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Dans l’œuvre d’images en mouvement "GALAXY", la narratrice est la technologie elle-même. L'histoire est générée par un algorithme et propose une interprétation de la brève rencontre entre les deux personnages, Touch et Long Swipe, une rencontre d'amour et de déception. De petites déviations dans le langage, et la logique narrative, révèlent notre empreinte sociale sur la façon dont les histoires sont censées être racontées, et comment la technologie est programmée pour respecter ces perceptions. La mise en scène est une galaxie d'objets et d'images générée par ordinateur qui rappellent des formes organiques, mais démembrées et fragmentées, réfléchissant à la possibilité de créer de nouveaux mondes et de nouvelles histoires, dans l'espace numérique, en suivant un système subjectif de structure.

Dagmar Schürrer est artiste médiatique et vit à Berlin, en Allemagne. L'image numérique, trouvée et générée, est le matériau qui lui permet de former un langage visuel au-delà de la perception analogique. Elle assemble found footage, objets et animations générés par ordinateur, textes, dessins et sons pour former des montages sonores et vidéo complexes, présentés sur écran, sous forme d'installations ou combinés à de nouvelles technologies telles que la réalité augmentée. Elle est titulaire d'un diplôme en beaux-arts du Central Saint Martin's College, Londres (Royaume-Uni). Son travail a été exposé à l'international, notamment aux New Contemporaries de l'Institute of Contemporary Arts, Londres (Royaume-Uni); à la Biennale for Young Art Moscow, Moscou (Russie); au Plan8t Air Museum of Waste, Changsha (Chine); au Transmediale Vorspiel, Berlin (Allemagne) et à LUX moving image London, Londres (Royaume-Uni). Ses vidéos ont été projetées dans de nombreux festivals, notamment au SUPERNOVA Animation Festival à Denver (USA); au Seattle Film Festival (USA); au Athens Digital Arts Festival Athènes (Grèce); au Horn Experimental Film Festival, Jérusalem (Israël); au Tricky Women Animationfestival, Vienne (Autriche); ou encore au Diagonale – Festival des Oesterreichischen Films, Graz (Autriche). Ces dernières années, elle a reçu la bourse Goldrausch du Sénat de Berlin (Allemagne), et a été présélectionnée pour le Berlin Art Prize (Allemagne) et le Tenderpixel Award à Londres (Royaume-Uni).

Des lignes représentant des structures, une communauté, des mots assemblés comme des anagrammes. La radio est comme une invitation à se débarrasser de tous ses biens et à les jeter dans les airs tels des avions. Ou " The Bridge Between Matter & Spirit is Matter Becoming Spirit" de Paolo Soleri "A logic sore" fait partie d'un projet de 11 films qui, à la manière de chansons, forment un album de 33 minutes, en référence aux 33t qui ont été créées pour prolonger le son sur un disque. Avant les 33t, pendant les projections, il fallait changer de face au milieu de la bobine ce qui entraînait une interruption. Une interruption; chacun des 11 films est tourné comme sur pellicule (30,5 mètres/sans montage). Le son est une réponse. Ou un écho. "A logic sore" est l'anagramme d'arcologies (alliance d'architecture et d'écologie)

Jonathan Schwartz est né à Boston, Etats-Unis et a travaillé dans les domaines du son et du cinéma. Ses ?uvres sont composées à partir d'enregistrement audio familiaux, de collages, d'enregistrements de sons exagérés, et s'inspirent de voyages vers de pays lointains et d'errances dans des terres familières. Elles ont notamment été présentées en Europe, aux Etats-Unis, au Canada et dans des festivals comme le BFI London Film Festival, le Rotterdam Film Festival, le New York Film Festival et le TIE ? International Experimental Cinema Exposition. Ce projet de film en 16mm/33t en 11 parties/morceaux sera terminé à la fin de l'année 2007.

Une vieille photo d?un groupe d?étudiants et de professeurs ? un transfert d'idées ? jeux de langage/phrases codées. Une chanson est chantée ? populaire et lumineuse ? empruntée par « Alex and the droogs » ? modification du comportement ? trouvé dans la rue, un homme accompagne un lecteur de CD ? une couverture. I?m singing in the rain Just singing in the rain What a glorious feelin?
 I?m happy again I?m laughing at clouds
 So dark up above
 The sun?s in my heart And I?m ready for love

Jonathan Schwartz est basé à Boston (USA) et travaille principalement dans le domaine du cinéma et du son. Certaines de ses ?uvres ont été présentées au Festival de Film de New York, Views form the Avant-Garde, au Festival de Film de Rotterdam, aux Rencontres Internationales de Paris, au BFI London Film Festival, au ICA, au TIE, à l?Harvard Film Archive et à l?Images Festival, parmi d?autres.

