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Tous les jours, les journaux télévisés et autres images télé se succèdent dans un flot sans fin qui engourdi le spectateur. Ce dernier, comme hypnotisé, ne fait rien d?autre que regarder et regarder encore : zappant constamment d?une image à une autre, d?une chaîne à une autre dans un flot régulier ; il n?y a plus de d?immobilité. L?attention est fragmentaire, l?identification et la réflexion sont impossibles, le monde est en perpétuel mouvement et des images, aussi bien anciennes que récentes, se présentent sans arrêt dans des endroits différents : une ville brûle derrière une montagne ; un soldat pointe son arme ; un fille hurle ; une plage (détruite) se trouve juste à côté de l?immeuble dans lequel a lieu une conférence des Nations Unies.

Margit Lukács est née en 1973 à Amsterdam, aux Pays Bas et Persijn Broersen est également né aux Pays Bas, à Delft en 1974. Ils vivent et travaillent actuellement à Amsterdam. Ils ont tous les deux étudié le Graphic Design à l?Académie Gerrit Rietveld à Amsterdam de 1994 à 1998 et ont effectué un Master en design et beaux-arts à l?Institut Sandberg d?Amsterdam de 1998 à 2001. Leur travail a été exposé à travers les Pays Bas et dans plusieurs autres pays comme la Chine, l?Inde et le Japon et ils ont participé à l?International Artists Studio Program de Stockholm en Suède en 2005. Broersen et Lukács créent des vidéos dans lesquelles ils utilisent les images de différentes manières en combinant des scènes qu?ils ont filmé eux-mêmes, des images de reportages d?information de la télévision qu?ils se sont appropriées et des segments d?animations numériques, pour créer des montages fluides. Certaines de leurs ?uvres sont narratives et semblent presque autobiographiques alors que d?autres refusent précisément de présenter un récit cohérent dans le but de critiquer la manière qu?ont les media de rendre impossible la réflexion du spectateur sur les images qu?ils présentent. Les paysages imaginaires utopiques et dystopiques agissent de différentes manières chez Broersen and Lukács et montrent comment les différents récits présentés par les principaux media et la culture générale finissent par constituer des mondes à part entière pour les personne qui les absorbent.

The copy-paste mentality of the media and its audience is reflected in the film Beyond Sunset & Sunrise; a mosaic-film in which Broersen & Lukács connect scripts and characters from classic Hollywood movies such as ?Sunset Boulevard?, ?Badlands?, ?Wild at Heart?, ?The Last Picture Show? and ?All About Eve?, a range of films in which the protagonists struggle with their aspirations. Aspirations that eventually turn destructive. Shot entirely in Hollywood, this fictional network of a dream chasing community merges with the reality facing the ambitious actors; a no-man?s land between Los Angeles and Hollywood. A place where dreams define reality, and the dream is defined by reality.

Margit Lukács (Amsterdam, 1973) & Persijn Broersen (Delft, 1974) are artists living and working in Amsterdam and Paris. They work in a wide variety of media- most notably video, animation and graphics- producing a myriad of works that reflect on the ornamental features of today`s society. The work of Broersen & Lukács is characterized by a quest for the sources of contemporary visual culture. With intricate layers of depersonalization, re-mediation and re-interpretation they demonstrate how reality, (mass) media and fiction are strongly intertwined in contemporary society. Broersen & Lukács studied at the Sandberg Institute and at the Rijksakademie in Amsterdam. Their films, installations and graphic work have been shown internationally, including: Centre Pompidou Paris (FR), MUHKA Gent (BE), Coca in Torun (PL), Kunsthalle Tallinn (EST) and the Stedelijk Museum Amsterdam. Their films have been shown at film festivals worldwide including LAForum in Los Angeles (USA), Experimenta Media Arts Biennale (AUS), Kassel Dokumentar Film Festival (DE), Paris Rencontres (FR, ESP, DE), International Film Festival Rotterdam and the IDFA in Amsterdam (NL). Broersen & Lukács have been invited to participate in the 19th Sydney Biennale, 2014.

In Establishing Eden, Broersen & Lukács focus on the establishing shot: the moment a landscape is identified and becomes one of the main protagonists in a film. In blockbusters like ‘Avatar’ (James Cameron, 2009) and the film series ‘Lord of the Rings’ (Peter Jackson, 2001-2014), these shots have been used to capture and confiscate the nature of New Zealand, propagating itself as a new Eden, evergreen and unspoilt. Here, fiction takes over from reality: mountains and forests exist under the name of their cinematic alter ego’s. Broersen & Lukács travelled through the wilderness of New Zealand to capture these landscapes, and with that, they appropriate the nature of New Zealand once again. Creating an architecture of fragments connected by the camera movement of a perpetual establishing shot, they show this Eden as a series of many possible realities, an illusion that comes together just as easily as it falls apart.

