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The short film UNCERTAINTY is like Ouroboros, has no beginning and no end. The important aspect of the plot is constant change of the perspective between the observer and the observed person. This endless inversion and slow close-ups create the atmosphere of uncanny epidemic. Uncertainty is the effect of being infected by a microbe which forced a victim to intense observation of the surrounding world. The final aim is to not get concentrated on any specific element or quality but to exceed the cognitive habits. The suspended certainty of the existence forces all observers to look through the images of so-called reality. Their behavior may look absurdly, although it’s based on the promise given by our culture: there must be something beyond the visible world.

Born in 1980 in Wroclaw, Poland where he lives and works. Since 2004 studied at The Academy of Fine Arts and Design in Wroclaw. Received MA Degree in Media Arts in 2011. Founder and director at EMDES gallery which existed between 2009 and 2011.

Une exploration animée de la culture populaire et du fast-food nord-américains, mêlant l`absurde à l`obsessionnel et abordant entre autres les thèmes de la surcharge sensorielle et l`omniprésence de l`intéractivité dans les médias.

Formé en cinéma et beaux-arts à l`Université Concordia (Montréal, Canada), Philippe Blanchard a ensuite travaillé quelques années en Amérique Latine et au Moyen-Orient pour finalement suivre une formation en effets spéciaux numériques au College Seneca (Toronto). Il travaille présentement pour le studio d`animation Head Gear Animation à Toronto.

Le projet « The Proll Thing » comprend une vidéo d?animation sur deux écrans ainsi qu?une vidéo réalisée avec un téléphone portable. L?idée est de distribuer la narration entre différents médias, et de voir comment cette information s?articule en différents niveaux dans l?espace de projection. Le point de départ de l?auteur est le restaurant Kino International de Berlin-Est. L?actuelle « police de l?image » de ce bâtiment interdit qu?on prenne des photos à l?intérieur (même si le lieu est ouvert au public pendant la projection des films). L?auteur a pensé à l?animation comme moyen de représenter l?intérieur du bâtiment, car il lui semblait possible de recréer cet intérieur en mélangeant la réalité et la fiction. Pour réaliser ce montage, il a intégré différents éléments, réels ou imaginaires, qui créent des situations nouvelles. Les dessins pour les décors de la vidéo sont basés sur une série de cartes postales vendues comme souvenir à l?entrée du cinéma.

Vicente Blanco est né à Cee (Espagne) et est diplômé de l?Académie des Beaux-Art de la Faculté de Potevedra (Université de Vigo, Espagne). Il a bénéficié, entre autres, d?une bourse de perfectionnement à la Claremont Graduate University de Los Angeles (USA), de la subvention « Generation 2000 » de la part de Caja Madrid, ainsi que de la bourse de l?Unión Fenosa et Beca Endesa, qui lui a permis de vivre à Madrid. Il a participé à de nombreuses expositions collectives, notamment « Urbanitas » à MARCO (Vigo, Espagne), « ¿Viva pintura! » à Salzburg (Autriche) et « 16 x 16, 16 proyectos de arte español » pour ARCO?06. Ses expositions individuelles ont eu lieu au CGAC en 2003 (« Lo que se espera de nosotros »), à l?Espacio Uno du Musée Reina Sofía en 2004 (« Alguna vez pasa cuando estáis dormidos ») et à la galerie Elba Benitez Gallery en 2006 (« Otra vez algo nuevo »).

Empire of the Swamp (2023) begins with a figure wandering from the mangrove swamps surrounding the city edges of Singapore to Bukit Brown Cemetery in the heart of the island, overgrown and rich with biodiversity, once the final resting place for 100, 000 people. This green space is slowly being swallowed up, graves exhumed to make way for new roads and eventually new housing. A script, written by playwright Joel Tan, is a fable of nature and the repercussions of colonialism. A tale of a crocodile who comes upon the soul of a English soldier lost in the swamps. Empire of the Swamp was part of Atomic Light, David Blandy’s most ambitious solo project to date at John Hansard Gallery, Southampton, UK. Featuring four newly commissioned films, it builds upon his continued interest in history, the legacy of empire and the climate crisis. The tales interconnect through the story of Blandy’s grandfather, a British soldier interred in Singapore as a Japanese prisoner of war, who believed that the horrific atomic bombing of Hiroshima saved his life. Empire of the Swamp was commissioned by John Hansard Gallery, UK & Supported by Arts Council England

