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Suite au tournage d'un documentaire sur la mort de sa fille, une mère réfléchi à sa propre vie et surtout au temps qui passe.

Miryam Charles est une réalisatrice, productrice et directrice de la photographie d’origine haïtienne vivant à Montréal. Elle a produit plusieurs courts et longs métrages de fiction. Ses films ont été présentés dans divers festivals au Québec et à l’international. Son premier long métrage Cette maison a été présenté à la Berlinale, au AFI film festival en plus de faire partie du TIFF Top 10 en 2022. Elle a également lancé le court-métrage Au crépuscule au festival de Locarno. En tant que productrice, elle travaille présentement à la post-production de la série Après le déluge.

Cinq histoires différentes comprennent une seule vignette de quatre vingt dix secondes. Chaque conte illuminant un élément de la vie d'un défunt durant la veille funéraire. Une méditation sur la notion bouddhiste de réincarnation, "5x90: the wake" est un regard entendu et avisé sur une famille interraciale qui fait face à une mort en son sein.

Les oeuvres de Samuel Kiehoon ayant été récompensées sont le documenatire court "How to make Kimchi according to my Kun-Umma", le récit expérimental "5 x 90: the wake" et "Hannah".

An Ealing Trilogy is a response to selected portraits from the collection of the National Portrait Gallery, London. Commissioned by the gallery, the film re-invents the lives of inspirational people who have links to Ealing, West London including Dusty Springfield, Charlie Chaplin and Freddie Mercury. Tableaux imagery is combined with an abstract soundscape to create a captivating slow motion film portrait of people and places from a west London borough.

Eelyn Lee is an award-winning artist-filmmaker who had works screened across London including Tate Modern and Whitechapel Gallery as well as internationally in Paris, Berlin and Toronto. Using processes of devising and collaboration her films use rich imagery and soundscapes to tell multi-layered stories about people and place. She is interested in groups of people, both in the making of the work and the subject of the work itself. The vision, energy and experience she brings to the creative process builds an environment conducive to making bold and original work. www.eelynlee.com

That night, a lady met a group of lovely beasts - gigantic slimy cheesy ones.

Äggie Pak Yee Lee is an audio-visual artist/ animation director from Hong Kong, graduated in Estonia. Her works draw inspiration from the playful relationship between the flow of sound and of images, with a tint of stupidity. Both of her experimental and narrative shorts were showcased in several festivals such as Sundance, Annecy, Goldenhorse and Interfilm.

About the jade-mining lives led by the Burmese youths, most of whom work illegally for black jobs, risking and betting on their lives, for a meager living or the commitments to their beloved ones.

Yong Chao, born in Myanmar, passed the overseas College Entrance Exam of Taiwan after high school and went to university in Taiwan. During his university years, Yong Chao came into contact with the charm of image and movie, thus embarked on the journey of independent filmmaking.

Avec Oamos, Marc Lee avait un seul but: faire découvrir au spectateur des contenus susceptibles de lui plaire et de l?inspirer. Qu?est-ce qu?Oamos: D?après des thèmes lancés par le public, Oamos sollicite des machines à chercher à travers les actualités, des images, des synonymes, de la musique, des discussions, des bruits, des blogs et des vidéos. Les données sont préparées audiovisuellement et sont présentées au choix de manière pragmatique ou divertissante, avec ou sans ton, avec ou sans liens vers d?autres sites.

Marc Lee est né en 1969 en Suisse. Il crée des projets interactifs orientés vers le réseau depuis 1999 dans une production orientée vers le domaine artistique. Il expérimente des technologies d?information et de communication qui contiennent des aspects culturels, créatifs ou encore économiques et politiques. Il a dernièrement participé à d?importantes expositions d?art média, comme le ZKM de Karlsruhe, le New Museum de New York, la Biennale d?art média de Séoul, la Transmediale 02 et 04 de Berlin, le Viper 01, 03, 04 et 05 de Basel, Ars Electronica, le CeC de Dehli, le Read_Me Festival de Moscou et le ICC de Tokyo.

