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A film that shows locations in California that has "played" other parts of the world in early Hollywood films. By revisiting these old locations, documenting them as they look today and by letting sounds from the old films inhabit them, the films constructs the Californian landscape as a place out of time and place.

John Skoog (born 1985 in Malmö, lives and works in Copenhagen) studied at the Städelschule in Frankfurt. He was awarded the Baloise Art Prize in 2014 and the Ars-Viva prize in 2013. Recent exibitions and screenings include Mad Horizon, Index Contemporary Art Foundation, Stockholm, SE (2016) Värn, Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (MUMOK, 2015), Slow Return, Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main (2015), Shadowland, Pilar Corrias, London (2015),Berlin International Film Festival (2015) and Federsee, Johan Berggren Gallery, Malmö (2013). Skoog is currently the professor of the film class at the Art Academy in Mainz.

Synopsis: A film taking place in the dusk hour between that the sun has set and it gets dark. Thirteen scenes that show a rural village in the southern provinces of Sweden. Dusk falls, and you`re walking home and suddenly you can?t tell if it is the neighbor?s dog or a wolf standing further down the road.

Sent på Jorden is John Skoog?s debut film. Skoog, b. 1985, started as a teenager making experimental film, photography and film installations, shown at film festivals and museums around the world. John studied fine arts at Staatliche Hochschule für bildende Kunst, Städelschule in Frankfurt am Main.

In the early 1940’s the farm-worker Karl-Göran Persson started to fortify his small house in the flat farmlands of southern Sweden. He wanted to build a place where he and the people in the village could find refuge in the event of a Soviet invasion. He took any metal he could get cheap or for free from the neighboring farmers and used it as reinforcement for the cement casting of the house`s new exterior walls. Karl-Göran lived alone in the house and continued his re-construction until his death in 1975.

Working with film and video John Skoog follows in the tradition of Scandinavian film making through the use of stark landscapes and slow pacing. The poetic use of the Swedish landscape and powerful studies of character and emotion evoke memories of film works by cinema greats such as Victor Sjostrom and Mauritz Stiller. Skoog has been awarded the Baloise Art Prize, Art Basel (2014), ’1KM film scholarship’ from Stockholm Film festival (2013), the Hessische Kulturstiftung travel grant (2013), the ARS-VIVA Prize (2013/14), Malmö Art Museum 2013 Art Grant, Aase & Richard Björklund fund, and the ARTFILM Prize, Lichter International Film Festival (2013) and a one year working grant from Stiftung Kunstfonds, Bonn (2014). As part of winning the Ars-Viva Prize 2013/14, Skoog has shown at Neues Museum Weimar, MMK Museum fur Moderne Kunst Frankfurt am Main and GAM – Galleria civica d’arte moderna e contemporanea Torino. In 2015, as the winner of the Baloise Art Prize, Skoog will have two major solo exhibitions at Museum für Moderne Kunst (MMK), Frankfurt am Main and Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (MUMOK). Born in Kvidinge 1985, Skoog graduated from the Staedelschule, Frankfurt in 2012. Selected shows and festivals include: Slow Return, MMK Museum fur Moderne Kunst Frankfurt am Main (2015); 65th Berlinale, Berlin (2015); Real DMZ Project 2014, Cheorwon-gun, Gangwon-do & Artsonje Center, Seoul (2014); Redoubt, Towner Contemporary Art Museum, Eastbourne (2014); A Time for Dreams: 4th Moscow International Biennale for Young Art, National Centre for Contemporary Arts (NCCA), Moscow (2014); Ars Viva Prize: Truth/Reality, MMK Museum fur Moderne Kunst Frankfurt am Main; GAM Galleria civica d’arte moderna e contemporanea, Turin (2014); Taming the Narrative, Basis as a part of b3 Biennale, Frankfurt am Main (2013); Echo Release, NKV Nassauischer Kunstverein Wiesbaden, Wiesbaden (2013); Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (2014 & -13); Video_Dumbo, Eyebeam Art + Technology Center, New York (2013); Spectrum Rotterdam International Film Festival, Rotterdam (2013); Sent på Jorden, Art Lab Gnesta, Gnesta (2013); Indielisboa, Lisbon International Film Festival, Lisbon, (2014 & -12), Rencontres Internationales: Paris, Centre Pompidou, Paris, (2014 & -11). John Skoog lives and works in Frankfurt.