tout pour la prévention de la violence, consultez le manuel, cela pourrait mourir dans les années 70. la distance est maintenant votre boussole alors suivez les ombres jusqu´à votre point de repos. ou je me demandais si la sincérité pouvait avoir la priorité sur l´ironie et de surcharger quelques émotions passées. a propos des situations passées : il a été dit que 331/3 tr/min avait été créé en conjonction avec le cinéma - pour prolonger le son pour l´image. alors- tout pour l´extension du temps, consultez l´écho, il se pourrait qu´il disparaisse dans les nuages. Les photographes sont maintenant votre boussole alors suivez la terre jusqu´á vos vieux mondes imaginaires. ou je me demandais si cette image dans mes mains pouvait conjurer le passé des émotions présentes. à propos des situations présentes: ce film de 3 minutes est l´un des 11 qui composent un album de films d´une durée totale de 331/minutes - pour prolonger le lien avec les passés. alors- à propos des situations futures : tout pour la prévention de la violence.

Jonathan Schwartz (boston, Etats Unis) base son travaille sur le film et le son. Il a réalisé des oeuvres choisies parmi des enregistrements audio familiaux, des voyages dans des endroits lointains, des questionnements dans des endroits familiers, des collages et des enegistrements de sons exagérés. Certaines de ses oeuvres ont été exposées en Europe, aux Etats Unis, au CAnada et en des endroits tels que le Festival bfi du Film de Londres, TIE - exposition de cinéma expérimental, AntiMatter. Il est actuellement en train de terminer un film en 16mm / enregistrement lp en 11 parties/chansons.

THE CRACK-UP “ the ability to hold two opposed ideas in the mind at the same time, and still retain the ability to function. One should, for example, be able to see that things are hopeless and yet be determined to make them otherwise ” (F. Scott Fitzgerald, The Crack-Up, 1936) Glaciers take time and glaciers hold time immensely, with sorrow and not sorrow, worry and not worry. There is a light that casts on and cast out from within, `a persistent body of dense ice that is constantly moving under its own weight` and slowly dissolving, it sounds enormous, urgent.

Jonathan Schwartz lives in Vermont (usa) where his creative practice includes 16mm films, things that look like list-making and collecting as a mode of research, and teaching film/associative thinking. He has had solo screenings Austrian Film Museum, UnionDocs, SF Cinematheque, Cinema Project, TIFF/Free Screen, and more. His work has been included in many film festivals including New York, Ann Arbor, Rotterdam, Toronto, Punto de Vista, Recontres Internationales, Exis, and more.

Mélange d'époques, karaoké:en 1968, Heintje chante la vieille chanson régionale "Mama"...Fondu enchaîné: un enfant de neuf ans regarde, maussade, quelque chose à la lentille, pendant que, dans la rue, les étudiants se révoltent. Un autre tube de cette époque, "Es fährt ein Zug nach Nirgendwo", conduit au groupe "Fehlfarben", qui montent sur scène en 2003 à Berlin et évoquent 1982: " Quand la réalité te dépasse, tu n'as plus d'ami, pas même l'alcool". Le punk allemand au meilleur de lui-même, qui dicte le tempo du film. Un voyage linéaire de 1945 à aujourd'hui avec de nombreux sauts dans le temps: les années 1848 dans le lied de Schuman, là-dessus un mirador qui rappelle le mur de Berlin - il se trouve près d'un container Toys'r us...des paysages allemands, symbole de la fin des utopies, chagrin d'amour, o Marie, jamais, plus jamais Auschwitz, mais des bombes sur Belgrade...du petit garçon à l'homme nu qui est allongé sur la plage dans la position de Christ...Es fährt kein Zug nach Nirgendwo...: (fr = "Il n'y a pas de train vers nulle part..."): Mélange d'époques. Karaoké. C'était au temps...

Herbert Schwarze, Allemagne né en 1959. De 1988 à 1993 études à la DFFB à Berlin. Cinéaste, dramaturge et régisseur. Membre de la commission de sélection des journées internationales du court-métrage d'Oberhausen, Allemagne. vit à Berlin. Filmographie DAS BLEIBT DAS KOMMT NIE WIEDER (1988-1992) GRETCHEN 2000 (1994) HUNGER NACH MEHR (mit Jutta Doberstein) (2001) UND IMMER WIEDER GEHT DIE SONNE AUF (2000-2005) und andere

Tanja speaks English and small talk. Thorsten likes to eat „pocket coffee“ Tillmann loves team building events. He recently found one of the three door openers needed to escape from the chamber of horrors while visiting an „escape room“ together. Thorsten is „top tax rate“ Tanja is „Veganuary“ Tillmann is the first to be dismissed. Seedless Fruits is about the founding of a new company whose product or service remains unknown. We glide through an imposing company headquarters that gradually becomes more and more cracked. It is a satirical commentary on the abysses of neoliberal office worlds and alienated labour in a self-perpetuating construct of value creation ­without content.