David Blandy (1976, UK, Lives & works in Brighton) makes work that slips between performance and video, digital and analogue, investigating the stories and cultural forces that inform and influence our lives. Collaboration is central to his practice, examining communal and personal heritage and interdependence. With research spanning multiple forms of archive, from fandoms to the archive of the body, historic texts to academic libraries, archaeology and ecological theory, twitch streams and film archives, Blandy weaves poetic works that explore the complexities of the contemporary subject. He is represented by Seventeen Gallery, London, UK. His films are distributed by LUX, London, UK.

"End of Level" est une oeuvre courte animée, fusionnant des pixels 2D avec l'animation 3D. La grande bataille entre un artiste de rue et un directeur artistique s'amplifie au son des beats obtenus avec une Gameboy Nintendo. Les hommes pixélisés se battent pour la suprématie, à travers la reproduction, la subversion, un convertisseur analogique-numérique et la réparation. Reconfigurer le système de signes de la ville est une bataille épique sans fin.

Victor Blanke est né à Stockholm, Suède, en 1980. Diplômé du Central Saint Martins College of Art and Design et de la Stockholm Filmschool, son travail a été présenté au Festival du Film de Stockholm, au Subörb Festival, et dans des publications telles que The Face et Adbusters Magazine. Parmi ses oeuvres publicitaires on trouve de nombreuses vidéos et publicités musicales pour des artistes tels que Paul McCartney, Shelly Poole, Håkan Lidbo et mutagene.

A traditional band plays in an abandoned hotel on an island in the middle of the Atlantic Ocean. Only in the final credits we understand that this is a political film.

Daniel Blaufuks uses mainly photography and video, presenting his work through books, installations and films. He has a predilection for issues such as the connection between time and space and the intersection between private and public memory.

Successive Approximations to the Goal (2015), 14 min., 1080p digital Successive Approximations to the Goal is a term that is used in applied behavior analysis. It refers to the series of slight behavioral changes that are reinforced because they are increasingly more similar to the ultimate objective. Driven by the desire to spatially portray the passage of time, I filmed an LA Galaxy/Vancouver Whitecaps soccer game and then composited the images to portray the motion over time of the players, the refs and the ball. As the different pieces emerged, I was struck by the inevitability and futility of what I was seeing, which triggered in me thoughts of rats in cages, endlessly pushing rocks up mountains, video games that you always lose and the paradox of the movement of electrons. The sound interprets, in many different ways, the possible explanations for such strange human behavior.

Beth Block is a media artist who lives in Los Angeles. She worked in the film industry creating visual effects for major Hollywood films including TERMINATOR 2, ALTERED STATES, and JAMES AND THE GIANT PEACH and was among the first generation of artists to transition from cameras to computers to create visual effects. Her recent films exploit the ability of digital technology to be re-photographed multiple times without generational loss, enabling her to more fully explore her fascination with capturing motion depicted over time. In addition to her experimental films she is a freelance documentary director, cinematographer and editor. She currently teaches at USC’s School of Cinematic Arts and is also documentarian for the Unusual Suspects Theatre Company and the NewTown Pasadena Foundation. Her films and installations have been exhibited at Los Angeles Contemporary Exhibitions (LACE), The Cinematheque, San Francisco, Los Angeles Filmforum, Film in the Cities, Minneapolis, MN, and the Ann Arbor, Sinking Creek, Philadelphia, Athens, and Black Maria Film Festivals. Block was a founding member and former board president of the NewTown Pasadena Foundation, where she is still an active member, and from 1985-1995 was a Los Angeles Filmforum board member and past president.