Margit Lukács (Amsterdam, 1973) & Persijn Broersen (Delft, 1974) are artists living and working in Amsterdam. They work in a wide variety of media- most notably video, animation and graphics- producing a myriad of works that reflect on the depiction of nature in our increasingly virtual society. With intricate layers of (filmed) footage, digital animation and images appropriated from the media they demonstrate how reality, (mass) media and fiction are strongly intertwined in contemporary culture. Broersen and Lukács studied at the Sandberg Institute and at the Rijksakademie in Amsterdam. Their films, installations and graphic work have been shown internationally, including: Biennale of Sydney (AUS), Stedelijk Museum Amsterdam (NL), Muhka (Bel), Centre Pompidou Paris (FR), Shanghai World Expo (CN), Casa Enscendida, Madrid (ESP). Their films have been shown at several festivals including LAForum in Los Angeles, Kassel Dokumentar and filmfestival (Ger), Paris Rencontres (FR, Ger & Esp), New York Film Festival (USA), IDFA, Amsterdam (NL) and International Film Festival Rotterdam (NL).

In ‘All, or Nothing at All’ Margit Lukács and Persijn Broersen explore the hybridity, in image and sound, of the ultra-thin surface of digital photography in order to contemplate its role in shaping our experience and memory. ‘All, or Nothing at All’ takes its cue from Frank Sinatra’s 1939 first hitsong. Originally performed from an utterly male perspective, Danish singer Nina Vadshølt transformed the song into an angelic, rebellious chant in which many voices converge and dispute eachother. Broersen & Lukács constructed an army of avatars, impersonations of Nina Vadshølt, that ramble through a digital replica of the ancient city of Viborg(Denmark): a labyrinth of abandoned malls, garages, crusader paths and centuries old alleys as portals to another dimension. The choreography is based on West Side Story, the 1961 adaptation of Romeo and Juliet, in which Puerto-Rican and Polish streetgangs fight eachother. In ‘All, or Nothing at All’ the duality is depicted in the display of the real and the virtual, in which the ancient town of Viborg appears as a hollow veil resembling the way in which everything seems feasible that appears on our screens, a world in which there is no middle ground, only Everything or Nothing.

Margit Lukács and Persijn Broersen are artists based in Amsterdam, working together since 2002. In today’s visual culture, fiction is usurping the place of reality. Broersen & Lukács respond to this by creating video animations presenting a parallel world of spectacular images that wholly absorb the viewer in which 'nature' functions as a mirror for our media-dictated culture. Their works, consisting of layered projections, digital animations and spatial installations, have been exhibited by renowned institutions and organisations both domestically and internationally. Lukács & Broersen’s work have been shown at a.o. Rencontres Arles (France), Art Wuzhen (China), Biennale of Sydney (Australia), Karachi Biennial (Pakistan), Stedelijk Museum Amsterdam (Netherlands), FOAM (Netherlands), MUHKA (Belgium), Centre Pompidou (Paris), Kröller Müller (Netherlands) and Casa Enscendida (Madrid). Their films have been shown at several festivals including LAForum (Los Angeles), Oberhausen FilmFest (Germany), Kassel Dokumentar und Filmfestival (Germany), Rencontres Paris Berlin at Louvre, Paris (France), Haus der Kulturen der Welt, Berlin (Germany), the New York Film Festival (United States), IDFA (Netherlands) and IFFR (The Netherlands). Upcoming shows are Forest on Location, A Space Gallery, (Toronto, Canada) Shaping the Invisible World- at Hek (Basel , Switzerland) and Rubble: A Matter of Time at Auckland Art Gallery (New Zealand.

Walt Disney’s film The Jungle Book(1967) and the 1894 book by Rudyard Kipling on which it is based are emblematic of Western imperialism, not only othering nature and animals, but also bearing colonial traces. This film by Lukács & Broersen, I Wan’na Be Like You, is named after the song of the same name from Disney's film. A ghostly figure appears and seduces the viewer with a dance and a song reminiscent of the song from The Jungle Book. The scene is set in a dilapidated glasshouse, a composite of several Western botanical gardens, a place where ‘exotic’ nature is tamed and studied for the scientific needs of mankind. A place where plant and tree species from colonised countries are othered and externalised. After its song and dance, the ghostly creature disappears to make way for the avatars of the Dutch Afro-Surinamese music group Black Harmony. They walk towards the greenhouse and confidently sing “Na mi”, “I am”, in their native language—a song that is their version of the Disney song.

Margit Lukács and Persijn Broersen are an artist duo based in Amsterdam, the Netherlands. They are graduates of Graphic Design from the Rietveld Academy Amsterdam, followed by a MFA at Sandberg Institute Amsterdam. Furthermore they were artists in residence at the Rijksakademie in Amsterdam (NL). Broersen and Lukacs explore in their work the connections between the histories of the relationship between culture and nature, rooted in their interest in media, music and technology. They interweave this with the politics of representing and appropriating nature, drawn from mythological, (art) historical, scientific and cinematic sources. Their work consists of films, installations and performances, in which the mythologies/origins of actual and fictional natural phenomenons are unraveled and retold from multiple perspectives. Their work has been exhibited in renowned institutions and organisations worldwide, a.o. Stedelijk Museum Amsterdam (NL), MacKenzie Art Gallery (CA), arc en rêve (FR), Stedelijk Museum Breda (NL), Centraal Museum Utrecht (NL), FOAM (NL), MUHKA (BE), Centre Pompidou (FR), Breda Photo (NL), Cultural Capital City of Europe Esch (LU), HEK, Basel (CH), Kröller Müller (NL), WROBiennale, Wroclaw(PL), the Biennale of Sydney (AU), Rencontres Arles (FR), Wuzhen Biennial (CN). They represent the Netherlands at the Gwangju Biennale (KR) 2024