Stefanie Schwarzwimmer (*1990 in Linz) is a multimedia artist who lives and works in Berlin. From 2012 to 2018, she studied art and digital media at the Academy of Fine Arts Vienna under Constanze Ruhm. Her graduation film Silent Revolution was awarded the Academy Prize. Schwarzwimmer completed the Berlin Programme for Artists in 2017 and was a participant in the Goldrausch programme in 2022. Her work has been exhibited internationally in solo and group exhibitions, including at Kunsthal Charlottenborg in Copenhagen (2020), at Deborah Bowmann in Brussels (solo exhibition, 2021), at Kasseler Kunstverein (2022), at Oberösterreichischer Kunstverein (solo exhibition, 2024) and in solo screenings at Kunstverein der Rheinlande und Westfahlen Düsseldorf as part of the ‘Another Eye’ series (2024) and at KW Berlin as part of a ‘Pogo Bar’ event (2024).

« From the Classroom » est une projection sur un écran divisé en deux, formée d?images trouvées sur YouTube. L'image de gauche montre des jeunes filles de la salle de classe en train de danser, apparemment filmées par leurs amis pendant la pause. Sur l?image de droite, on voit un tableau noir sur lequel est écrit un texte, rédigé dans un style de journal intime. Le texte décrit le trajet qu?une femme prend tous les jours pour se rendre au travail.

http://www.mayaschweizer.com/site/DOWNLOADS/Mschweizerbio.pdf Born 10 january 1976 in Maisons-Alfort, France Lives in Berlin ----- February 2007 Universität der Künste, Berlin, Germany Master Degree January 2005 Universität der Künste, Berlin, Germany Diploma April 2003 Universität der Künste, Berlin, Germany Fine art School, Berlin In the class of Lothar Baumgarten and Katharina Sieverding. 2000-2002 Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig, Germany School of visual arts, Leipzig June 1998 Licence, Degree of Visual arts 1998-1995 Université d ́Aix-en-Provence Visual arts. June 1995 Bachelor ́s degree, option Visual arts, Aix-en-Provence, France Residency Programm, Prizes : 2008 Villa Aurora, Artits Grant from the Goethe-Institut Los Angeles 2008-2010 Karl-Hofer Stipendium, Grant from the Karl-Hofer Gesellschaft, Berlin 2006 First Prize of the German Programm Kurzfilmtage Oberhausen 2006 Grant from the DAP, (Department of the visual arts), Paris, France 2005-2006 Residency and Film Project with Clemens von Wedemeyer at the Contemporary Art Center of in Bretigny, France Realisation and Production of the film Rien du tout (nothing at all) with Clemens von Wedemeyer.

Maya Schweizer (b.in Paris, France) lives and works in Berlin. She studied at the university, Aix-Marseille I, at the Academy of Visual Arts Leipzig and Berlin University of the Arts, where she graduated. Maya Schweizer exhibited at Kunstverein Leipzig (2017-2018), Drawing Room Hamburg (2017-2018), Irish Museum of Modern Art, Dublin (2016); Skulpturenmuseum Glaskasten Marl (2016); Nordstern Videokunstzentrum, Gelsenkirchen (2016); Staatliche Kunsthalle Baden-Baden (2015);GRASSI Museum für Angewandte Kunst Leipzig (2015); MWW Wroclaw Contemporary Museum (2015). She recently screened at Videoart at Midnight, Berlin (2018), Traverses Vidéo, Toulouse (2018), Vancouver International Film Festival, Canada (2017), Cinema in viennacontemporary, Vienna, Austria (2017), in Oberhausen 63. International Kurzfilmtage Oberhausen (2017) and at the 67. Berlinale, Forum Expanded, Berlin (2017). She received the Research stipends from the Berlin Senat (2017), Research grant from Goethe Institute Neapels and the Fundazione Morra-Museo Nitsch, Naples (2017), and the residency at the Watchtower, Flutgraben, Berlin (2016-2017).

A video work, in which the daily routine of Les Milles is caught up by its past - a former brickyard in the town`s center was used as internment camp for Germans during World War II and served as concentration camp later on. With the use of montage cutting techniques the artist succeeds in letting the past burst into present.

