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Happy 100, Romania. You`re old today, yet younger than most of Europe`s countries. Why linger on the past, since you let it be destroyed by ignorance and carelessness? Why dream of a bright future since you keep birthing corrupted leaders and let them pollute you? Why didn`t I leave you when all left? Maybe because you would have felt a little emptier without me? Or I would without you? I slap myself 100 times for your inability to become what I want you to become, my sad backward country. Would you slap yourself for me too?

Radu B. Boeru Date of birth: 30. 09. 1977 E-mail: radu.boeru@gmail.com Studies: 1996 - 1998: Graphics Dept. at the National Art Institute in Kishinev, Republic of Moldova. Specialisation: classical graphics, engraving techniques. 1998 - 2002: Graphics Dept. at the National University of Arts in Bucharest. Specialisation: digital graphics & advertising. I worked since 1999 in advertising, first as a copywriter then as an art director and creative director. Since 2013 I work at my own studio and experiment with different art genres, video being by far my favourite. I also experiment with painting and sculpture, audio recordings and poetry. At the moment I work on two lyrical journals and a whole series of short experimental films, hopefully will rise some funds to start a long feature film in the near future.

J´avais depuis longtemps prévu de faire quelque chose avec la légendaire scène de danse du film "la fièvre du Samedi Soir". J´ai décidé de créer une boucle dans laquelle on voit le danseur aller et venir, encore et encore, comme une sorte de dervishe occidental. J´ai ressenti le besoin de dessiner le danseur, comme pour créer une figure plus universelle; il m´est donc apparu comme logique d´utiliser les techniques d´animation classiques. 1700 dessins ont été nécessaires afin de représenter le danseur argenté aussi précisément que l´original. Lorsque je colorie le danseur d´une couleur argentée opaque, je ne garde que l´essentiel, les mouvements. Car au final, l´élan iconographique du film ne tient qu´à sa fantastique chorégraphie. J´ai gardé la bande-son originale, mais passée à l´envers. De ce fait, je décale la synchronisation, sans pour autant perdre le rythme ni le son délirant des Bee Gees. Les taches et les points sur l´image font partie du jeu. Le tout résulte en la création de nouveaux accents. Parfois des lettres apparaissent, épelant la phrase titre "je suis une star et je vais et viens" (I am a star and I come and I go). Ma vidéo peut servir de point de départ d´une discussion sur le sens du succès, ou alors vous pouvez juste la regarder et apprécier ...

Bogaerts utilise souvent ses propres archives vidéo comme point de départ pour ses films. Parmis elles il choisit et créé des vidéos et des boucles en 16mm. Ces dernières années il a beaucoup basé ses films sur les icônes de son enfance, qu´il examine et définit par rapport au présent, comme dans "the Superfast Series", "A Study for Bruce", et "I am a star, I come and I go". Les films conduisent essentiellement à une série de dessins ou d´objets qui sont montrés en même temps que le film. Concernant sa technique, il s´efforce toujours d´utiliser de nouvelles combinaisons et applications de dessin et de peinture, de même que des techniques de filmage. Dans sa dernière oeuvre il a souvent recours à la technique d´animation.

Bruxelles, 2019. Nous proposons à quatre amies de vingt ans de se placer dans un espace de fiction pour réfléchir à comment ébranler la société capitaliste. Elles décident de faire exploser un centre commercial du centre de Bruxelles et se retrouvent confrontées à la difficulté de faire groupe sans trahir ses idées, de passer à l’acte sans douter. Quels rôles doivent-elles jouer pour s’imaginer agir? Le changement viendra-t-il d’un attentat? La vie et l’amitié sont-elles conciliables avec l’acte radical qu’elles imaginent?

Baptiste Bogaert (1990) et Noëlle Bastin (1991) sommes un duo de réalisateur.trice.s belges résidant à Bruxelles. Le cinéma nous permet de réfléchir au monde d’aujourd’hui. À travers la forme propre à chaque film, nous cherchons à voir et à entendre ce qui fait notre époque, ce qui la travaille, comment elle nous modèle. Nous aimons travailler à cheval entre la fiction et le documentaire - où la fiction est un outil permettant de montrer le réel, ce qui a lieu. Pour les mêmes raisons, nos films sont souvent marqués par le travail en plan séquence et la collaboration régulière avec des acteurs non-professionnels. En parallèle aux films, nous concevons des installations vidéos.