Le film est construit à partir d?un moment de bascule imperceptible qui nous mène du jour vers la nuit, un instant fugace où ce qui a été n?est plus, où les choses peuvent revêtir une autre signification. Plusieurs voix-off qui se croisent par le téléphone portable sur les écoutes téléphoniques, qui parlent de fantômes, nous guident à travers la ville, tandis que la caméra semble en quête d?une parcelle de territoire, d?une concordance récit ? image. La topographie du lieu s?avance et se construit en parallèle d?une autre topographie, elle mentale, jusqu?à, peut-être leur rencontre, quelque part ici, dans un nouvel espace psychique. Une histoire personnelle se livre à travers la ville de Séoul, à nous de la suivre et de choisir le terrain d?interprétation : vérité, conte (urbain)?

HeeWon Navi LEE Born in December 1978, at Kyeung Ki - Do, South Korea. She worked as a stylist in Seoul, and since 2002 it is installed in France. After studying visual communication at the Ecole Nationale Superieure d?Art de Nancy, Won Hee LEE Navi integrates the Fresnoy - Studio National des Arts Contemporain. His research and practice various artistic blend clothing influences ranging from cinema to graphics, sound installation. His works are moving and using more and more new media across a digital world in works such as;

Meesoo Lee a commencé à faire de la vidéo en utilisant un caméscope et deux magnétoscopes. Inspiré par les DIY ethos of Zines, la musique « lo-fi » et le cinéma d?avant-garde, il réalise des vidéos originales inspirées de la méthode du « vidéo-clip ». Il prétend que ce médium peu coûteux ouvre la voie à un monde infini de créativité et permet l?apprentissage autodidacte sous forme «d?essai-erreur». Meesoo Lee a réalisé des dizaines de courts métrages qui ont été présentés dans divers festivals ainsi qu?au Festival du Front Occidental et au Festival des Images à Toronto

Inspired by Old Master paintings, three slow-moving tableaux images appear depicting scenes of conflict and resolution on the streets, at home and in the workplace. Shot on locations in East London the images feature young people playing various roles including a young pregnant mum representing Justice and a smart young man battling with a politician at the doors of a local Job Centre. These evocative and multi-layered images employ both photographic and filmmaking techniques, challenging the audience to see different things in them on each viewing. Under the direction of Eelyn Lee, young filmmakers and photographers from A New Direction?s Headstart worked alongside filmmakers at Eelyn Lee Productions and photographers Tim & Barry to create this compelling piece of moving image work. Commissioned by A New Direction

Eelyn Lee is a filmmaker and managing director of Eelyn Lee Productions. After studying fine art she founded the performance group Sacred Cow, producing site-responsive visual theatre in the North of England during the 1990?s. Following a Post-Graduate in sculpture, her work became more installation based, which in turn triggered a career in filmmaking. Her visual art and performance background continues to inform her narrative-led filmmaking, a career in which now spans 15 years. Eelyn has written, produced and directed documentaries, short films and animations. She has a strong reputation for making high quality films about young people that are often devised through participatory processes. Her films have been broadcast on TV and online, shown in festivals and distributed on DVD. In 2012 she received the ?RITTER SPORT Film Prize? for Life and Deaf, a short film selected for the competition programme of the 6th ZEBRA Poetry Film Festival in Berlin. Eelyn lives and works in London and Sheffield and is currently developing ideas for narrative feature films.

LA PLUIE est une rencontre dans un paysage typique, dont l’apparente magie ne saurait faire oublier le drame de la situation. Des voix se font entendre. Qui sont-elles ? Peu à peu leur histoire nous est contée et leur présence semble flotter à nos côtés. Ce film est un hommage aux victimes de l’exploitation sexuelle en temps guère établie par le gouvernement japonais durant la seconde guerre mondiale. Les victimes n’ont pas encore été reconnues par le Japon. Elles sont Coréennes, Chinoises, Philippines, Thaïlandaises, Vietnamiennes, Malaisiennes, Indonésiennes… Ce projet n’intente pas un procès au Japon, mais se focalise sur la douleur humaine traduite métaphoriquement à travers la figure du fantôme et rend hommage à ces femmes. La réalité virtuelle est le moyen le plus approprié pour explorer la vision d’un spectre. Cette mise en forme, la multiplicité de modes de production qu’elle induit, permet d’envisager une immersion totale dans l’œuvre et créer une identification immédiate ; un flou entre les limites physiques et mentales du spectateur et des personnages. Le supplément d’informations que produit la VR enrichit l’environnement du spectateur et l’implique activement dans l’œuvre.