Maya Schweizer was born in 1976 in Paris, France and studied at the Academy of Visual Arts Leipzig, and Berlin University of the Arts (with Lothar Baumgarten). Maya Schweizer works with diverse media: the focus of her work lies in the making of short films based on documentary material. „Identity, biography, politics, history and memory are recurring themes in Maya Schweizer’s photographs and videos... In general, the artist generates an incomplete tableau of collective memory and questions the way history is produced and visually recorded. „(Cynthia Krell). The artist approaches the relation of montage editing techniques with the concept of film and memorial and film as memorial — a relation which traces back to the very beginnings of montage as it does to research findings by French historian Pierre Nora. Recurring moments in Schweizer’s multiform art practice revolve around the examination of subtly treated processes of memory regarding historic-political events in public space. In the places, structures and situations she investigates, historical threads intersect. She received international grants and most recently Project grant "Lieux de Mémoire and Desire",Kulturstiftung des Freistaates Sachsen (KdFS), 2015. The Exhibition sponsor from the Institut für Auslandsbeziehungen (ifa), TCG Nordica, Kunming, China, 2013. The Robert Bosh Foundation, in Slovakia 2011, also in the Villa Aurora, Artist Grant from the Goethe-Institute in Los Angeles 2008-2009. Together with Clemens von Wedemeyer, she won the Prize of the German Competition at the Oberhausen Film Festival Oberhausen 2006. She recently had solo shows, such as; Der sterbende Soldat von Les Milles, Kunsthalle Baden-Baden, Germany 2015. Edith Seeshow’s Notes at the Kunstverein Langenhagen, 2013. Metropolis. Report from China with Clemens von Wedemeyer at the Frankfurter Kunstverein, 2011. The Same Story Elsewhere at the Westfälisher Kunstverein, Münster, Germany, 2010. Schweizer was also involved in many international exhibitions, such as; Inside the City. Public Space and Free Space at the GAK, Bremen, Germany, 2015. Vot ken you mach ?, Muzeum Wspólczesne Wroclaw, Poland, 2015. Collection Alphabet at the Museum of Contemporary Art (GfZK), Leipzig, 2014. The city that doesn´t exist at Ludwig Forum, Aachen, 2012. Ambigous Being, Hong Gah Museum,Taipei 2012. Take me to your leader!, Kunstmuseum Bergen, Norway, 2011. Here and There, at the Wallace Gallery, New York and at the Oonagh Young Gallery, in Dublin, 2011. 15 Jahre Villa Aurora. Transatlantische Impulse, AdK - Akademie der Künste, Berlin, 2011. Of Other Spaces at the Bureau for Open Culture, Columbus, Ohio, USA 2011.

2004, 80 ans après la visite de Fritz Lang à New York et dans le même temps estimé des projections futuristes de son film « Metropolis »... Nous sommes venus en Chine pour trouver des lieux de tournages, pour parler à des travailleurs et des architectes, des scénaristes et des romanciers à Shanghai et Beijing pour rechercher si le film entier pouvait être remis en scène ici. Mais voulons nous que ce film ce répète, pour qu'il devienne réel? Peut être en chine avons nous vu une variante de « Metropolis », qui est déjà devenue réalité...

Maya Schweizer, née à Maisons-Alfort, en 1976. Débute ses études d´arts Plastiques à Aix-en-Provence à l´université, en 1998 obtient sa Licence. S´inscrit à l´école des beaux-arts de Leipzig, (HGB) puis entre en équivalence à l´école des beaux-arts de Berlin, (UdK) dans la classe de Lothar Baumgarten où elle est diplomée en janvier 2005. Residences, Bourses & Prix : 2006,Mai, Allemagne, Oberhausen Premier Prix du festival de film d´Oberhausen. en avril,Bourse du DAP (Délégation aux arts plastiques). 2005-2006, en Nov-mars, au Centre d´Art Contemporain de Brétigny (CAC de Bretigny /Orge, Bretigny). Réalisation et production avec Clemens von Wedemeyer du Film Rien du tout. Co-production; Galerie Jocelyn Wolff, CAC Bretigny, (Pierre Bal-Blanc), Château Rouge production(Gaelle Jones), Collection Giovanni Springmeier. Postproduction: bourse du NRW de Cologne

Tout commence dans l‘obscurité, on entend de l‘eau couler dans un tunnel ... Des voix résonnent dans ces égouts, on se croirait dans le gouffre de Munich sous l‘Isar. Ces voix racontent des fragments d‘histoires : sur des personnes disparues, la violence, la perte de mémoire ... Puis la caméra refait surface et scrute les façades de la ville, y compris celles du « Troisième Reich » . La ville est comme un corps qui serpente à travers le temps, le passé et le présent. En guise de leitmotiv, une spirale traverse les souvenirs: un escargot, un vortex, un escalier en colimaçon, les voix du passé qui se répètent à l’infini... Le film est un collage qui superpose les traces de l‘histoire et les formes de la nature, en réunissant sur un même plan des images et des sons de sources différentes.