A Radiophonic Fairytale Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de The Beautiful Schizophonic

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

Alenbi Moment. Scénario imaginé. Ce court métrage se focalise sur la mémoire d'un lieu. Comme si ce "lieu", dans ce cas Alenbi street à Tel Aviv, aurait sa propre mémoire fantasmagorique d'un meurtre. Les seuls témoins et commentateurs silencieux sont les mystérieux mannequins abrités dans la devanture d'un magazine sombrement éclairés et les images couvertes de graffiti d'un signe d'arrêt de bus.

Ron Slavin est un artiste cross media audio-visuel, un chasseur d'images. Il travaille avec différentes formes de vidéos et de sons, improvisation audio-visuelles en direct, de la vidéo non-interactive, cinéma, de la musique digitale et acoustique et de la peinture. Il travaille dans le monde de l'art contemporain et de la nouvelle scène musicale, ses ?uvres visuelles et sonores sont difficiles à définir. Elles ont été décrites comme ayant plusieurs facettes, étant intensivement urbaines, sombres et souvent surréelles. Ses travaux audio sont une vaste culmination de procédés soniques et de panoramas de manipulations digitales électro-acoustiques souvent dérivées du piano et de la guitare. Son exploration de l'improvisation audio-visuelle en direct est basée sur l'image, effondre la narration pour en faire une formation digitale non linéaire et générant des sons. Ses improvisations maintiennent une interaction proche entre le son à temps réel et la vidéo où le flux visuel provoque des sons, alternativement comme un flux mental ou bien un re-assemblement de la mémoire basé sur des données telles que les couleurs ou bien la vitesse du mouvement des images. Pour cela il à crée un programme avec lequel il peut prendre ou bien perdre contrôle sur le cours des choses, en temps réel, dans une plate-forme ou le texte, le son et l'image se juxtaposent et ou le flux d'images se transforme et fait surface. Son catalogue divers de vidéos est un corps hybride de travaux allant de courtes mini histoires jusqu'à des vidéos de moyenne longueur. Il publia sur les labels musicaux Cronica, Mille Plateaux et Sub Rosa entre autres et montra et présenta ses ?uvres dans différentes plates-formes

GOLDEN TWILIGHT MOMENTS Film numérique, fait spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images et Son par Ran Slavin

ran slavin alias Tonr, extrait, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

Insomniac City [version 1] ??Insomniac City? ? se base sur des clichés instantanés et des fictions contemporaines urbaines entrelacées qui présentent la ville de Tel Avive, ainsi qu?un changement radical instable de l?espace-temps et de la substance de la ville. Cette vidéo travaille avec l?espace de la ville, avec ses lieux et ses sons, combinant les interventions numériques dans le réel (dans le documentaire) dérivant entre une réalité connue et hallucinatoire. Le film mélange l?espace urbain et les modes de perceptions. Il rencontre une perte d?identité, la brouille, l?eau, le rêve, un revolver, une fille, le présent, l?architecture futuriste, un taxi, des lieux désertés et une île artificielle. À travers les figures en jeu, il explore les lieux de la ville, des nouvelles tours rutilantes aux bidonvilles, de l?air de la mer, possédant la ville / l?expérience au travers d?un labyrinthe d?insomnies confuses. Il explore grâce à la vidéo et au son, une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine et offre un regard mélangé sur une ville en transit, en déplacement et décadente alors qu?elle vérifie continuellement les limites de la réalité et de l?illusion, du rêve présent et du futur, architecture (architecture possible et îles artificielle) à la fois physique et métaphysique. À travers un flux comme une insomnie, un regard dérive de la perception extérieure à la suspension interne, interprétant ce que nous voyons et ce que nous pensons en une zone de demi-jour émotionnelle. Insomnie : Une suspension temporaire des fonctions ainsi que celles de l?âme volontaire et rationnelle ; état de l?animal dans lequel il y a une perception sensorielle affaiblie, une confusion des idées et une perte du contrôle mental, suivie par un état plus ou moins inconscient. Insomniac City, par l?artiste sonore et vidéaste Ran Slavin, est une projection cinématographique en morceaux, qui changent de forme et de durée avec leur développement. Le premier morceau fut montré à la 9e Biennale d?Architecture de Venise en septembre 2004, puis à Tel Avive Haifa et la Cinémathèque de Jérusalem, lors du 27e festival du Cinéma Méditerranéen de Montpellier en octobre, au ??Documentaire sur Grand Ecran?? à Paris en novembre [part 1], à Audio-Frames Sonic festival à Lile, en France et au 9e International Itambul Biennal. Ecrit, dirigé, monté, musique, caméra et post production par Ran Slavin. Acteurs : Irad Matzliah, Ran Slavin Mixage stéréo : Ran Slavin Mixage Dolby : Itzik Cohen Caméra submersible : Alain Daniel Remerciement spéciaux à Daniel Milo et Itzik Cohen. Fait à Tel Avive (05/2004).