Mastering Bambi Walt Disney`s 1942 classic animation film `Bambi` is well known for its distinct main characters ? a variety of cute, anthropomorphic animals. However, an important but often overlooked protagonist in the movie is nature itself: the pristine wilderness as the main grid on which Disney structured his `Bambi`. One of the first virtual worlds was created here: a world of deceptive realism and harmony, in which man is the only enemy. Disney strived to be true to nature, but he also used nature as a metaphor for human society. In his view, deeply rooted in European romanticism, the wilderness is threatened by civilization and technology. The forest, therefore, is depicted as a `magic well`, the ultimate purifying `frontier`, where the inhabitants peacefully coexist. The original 1924 Austrian novel `Bambi, A Life in the Woods` by Felix Salten was banned in 1936 by Adolf Hitler. The novel shows nature (and human society) more as a bleak, Darwinist reality of competition, violence and death. Broersen and Lukács recreate the model of Disney`s pristine vision, but they strip the forest of its harmonious inhabitants, the animals. What remains is another reality, a constructed and lacking wilderness, where nature becomes the mirror of our own imagination. The soundtrack is made by Berend Dubbe and Gwendolyn Thomas. They`ve reconstructed Bambi`s music, in which they twist and fold the sound in such a way that it reveals the dissonances in the movie.

Persijn Broersen & Margit Lukacs are artists living and working in Amsterdam and Paris. They work in a wide variety of media- most notably video, animation and graphics- producing a myriad of works that reflect on the ornamental nature of today`s society. With layers of depersonalization, re-mediation and re-imagination they demonstrate how reality, (mass)media and fiction are strongly intertwined in contemporary culture. This results in a body of work that hovers between ornament and perspective, between a journey and a cul-de-sac. Their work is shown in filmfestivals, museums and galleries and broadcasted on TV worldwide. Recent exhibitions/screenings include: Casa Encendida, Madrid / Centre Pompidou, Paris/ Stedelijk Museum Amsterdam/ Oberhausen Filmfest, Germany and more

David Brognon & Stéphanie Rollin ont représenté l’abandon de l'activité et l’interruption brutale du temps qui en découle, par des images de l’usine désertée, d’horloges figées, et des enfants des travailleurs cherchant un nouveau lieu de transmission.

Debout devant une fene?tre, un jeune garc?on, refait me?thodiquement le me?me geste : observer son ombre porte?e dessine?e par le soleil, placer une bille de verre dans la ligne de partage entre la pe?nombre et la lumie?re, au point limite ou? son corps s’esquisse. Quelques billes aligne?es sugge?rent la re?pe?tition de ce rituel solitaire mois apre?s mois, anne?e apre?s anne?e. Ce geste simple offre une mesure litte?rale et applique?e de l’e?coulement du temps, une sorte de gnomon archai?que et incarne?. Temps cosmique versus temps de la vie. Entre jeu d’enfant et premie?re gravite? ne?e d’une conscience du passage du temps, ce geste re?pe?te? conserve sa poe?sie et son myste?re. L’enfant tente-t-il d’enrayer l’inexorable course du temps par cette limite de?risoire pose?e sur sa silhouette ? Souhaite-t-il, tel un petit poucet signifierchaque e?tape de son parcours de vie pour mieux la rappeler a? sa me?moire dans le futur ou ge?ne?rer son propre re?cit d’anticipation ? Le film esquisse un parcours initiatique, une sorte de parabole sobre et sublime sur notre propre temporalite? et la vanite? de nos actions.

David Brognon, né en 1978 à Messancy (B), et Stéphanie Rollin, née en 1980 à Luxembourg, vivent et travaillent à Paris et Luxembourg. Lauréats en 2013 du Best Solo Show à Art Brussels et finalistes en 2015 du Prix Fondation Entreprise Ricard à Paris, David Brognon et Stéphanie Rollin manipulent ainsi un matériau sociétal brut, souvent marginal, dont les motifs récurrents sont l’enfermement, l’attente et le contrôle. Des systèmes de confinement qu’ils confrontent à leurs propres systèmes de réfraction de la réalité. Avec Fate will Tear us Apart, les lignes de destinées recueillies dans la paume de consommateurs de drogues dures irradient les murs dans un éclair de néon. Le duo capte des étincelles avec des dispositifs qui mettent en tension permanente l’invisible et la lumière, l’intangible et le physique. Avec Cosmographia (Gorée Island), ils réalisent une pièce folle et monumentale qui archive physiquement la réalité de l’île: centimètre par centimètre, pendant 6 jours, les 2,4km du tracé de l’île sont décalqués sur papier. Leurs travaux font partis de plusieurs collections publiques : The Israel Museum - Jerusalem / MAC’S - Grand-Hornu, Belgium / Collection MUDAM, Luxembourg / FRAC (Alsace, Poitou-Charentes, Lorraine), France, ....