The installation consists of twelve filmed life-size portraits of actors viewed on six screens, each impersonating their favourite character of the opposite sex, performed in six-minute monologues. In total the installations lasts 72 minutes. The monologues are extracted from, or inspired by lines delivered by iconic characters in drama and literature, both historical and contemporary, criss-crossing time, space and language. During the 72 minute-installation all actors remain visually present, while only one voice speaks at a time. Between silence and the spoken word, the intrinsic tension of male/female border zones is redefined. The result is multidimensional: portraits of our time containing speeches and visions that bring revealing thoughts and insightful conversations about identity, revolution and desire in what feels like a personal confrontation with each actor. We challenge static, mental and cultural conventions by giving back the imagination to the limitations on gender and sexual identity.

Diana Blok is a self-taught visual artist born in Montevideo, Uruguay (1952), she lived in Mexico, Guatemala and Colombia before choosing Amsterdam as a base from which she could function more freely as a female artist. Her nomadic background allows Blok to capture different cultures and identities in her photography and video installations, challenging the structures of the established order as an inspirator, innovator and connector. She investigates subjects as identity, gender, sexual diversity, family structures and culture with poetic and confrontational imagery. In the past 6 years her work evolved into interactive-video installation ’Gender Monologues’, unsettling the gender binary and performing archetypes of femininity and masculinity blurring the disciplines of the moving image, performance and literature. She has had numerous exhibitions worldwide, received the grant for Established Artist from the Mondriaan Foundation in 2020 and will hold a retrospective in the Cobra Museum for Modern and Contemporary Art (NL) in 2024.

"Hither come down on me?" est le troisième et dernier volet de la série "Cowboys et Indiens". Comme dans les deux parties précédentes, "Chapter Three" et "Nervous", l?anxiété domine. C?est ici le langage qui émeut, et produit une expérience auditive. Dans ce troisième chapitre, la perception de la première personne du singulier est déformée par l?expérience de l?espace, tandis que dans "Nervous", la nature transformée en environnement de tournage peut être perçue comme doublement négative, car elle est à la fois familière et étrangère. Dans "Hither come down on me", l?anxiété est évoquée par le biais d?une confrontation avec la ville, cet environnement externe qui est littéralement opposé à la sphère domestique. Le protagoniste expérimente ce qu?il voit et entend comme une forme directe de communication, une voix s?adressant directement à lui et lui donnant des ordres.

Ansuya Blom travaille comme artiste depuis 1977. Elle est peintre et réalisatrice. Son travail traite de l?individu et de sa relation avec le monde interne et externe. La première personne du singulier est le moyen employé pour réfléchir à cette relation de l?individu au monde et aux stratégies qu?il emploie pour gérer l?anxiété. Dans les films d? Ansuya Blom, le monde est perçu au-travers des yeux et oreilles du protagoniste. Son travail a été exposé dans de nombreux musées et galeries aux Pays-Bas et ailleurs. Une exposition individuelle de ses peintures et films a été organisée au centre d?art de Camden, à Londres, ainsi qu?à la galerie Douglas Hyde de Dublin et au Stedelijk Museum d?Amsterdam. Ses films ont notamment été diffusés au Musée d?Art Moderne de New York.

Court-métrage basé sur une histoire écrite par Robert Walser. Il y décrit son état d'esprit, lequel oscille quelque part entre l'optimisme et le désespoir. Ses pensées sont lues à haute voix lors d'une promenade à la campagne. Doucement on passe de la nature extérieure à la nature intérieure.

Ansuya BLOM (Groningen 1956) a etudié de 1973 à 1974 à la Royal Academy de La Hague et de 1974 à 1976 aux Ateliers '63 à Haarlem. Ses peintures ont été notamment exposées au Stedelijk Museum à Amsterdam. Elle a également participé à de nombreuses expositions collectives à travers le monde.

SPELL is a short video documenting the thoughts of a man who seems to be in a state between sleep and wakefulness. The sounds he hears within the space where he lives seem to invade his thoughts and get amplified. They mix with associative sounds from his past. Meanwhile the reality around him appears to deform at times. In this in-between world he tries to het a grip on his state, contemplating early beginnings but at the same time mocking his own state, the futility of actions and the daily rituals of existence. The images for this film were shot in the Doesburg Foundation in Meudon, during a residency in 2010 - 2011. The house, with it`s historic past bore many traces from history and the people that had stayed there. This absent presence was a motivating factor in making this film. The words of Franz Kafka speak for themselves and it was the strange mix of humour and despair that attracted me.