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Avive. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centre d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, où il est invité à la fois pour ses vidéos et pour des performances sonores en live, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé, avec cette vidéo, à la 9e biennale de Venise d?architecture. Ses pièces sonores sont dans le label portugais Cronica. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner. Le travail de Ran Slavin est présenté depuis plusieurs années aux Rencontres internationales Paris/Berlin, pour des projections et des interventions sonores en direct.

"Insomniac City" est une mutation du cinéma expérimental et du thriller noir, combinant les interventions numériques sur des images documentaires. Tel Aviv est découpée et comme greffée dans un paysage à la fois physique et mental, entre réalité et rêve, documentaire et fiction. Au travers des figures qui sont en jeu, cette vidéo explore les espaces de la ville, qui est expérimentée au travers d?une insomnie labyrinthique, depuis les nouvelles tours étincelantes, jusqu'aux quartiers les plus pauvres, de l?air à la mer. Elle explore une psyché cachée dans le chaos de la texture urbaine.

Ran Slavin est né en 1967, à Jérusalem. Il a vécu aux Etats-Unis, à Londres, à Singapour. Il vit et travaille actuellement à Tel Aviv. Ses vidéos sont projetées dans les cinémathèques, centres d?art, expositions et festivals internationaux d?arts numériques et de nouveaux médias, et événements dans le domaine du son et de la musique expérimentale, entre autres à la Transmediale, au V2 à Rotterdam, à la biennale d?Istanbul, à Pékin. Ran Slavin a participé avec "Insomniac City" à la 9ème biennale de Venise d?architecture. Ran Slavin collabore également avec des danseurs et chorégraphes, ou avec des musiciens comme John Zorn ou Thomas Köner.

Radio Film numérique, réalisé spécialement pour le DVD "Cronica 021-2005" : "Can I have 2 minutes of your time?". Images de Ran Slavin Son de James Eck Rippie

ran slavin alias Tonr, Extract, Iran_Comp, Aerial, Rose Of Jericho, est un compositeur et improviseur audio/vidéo. En tant que bassiste, guitariste et artiste d'installations, il a commencé à jouer et donner des représentations dans divers groupes sonores expérimentaux à Israël et Londres dans les années 1980 et 1990, mais depuis la moitié des années 1990 il s'est consacré à la musique numérique, le son et le traitement vidéo. Son travail est souvent un mélange entre son et image et la relation symbiotique entre eux, explorant la vidéo non linéaire et le cinéma en temps réel avec des logiciels vidéo et sonores personnalisés à travers les thèmes des arts graphiques, de l'urbanisme, de la dispersion et du traitement numérique. Ses récits évoluent et se transforment autour de la déconstruction de la vidéo et du son.

Smoke and Mirrors / Ran Slavin / Video and sound / Length: 3:54 minutes/ Loop / Media: 1 or 3 channel HD video file screening. Exterior, south Tel Aviv, night, a gas station`s spot lights suddenly burst with steam, a nearby car suddenly sets on fire. Mirrored smoke patters appear to hover under a bridge and to burst in old dusty luck machines in a beat pinball game arcade. A silhouette of a mysteriously still man blinks on and off nervously. Smoke and Mirrors. from Wikipedia: Smoke and mirrors is a metaphor for a fraudulent, deceptive or insubstantial explanation or description. The source of the name is based on magician`s illusions, where magicians make objects appear or disappear by extending or retracting mirrors amid a confusing burst of smoke and also a slang for magic acts and `freak show` displays that depend on`trompe l`oeil` effects. More generally, "smoke and mirrors" may refer to any sort of presentation by which the audience is intended to be deceived. The term is derived from the dubious vaudeville ( vaudeville etymology: voix de ville, or "voice of the city") techniques traditionally used by stage magicians.