Lancé dans une course poursuite avec le soleil initiée en 2012 dans « The Most Beautiful Attempt » Anton, 25 ans maintenant, pousse toujours inlassablement des cristaux de sel pour les tenir dans la lumière.

David Brognon, né en 1978 à Messancy (B), et Stéphanie Rollin, née en 1980 à Luxembourg (L), vivent et travaillent à Paris et Luxembourg. Les deux artistes démarrent leur collaboration en 2006, après leur rencontre au MUDAM de Luxembourg. Ensemble, ils développent un travail singulier (installations, sculptures-objets, vidéos, performances, photos), dont l’humain est le matériau principal et la rencontre le moteur. A partir de situations réelles et le plus souvent complexes, ils donnent corps à l’expérience du temps, de la durée ou de l’attente, en prise directe avec la matérialité d’un territoire et de ses limites – en particulier dans le contexte de situations d’enfermement. Attentifs à la marge plutôt qu’au centre, les artistes s’intéressent aux interstices flous où la société cantonne celles et ceux qu’elle marginalise ou invisibilise. « Notre univers, c’est la périphérie, c’est cet espace-temps qu’on ne veut pas voir ».

b0mb est une vidéo générative en ligne, différente à chaque visionnage et accessible via un site web dédié. Avec un rythme intense, elle présente un montage de plusieurs centaines d’images de toute nature présentes sur internet, défilant sur une bande son musicale où l’on entend la voix de Gregory Corso lisant son poème Bomb (1958). Déclaration d’amour à la plus terrible des technologies et métaphore de la nature autodestructrice de l’homme, le poème comporte une grande diversité de champs lexicaux lui conférant une dimension presque universelle. Figure de la Beat Generation, Corso cherche à produire ici une poésie où les phrases seraient absentes de perspective, construisant son texte via une juxtaposition de mots-clés les uns "contre" les autres. A partir du poème, les artistes ont alors effectué un travail de réduction d’écriture, de filtrage et d’interprétation, pour traduire son contenu en requêtes pour moteur de recherche tel que Google Image. Chaque image visible dans b0mb provient donc automatiquement du résultat d’une de ces requêtes, sélectionnée selon des algorithmes de popularité, et s’affiche de manière synchronisée avec le texte énoncé, par un montage au chemin de fer prédéfini. Si la durée et le son restent fixes, les images sont renouvelées à chaque visionnage, évoluant peu à peu dans le temps, au fil de l’actualité. La pièce se comporte telle un protocole automatique en ligne, puisant dans son environnement des visuels pour les donner à voir sous un autre jour le temps d’un instant. De par la grande diversité de sujets abordés dans le poème et la nature hétérogène des images (photographies amateur, publicités, cliparts, presse, différences de définition...), l’œuvre donne donc à voir une sorte d’instantané de la culture visuelle d’Internet. Par un enchaînement effréné d’images indifféremment anodines, belles ou terribles, elles rendent aussi compte de la violence qui peut s’en dégager.

Nés en 1984 et 1982 en France, Émilie Brout & Maxime Marion vivent et travaillent à Paris. Après des études à l’ENSA Nancy et l’ESA Aix-en-Provence, ils ont intégré deux ans le laboratoire de recherche EnsadLab de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris, où a débuté leur collaboration. Leur travail a été lauréat du prix de la fondation François Schneider, Wattwiller et du prix du public Sciences Po pour l’art contemporain, Paris. Il a été soutenu par la Fondation des Artistes, la SCAM et le CNC, et fait notamment partie des collections des FRAC Ile-de-France, Aquitaine et Poitou-Charentes, de la CDAC Seine-Saint-Denis et de collections privées internationales (Alain Servais et de Goldschmidt, Bruxelles ; Plancius Collection, Amsterdam, Jonathon Carroll, Londres...). Il a été présenté en France et à l’étranger : MAC VAL, Vitry-sur-Seine ; Cité de la céramique, Sèvres ; IAC Villeurbanne ; Palais de Tokyo, Paris ; FRAC Haute-Normandie, Rouen ; Base sous-marine de Bordeaux ; 5th Moscow Biennale for Young Art ; Museum of Modern and Contemporary Art, Rijeka ; Carroll/Fletcher, Londres ; OCAT Shenzhen ; Daegu Art Museum ; Kunstraum LLC, New York ; Redline Contemporary Art Center, Denver... Ils ont récemment bénéficié d’expositions personnelles à la Chaufferie, Strasbourg (2019), à la galerie 22,48 m², Paris (2019), à la Villa du Parc, Annemasse (2018), au Pori Art Museum, Pori, Finlande (2018) et à la galerie Steve Turner, Los Angeles, Etats-Unis (2017). Ils seront également résidents en 2020 à la Kunsthal Gent en Belgique en 2020.