Biography Ansuya Blom Ansuya Blom works as an artist using the media of drawing and film. Her work focuses on the individual and the relation to the internal as well as the external world. ?The first person singular? is used by way of thinking about the position of the individual. Ansuya Blom is interested in the strategies this individual adopts in dealing with anxieties that are induced by alienation. In her films the world is seen through the protagonists` eyes and heard through their voices. Ansuya Blom`s work has been exhibited extensively in both galleries and museums in the Netherlands as well as abroad. Solo-exhibitions of her work have been held at Camden Art centre, London, Douglas Hyde Gallery in Dublin, and the Stedelijk Museum in Amsterdam. The Museum of Modern Art in New York has been among the venues where her films have been screened. She is an advisor at the Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam.

Une improvisation vidéo avec deux Kodak Ektagrahic III E Plus Slide Projector avec pax et transpax ; connexion pour contrôle externe, oscillateur FM avec senseur de lumière, enregistreur numérique et lentilles vidéos dirigés par Maria Blondeel : lampe incandescente verte, différentes ampoules, tube fluorescent, microphones, repiquages et appareillages électriques divers manoeuvrés par Michæl Vorfeld. Enregistré à Hyde Park Art Center, Outer Ear Festival of Sound ESS, Chicago, Illinois, États-Unis, 2002. Produit par Blondeel/Vorfeld 2005.

En tant que duo réalisant des spectacles, BlondeelVorfeld ont été actifs depuis 1996 ; L'un est artiste en sons éléctroniques et l?autre est percussionniste, l'un projetant la lumière, l?autre utilisant les sources de lumières presque comme des objets. Ce que l?on entend et voit est un dialogue en contrepoint entre des ondes carrées de lumière contrôlée et analogues et des sons électriques accompagnant ou accompagnés par des évènements de lumières projetée sur et dans des lumières, blanc éclatant et des couleurs jaunes, bleues ou rouges incandescentes. Maria Blondeel est une artiste intermédia basée à Ghent, en Belgique. Elle a fait des installations de lumière sonique ainsi que des ?uvres spécifiques à certains lieux pour des véhicules, des téléphones et de la radio. Elle a aussi participé à des concerts et des performances en collaboration avec des musiciens et produit des travaux pour des CD et des vidéos. Son travail a été exposé dans des galeries, des musées et des festivals en Europe, aux Etats-Unis et en Asie. Micheal Vorfeld est basé à Berlin. C?est un musicien et un artiste visuel. Il joue des percussions et des instruments à cordes qu´il créé lui-même, et réalise des ?uvres dans le domaine de la musique expérimentale, la musique improvisée et l?art sonore. Il réalise aussi des morceaux sonores électro-acoustiques. Son travail visuel se concentre sur l?utilisation de la lumière. Il crée des installations et des spectacles avec de la lumière, souvent spécifique aux lieux et en combinaison avec dès sons électriques ou instrumentaux. Sa liste d?activités comprend de nombreux concerts, spectacles et performances en Europe, aux États-Unis, en Asie et en Australie.

`CONTINUE PLAY?` est l?un d?une série de projets inspirés par des jeux et qui vous présente des classiques des jeux d?arcade des années 70 : `BREAK-OUT` `ELEKTRAGLIDE` et `PONG` avec une amélioration de l?accompagnement audiovisuel. Les techniques de ?jeux? particulières de JAYGO BLOOM?S apportent la structure et la tempe pour une réponse Audio Visuelle alternative, on répond construite à partir ?tutoriaux personnels musicaux? mal expliqués tout autant que télécharger au hasard.