HeeWon Lee est née en 1978 en Corée du Sud. Après avoir étudié la mode à Séoul elle s’installe en France fin 2002 ; elle suit l’enseignement du français à l’université de Nancy II et poursuit son activité artistique. Elle entre à l’Ecole Nationale Supérieure d’Art de Nancy, option Communication Art Visuel, avant de conclure son parcours par un post diplôme au Fresnoy - Studio National des Arts Contemporains, à Tourcoing. Heewon Lee est une artiste multimédia qui développe une pratique artistique où se rencontre vidéo, graphisme, son et installation. Son travail inspiré par notre quotidien opère de légers déplacements qui nous plongent dans un univers fragile et onirique. Ses projets ont été primés et présentés à de nombreuses reprises : Jeunes Talents-Air France, la Diagonale des Arts- Biennale d’art contemporain, Busan International Video Festival, Vidéographie(s), Vidéoformes...et diffusés en France au Grand palais, Palais de Tokyo, Air France, Féstival Némo au 104 et La Gaîté Lyrique, BIAN II au Cinémathèque québécoise, Montréal, Digital life, à Rome, the Special Olympics World Winter Games PyeongChang, Nabi center, Corée du sud, Museum of Art Hong Wan, Beijing... Ses oeuvres sont régulièrement diffusées au Brésil, Canada, Corée du Sud, Maroc, Espagne, Italie, France…

Garden of all spheres is a VR experience which exhibits the live simulation of a pseudo-ecosystem. The garden is built in the video game environment, which can exhibit the most advanced technology in the production and presentation of real-time CGI and simulation. The library of the virtual scenery is parallel with the modern natural history museum - the eye-catching collection of nature - the inventories which are ever-expanding and impossible to complete. Skysphere is a primary, simple prop for creating an illusion of horizon. In the nature of Virtual Reality, the player?s eye is located in the centre of the sphere. It becomes her private sky which is impossible to feel the scale of it - as much like as the sky in the physical world. The camera moves beyond the stage, from inner shell to outer shell and reveals the boundary of human-centred viewpoint. This spherical garden mediated through VR glasses, which embodies the desire for a seamlessly expanded vision. All the animals, humanoids, trees, stones, lights, skies are reflected on the surface of gazing ball and exhibited in the spherical vitrine, and the exhibition becomes meta-ecosphere.

Yoonjoo Lee is a multi-disciplinary artist based in Berlin. Her artistic practice generally focuses on the relationship between voyeuristic/Intellectual curiosity and technology of representation. She uses various digital technologies such as 3d animation and video game engines for a platform of the moving image experiments and explores the apparatus-mediated vision. She is currently studying experimental film and generative art in the Berlin University of Arts.

Jan Robert Leegte a étudié à l'académie des arts de Rotterdam, après trois ans d'études d' architecture à l'université de Delft. PArallèlement à ses performances et installations, il a commencé à travailler pour internet en 1997. http://rhizome.org/thread.rhiz?thread=20448&page=1#39300

Des hommes et des femmes crient puis s’attroupent, s’agitent puis s’enlacent. Paul leur dit adieu. Il quitte l’institution avec l’espoir peut-être d’un nouveau départ, mais au dehors, d’une chambre à l’autre, partout le passé persiste.

Pierre Lefrançois Vérove est né en 1989 et vit à Montreuil. Il a étudié aux beaux-arts de Paris-Cergy avant d’intégrer le Fresnoy, studio national des arts contemporains en 2021. Ses travaux, films et textes s’attachent aux marges visibles ou invisibles et à celles et ceux qui les peuplent. Une considération qui l’a mené à entrer dans le champ de la psychothérapie institutionnelle (La chambre de Paul, 2022) ou encore à tirer le fil des frontières européennes entre Paris et l’île de Lesbos en Grèce (Algèbre, 2019).

dans une ville du nord, une explosion a eu lieu...

je suis artiste diplomé d`une école régionale du nord de la france. j`hésite dans mes créations entre ne rien faire, la poësie et la fiction.

Tissage d'un ruban super-8 tourné en 2002, transféré artisanalement en mini-DV pour être composé numériquement. Essai de visions cinématographiques, d'accès à un autre visible à partir du visuel et de la Lumière. Eclatements de motifs géométriques et floraux selon les différents niveaux de recompositions du ruban initial. Partitionné autour d'un centre inaccessible, D-VIDE fusionne directement dans l'esprit du spectateur qui l'anime.