Born in Paris, she studied art and art history in Aix-en-Provence (1995-1998), moved to Berlin in 1998 and worked for a year as an assistant for artistic projects in Küntlerhaus Bethanien. From 1999 to 2002, begins art studies at the Academy of Visual Arts in Leipzig and continues in early 2003 in the class of Lothar Baumgarten at the Berlin University of the Arts, where she received her postgraduate studies degree (Meisterschülerin Abschluss) in 2007. Schweizer works with different media, with a particular focus on experimental video works. She has had numerous solo exhibitions (including Westfälischer Kunstverein Münster 2010, Frankfurter Kunstverein 2011, Kunsthalle Baden-Baden 2014, Irish Museum of Modern Art, Dublin 2016, Kunstverein Leipzig 2018, Museum Villa Stuck, Munich, 2020/21, Double Feature, Schirn Kunsthalle Frankfurt 2021) and has shown her work in group exhibitions and at biennials (including Berlin Biennale, 2006, Centre Georges Pompidou, 2007, The Elizabeth Foundation for the Arts, New York, 2013, Kunsthaus Dresden, 2016, Anren Biennale 2017, China, Manifesta 13, 2020, Neuen Berliner Kunstverein e.V., Berlin 2020, Heidelberger Kunstverein, 2022, Forum expanded exhibition, Silent Green, Berlin 2022). Her videos have already been selected for numerous festivals and events, including Forum expanded during the 67th (2017) and the 72.nd (2022) Berlin International Film Festival, the Vancouver International Film Festival (2017, 2020), Gli Incontri Internazionali del Cinema, Sorrento, Italy (2019), at the 36. Kasseler Dokfest, (2019) and at the International Short Film Festival Oberhausen (2016, 2017, 2018, 2019, 2020, 2022), where L’étoile de mer was awarded the e-flux prize in 2019. Examples of grants, and artist residencies she has received include a grant from the Villa Aurora, Los Angeles (2008), Studio grant, Karl Hofer Gesellschaft, Berlin (2008–2010), Toni and Albrecht Kumm Prize for the Promotion of Fine Arts, (2009), Artist in Residence, Lieu d’arts contemporains 3bisf, Aix-en-Provence, France (2010), Košice Artist in Residence (K.A.I.R.), Košice, Slovakia (2011), Artist in Residence, Museum POLIN, Warsaw, Poland (2016),work grant from the Berlin Senate (2019), the Funding programme for women artists in film/video, (2021), the Research Grant from the Berlin Senate as well (2017, 2021). So far, four monographs on her work have been published: Voices, Stimmen (Walther and Franz König, Köln 2121), Where Ivy Cracks The Wall (Naima, Paris / Berlin 2019), Lieux de Mémoire and Desire (Archive Books, Berlin 2015), Maya Schweizer?The Same Story Elsewhere (Spector Books, Leipzig 2010)

In Sans histoire, an epic river of thought, current fears of the end of civilization are both “without story” and “without narrative”. Disturbing images of animals in the night, visions of a technologized future and images of people dancing to excess or fleeing war combine to generate an apocalyptic atmosphere. Yet what seems dystopian at first conceals a utopian potential for a new beginning: time and again, Schweizer deploys images of waves, oceans and currents that sweep through what she shows, washing it away and absorbing it. Maya Schweizer draws our attention to oblivion as a reality determined by human life. In this paradox lies her proposal for confronting the existential fears of our time: Sans histoire is a space for honoring memory and a monument to oblivion.

Maya Schweizer, born in Paris, studied art and art history in Aix-en-Provence, at the Hochschule der bildenden Künste Leipzig (HGB), where she completed her pre-diploma, and at the Universität der Künste (UdK) Berlin in the class of Lothar Baumgarten, where she graduated in 2006 and was awarded the title of Meisterschülerin in 2007. Schweizer works in a variety of media (including photography and textiles), although her focus is on experimental video works. She has had numerous solo exhibitions (including Jewish Museum Berlin, 2023, Deutscher Künstlerbund, Berlin - Exhibition winner of the HAP Grieshaber 2022 award, Museum Villa Stuck, Munich, 2020/21, Kunstverein Leipzig, 2018, Kunstverein Langenhagen, 2013, Irish Museum of Modern Art, Dublin, 2016, Kunsthalle Baden-Baden, 2014, Frankfurter Kunstverein, 2011, Westfälischer Kunstverein Münster, 2010. She has shown her work in group exhibitions and at biennials including Neuen Berliner Kunstverein e.V., Berlin 2020, Manifesta 13 Marseille, 2020, Anren Biennale China, 2018, Kunsthaus Dresden, 2016, The Elizabeth Foundation for the Arts, New York, 2013, Centre Georges Pompidou, 2007,Berlin Biennale, 2006. Her videos have already been selected for numerous festivals and events, including Forum expanded during the 67th and the 71.rst Berlin International Film Festival, Berlinale (in 2017 and 2021), the Vancouver International Film Festival (2017, 2020) and the International Short Film Festival Oberhausen several times. Examples of the Awards, project grants and residencies, include; Funding programme for women artists in film/video, 2024, Dagesh Art Award 2023, HAP-Grieshaber-Prize, 2022, e-flux film award, 2019, Artist in Residence, La Non-Maison, 2014, Studio grant, Karl Hofer Gesellschaft, 2008–2010, Villa Aurora, Los Angeles (2008). So far, four monographs on her work have been published: Voices, (Walther and Franz König, 2121), Where Ivy Cracks The Wall (Naima, Paris / Berlin 2019), Lieux de Mémoire and Desire (Archive Books, Berlin 2015) and Maya Schweizer?The Same Story Elsewhere (Spector Books, Leipzig 2010). Schweizer works in Germany and France.