A cinematic glimpse through the keyhole of the Bavaria State Collection of Zoology Munich. A humorous and ellipticall Vision - Sound Collage, dealing without the use of dialogue, trying to comprehend the daily life of a special place, where life and death are playing an extraordinary part.

Vera Brueckner born in 1988 and raised nearby Munich , started 2012 film studies at the University for Television and Film Munich after she had made a Bachelor degree in Phtography and Design at Unviversity of Applied Sciences Munich. In 2010 Vera interned at the Photography Museum Reykjavík Iceland and at the Gallery of Photography in Dublin.

Questionnement sur l`espace qui nous entoure, commment regarder, comment regarde-t-on ce qui nous entoure? La piscine contient de l`eau, cette eau est miroir de l'espace qui la contient.Le réel est-il reflet de la réalité, ou la réalité elle-même?

Nom : Brunet Prénom : Julien Date et lieu de naissance : 18 août 1979 à Uccle Nationalité : belge/français Etudes et Formations : -1995-1999 : Secondaires supérieures à St Luc Tournai en section décoration. Section d`art moderne et contemporain dirigé par Aldo Turin, Christophe Leuzer et Christine Dupuis. - 1999-2004 : Ecole supérieure des Arts Plastiques et Visuels de Mons. Atelier d?Image dans le Milieu (IDM), dirigé par Jean-François Octave et Luc Grossens. Durant ces cinq années, le dessin, le dessin animé, la vidéo et la photographie on été mes principaux champs d?exploration. - 2002-2003 : Erasmus au Portugal. Quatre mois de séjour dans la ville de Porto à l?Universidade do Porto les Belas Artes. Approfondissement de la technique photographique. Montage et participations à l?exposition photo "La Viegra Negra". - 2002-2004 : Cette quatrième année a été importante pour tout un groupe d?étudiants de l?atelier d?IDM, ce fut la création de l?ABSL "Un Paxilus dans la Litière". Qui nous permit d?entrer plus concrètement en contact avec le milieu de l?art contemporain. La constitution de cette ABSL nous a appris beaucoup quant à la gestion interne d?un groupe et l?organisation d?évènements et d?expositions.

Le DADAMETRE est un indice global permettant de mesurer l?écart du discours par rapport à Dada. En 1912, la pièce de théâtre Impressions d?Afrique de Raymond Roussel devient source d?inspiration directe pour Marcel Duchamp qui considère l?écrivain comme « un maître absolu ». La représentation est annonciatrice des futures manifestations Dada. Dans Comment j?ai écrit certains de mes livres Raymond Roussel explique : « Je choisissais deux mots presque semblables (?). Par exemple billard et pillard. Puis j?y ajoutais des mots pareils mais pris dans deux sens différents, et j?obtenais ainsi deux phrases presque identiques. (?) 1° Les lettres du blanc sur les bandes du vieux billard? 2° Les lettres du blanc sur les bandes du vieux pillard. (?) Les deux phrases trouvées, il s?agissait d?écrire un conte pouvant commencer par la première et finir par la seconde. » Cette méthode décrite par Roussel - bien que pré dadaïste - sera considérée ici comme emblématique de Dada dans le champ du langage. Aujourd?hui, alors que le moindre de nos comportements (travail, désir, idéologie, risque etc.) est enregistré et comptabilisé dans le cadre d?indices boursiers sur les marchés d?une finance globalisée, il s?agit de construire de nouveaux indices globaux, cette fois dans le domaine de l?art. L?indice DADAMETRE cherche à mesurer l?évolution au cours du temps de la densité de Dadaïsme dans le discours en mouvement perpétuel, tel qu?il est emmagasiné sur le Web, ceci en s?inspirant de Roussel. Objet artistique avant toute chose, étalon de la déchéance de l?aura du langage, le DADAMETRE, tout en étant basé sur des outils scientifiques rigoureux, constitue sa propre parodie : il vise aussi à interroger le statut d?une Science qui s?est mise peu à peu au service du marketing global et de la surveillance généralisée.