Glued Eye 2-channel installation Peter Bogers, The Netherlands, 2019 www.peterbogers.com The installation consists of two black and white video images, one video projector and two thin (2 mm) illuminated fiber lines. A large projection shows images of moving objects or people that are fixed in one place on the wall by means of a sophisticated tracking technique. This technique continuously shifts the frame of the video image in a way that the chosen object stays in one place. Thus, all movements are neutralized. Directly behind the projector a very small 4,7 inch screen shows a close-up of a moving eyeball, of which the pupil is fixed in the middle of the screen. A luminous wire is stretched across the exhibition room, between the fixed point of the projected image and the center of the small eye pupil. The wire is a physical and stationary element in the exhibition room.

1965 Born in Dordrecht, The Netherlands 1981 Graduated from Art Academy St. Joost, Breda, The Netherlands at the sculpture department. Lives and Works in Amsterdam, The Netherlands In the early eighties Bogers was heavily involved in performance art, but gradually started to use the video camera as an intermediary between himself and the public. In the nineties he started to approach sound and image more and more as self-contained, flexible media that give him access to the element of time and thus can be transformed in an attempt to make a statement about the complexity and incomprehensibility of human nature. Bogers has had solo exhibitions in international museums and galleries in Amsterdam, Utrecht, Bremen, Stuttgart, Osnabrück, Beijing, Tokyo, Marseille, Split and Pittsburgh. Among others his work is in the collection of the Stedelijk Museum, Amsterdam, Museum of fine arts, Taipei and Harvard University, USA.

The installation consists of two black and white video images, one video projector and two thin (2 mm) illuminated fibre lines. A large projection shows images of moving objects or people that are fixed in one place on the wall by means of a sophisticated tracking technique. This technique continuously shifts the frame of the video image in a way that the chosen object stays in one place. Thus, all movements are neutralized. Directly behind the projector a very small 4,7 inch screen shows a close-up of a moving eyeball, of which the pupil is fixed in the middle of the screen. A luminous wire is stretched across the exhibition room, between the fixed point of the projected image and the centre of the small eye pupil. The wire is a physical and stationary element in the exhibition room.

Peter Bogers’ (Netherlands, 1956) work engages the interplay of sound and image to create installation works dealing with questions around the understanding and perception of sound. Working with the themes of music, speech and sound Bogers questions the boundaries of these fields and their limits and access to communication. Through his constant interaction with sound, Bogers also examines the visual, spatial and conceptual understanding of the human body and its place within the moving image and experiential installation. Bogers was one of the first artists in the Netherlands to integrate moving image into his work. He began working with video in the 1980’s as a methodology to accompany and assist his performance work and has since developed a keen approach to the medium that functions as a tool to illuminate the otherwise imperceptible. Peter Bogers studied at the sculpture department at St. Joost Academy, Breda. He has exhibited widely and had solo exhibitions both in The Netherlands (at the Netherlands Media Art Institute and the Central Museum Utrecht, among other places) and internationally (including solo shows in Bremen, Marseille, Osnabrück, Pittsburgh and Stuttgart).

Le code Napoléon, qui a influencé une grande partie de la législation européenne, sanctionne le corps privé de vêtements. Tandis que tout semble permis pour les média, dans la vie quotidienne, en Italie comme partout, on en est encore aux « atti osceni in luogo pubblico ». Même trente ans après les performances d?Abramovitz le corps nu ne peut être considéré comme naturel. Voilà ce dont un petit groupe d?étudiants de Brera discutait en mars-avril 2004 au café Victoria de Milan, (bar choisi naturellement à cause de son nom). Ils étaient stimulés par Foed Ben Affane, un jeune artiste qui commence à s?intéresser au monde conceptuel. L?occasion d?une grande expo sur le nu à Bologne (Il nudo fra ideale e realtà sous la direction de Peter Weiermeier) fit naître l?exigence de se confronter et de rencontrer, de chercher un contact du moins, avec le monde de l?art et surtout avec son public. Et c?est ainsi que le 8 juin Foed circule nu parmi les tableaux et les sculptures de Bologne, parmi un public partagé entre l?indifférence (feinte?) et la participation enjouée. Et le 9 juin l?opération se répète avec une demi autorisation du directeur non sans quelques problèmes à la garde-robe où Foed voulait laisser ses habits. La vidéo présente un montage de ces 2 journées et 2 bribes d?interview de Foed au Bar Victoria.