Ran Slavin is a video and digital media artist. After graduating from the Art Academy in Jerusalem in 1990, continuously treading both visual and sound paths. Today Ran works with video installation, cinema, experimental film and live-video-sound performance. Attracted to the uncanny, a world of wonder and a universe of unresolved mysteries, some of the narratives and visual vocabulary in his work feature images of an abandoned gas station bursting in steam and a car on fire (Smoke and Mirrors), a sunken man underwater with a gun, a tied tattooed woman in a hotel room in Shanghai plotting with a stranger on the phone and a dancing dandy assassin in the corridor (The Insomniac City Cycles), people sound-synched to the barking of dogs (Everything Is Urgent), a medieval science fiction history revealed under Jerusalem (Ursulimum). Sound; With various wide activity in the Israeli underground music scene, from pioneering punk in the early 80`s and post punk in late 80`s in London, to experimental and contemporary electronica. Ran`s brief history in music includes collaborations with musicians and dance ensembles, groups, and performances with over ten solo records released on the labels Crónica, Mille Plateaux, Sub Rosa, Ak Duck, Earsay, Hed Arzi, Nana Discs. Ran has explored metal music, drum and bass, punk, ambient, glitch, experimental. His sound is restless and currently verges on drone compositions. Live video-sound; In Ran`s live performances, pulses of video and texts translate live into a visual-sound meltdown in a process of randomization. Disturbance and contradiction form a visual-musical score. Accidental esthetics form a music of chance. A custom Module, interprets video data of motion, color velocity, mouse movements into sound. The result can`t be fully predetermined. This exploration questions the true essence of live performance. Is it destined to be a repetition and presentation of a well rehearsed and predetermined score or a complete new and unforeseen event? How does video interpret into sound? What kind of meanings will it produce? Selected exhibitions, screenings and presentations include Mediations Biennale (Polin), Manifesta (Belgium), Venice Architecture Biennial, Liverpool Biennial, The Torino Film festival, Maerzmusic (Berlin) Ars Electronica [Austria, an honorary mention], Transmediale [Berlin], Deaf [Rotterdam], Rencontres Internationales [Madrid-Berlin-Paris], 9th International Istanbul Biennial, Videoformes (France) Netwerk Contemporary Art Centre [Aalst], Petah Tikva Art Museum [Israel], Museum on the Seam (Jerusalem), Gallery Givon (Israel)

THE INSOMNIAC CYCLES Written produced and directed by Ran Slavin 70" min. A man is waking up in a parking lot, shot in the shoulder, he can?t recall how he ended up there, where did the gun he carried with him disappear and whether he is a victim of a crime, or alternatively, a killer. ?The insomniac city cycles?, fluctuates at that point on the axis of reality versus fiction, reality versus imagination and creates an affinity between the protagonist?s mental space and the urbanite one. The colossal and frantic urban topography which envelops the protagonist exhibits a limbo which fables to a mental state where the character is ?stuck? between wakefulness and sleep up to the point where all borders become blurred and reality itself resembles a dream, or better said, a nightmare, in which one can no longer distinguish between truth and lie. He continuously asks himself, ?Is it real??, ?Am I dreaming??, ?Where am I?? Slavin succeeded in creating a spectacular cinematic process in which opposites simultaneously occur as an action of self negation (for example, through the intelligent and rational use of instant replay) and by doing so constructs a space-time devoid reality, both imaginary and real at the same time, which enables us to examine all occurrences, including dreams and memories, as having an equal ontological status. The 2nd part of the film starts when a woman waking up in a hotel room in Shanghai to the sound of a ringing phone. Her legs are weakly tied and she is lying alone in bed. On the line there is a guy who, according to the woman, ?resembles the shot man from the dream?. That is to say, was it a dream after all? The plot keeps branching out and the photogenic solitude asks for her own death. She paid in advance and she is entitled to it. A serial killer enters the frame. The city?s denseness clears off itself to re-repeated images of helpless caged animals which exhibits the woman?s hallucinatory mental space, which in itself, is the mind, the consciousness. The first encounter with a narrative based screenplay (after more than 30min into the film) initially creates a factious sense of a firm grasping point, of orientation, though Slavin creates a screenplay without determination. By that, it enables the viewer to continuously ask himself ? Is it real? A dream? Or is it a memory? The fact that the tale of the protagonist is actually the woman?s own dream (which her own story might be a dream, a hallucination or a nightmare deprived of concrete time and space) discerns the veracity question of ?what?s real? as irrelevant and thus expands the discussion to the rational recognition and the perception of time as an a-priory conscious idea. In order to understand the artistic process in ?The insomniac city cycles? one must remember that this film is actually the 4th version of this film project, created as a direct continuation to the 3rd version named ?Insomniac City? (which is the first part of this film with slight changes). The fact that the film is so much different from one version to the other, changing the narrative using the same images in a different cut, and thus expand and deepen the discussion over it, while using documentary photography to create a hallucinatory alternative reality. (Liora Belford) Cast: Lee Trifon, Adi Gilad, Yaniv Abraham, Irad Mazliah, Ran Slavin Crew Dialogues co-written with Monika Bielskyte Voice of man in pet shop: Ohad Naharin Line Producer; Lior Ianai Lighting; Nimrod Golan Dressing; Maayan Goldman Makeup; Dorit Cohen Camera; Ran Slavin Underwater camera; Alain Daniel Editor; offline, online and post production; Ran Slavin Music and soundtrack design; Ran Slavin Sound mix; Itzik Cohen Sound editors; Ran Slavin, Itzik Cohen, Omri levy