Christophe Bruno vit et travaille à Paris. Depuis 2001, il poursuit sur iterature.com un travail sur les phénomènes de réseau et de globalisation dans le champ du langage, considéré comme un readymade in progress. Iterature.com a été primé au festival Ars Electronica en 2003 pour le Google Adwords Happening et au Share Festival à Turin pour la performance Human Browser, initialement inspirée des Epiphanies de James Joyce. Le projet Dreamlogs, hommage aux travaux OuLiPiens de Georges Perec et Marcel Bénabou, a reçu une aide à la maquette du DICREAM en 2004. Christophe Bruno est aussi lauréat du Prix ARCO nouveaux media 2007 de la Foire d?art contemporain de Madrid, avec son installation Fascinum réalisée en 2001. Son dernier projet, Logo.Hallucination a également reçu une aide du DICREAM en 2006 dans le cadre des dernières Rencontres Paris-Berlin-Madrid. Son travail a été présenté internationalement dans de nombreux festivals, musées, galeries et foires d?art contemporain : FIAC Paris, ARCO Madrid, Diva Art Fair à New-York, Palais de Tokyo à Paris, ArtCologne, MOCA Taipei, Musée d?Art Moderne de la ville de Paris, Rencontres Internationales Paris-Berlin-Madrid, New Museum of Contemporary Art à New-York, Biennale d?Art Contemporain de Tirana, Share Festival à Torino, Transmediale à Berlin, Laboral Cyberspaces à Gijon, galerie Sollertis à Toulouse, ICC Tokyo, Nuit Blanche de Paris, File Festival à Sao Paulo, f.2004@shangai, ReJoyce Festival à Dublin, P0es1s.net à Berlin, Microwave Media Art Festival à Honk-Kong, Vooruit à Gand, Vidarte à Mexico City? Il partage son temps entre son activité artistique, curatoriale, enseignement, conférences et publications. Son travail est consultable sur http://www.christophebruno.com http://www.iterature.com

The film focuses on the formation and representation of ideology, the position of the intellectual, and forms of re-presentation, actualisation of historical complexities. Galindez departs from the theatre play El Señor Galindez, written by Argentine psychoanalyst, dramaturge and actor Eduardo Pavlovsky in 1972.

Born in 1978 in Argentina, Diego Bruno lives and works in Helsinki. He studied History of Art at the University of Buenos Aires, holds a BA in Fine Arts from the Escola Massana, Barcelona and an MFA in Fine Arts from the Finnish Academy of Fine Arts. Bruno’s work has been shown at Wiels Center for Contemporary Art, Brussels; Museum of Latin American Art, Buenos Aires; Centre d ́Art Santa Monica, Barcelona; Manifesta 08 Murcia; Hudson Valley Center for Contemporary Art, New York; Center for Contemporary Art Celje; Extra City, Antwerp; The Solo Project, Basel; Museum of Contemporary Art, Barcelona and Malmö Kunsthalle, among others.

Les Lois de Non-Conservation est un projet artistique et curatorial sur les questions de temporalité, d`émergence et d`obsolescence, dans le cadre des circuits de production-distribution-consommation du capitalisme de réseau. Il s`intéresse notamment aux processus de consommation de l`art sur différentes échelles de temps, des plus courtes aux plus longues, aux durées de vie des ?uvres, à leurs pannes, leur disparition, leur réincarnation... à l`intrication entre observabilité et usage, entre sacré et profane. Il scrute des phénomènes mal identifiés, qui sont dans un no man`s land entre la pérennité de l`objet et le caractère éphémère de la performance, entre la déchéance de l`aura et sa résurrection. http://www.cosmolalia.com/non-conservation-laws Le dispositif se développe parallèlement avec le projet ArtWar(e), collaboration entre Christophe Bruno et le philosophe Samuel Tronçon. Artwar(e) est une plate-forme de « gestion des risques artistiques » dont l`ambition est de reformuler l`histoire de l`art, les attitudes performatives et relationnelles, ainsi que les pratiques curatoriales, en utilisant des concepts récents issus du marketing, comme les « courbes de Hype ». Artwar(e) a été produit avec l`aide de LES CAPUCINS ? centre d?art contemporain (ville d?Embrun) www.lescapucins.org (direction artistique Caroline Engel) dans le cadre du projet européen SMIR (eSpaces Multimédia pour l?Innovation et la Recherche en production culturelle) / programme Alcotra. http://www.artwar-e.biz

Christophe Bruno vit et travaille à Paris. Son travail propose une réflexion critique sur les phénomènes de réseau et de globalisation dans les champs du langage et de l?image. Primé au Festival Ars Electronica en 2003 pour le Google Adwords Happening, une performance globale sur le « capitalisme sémantique », et au Share Festival à Turin pour Human Browser, il a aussi remporté le Prix ARCO nouveaux media 2007 de la Foire d?art contemporain de Madrid, avec son installation Internet Fascinum. Il est lauréat de deux aides du DICREAM (Ministère de la Culture et de la Communication - Centre National de la Cinématographie) en 2004 et 2006, pour ses projets Dreamlogs et Logo.Hallucination. A partir de mars 2011 il sera commissaire d`exposition pour l`espace virtuel du Jeu de Paume. Il partage son temps entre ses activités artistique et curatoriale, enseignement, conférences et publications. Ses ?uvres ont été présentées internationalement dans de nombreux festivals, musées, galeries et foires d?art contemporain : Jeu de Paume à Paris, ARCO Madrid, FIAC Paris, Biennale de Sydney, Palais de Tokyo à Paris, MOCA Taipei, Musée d?Art Moderne de la ville de Paris, New Museum of Contemporary Art à New-York, Rencontres Internationales Paris-Berlin-Madrid, Biennale d?Art Contemporain de Tirana, HMKV Dortmund, Diva Art Fair à New-York, ArtCologne, Share Festival à Turin, Transmediale à Berlin, Laboral Cyberspaces à Gijon, galerie Sollertis à Toulouse, Gallery West à La Haye, Vooruit Arts Center à Gent, ICC Tokyo, Nuit Blanche de Paris, File Festival à Sao Paulo, f.2004@shangai, ReJoyce Festival à Dublin, P0es1s.net à Berlin, Microwave Media Art Festival à Honk-Kong, Read_Me Festival à Dortmund et Aarhus, Vidarte Mexico City? http://www.christophebruno.com