The film begins with footage of a city of ruins, when the entire cityscape of Warsaw is covered with stones. It is 1945. Themed around stones as carriers of historical memory, the movie is so closely filmed that the viewer can never see the city`s memorials in their entirety. Special attention, though, is paid to the author of the Umschlagplatz Wall, a monument located in the former Ghetto. Hanna Szmalenberg is explaining the process of realization of the Umschlagplatz as the camera winds through a snow-covered sculpture garden.

Maya Schweizer, born in Paris studied art and art history at the university of Aix-en-Provence (1995-1998). She moved to Germany and studied at the School of Visual Arts in Leipzig (HGB) (1999-2002) and move in Berlin 2003 where she finished her studies at the Berlin University of the Arts (UdK) with Professor Lothar Baumgarten and graduated in 2006. She had solo shows in Westfalischen Kunstverein, Muenster (2010), Frankfurter Kunstverein, (2011) with Clemens von Wedemeyer, in the Kunstverein Langenhagen (2013), Kunsthalle Baden-Baden (2015), at the Irish Museum of Modern Art, Dublin (2016). Schweizer was also involved in many international exhibitions, such as “Of Mice and Men,” Berlin Biennale (2006), “Storylines,” Kunstraum Munich, (2006), “Um-Kehrungen, Interaktion I - Speaker”s Corner,” Kunstverein Braunschweig (2007), “Magellaneous Cloud,” Centre Georges Pompidou, Paris (2007), “Urban Stories,” The X Baltic Triennial of International Art, CAC Vilnius (2009), “Auto-Kino!,” Temporare Kunsthalle, Berlin (2010), “Ambigous Being,” exhibitions in Berlin, Tel Aviv, and Taipei, tamtamART, Berlin / Kav16 Community Gallery, Tel Aviv / Hong Gah Museum, Taipei (2012), “Die Stadt, die es nicht gibt,” Ludwig Forum, Aachen (2012), “Vot ken you mach!,” Kunsthaus Dresden (2013), efa (Elisabeth Foundation for the Arts, New York, USA (2013). At “Villa Romana 1905”2013 Das Künstlerhaus in Florenz,” Bundeskunsthalle, Bonn, (2013), “Gestern die Stadt von Morgen,” Kunstmuseum Mälheim an der Ruhr, (2014),. “Sammlungsalphabet,” Sammlungsausstellung, Museum of Contemporary Art (GfZK), Leipzig (2014), and the forthcoming “Im inneren der Stadt. Öffentlicher Raum und Frei-Raum,” Gesellschaft für Aktuelle Kunst (GAK), Bremen, (2015). At the Museum MWW Muzeum Wspó?czesne, Wroc?aw, Poland, (2015), Videokunstzentrum, Gelsenkirchen, (2016), in VOX, Montreal (2016), and at POLIN Museum, Warsaw (2016).

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Maya Schweizer was born in 1976 in Paris, France and studied at the Academy of Visual Arts Leipzig, and Berlin University of the Arts. She received international grants and most recently Project grant "Lieux de Mémoire and Desire",Kulturstiftung des Freistaates Sachsen, 2015. The Exhibition sponsor from the Institut für Auslandsbeziehungen, TCG Nordica, Kunming, China, 2013. The Robert Bosh Foundation, in Slovakia 2011, also in the Villa Aurora, Artist Grant from the Goethe-Institute in Los Angeles 2008-2009. Together with Clemens von Wedemeyer, she won the Prize of the German Competition at the Oberhausen Film Festival Oberhausen 2006. She recently had solo shows, such as; “Art | Memory | Place”, Irish Museum of Modern Art, IMMA, Dublin Ireland, “Der sterbende Soldat von Les Milles”, Kuns

Dans le documentaire "Protocoles de rêves", Hanna Schygulla, figure emblématique du cinéma allemand et de l`?uvre de Rainer Maria Fassbinder, s`autofilme depuis 1977, expérimente, déconstruit et reconstruit sa propre image.