Kika Bohr est née à Genève en 1956 et grandit à Milan. Fille d?artistes, elle achève d?abord des études de lettres et travaille comme traductrice. Dès 1988, elle réalise des portraits à l?huile, puis des sculptures en différents matériaux (notamment en cuivre). Elle s?inscrit au cours de sculpture de l?Académie de Brera.

Surfaces troubles est une projection vidéo élargie à deux écrans. L?artiste procède à une succession de passages devant un miroir recouvert de poussière. Le regard du spectateur est tiraillé entre la douceur opaque et mystérieuse de l?image de gauche et son attirance irrésistible pour l?image de droite déformée, caricaturée par des effets spéciaux. La musique électronique stridente de David Perchey s?ajoute de manière lugubre et efficace à ce binôme inquiétant.

Mes performances respirent à travers la vidéo sa dimension plastique et lumineuse. Le plus souvent je suis seule devant ma caméra, contrainte à évoluer dans son cadre fixe. Dans cette intimité je me prête à un exercice étrangement préoccupant : la relation physique avec un objet. Lâchant l?objet dans sa fonction première, je me laisse surprendre et construis une chorégraphie sexuelle de la manipulation. Mon corps est sculpté par la matière de l?objet qui se pose sur l?épaule, s?imbrique dans mon cou, se jette à ma figure, déforme mon expression, me fouette violement. Au montage j?utilise des effets spéciaux comme l?envers et le ralenti, des coupes surréalistes, le son propre de l?objet ou bien une musique fortement présente afin de pénétrer très directement dans l?univers lyrique et poétique qui m?habite. Dépassée par mes sens et leurs doubles sens, l?humour surgit. Je suis la marionnette de mon inconscient. Dans ce travail je me dédouble en femme-objet et égérie porteuse de messages.

Alibi is a map of hidden evidence. Alibi is a map of regret. Alibi is a physical map through frozen landscapes where the darkness in human nature is revealed. In a small Irish midland town a woman is brutally murdered while returning to her family for Christmas. When questioned by police, Paddy gives his workmate John a cover story. Twenty years later John is charged with murder and Paddy?s lie is now an alibi.

Darren Bolger & Caroline Campbell have been directing and producing collectively on projects since 2008.

Northern Germany. An ageing hippie couple endures an isolated, ghostly existence in an old country house. A boy wanders aimlessly through a forest, building a lair for himself. And a story about a never-ending escape from catastrophe. The Revenants - a film about desire, loss, and endlessly returning. A ghost story.

Andreas Bolm was born in Cologne in Germany. As a musician and sound technician he was drawn to Manchester, UK, where he started to experiment with photography and video. He began studying film at FAMU, Prague and at HFF in Munich. Following invitations to Cannes and other festivals, he was granted a bursary by the Cinefondation Residence Festival de Cannes in 2009 which allowed him to develop DIE WIEDERGÄNGER.

Zoli gagne sa vie à l'étranger en écorchant des chinchillas dans une fabrique danoise de fourrures. Le film s'ouvre sur le retour de Zoli. Un retour en périphérie, dans un petit village hongrois, Jaba. La famille de Zoli, des Roms sédentarisés, peinent à s'en sortir en se louant à la journée. Pour Zoli, il n'y à Jaba aucun trvail, aucune perspective, alors il tue le temps et attend. Trêve. "Jaba" parle de la survie dans l'une des régions les plus pauvres d'Europe. Un film sur la marginalité. Les acteurs jouent leur propre rôle. Un film à la poésie aussi âpre que ses protagonaistes.