Ran Slavin, who is in charge of writing the screenplay, directing, editing, sound design and original music of ?The insomniac city cycles?, is one of the most prominent new video-sound artists to emerge from Israel with continuous international screenings and exhibitions. His work is cross media and includes photography, cinema, video and sound installations, digital and acoustic music and lives video/sound improvisations. He is active in both the contemporary international music and art scenes. His audio work is a culmination of digitally processed acoustic sources which he turns into generative yet evasive atmospheres. It exists somewhere between the audible and the visual, at times, combined into real time performances.

"Walk" est une vidéo de 28 minutes qui devrait être projetée en boucle. On y voit l´Ordre d´Orange lors de leur parade annuelle à Portadown (comté d´Armagh, Irlande du Nord). Les orangistes ne disent ppas qu´ils défilent pas mais qu´ils marchent, accompagnés par des orchestres de flûtes, fifres, accordéons, cornemuses, tambours, cuivres. La bande-son stéréo qui accompagne la vidéo à été déformée. Les participants se marchent littéralement dedans et finissent par disparaître pour ne plus laisser qu´une route vide. L´Ordre d´Orange est un ordre Protestant essentiellement basé en Irlande du Nord. Il a été fondé près de Portdadown, dans le comté d´Armagh (Irlande du Nord) en 1795. Pour ses membres et ceux qui le soutiennent, l´ordre célèbre la culture et l´identité protestante, mais ceux qui le critiquent le taxent de sectarisme et d´anti catholicisme. Ces défilés ont lieu lors de la "saison de parade" estivale qui culmine le 12 Juillet. Ils célèbrent la victoire du roi protestant Guillaume d´Orange (Guillaume III) sur le roi catholique Jean II lors de la bataille de Boyne en 1690. Chaque année on observe des frictions au moment où le cortège tente d´emprunter la route catholique de Garvaghy en direction de l´église de Drumcree, et le tout finit souvent en bataille rangée avec la police et l´armée britannique assurant l´ordre.

Victor Sloan est né à Dungannon, comté de Tyrone en Irlande du Nord. Il vit et travaille à Portadown (comté d´Armagh). Il a etudié dans les Ecoles d´Art de Belfast et de Leeds. Victor Sloan est un educateur et un artiste d´influence. En tant qu´artiste majeur en Irlande dans les arts visuels, il s´est forgé une réputation internationale pour ses images puissantes qui mettent en avant son inventivité et sa versatilité prodigieuse. Il utilise la vidéo et la photo pour réaliser des oeuvres qui portent sur différents aspects politiques, sociaux et culturels en Irlande du Nord. La galerie Ormeau Bath de Belfast a lancé une exposition rétrospective majeure en 2001. Victor Sloan a reçu un MBE award (Member of the Order of the British Empire) en 2002. Il est Membre de la Société Royale d´Art, Membre de la Société Royale de Photographie et académicien à l´Académie Royale d´Ulster. Il a obtenu de nombreux prix dont l´Academy´s Conor Prize en 1988 et la Médaille d´Or en 1995. Victor Sloan a exposé de manière extensive à travers l´Europe, l´Amérique du Nord, l´Amérique du Sud et l´Asie. On peut trouver ses oeuvres dans nombre de collections privées et publiques.

Paris - temps incertain, temps de la fin. Une cycliste, cavalière d'une possible apocalypse, erre autour de la ville éteinte, déserte, muette - guettant d'hypothétiques survivances. La Samaritaine, cube blanc, désaffecté, semble s’offrir comme un refuge ; mais elle se révèle le théâtre d’univers parallèles où se décide, avec les quatre derniers vivants, le sens de l'effondrement en cours. Les personnages qui y vivent sont en “arrêt de mort”, suspendus entre deux états, traversant les possibles, pris dans une fin du monde sans cesse imminente, et pourtant sans cesse différée, et encore sans cesse recommencée. C’est le bâtiment même qui va incarner de manière vivante cet interstice travaillant toutes les apparitions qui semblent traverser le lieu. Ce sont les modalités fluctuantes de cet espace de la Samaritaine qui vont se déployer, amenant d’oracles SM en chansons nihilistes, de danses de séduction désespérées en rituels de mutation, la révélation claire qu’il n’y aura pas de révélation. Les fins du mondes et les croyances sont défaites. Il n'est plus question de fin du monde, mais de commencements d'autres mondes - par la métamorphose. Apocalypse nous-autres.