« Jeune comédienne, Hanna SCHYGULLA a provoqué l`impérieuse passion et les larmes amères de Petra von Kant dans le film de Fassbinder. Ensuite, elle a été sa Lili Marlène, sa Maria Braun, sa "femme allemande"... Héroïne d`une vingtaine de films phares de Fassbinder, emblème du renouveau du cinéma allemand, Hanna SCHYGULLA a tourné avec Schlöndorf, Wenders, von Trotta, puis Ferreri, Saura, Godard, Wajda, Scola, Deville... Elle vit aujourd`hui à Paris.»

In meteorology, the aureole is an atmospheric, optical phenomenon; the visible inner disc of a corona, produced by the diffraction of light from the sun or the moon, bright starlight or planet-light. Aureole brings together unused celestial images from Scott’s earlier film, Diviner (2017), with vocoder-readings from Ursula K. Le Guin’s novel The Left Hand of Darkness (1969), scored by Chu-Li Shewring’s remix of the House track Brighter Days (1992) by Cajmere featuring Dajae. Aureole is a transition between a ‘lost’ chapter from Diviner and Wendy (2022, forthcoming), a film fan-letter to composer Wendy Carlos, whose many interests include solar eclipse photography. Accelerating to a euphoric end, the film is the duration of the longest total solar eclipse, when the moon completely covers the sun.

Frances Scott (b. 1981) is a London-based artist working with moving image. Her work considers the narratives and histories at the periphery of cinematic production and its apparatus, to produce films composed of their metonymic fragments. Her projects are often made in exchange with other specialists, groups and publics, and developed through research using online and physical archives and collections. She associates and composites diverse materials, analogue and digital film media, to create intricate scenarios that are both scripted and improvised. Her film work, informed by this collaborative and research-led process, takes multiple forms, through exhibitions to installations, screenings, events, broadcasts and publications, including recent presentations at: transmediale x CTM, Berlin; 57th New York Film Festival, Lincoln Center, New York; Edge of Frame & Close Up Film Centre, London; Het Bos, Antwerp; The Bower, London; Tate St Ives, Cornwall; Annely Juda Fine Art & The Russian Club, London; Whitechapel Gallery, London; Yorkshire Sculpture Park & Art Licks; South West Film & Television Archive, Plymouth; and Focal Point Gallery, Southend. Frances Scott was recipient of the Stuart Croft Foundation Moving Image Award (2017), and is currently working on a new film commissioned by TACO!, London for a solo exhibition and publication in 2022.

"Valentina" est un prélude à "Wendy", à la fois portrait spéculatif de la compositrice et musicienne Wendy Carlos et message de fan adressée à celle qui se décrit elle-même comme "The Original Synth". Dans "Valentina", une bobine de 30 mètres de film 16mm, traitée à la main, tournée-montée lors de répétitions, sert de partition silencieuse à une lecture. La performeuse et danseuse Valentina Formenti se rappelle une partie de la retranscription d’une interview de Wendy Carlos, plus tard remontée pour être publiée dans le magazine "Playboy" en 1979. Alors que l'interview du magazine était considérée comme la première annonce publique de la transition de genre de Wendy Carlos, les passages absents, exclus du montage final, incluent ses intérêts connexes pour la cartographie, la physique, les transformations mathématiques, l'astronomie et sa pratique de la photographie des éclipses solaires. Les multiples voix de Valentina sont traduites par le Vocoder et collées avec la performance du musicien Tom Richards sur le "Mini-Oramics", projet inachevé de Daphne Oram, afin de suggérer une naissance par synthèse sonore. "... imaginer un monde sans genre, qui est peut-être un monde sans genèse, mais peut-être aussi un monde sans fin." (Donna Haraway, ’A Manifesto for Cyborgs’, Socialist Review, no.80, 1985)