Glacis The film explores the remnants of the French bourgeoisie, a world slowly but inexorably undermined by the forces of acceleration and globalised finance capitalism. dividing the sequences are still frames taken from the history of French aviation, the developments of which were a particularly bourgeois pastime of the 18th and 19th centuries enabled by family industrial infrastructure. The notions of speed and acceleration associated both with flight and post industrial capital are contrasted to slowness and investment associated with bourgeois values and the old industrial elites. Self professed Bourgeois are filmed in their family (secondary) homes performing role playing games that they themselves have chosen. These sequences are followed by "cinematic" sequences designed by the performers and produced by the film maker. The French aviation threads that bookend the chapters are accompanied by a narrated voice and composed of a single frame image. That image degrades over time. The degradation of the image is a result of algorithmic scripting that obliterates the traditional notion of decay by performing in fast forward, 1,000 years of the opening and closing of a jpeg image until the image itself is degraded to the point of being unrecognisable. This process formally performs the undermining - by technologies - of the temporal weapon of tradition and manners mobilised in the project of bourgeois hegemony. Glacis is an ancient military term that denotes a field of view unimpeded by obstacles where the enemy other is clearly visible, figured against the nothingness.

Ramon Bloomberg: Biography: Born 1971 Sheffield, United Kingdom. French / British nationality. Worked extensively as a film editor and film director on projects from fiction to documentary to music video and commercial. Currently PHD candidate Art Research, Goldsmiths College, London.

Dans l’obscurité du désert mexicain, d’étranges lumières apparaissent. Les habitants décrivent celles qu’ils ont vues: une flamme, une boule de feu, une ampoule volante, des rayons qui tombent du ciel, ou une énergie lumineuse. Une histoire commune, racontée à plusieurs voix, de forme chorale, est dessinée par les expériences individuelles. La rencontre avec ce phénomène lumineux peut être surprenante, dangereuse, voire fatale. La nuit n’est pas si noire qu’elle le semble, et le désert est rempli de tous types d’êtres vivants. Le vide appartient à toutes et à tous. "Luces del Desierto | Lumières du désert" est une invitation à ouvrir grand les yeux dans la pénombre, et à écouter les sons cachés dans le noir. Un film d’horreur sonore, dans les ténèbres du désert.

Félix Blume (né en France, en 1984) est artiste sonore et ingénieur du son. Il vit actuellement entre le Mexique, le Brésil et la France. Il façonne le son comme une matière pour créer ses pièces sonores, ses vidéos, ses actions ou installations. Son travail, centré sur l’écoute, nous invite à transformer notre perception de l’environnement. Il utilise l’espace public tant comme lieu d’expérimentation que comme lieu de présentation de ses projets, effectués souvent en collaboration avec des groupes de personnes. Il est intéressé par les mythes et l’interprétation contemporaine que l’on peut en faire, par le dialogue entre les êtres humains et le contexte – naturel ou urbain – qu’ils habitent, par ce que les voix nous racontent, au-delà des mots. Ses pièces sonores ont été diffusées par des radios du monde entier. Il a reçu le prix du “Paysage sonore” pour sa pièce vidéo-sonore "Curupira, bête des bois" (2018), ainsi que le prix “Pierre Schaeffer” pour "Les Cris de Mexico" (2015), au festival Phonurgia Nova Awards, Arles (France). Il a participé à de nombreux festivals et expositions, notamment au LOOP Barcelona, Barcelone (Espagne) [2015]; au CCCB – Centre de Cutura Contemporània de Barcelona, Barcelone (Espagne) [2015]; au Tsonami Arte Sonoro, Valparaíso (Chili) [2015, 2018]; à la Fonoteca Nacional de Mexico (Mexique) [2016]; au Ex Teresa Arte Actual, Mexico (Mexique) [2016, 2018]; au CENTEX, Valparaíso (Chili) [2017]; au festival CTM, Berlin (Allemagne) [2017]; au Belluard Bollwerk Festival, Fribourg (Suisse) [2018]; à Arts Santa Monica, Barcelone (Espagne) [2018]; à la Biennale de Thaïlande, Bangkok (Thaïlande) [2018]; et à la Berlinale, Berlin (Allemagne) [2019].

Une voix annonce : "En Serbie, l'homme le meilleur peut demander ce qu'il veut/Il peut même demander à traverser la rue sur des chaises." L'artiste traverse une rue déserte sur deux chaises.