SMITH ?http://www.fillesducalvaire.com/artiste/smith/ Le travail de SMITH s’appréhende comme une observation des mues de l’identité humaine. La photographie y côtoie le cinéma, la vidéo, la chorégraphie, le bio-art, la sculpture et l’utilisation des nouvelles technologies, dans une exploration des combinaisons des approches scientifique et philosophique, ouvertes sur les potentiels de la fiction. Après l’obtention d’un Master de Philosophie à la Sorbonne, du diplôme de l’Ecole Nationale Supérieure de Photographie d’Arles, et du Fresnoy - Studio National des Arts Contemporains, SMITH engage l’écriture d’une thèse de doctorat, à l’UQAM (Montréal). Ses travaux furent présentés sous la forme d’expositions personnelles aux Rencontres internationales de la photographie d’Arles, à la galerie les Filles du Calvaire et au Palais de Toyko à Paris, au musée de la Photographie d’Helsinki en Finlande, mais aussi dans de nombreux pays d’Europe (Suisse, Suède, Autriche, Luxembourg, Allemagne, Espagne, Italie...), d’Asie (Chine, Cambodge, Corée du Sud) et d’Amérique Latine (Mexique, Chili, Uruguay) et aux USA. Sa première monographie, «Löyly», est parue aux éditions Filigranes en 2013, suivie de « Saturnium » aux éditions Actes Sud en 2017, et d’un livre d’entretien avec l’historienne de l’art Christine Ollier en 2017 aux éditions André Frère. Paraissent en 2018 puis 2019 deux autres livres de photographie : "Astroblème" (Filigranes) et "Valparaiso" (André Frère). Son premier et son second moyen-métrages, "Spectrographies" et "TRAUM", furent diffusés en festivals et cinémas en Europe. Ses performances artistiques et chorégraphiques furent présentées au Centre Pompidou, au Théâtre de la Cité Internationale avec le soutien de la Fondation Hermès – New Settings, au CND (Pantin), au Musée de la Danse (Rennes) et au CCN de Montpellier. SMITH travaille actuellement à l’élaboration de son nouveau projet-monde "Désidération", avec la Cellule Cosmiel (Lucien Raphmaj, Jean-Philippe Uzan, SMITH) et le studio DIPLOMATES, qui explore les liens entre l’humanité contemporaine et son cosmos originaire : http://www.desideration.space ** Lucien Raphmaj https://lucienraphmaj.wordpress.com/ Lucien Raphmaj, écrivain né d’une œuvre élaborée avec SMITH, a écrit avec lui le scénario de ses films, depuis "Spectrographies" (2015) jusqu’aux "Apocalyptiques" (2019) en passant par leurs projets multidisciplinaires tels que "TRAUM" (film, exposition, textes, vidéos, spectacle de danse). C’est cette écriture à mille voix, fruit d’un travail personnel, mais aussi expérience d’une spectralisation de l’écriture qui se laisse traverser par d’autres voix, qui est celle qu’il mène encore à travers l’univers des « Apocalyptiques ». Il participe, en tant que critique, à la revue culturelle en ligne Diacritik et tient un blog sur la latérature. Son premier ouvrage, "Blandine Volochot", paraît aux éditions Abrüpt en Janvier 2020.

Dad?s Stick features three objects that my father showed me shortly before he died. Two of these were so well-used that their original forms and functions were almost completely obscured. The third object seemed to be instantly recognizable, but it turned out to be something else entirely.

Born 1952 - London, England John Smith was born in London in 1952 and studied film at the Royal College of Art. Since 1972 he has made over 40 film, video and installations works. His films have been shown in cinemas, art galleries and on television throughout the world and awarded major prizes at film festivals in Leipzig, Oberhausen, Hamburg, Cork, Geneva, Palermo, Graz, Uppsala, Bangkok, Ann Arbor and Chicago. One-person presentations of his work include exhibitions at Ikon Gallery (Birmingham), Pearl Gallery (London), Open Eye Gallery (Liverpool), Kunstmuseum Magdeburg (Germany) and retrospectives at the Venice Biennale and Oberhausen, Cork, Tampere, Uppsala, Regensburg and Winterthur international film festivals. John Smith is Professor of Fine Art at the University of East London. "The films of John Smith conduct a serious investigation into the combination of sound and image, but with a sense of humour that reaches out beyond the traditional avant-garde audience. His films move between narrative and absurdity, constantly undermining the traditional relationship between the visual and the aural. By blurring the perceived boundaries of experimental film, fiction, and documentary, Smith never delivers what he has led the spectator to expect." ?Mark Webber, Leeds International Film Festival, 2000 "The popularity of John Smith?s films can be explained by his wry sense of humour, his play on language, and the elegance of his visual style. His understated humour thinly conceals a darker layer of meaning in his films. John Smith?s skill as both narrator and composer of visual narratives leaves us discomforted even as we smile." ?Catherine Elwes, UK/Canadian Video Exchange, 2000 "These films can be enjoyed as stories; films for everyone, especially in their humour. They comprise a personal topography of East London, blighted but alive. Viewers are enticed to interrogate the very illusions that films construct in front of their eyes?and behind their backs." ?A.L. Rees, A Directory of British Film and Video Artists, 1996