Né en 1977, titulaire d'une maîtrise d'Etudes Cinématographiques et Audiovisuelles soutenue à l'université de Paris 8, Sylvain Legrand travaille actuellement "autour du Monde" et continue de mener des projets cinématographiques personnels.

Essai de reconstitution visuelle, par le jeu des vitesses du battement d'un, deux, trois ou quatre bâtons colorés, d'un cube décomposé.

Sylvain est né en 1977 ; titulaire d'une maîtrise de cinéma à Paris 8, il fait le tour du monde sans bouger et des petits films.

ROUTE TO CAPE TOWN Au départ divertissant road-movie , le film se transforme en une vidéo musicale rythmée dont la force nous entraîne. C'est un poème cinématographique, une oeuvre visuelle et sonore. Une esquisse, un dessin en mouvement. Des rues qui mènent en ville. De courts moments dans le centre historique de Cape Town, des rues de traverse. Des gens, des piétons, de brefs regards. Tout est en mouvement, les gens, les voitures, la caméra. Qui connaît la ville et les environs peut reconnaître la topographie. Les prises de vue ont toutes été faites dans des rues différentes menant en ville, pourtant elles ne relèvent pas du documentaire - les temps ne correspondent pas, les mouvements de la caméra ne sont pas linéaires. Ce sont des fragments de temps. Le montage du film et de la musique permettent de mettre le début à la fin et vice-versa. Temps figé, temps parallèle. Arrêt et mouvement confondus. Le rythme est lent au début, devient de plus en plus rapide, interrompu par des plans panoramiques. Une son concret devient musique, une sonorité devient un paysage sonore. Un poème sonore sur un lieu et par-dessus tout une profonde mélancolie. De courts moments avec des gens, nous ne les rencontrons pas, nous ne faisons pas leur connaissance. C'est la brève rencontre des regards, que savons-nous de nos semblables, que veut seulement dire connaître quelqu'un,un endroit, une paysage? Un sentiment, une expérience, des souvenirs, mais finalement tout se résume à un court instant. Nos pensées les plus secrètes sont écrites comme à l'encre sur les vagues de la mer. ROUTE TO CAPE TOWN est un court poème en noir et blanc, fait de sons et d'images, il s'y trouve quelque chose de mystérieux, de sombre. Tout est tourné à partir d'une voiture en marche, pourtant le calme est dans le mouvement, le court moment, un fragment vécu. Les images sont floues, sales, quelquefois le pare-brise s'y reflète. Notre mémoire n'est pas linéaire. Une mosaïque de sonorités, d'images, d'impressions. Qu'est-ce qui se cache derrière les visages des gens qui nous regardent au moment où nous passons devant eux? Le film utilise des images et des sonorités concrètes pour un poème abstrait fait de forme et de rythme. Quelques courtes minutes de Cape Town en Afrique du Sud- une ville étrangère constituée de moments, qui nous semble à la fin étrangement familière

BIOGRAPHIE: WOLFGANG LEHMANN 1967 Fribourg en Brisgau, s'occupe principalement de films d'art et de musique nouvelle. Textes pour différentes publications. A travaillé pour des films comme auteur, réalisateur, cameraman et monteur. On peut voir ses films dans des festivals, dans les cinémas d'art et d'essai et dans les galeries en Europe comme en-dehors. Jusqu'à présent présentation d'oeuvres en Allemagne et en Italie. Depuis plus de dix ans organisation de festivals, de séries de films, de conférences et d'introductions de films, tout particulièrement l'avant-garde "classique". THOMAS GERWIN (*1955) est un compositeur de formation classique et musicologue. Il est venu très tôt à la musqiue électroacoustqiue, depuis 1990 il s'occupe en outre de façon intensive de "Soundscape Composition" et d'art radiophonique. Actuellement il compose pour la radio et des concerts dans son propre studio, et crée des installations sonores et vidéo. Il inclut en permanence les nouveaux médias, le théâtre, la danse, le cinéma et la sculpture comme moyens d'expression de ses travaux. Projections et expositions dans le monde entier, différents prix et bourses. Thomas Gerwin a fondé en 2001 la "Gesellschaft für multisensoriale Kunst" ("compagnie de l'art multisensoriel" ) et en 2002 le "Berliner Lautsprecher-Orchester", depuis 2003 il supervise la série de concerts "KlangWelten" au "Unsicht-Bar Berlin", où il interprète, dans une totale pénombre, de l'ars acustica avec une boîte musicale. www.thomasgerwin.de