L'artiste visuel et curator indépendant Florin Bobu est né en 1978 à Tecuci (Roumanie) et vit à Iasi (Roumanie). Il est diplômé de l'Academy of visual arts and design AKI (Pays-Bas) et a participé à plusieurs évènements d'art contemporain à Rotterdam, Munster et Anvers.

Enregistrement de la mise en vente des droits de propriété et d`exploitation du verbe "avoir" à Drouot-Richelieu par Cornette-de-Saint-Cyr.

C?est au travers d?une attitude que l?oeuvre plurielle de Raphaël Boccanfuso trouve sa problématique d?ensemble, une attitude amusée et provocante qui met au défi toutes sortes de schémas référentiels. Son travail n?est pas d?ordre biologique, sa méthode relève pourtant d?un mode de processus viral. S?insinuant dans les failles de codes exigus, elle se plait à forcer les limites toujours trop marquées de systèmes de pensées étriqués. Si sa production peut être dérangeante, il faudrait l?assimiler à une rageante démangeaison plutôt qu?à une fatale pathologie. Car l?artiste n?a d?autre prétention ou revendication que celle d?affirmer sa liberté de création. Un slogan anarchiste clame qu?il faut mordre la main qui vous nourrit, pour sa part Raphaël Boccanfuso sait aussi remercier à outrance, il dit ainsi son indépendance avec une joyeuse dérision.

An intriguing, well-chosen collage of compelling moments from noir cinema, skillfully attuned to the social fantastic and the oneiric quality of the films. James Naremore, author of More Than Night: Film Noir in Its Contexts. An atlas of film gestures and Pathosformel: the montage - better the disassembly - isolates moments from the narrative and separates bodies from events, opening up to the unthinkable and the invisible of film noir. Ragtag, thus, becomes an immense archive of the imaginary that, far from being sequential and historical, becomes intensive and organic: a film-experience beyond film as such. Federico Rossin, film historian.

Giuseppe Boccassini is an Italian filmmaker mainly working in Germany and Italy. He graduated in film theory at the University of Bologna and film direction at The New University of Cinema and Television, Cinecittà, Rome. His work has been shown in several international film festivals and exhibitions, including the 79th Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica, Venice, Italy FID Marseille, France, Edinburgh International Film Festival, Scotland, Ji.hlava International Documentary Film Festival, Czech Republic, Jerusalem IFF, Torino Film Festival, Italy, IndieLisboa, Portugal, FESTACURTAS BH, Brasil, Crossroads SF, USA, Avvistamenti, Italy, Punto de Vista, Spain, Trentino History Museum, Italy, Microscope Gallery, Brooklyn, NY, Pesaro Film Festival, Italy. Light Cone Paris distributes his entire film production. By transforming and manipulating various sources of archival material, his work reflects upon the notion of proximity in contemporary media. The director considers film as "a phallic conquerer that, folding in on itself, now flaccid deus ex machina, observes itself from the inside like a lysergic membrane that slowly founders between the folds of its material." His most recent collaborations include the film editing for Aldo Tambellini's solo exhibition Black Matters at ZKM Karlsruhe, Germany, and he is the artist for Chicago Film Archives' 2018 Media Mixer. He is in charge of programming at Fracto Experimental Film Encounter held yearly at Kunsthaus Acud, in the heart of Berlin.