La dynamique économique de l`hallucination collective nous conduit-elle vers une privatisation du regard ? Le Web, notamment dans sa version 2.0, représente un aboutissement des stratégies de contrôle dans le domaine de l`écrit. L`image, elle, est plus difficilement interprétable par la machine et reste un territoire peu accessible. En témoigne par exemple l?essor de la stéganographie, l?art de cacher un message à l?intérieur d?un autre message, qui est utilisée sur Internet pour insérer des mots dans une image numérique, afin de contourner des dispositifs de censure automatisés. La reconnaissance de formes est un domaine en pleine expansion. Elle constitue une technologie clé dans les domaines de la sécurité, de la gestion des droits, du marketing... « Logo Hallucination » propose d`utiliser les technologies de reconnaissance d`images afin de détecter des formes subliminales de logos ou d`emblèmes, cachées (le plus souvent involontairement) dans l`environnement visuel ou dans l`ensemble des images de l`Internet. Les images trouvées seront accessibles depuis un weblog, proposant une mise en relation entre l?original d?une part et, d?autre part, la marque et son logo. Le tout fera partie d?une installation physique présentant l?ensemble du processus. "Logo Hallucination" s?inscrit ainsi dans le cadre du Web 2.0 dans la mesure où les données brutes (les images) sont enrichies par une information visuelle complémentaire (l?hallucination de la marque) et que leur juxtaposition participe de nouveaux enjeux économiques, ici pointés de manière ironique.

Christophe Bruno vit et travaille à Paris. Sa performance sur le "prix des mots" intitulée Le Google Adwords Happening a été primée au Festival Ars Electronica en 2003. En 2007, il reçoit le prix ARCO à Madrid. Il a été exposé internationalement : Palais de Tokyo à Paris, Transmediale à Berlin, Galerie Sollertis à Toulouse, Nuit Blanche de Paris, ICC à Tokyo, Musée d`Art Moderne de la Ville de Paris, Biennale d`Art Contemporain de Tirana, File Festival à Sao Paulo, f.2004@shangai, ReJoyce Festival à Dublin, P0es1s.net à Berlin, Microwave Media Art Festival à Honk-Kong, Read_Me à Dortmund, Vidarte à Mexico City... Il partage son temps entre son activité artistique, enseignement, conférences et publications.

On the outskirts of the small town of Gommern, a heath garden has been inviting visitors for a walk since 1996. This was once the site of Ernst Reindel's rendering plant, who executed numerous people as an executioner during the Nazi era. The insistent camera view shows images in the here and now, while a stoic narrative voice recites original documents from Ernst Reindel's biography. What do we remember? How do we commemorate? What remains? The term "Begehung" is ambiguous in German. The title can be understood as "Begehung eines Ortes" (site visit) as well as a term from jurisprudence: "Begehung eines Verbrechens" (committing a crime). Since a corresponding translation in English seemed insufficient, we decided to keep the German title as the international title.

Thomas Brück was born in Zapopan (Mexico) in 1988. He studied time-based arts at the Burg Giebichenstein University of Art and Design in Halle and media art and cinematography at the Havana University of the Arts in Cuba in 2017. After graduating, he completed the Professional Media Master Class for artistic documentary shortfilm at the Werkleitz Gesellschaft in 2022 and was recipient of the Graduate Scholarship of the State of Saxony-Anhalt. In his artistic and cinematic work, he deals with concepts and constructions of reality and identity as well as the relationship between objectivity and aesthetic illusion. He is currently developing his first feature-length documentary film about historical and contemporary narratives of the appocalypse as a speculative vision of the upcoming end of the world. Thomas Brück lives and works in Halle and Leipzig.

"quinze Queer Crossover: on a demandé à des cinéastes lesbiennes de Berlin de tourner un court film de contribution sur leurs représentations de l'amour et du sexe entre gays - et à l'inverse, des cinéastes gays devaient tourner un film court sur la sexualité ou l'érotisme entre lesbiennes. "Dans sa contribution BLUE BOX BLUES, Michael Brynntrup montre clairement la différence entre le gestus illusionnant d'une photographie et de processus de fabrication de celle-ci." Au moyen de la reconstitution du processus de création d'une photographie qui montre un couple de lesbiennes tendrement enlacées et suggère la confiance et l'intimité, Michael Brynntrup réussit à démasquer les modèles stéréotypés de perceptions sur lesquels revient la mise en scène: le message contenu dans la photo est en éclatant contraste avec la mise en scène de l'image,banale et fastidieuse, réalisée par de nombreuses personnes dans l'atmosphère stérile d'un studio Blue Box . Ainsi, BLUE BOX BLUES devient le moyen de montrer, dans une optique de critique des médias, une structure de marché qui incorpore des ensembles de sentiments dans un processus industriel de dévalorisation.