Moving trough the world wide web means being exposed to a variety of content in a high tempo which does not always attract you, but can also seem revolting to you. The resulting emotional state of the user - a feeling of being overwhelmed and a certain unsteadiness - is the starting point of the work “66mio views“. The viewer is sitting inside a room filling installation. Head mounted displays enable him to be part of an immersive VR environment in which he faces irregular shapes and so called “non-player characters“ (NPCs). The shapes are textured with videos from common Image- boards (4chan, 9gag, ...) as well as viral YouTube videos. Their content is diverse and evokes not only positive emotions (e.g. videos of puppies), but also very negative emotions (e.g. so-called gore videos, videos of violence). In a self- developing rhythm of motion, the forms relate to the position of the viewer, move towards him, go through him and move away from him. Various NPCs from 3D-model databases approach the viewer and recite text-sequences from the videos in varying tonalities. This immersive installation understands the technical infrastructure (computercases, cables, ...) as an instrument which designs and shapes the space. It is being expanded with ropes as well as pictures and text fragments from the videos. Stacks of prints show extracts from the videos and thereby display their content transformed and adapted to an analogue medium. The visitors are invited to take these prints with them and transform the content once again by removing it from its original place. Keywords like connectivity/disconnectivity and comprehension/incomprehension as well as thinking about the digital space as an emotional shaping tool led to this installation which connects digital and analogue content in an abstract, fragmented way. (The installation was originally developed for a specific exhibition space in the basement of „Halle 14 - center for contemporary art“ in Leipzig. However, we can set up the installation with regards to any available space, as its dimensions are variable. At least one VR system, ropes and prints in different sizes are fixed.) Yannick Harter, Fabian Lehmann, 2019

Fabian Lehmann (*1988, Castrop-Rauxel, Germany) graduated at University of Applied Sciences, Bielefeld (2015) with degree Bachelor of Arts „Photography and Media“. Since 2016 he is studying „Media Art“ at the „Academy of fine Arts, Leipzig“ in the class „Expanded Cinema“ / Prof. Clemens von Wedemeyer and has studied „Fine Arts“ at „Bezalel Academy of Arts and Design“ in Jerusalem during an exchange semester. His artistic work focus on different communication systems and how digital techniques shapes the humanity and society. He had various exhibitions in Germany and Europe e.g. Hamburger Triennale der Fotografie (Hamburg), Gallery „Kunstpunkt“ (Berlin), Emscherkunst 2016 (Dortmund) Siva Galerija, (Zagreb) UG Halle 14 (Leipzig) Yannick Harter (*1990, Worms, Germany) is a trained productdesigner, who worked in branches like automotive industry and medical cybernetics. Since 2016 he is studying „Media Art“ at the „Academy of fine Arts, Leipzig“ in the class „Installation and Space“ / Prof. Joachim Blank and has studied „Visual Communication“ at „Latvias Art Academy“ in Riga during an exchange semester. His artistic practice oscillates around the intersection between art, science and society. He had various exhibitions in Germany and Europe e.g. Kaiserwerke (Gera), Gallery? „Kunstpunkt“ (Berlin), Obro?ców Stalingradu 17 (Szczecin), D27 (Riga), UG Halle 14 (Leipzig) Yannick Harter participated in several curatorial and educational projects and volunteered as artist assistant e.g. at Kunstverein (Leipzig), Neustadprojekte (Mainz), Latvian Center for Contemporary Art and Survival Kit 10.0 (Riga)

"La photo a été prise à l'aide d'une planche peinte, dans le parc Kuling à Lushan..." Une femme se rappelle l'histoire qui se cache derrière une photographie: c'était une journée d'été radieuse dans les années 80. Sa famille s’était rendue à Lushan pour échapper à la chaleur. Au fil de ses souvenirs, nous découvrons peu à peu l'histoire oubliée et cette photographie altérée par des taches d’eau.