LA-BAS, c'est partout, et nous sommes ICI. Vidéo en 16 chapitres (111 min.), 2005 Extrait (chapitre 1): ALAMANCI (9 min.) Le film "LA-BAS, c'est partout, et nous sommes ICI" est un documentaire sous forme d'interview consacré au thème du retour en Turquie de jeunes d'origine turque venant d'Allemagne. Les 14 personnes interrogées ont entre 15 et 40 ans, vivent à Berlin, Ankara ou Istanbul, sont turques, kurdes, allemandes ou simplement elles-mêmes. Leur point commun: tous sont les enfants ou les petits-enfants d'immigrés turcs, ont grandi en Allemagne et sont retournés en Turquie entre 12 et 20 ans. Le film montre des systèmes et des points de vue déterminés culturellement, et s'attache à dévoiler les strates politiques, personnelles et géographiques en mettant l'accent sur des mécanismes strcturels, et non individuels. Ceux qui sont rentrés sont confrontés à des questions d'identité, d'intégration, de délimitation, d'exclusion en Allemgne comme en Turquie, que les autres, restés sur place, ne se poseront jamais. Ils parlent dans le film de ce que signifient des mots comme ici et là-bas, partir et arriver, s'adapter et être à l'écart, être entre les deux. Au cours de la conversation, des notions évidentes disparaissent de notre géographie mentale: où est donc ICI? Quand étais-tu LA-BAS? Qui sont les AUTRES? Quel est le lien entre le propre déracinement culturel et le regard stigmatisant du monde extérieur? La dissolution du lieu et de l'appartenance culturelle se répercute dans la forme. Le lieu, la situation et l'individu ne se défninissent que par la parole et la présence d'un interlocuteur, pas par le lieu de tournage. Les 14 personnes parlent en 16 chapitres, chacun étant une clé pour comprendre un autre. Ce travail est comme un livre dont on peut lire indépendamment les chapitres.

Katinka Bock (née en 1976 à Francfort sur le Main) a étudié l'art et la sculpture à Berlin, Dresde et Paris (diplômée en 2002, master avec Inge Mahn en 2004). Elle a obtenu des bourses et des prix comme le Prix Marion-Ermer (2002) et le soutien aux jeunes artistes de la ville de Berlin en 2004. Elle termine actuellement son post-diplôme à l'ENBA de Lyon et sera accueillie en 2006 en résidence à La Box (Bourges). Katinka Bock vit et travaille à Berlin et Paris.

Kraft, Herrlichkeit (force, magnificence) est le produit d?une recherche sur les sujets et l?idéologie néo-conservateurs. La vidéo commente un récit de l?auteur contemporain Georg Klein en utilisant les éléments de ce récit et en opérant une rupture. Le résultat est une fiction bouleversante d?une exaltante efficacité, des hiérarchies transparentes et une foi inébranlable en la grâce de la compétition. Sur la page web consacrée au film www.kraft-herrlichkeit.de on peut lire les textes de base dans une optique comparative.

Sebastien Bodirsky (né en 1981) vit à Berlin; il étudie actuellement dans la masterclass « film expérimental » du professeur Heinz Emigholz à l?Université des Arts de Berlin. Son travail cinématographique développe une réflexion sur la connaissance, l?observation et l?intervention.

"New Heifei" enstand 2007/08 nach einem mehrmonatigen Aufenthalt in Hefei, China. Der 10 minütige in schwarzweiß gedrehte 16mm Film verhandelt die Darstellung von radikaler wirtschaftlicher Prosperität und der von Ihr geformten Räume. Dabei gelangt ein filmästhethischer und erzählerischer Kanon zur neuerlichen Anwendung, wie er im europäischen Kino ¬ über den italienischen Neorealismus hinaus ¬ etwa in Antonionis 1961 gedrehten Film "La Notte" die scheinbaren Ränder der städtischen Landnahme und ihre BewohnerInnen zu ebenbürtigen Protagonisten eines sich abzeichnenden kapitalistischen Dramas machte. "New Heifei" ist ein Experiment, bei dem Ordnung und Funktion von Drehorten und Figuren im Film und die an sie verantworteten Informationen getauscht werden. Der für eine Ausstellung konzipierte Film besteht auf die Konventionen realistischer Bildsprache um die ¬ in diesem Fall zeitlich und räumlich versetzt stattfindenden ¬ gesellschaftlichen Aufbrüche zu beschreiben.

Hannes Böck wurde am 19. 12. 1974 in Wien geboren. Nach einer Ausbildung zum Fotografen studierte er Konzeptuelle Kunst bei Renée Green an der Akademie der Bildenden Künste, Wien, und Experimentelle Filmgestaltung bei Heinz Emigholz an der Udk Berlin. Er ist freischaffender Künstler und lebt in Wien.