussions sur les ?uvres présentées est une préoccupation qui est au centre de la philosophie du programme d'arts vivants et d'arts médiatiques.
Emma Quinn est La directrice des arts vivants et des arts médiatiques de l'ICA. Avant de travailler à l'ICA elle travaillait en tant que gestionnaire de contenu pour la Mind Zone du Millenium Dome et a co-organisé des expositions indépendantes comme 'White Noise' à Brick Lane et sQwal à la Oxo Tower. Elle a également acquis une expérience commerciale en travaillant pour de nouvelles compagnies médiatiques telles que le groupe artistique Soda Creative Ltd. Elle est membre du groupe artistique Spore. Elle a obtenu un MA (Master of Arts) en arts numériques à l'université du Middlesex en 1997. Le programme de ce diplôme se concentrait principalement sur la programmation d'ordinateurs.
Ibrahim Quraishi
Camels are whispering
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 7:0 | France, Allemagne | 2022
Camels are whispering I & II is a 2-channel video installation by Ibrahim Quraishi, exploring change in human relations. Heart of the work are 2 videos of the artist with his mother, questioning that impactful relation of self-identification. Around it we hear voices of artists, activists & thinkers; people who dare to go against the grain. People who take an exceptional position & don’t vote with the majority in times of trauma, conflict or change. In a cross cultural, transgender, cross historical mix of pre-recorded statements, these outsiders are talking about why they felt change is needed. The public will be learning, sometimes laughing or crying from accounts of the participants who tell short stories no longer than 3 minutes. The selected voices of artists, philosophers, activists are: Angela Davis, Judith Butler, Marina Abramovic, Serge Latouche, Nawal Al Saadawi, Noam Chomsky, Yuval Noah Harari, Assia Djebar, Hanna Schygulla, Jessica Ekomane, Komi Togbonou, Seyran Ate?, Yara Mekawei a.o. This video installation was conceived together with the ecological architectural collective, RaumlaborBerlin, winners of 2021Golden Lion Venice Biennale for Architecture. Sound compositions are by Eunice Martins, Heidrun Schramm, Mike Ladd and mixed by composer Norscq. Videographer & animation by Alex Weiss.
The art of Ibrahim Quraishi focuses on change, inter-cultural resistance of our socio-political realities. The ”2017 List of 50 most exciting artists in Europe right now/ART NET Survey” stated: "Quraishi is a visual artist whose work encompasses various media such as video, film, analog photography, painting & performance installations. Quraishi is characterised by a nomadic existence & divides his time between several cities across Europe & the Middle East. He consciously explores the dynamics of migration and he engages in research, teaching & creative work simultaneously in various cities & spaces”. Quraishi recently launched a research group on integrated ecology & artistic practice in Lahore called “Electric Rickshaw” with The School of Moving Images in Teheran. He is currently a member of the Fine Arts Department at Gerrit Rietveld Academy Amsterdam. He was guest professor at Netherlands Film Academy Amsterdam 2014-2017 & he thought at Art University of Amsterdam between 2007-2014. He is in the midst of finishing his first feature film “Holy Mama.”. He is a regular cultural columnist for taz, die Tageszeitung DE & counterpunch US. In 2021-22 he was fellow of Stiftung Kunstfonds Germany. Most recently, Kino Arsenal Berlin screened the rough cut of his film “Baumchen Wechsel Dich”about multiple notions on migration, children & identity.
Oscar Qvale
Escape Velocity
| | couleur | 5:0 | Norvège | 2009
Technology?s physical past is fading. It is carefully covering its trails, leaving only behind negative connotations of its former, inner self; boards, circuitry and cables ? in essence its vital organs. These are present only in niche-fiction and reports on devious activities. Simultaneously, we are pouring ourselves into a collective stream of information, be it in the form of text, video, images, symbols and game avatars. We look to escape our shortcomings, to live vicariously through fictional characters ? we maneuver a space in which we are the compressed versions of each other. It is the convergence of our self- created fictional worlds with the external collective one, in the form of our preferred ways of communication. Material drawn from the different sources of our ?collective stream of information? is the basis of short films. It?s a collage of established narrative techniques, collected personal data and taped conversations. I reach out to an intimate social environment and retrieve a subjective visual record. Any documentation will be inherently flawed, extracting only some parts of a whole. The films organize diverse and dissonant elements in a cinematic dynamic that contracts. We see a small group conspiring together, concerned about shaping an object that is not yet present. It is the absence of a device or an idea. There is a strong dramaturgy to their rituals, like believers playing out a strict, scripted set of actions. By devotion and affection they seem to be wafted on into a world of enclosed private experience. It is where the mundane hobbyist encounters the darker parts of his domain. The tactile ? the construction and assembling of objects ? becomes the backdrop for a continuous deciphering of messages. The viewer is torn between a media-constructed paranoia and the comfort of the fictitious adventure ? the presence of technology is lost in science-fiction. It dissolves into an external image-space, one that exists both as a contemporary and as a distant memory. It represents a contemplative comfort-zone, turning to the realm of the private dream. This is the forensic scene. This is the place to investigate. The recurring narratives are reaching for this space, through the alienation of the familiar, by the means of forgotten devices.
Oscar Qvale (b. 1985) lives and works in Oslo. He earned his BFA degree from the Bergen National Academy of the Arts and Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig (HGB), specializing in photography. In 2012 he received his masters degree from the Oslo National Academy of Fine Art.
Lasse Raa
Recode
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 6:50 | Norvège | 2004
RECODE est une vidéo réalisée à partir d?une ligne d?un code ADN. Le séquençage de l?ADN a été réalisé par Tom Kritensen, professeur de biochimie. Ce projet a reçu le soutien du Norwegian Art Council (Art and New technology) Cette vidéo a été montrée dans les principaux festivals d?arts numériques et de nouveaux médias, à Séoul lors de ExiS 2005 ? festival de la vidéo et du film expérimental, à Rio de Janeiro lors de festival international d?art électronique et numérique, à Toronto au NFF 05: Inner Ecologies - New Forms, festival international d?arts média, à Sao Paulo, au festival international d?art numérique.
Lasse Raa est un jeune artiste qui vit et travaille à Oslo, Norvège. Il utilise différents médiums et appareils de communication. Il présente le plus souvent ses pièces et ses recherches sous forme de vidéos retravaillées numériquement. Il a étudié au Robert Meyer Art College d?Oslo.
Julian Rabus
Sunstrokes - Kevin
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 10:38 | Suisse, USA | 2024
SUNSTROKES is a method-driven and improvisation based film project produced and directed by Julian Rabus. Twenty-year-old Rachel moves from New York to Los Angeles in order to reinvent herself. Still attached to classical role models at first, she increasingly comes into conflict with them in her new environment and, in conversations with her new friends, begins to redefine her expectations of life and discover other sides to herself. This film was created in close collaboration between the director and the actors over a period of two years and a total of 32 days of shooting in Los Angeles and the surrounding area. The work consists of several chapters, of which this one focuses on the relationship between Rachel and Kevin.
Julian Rabus, born and raised in Berlin, Germany, was an assistant cameraman and assistant director in film and television before beginning a degree in fine arts / media art under Prof. Julian Rosefeldt at the Academy of Fine Arts Munich, which he received with honours in 2021. Since then he has been studying at the Berlin University of the Arts in Prof. Thomas Arslan’s class on narrative film. In between, he also attended the Karlsruhe University of Arts and Design under Prof. Serpil Turhan and the California Institute of Arts under Prof. James Benning.