Lei Lei est artiste et réalisateur. Il est né à Nanchang, dans la province du Jiangxi, en 1985. Artiste d'animation expérimental, il touche également à la vidéo, à la peinture, à l'installation, à la musique et à la performance VJ. En 2009, il a obtenu un Master en animation de l'Université Tsinghua, Pékin (Chine). En 2010, son film "This is LOVE" a été présenté au Ottawa International Animation Festival, Ottawa (Canada), où il a reçu le prix Best Narrative Short Award. En 2013, son film "Recycled" a remporté le Grand Prix du film court non narratif au Holland International Animation Film Festival, Utrecht (Pays-Bas). En 2014, il a fait partie du jury du Animafest Zagreb (Croatie) et du Holland International Animation Film Festival, Utrecht (Pays-Bas). Il a également remporté la bourse 2014 du Asian Cultural Council. En 2017, il a travaillé dans le programme CalArts Experimental Animation, Los Angeles (USA), en tant que membre du corps enseignant. En 2018, il a été invité à joindre la branche des courts et longs métrages d'animation de l'Académie des Oscars. En 2019, son premier long métrage, "Breathless Animals" a été sélectionné dans la section Forum de la Berlinale, Berlin (Allemagne).

¡¶What ¡· The "what", is my first Video works. Since 1986, I was a photographer and I`ve been travelling different small city in China 1993-1998, I shooting a lot of black and white photographs , During that period, I also use a Hi8 camera casually shooting something.The piece material of "what" all from that Hi8 camera. In fact, I did not think of the future to put them into a film editing. There is just some messy, about some of China`s cities and towns. The middle of 2012, I was opened these Hi8 tapes, I start editing the material, and I hope they become a movie. I don`t want some subjective intervention into the "what", I hope it is messy, I hope it is messy, fury, in a disorderly daily style, commemorate my trip. This movie only made of my own, have not other people involved, music also by me.

biographical Han Lei, 1967 Born in Kaifeng, Henan Province, China, 1989 Graduated from Central Academy of Craft and Design, Beijing, China. Currently works and lives in Beijing, China. in creative photography from 1986. since 1993-1997, Travel in the small cities of China and shoot a lot of black and white photographs. In 1998 series Win The ¡°1998 Mother Jones International Fund for Documentary Photography Awards¡±, (San Francisco, U.S.A) In 1996-1997 A solo Exhibition , show in Helsinki, Finland, Berlin, Germany and Beijing, China. Selected Other solo exhibitions include: 1995 , Brussels, Belgium. 2005 Gallery Polaris, Paris, France, Killing Legend, 798 Photo Gallery, Beijing, China. 2006 ¨C 2012: , Gallery LOFT, Paris, France. , Hanart TZ Gallery, Hong Kong, China. 2010 , Talkang Space, Beijing, China. 2012 M97 Gallery,Shanghai, china. Selected Group Exhibitions include: 1996 , Reithalle, Munich, Germany, 2000 , Frankfurt, Germany; New York, U.S.A. 2007 Rome, Italy. , Prague International Museum, Prague, Czech Republic. 2012 , Lianzhou, Guangdong, China

SCREENING (HD, 9 min, 2011, single screen) SCREENING is based on the association of screen-tests and auditioning, that is often attached as extra material on dvds. Five female characters of age 16-30, are filmed in a white studio. They are wearing ordinary clothes and at first sight it might look like they are filmed just as ?themselves? in front of the camera. After a while it becomes more obvious that they go in and out of, and are trying out different roles. The characters do not know that the camera is recording the whole time during the shooting, even when they are stopped in the middle of an act; this to create an interaction of acting, trying to act, or just being themselves. Feminine expressions are contrasted with masculine to generate friction and to enhance the collision of the characters? attempts to go into a role, failing and managing the role.

Kaja Leijon is born in Tromsø, 1980, and now lives and works in Oslo, Norway. She is educated at the National Academy of Fine Arts. During her education she participated in several exchange programs, among those at CalArts, US. Leijon works with film and photography. Leijon recently had a solo exhibition at Trøndelag senter for samtidskunst. Her films have been screened at international exhibitions and film festivals such as; National Taiwan Museum of Fine Arts, Kunsthalle in Mainz, Luis Adelantado Gallery, Videonale and Kasseler Dokumentar und videofest,