Frances Scott (née en 1981) habite à Londres. Elle est artiste et travaille avec les images en mouvement. Son travail s’intéresse aux récits et aux histoires à la limite de la production filmique et de ses dispositifs, pour produire des films composés de leurs fragments métonymiques. Ses projets sont souvent réalisés dans le cadre d'échanges avec d'autres spécialistes, groupes et publics, et développés par le biais de recherches dans des archives et collections aussi bien physiques qu’en ligne. Elle associe et allie divers matériaux, des supports filmiques analogiques et numériques, pour créer des scénarios complexes, à la fois scénarisés et improvisés. Son travail de réalisation, qui s'inspire de ce processus de collaboration et de recherche, prend de multiples formes: expositions, installations, projections, événements, diffusions radiophoniques et publications. Des présentations récentes ont eu lieu notamment à la transmediale x CTM, Berlin (Allemagne); au 57e NYFF – New York Film Festival (USA); au Edge of Frame & Close Up Film Centre, Londres (Royaume-Uni); au Het Bos, Anvers (Belgique); à The Bower, Londres (Royaume-Uni); à Tate St Ives, Saint Ives (Royaume-Uni); au Annely Juda Fine Art & The Russian Club, Londres (Royaume-Uni); à la Whitechapel Gallery, Londres (Royaume-Uni); au Yorkshire Sculpture Park & Art Licks, Wakefield (Royaume-Uni); à la South West Film & Television Archive, Plymouth (Royaume-Uni); et à la Focal Point Gallery, Southend-on-Sea (Royaume-Uni). Frances Scott a reçu le prix Stuart Croft Foundation Moving Image Award (2017), et travaille actuellement sur un nouveau film commissionné par TACO!, Londres (Royaume-Uni), en vue d’une exposition solo et d’une publication prévue en 2022.

"Trailer Truths III" est le troisème épisode d'une trilogie de court-métrages faits de textes découpés de bandes annonces de films. Des mots et des phrases sont collées pour créer un nouveau texte qui coordonne l'avancée d'une critique de société à une action directe fatidique, dans un film qui parodie la notion du style Hollywoodien et appelle aux armes. En utilisant souvent le langage réductif et émotif propre au divertissement, incarné par des bandes annonces, pour aborder des problèmes sensibles et complexes, ce film reflète la partialité des superproductions et des divisions manichéennes.

Erica Scourti est née à Athènes en 1980 mais vit à Londres depuis 1998 où elle vint pour étudier la Chimie. Après avoir obtenu sa Licence d'Art aux Beaux-Arts à l'Université de Middlesex, son travail a été projeté internationalement et surtout en Grande-Bretagne, et a été choisi comme démonstration itinérante pour la galerie online tank.tv. D'autres projections récentes comprennent le "Oberhausen Short Film Festival Lounge", "EMAF ?Smart Art? discussion and Pursescreen at Bureau gallery", Manchester. Elle entreprend actuellement un diplôme en Art & Philosophie à l'Université de Birkbeck à Londres.

Trailer Truths I is the first installment of a trilogy of short films made up of text taken from movie trailers. Words and phrases are collaged together to create a darkly humorous text about war, evil and propaganda. The work playfully addresses the representation of power and language in the media, and the role of belief in the popular consciousness.

Erica Scourti grew up in Athens, leaving at 18 to study Chemistry in London. After a year on the course she quit and, after a stint at London College Fashion and Goldsmiths, graduated from Middlesex University?s BA Fine Art course in 2003. She now lives and works in East London and Essex. Her work will be appearing in the 15th Mostyn Open Competition in March 2005. Recent film screenings include: The One Night of Video & Audio, Umbrella Arts Group, Cardiff, Wales; Max 5 Video Festival, Café Gallery Projects, London; 3rd RestCycling Festival, Berlin; tank.tv on-line (www.tank.tv); Shot By The Sea, Electric Palace Cinema, Hastings; Winter Fantasia, Space Studios, London; and Trampoline ? Reactor, a live link-up to Berlin, held at Broadway Cinema, Nottingham in 2005. Courtesy Castlefield Gallery

Des fragments des plus grands discours de cinéma (sélectionnés par le site American Rhetoric) sont montés de façon à créer un morceau d'éloquence qui fait passer des messages mêlés sur la "condition humaine" et sur les dirigeants (réels et fictifs) qui essaient de la façonner. La bande-son originale du film est remplacée par une voix générée par ordinateur, ôtant ainsi aux discours leur pouvoir émotionnel en applanissant les différentes perspectives des orateurs pour qu'il ne reste qu'une seule voix. Le travail d'Erica porte souvent sur les clichés du langage dans la culture populaire et tente de leur redonner vie en les remixant et en les plaçant dans un nouveau contexte. Cette oeuvre poursuit ce projet en étudiant le langage utilisé dans les prises de paroles publiques, et le culte de la personnalité que cela implique souvent.

Erica Scourti est née à Athènes, en Grèce, en 1980. Elle vit à Londres depuis 1998, où elle a fait des études de chimie. Elle a également étudié les beaux-arts à la Middlesex University, où elle a obtenu son BA. Son oeuvre a été montrée au niveau international, par exemple à Videonale 11, Purescreen Artists Film & Video à Bureau gallery et aux Recontres Internationales 2006 à Berlin et Paris. Récemment, elle a effectué une résidence au premier festival d'art contemporain d'Anso, dans les Pyrénées. Elle montrera son oeuvre au musée Reine Sofia à Madrid et au Wewerka Pavilion pendant le Munster Sculpture Project 2007.