“Things are never by themselves. Neither are we. They are among themselves and linger in our surroundings. And we sometimes see them, and us among them, as things among things. Yes, but not quite, not only.” This is how Jan Verwoert starts his text ‘Enter the Eerie Thingscapes’ on Sam Smith’s video installation ‘Form Variations’ (2014). The work, shot in the widescreen CinemaScope ratio, is an atmospheric looping meditation on cinema’s relationship to space and things. The non-narrative structure coalesces object, figure and location into a series of composed vignettes that swing between the hyperreal and the surreal. Key to the work are two specific references from the beginning of Michelangelo Antonioni’s ‘L’Eclisse’ that illuminate ideas that lie subtly in the fabric of the 1962 film. Specifically, the opening shot in which the character of Riccardo`s arm is perceived first as inanimate form, then revealed as flesh.

Sam Smith lives and works between London and Sydney. His current artistic practice spans video, sculpture, installation and performance. From 2013 to 2014 he was an artist in residency as part of the Künstlerhaus Bethanien International Studio Programme in Berlin. Recent solo exhibitions and performances include ‘The Performative Minute’ at KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2014); ’Notes on the Apparatus' selected by Vdrome for the Artists' Film Biennial, Institute of Contemporary Arts, London (2014); 'Frames of Rererence', a solo exhibtion at The Royal Standard as part of their Liverpool Biennial 2014 programme (2014) and 'Form Variations' at Künstlerhaus Bethanien, Berlin (2014); He has participated in numerous group shows including 'Online/Offline. Encoding Everyday Life for Vorspeil Transmediale', Altes Finanzamt, Berlin (2014); 'Oblivion', Zweigstelle Berlin (2014); 'Conquest of Space', COFA Galleries, Sydney, Australia (2014); 'Larger than life', Temporära Konsthallen, Stockholm (2013) and 'Framed Perceptions', Sinne, Helsinki (2013).

La narration suit librement les progrès d'un jeune homme arrivé dans une petite ville de province afin d?y présenter sa candidature. Le travail disponible consiste en la supervision de l?aménagement d?une parcelle de terre. Comme l'agriculture a diminué dans la région, certains voudraient voir les terres utilisées de façon plus rentable, grâce à la construction d'une cité-dortoir dans une ville voisine. Toutefois, en vue de faciliter la réalisation d?un tel projet, il faudrait que la personne chargée de sa gestion tolère des procédures assez peu orthodoxes. Le jeune homme est considéré comme adapté à ce poste. Il devient cependant vite évident qu'il existe dans ce territoire d?autres forces en jeu. La région semble affecter physiquement tous ceux qui s?y déplacent, par diverses formes de mouvements. Il semble que le corps de ceux qui sont touchés est investi par une force rythmique, qui les fait bouger en des danses sporadiques et involontaires durant les activités quotidiennes.

Gregg Smith, biographie. Résident à la Rijksakademie d?Amsterdam en 2001-2002 et au Studio des arts contemporains du Fresnoy à Tourcoing en 2002-2004, le travail de Gregg Smith consiste en des films, vidéos, installations, performances et peintures dans lesquelles l?artiste évoque la fragilité des êtres humains. Utilisant le mode de la narration comme un vecteur pour réinvestir la subjectivité de l?individu, son travail vise à créer une connivence, une complicité avec et entre les spectateurs/acteurs, à réintroduire avec subtilité des désirs et des possibilités de contrer le désintérêt pour l`autre. Ayant vécu en Afrique du Sud jusqu?en 2000, Gregg Smith n?est pas sans convoquer dans plusieurs de ses ouvres les traumatismes de l?Apartheid et un conscience du perspective personnelle de l?individuelle dans son milieu sociale.