"Né en 1959 à Münster (Allemagne). Etudes d?histoire de l?art et de philosophie à Fribourg-en-Brisgau et à Rome. Vit à Berlin depuis 1982, études de cinéma à l?Ecole des Beaux Arts de Brunswick entre 1987 et 1991, cours dans une classe de maître en 1991. Divers genres artistiques et CopyArt depuis 1977. Plus d?une cinquantaine de films et vidéos (dont deux longs métrages) depuis 1981. Arts numériques avec supports interactifs depuis 1995 (CD-ROM et Internet). « Film exhibition » au Museum of Modern Art de New York (1987, 1992 et 1999). Diverses rétrospectives, nombreux prix pour ses films, organisation et présentation de collections de films expérimentaux en Allemagne et à l?étranger. En 1993, obtention d?une bourse d?études du Kunstfonds (Fonds culturel) de Bonn. Publications sur le super 8 et les cinémas expérimentaux et marginaux de Berlin. Workshops, encadrement de projets et activité de formateur dans le domaine de la production médiatique depuis 1990. L?artiste poursuit actuellement son ?uvre créatrice." source: arte-tv.com

Images de la sphère privée du world wide web. "The video has been removed due to its inappropriate nature". (Sat, 03. Mar 2007 14:06:25 -0800, YouTube | Broadcast Yourself?)

Né à Münster en Allemagne en 1959, Michael Brynntrup a etudié à Freiburg, Rome et Berlin. Il fait un Master à la School of Art en 1991. Fait des poemes experimentaux, textes, painture, photographie, photocopies, performances, installations et des expositions depuis 1977. Plus de 60 courts metrages experimentaux et videos depuis 1981 et quatre longs metrages. Art digital depuis 1995 (CD-ROM, DVD, et internet). Exposition de film au MoMA de New York (1987, 1992 et 1999). Plusieurs expositions internationales, et prix de films et de medias. Organisation de festivals avantguarde et gays pour des musés, des institutions et des festivals de films internationaux. Publications sur le super8 et les cinemas de Berlin OFF-OFF. plusieurs conferences, depuis 1990 il fait des ateliers, supervise des projets et conceil des apprentis au sujet de production medias et de films.( Beijing Normal University Zhuhai/Chine). Depuis 2006, il est professeur de film/vidéo a l'universire d'art de Braunschweig. Il continue à travailler.

"Le monde est tout ce qu'est une démonstration." Vivre à l'ère de la mondialisation - une étude de cas. (librement adapté de la première phrase de Tractatus logico-philosophicus de Ludwig Wittgenstein) Les études de cas demandent une méthode de recherche particulière. Plutôt que de se baser sur de larges échantillons et de suivre un protocole rigide afin d'examiner un nombre lmité de variables, les méthodes de l'étude de cas requièrent un examen longitudinal, en profondeur d'un seul exemple ou événement : un cas. (wikipedia.org/wiki/Case-study, 2005)

Michael BRYNNTRUP est né en Allemagne en 1959; Il a fait ses études à Freibourg, Rome et Berlin. Il a obtenu un Master en beaux-arts à la Braunschweig School of Art en 1991. Il écrit des poèmes et des textes expérimentals, réalise également des peintures expérimentales, ainsi que des photographies, des photocopies, des performances, des installations et des expositions depuis 1977. Il a réalisé plus de 60 courts-métrages et vidéos expérimentaux depuis 1981 ainsi que quatre longs-métrages. Depuis 1995, il s'intéresse à l'art numérique et aux media interactifs tels que les CD-ROM, les DVD et Internet. Il a présenté ses films au Museum of Modern Art de New York en 1987, 1992 et 1999. Il a participé à de nombreuses expositions internationales et a reçu plusieurs récompense dans le domaine du cinéma et de l'art médiatique. Il a également organisé des événements cinématographiques gay et avant-gardistes pour des musées, des institutions et des festivals du film internationaux. Il a publié sur le super 8 et les Off-Off-Cinémas, il a également été invité à donner plusieurs cours à l'université et depuis 1990, il participe à des ateliers et divers projets afin de donner des conseils sur l'apprentissage dans le domaine de la production de media et du cinéma (par exemple à la Beijing Normal University Zhuhai en Chine. Depuis 2006 il est professeur à la Braunschweig Art School.

This video develops from a real event that took place during a theater seminar in the masters degree program at the University of Antioquia in Medellín, Columbia. The seminar occured uring one of the university`s worst periods of violence. Two students in charge of a presentation on the life and work of French author Jean Genet decided to play a hoax on their fellow students - a hoax that involved an armed kidnapping. Their idea was to perform the ethos of Genet`s work rather than to represent it in a conventional way...

François Bucher is an artist from Cali, Columbia, who lives and works in Berlin. He combines a variety of media and sources to consider power, violence, and geography. His work has been exhibited internationally in group and solo shows as installations and single-channel pieces. He also co-founded and co-edits Valdez magazine.