Synopsis ? Love, jealousy and wanting to be in two places at once Like a nighthawk at the diner, a young man recounts his story of love gone wrong. His marriage has been quietly growing lifeless, when his wife proposes that they attempt to rekindle their passion through, the dance which first brought them together, the tango. But not any old tango, rather a more risqué partner swapping form of the dance, with different partners in separate venues.

Gregg Smith: biography Gregg Smith is an artist from Cape Town, South Africa. He completed his studies at the Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town, in 1991 and since then has been active in a range of contemporary art and theatre projects in South Africa and abroad. With origins in painting, performance, and art in public space, his present work incorporates aspects of all these practices in the development of video installations. Until 2000, he lived in Cape Town, where he was active as an artist and also a professor of painting at the Michaelis School of Fine Art. In 2001-02, Gregg was a participant at the Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam, and following this moved to France where he studied film-making at Le Fresnoy studio national des arts contemporains (2002-04). His work is equally accepted in contemporary art and film festival circuits; recent projects have been shown at the Rotterdam International Film Festival, Le Centre Georges Pompidou (Paris, France), La Biennale de Dakar (Senegal) and Galerie Krinzinger (Vienna, Austria). He is at present based in Paris, France and is a professor in the Master of Arts in public sphere program (MAPS) at ECAV.

'Covid Messages' is a video work in six parts, based around broadcasts of British Prime Minister Boris Johnson’s COVID-19 press conferences. The work focusses on the British government’s attempts to eliminate the virus through the use of magic spells and rituals. While the pandemic spreads and the death toll rises, the Prime Minister makes repeated errors of judgement. Exasperated by his many mistakes, the spirits of the dead rise up and intervene.

John Smith was born in Walthamstow, London in 1952 and studied at the Royal College of Art, after which he became an active member of the London Filmmakers' Co-op. Inspired in his formative years by conceptual art and structural film, but also fascinated by the immersive power of narrative and the spoken word, he is renowned for a diverse body of work that subverts the perceived boundaries between documentary, fiction, representation and abstraction, playfully exploring and exposing the language of cinema. Since 1972 he has made over sixty film, video and installation works that have been shown in museums, galleries and independent cinemas around the world. Smith’s solo exhibitions include Kestnergesellschaft, Hanover; Museum of Contemporary Art, Leipzig; Centre d'Art Contemporain de Noisy-le-Sec, Paris; Ikon Gallery, Birmingham; Kunstmuseum Kloster Unser Lieben Frauen, Magdeburg; Turner Contemporary, Margate; Weserburg Museum for Modern Art, Bremen; Uppsala Art Museum, Sweden and Royal College of Art Galleries, London. His work is held in public collections that include Tate Gallery; Arts Council England; Museum of Modern Art, New York; Muzeum Sztuki, Lodz; FRAC Île de France, Paris and Kunstmuseum Kloster Unser Lieben Frauen, Magdeburg.

In the dead of winter, the gas flares and spectral sounds of an oil boom awaken the long-abandoned prairies and ghost towns of North Dakota.

Adam James Smith is a British filmmaker based in New York. His filmmaking practice spans rural and urban environments across China, Japan, and the United States. His first feature film, The Land of Many Palaces, on the Chinese "ghost city" of Ordos, participated in the Sundance Institute workshop and premiered at the 2015 Santa Barbara International Film Festival. The film then went on to screen at festivals and on television around the world, picking up awards in Moscow, Rome, and Kyoto. His follow-up film, Americaville, on the Chinese replica of Jackson Hole, Wyoming was sponsored by the Whicker's Foundation and the Asian Cinema Fund. The film was released in 2020 and has since been screened around the world at festivals and universities. Adam is currently completing a series of films documenting the diversity of the rural experience throughout the American heartland, including the country’s oldest Black rodeo in Okmulgee Invitational, the oil boom awakening the abandoned homesteads of North Dakota in Frontier Phantom, and Native American cowboys in Arapaho Pasture. Adam was educated in film at Stanford and anthropology at Cambridge, the latter of which he is currently an Affiliated Filmmaker at the university’s Visual Anthropology Lab.

Les espaces abandonnés d’un parc à thème western, d’un love hotel et du manoir d’un milliardaire reprennent vie sous l’envahissement des plantes, la présence des animaux, la pluie de fin d’été et les traces hantées d’anciennes habitations humaines.

Adam James Smith est un cinéaste britannico-américain basé à New York. Sa pratique cinématographique s’étend aux environnements ruraux et urbains de Chine, du Japon et des États-Unis. Adam a étudié le cinéma à Stanford et l’anthropologie à Cambridge, université avec laquelle il est actuellement affilié, au sein du Visual Anthropology Lab.