Né le 11.11.1971 à Cologne d'une mère hongroise et d'un père allemand. Séjours réguliers en Hongrie depuis l'enfance. 1977 déménagement à Scheessel, Basse-Saxe. Baccalauréat en 1991. 1991-1993 Service civil à l'association d'informations sur la drogue DropInn à Hambourg De 1993 à 1994 séjour à Manchester, Angleterre. Travaille comme musicien et ingénieur du son 1995 Etudes de sciences du théâtre, du cinéma et de la télévision à la FU de Berlin 1997 Année d'étude à la Filmakademie FAMU à Prague Depuis 1999 études à la Hochschule für Fernsehen und Film (école supérieure de télévision et de cinéma) à Munich, section médiologie et film documentaire Depuis 1994 divers travaux dans le domaine du cinéma, auteur et réalisateur de travaux cinématographiques personnels, collaboration comme caméraman et ingénieur du son. En Juillet 2004 création de la maison de production pour le cinéma et la vidéo pickpocket production avec Markus Nechleba.

- Vous ne saviez pas que vous lui donniez du poison ? - Je ne le savais pas. - Mais vous étiez au courant que le papier tue-mouches peut tuer un chat, n’est-ce pas ? Vous n’avez pas pensé qu’avec ça on peut même tuer un homme ? - Oui, je savais que c’était du poison, mais pas si fort que ça. Mots et paroles, fragments d’un procès : l’affaire des empoisonneuses. Des paysannes tuent leurs hommes. Sur les routes de Hongrie, un juge hanté par sa propre voix. Jacques Nolot est le juge itinérant obsédé et rattrapé par les griffes du passé. Un film noir et fantastique en base d’un fait divers.

Andreas Bolm, réalisateur né à Cologne (Allemagne). Après avoir travaillé comme ingénieur du son et musicien à Manchester (Grande-Bretagne), il se consacre à la photographie et la vidéo. En 1999, Andreas est engagé au département documentaire de l’Université du Film et Télévision de Munich. Andreas vit et travaille entre l’Allemagne, la Hongrie et la France. Ses films Ròzsa (2000), The Sleepers (2003), Jaba (2006), Tous les enfants sauf un (2008) et School Files (2012) ont été sélectionnés dans de nombreux festivals internationaux. Son film Jaba est présenté à la Cinéfondation à Cannes en 2006 et a reçu le prix "Golden Mikeldi" pour le meilleur film documentaire au festival international Zinebi de Bilbao. En 2009 Andreas est résident à la Cinéfondation Résidence du Festival de Cannes où il développe l’écriture de son film Die Wiedergänger/The Revenants (2013). Le film est projeté en première à la 63ème Berlinale, section Perspektive deutsches Kino et présenté au MoMa, New-York. Son deuxième long métrage Le Juge (2017) avec l’acteur français Jacques Nolot est inspiré d’un fait divers, l’affaire des empoisonneuses, qui a eu lieu dans un village en Hongrie.

Un vieux bâtiment de Venise accueille une exposition, un visiteur traverse des pièces vides et découvre un espace architectural fictif qui fonctionne comme un décor de théâtre abandonné. Alors qu'une ville qui se noie lentement vous inonde de sa présence obsessionnelle sur et hors champ, l'imagination ne peut dépasser la réalité. Inspiré par l'œuvre d'Alexander Kluge et sa constellation de réalisations filmiques et vidéo, le cadre métanarratif de cette exploration tente de déconstruire l'expérience subjective et de libérer l'énergie filmique de l’horror vacui de l’écran.

Pia Bolognesi (PhD, née en 1981) est conservatrice indépendante, historienne de l'art et artiste. Elle vit à Berlin. Ayant de l’expérience en arts du spectacle, théorie du cinéma et études visuelles et environnementales, elle a organisé des installations à grande échelle, des expositions et des projets multidisciplinaires pour des institutions telles que la Tate Modern, Londres (Royaume-Uni); le MoMA – Museum of Modern Art, New York (USA); le Centre Pompidou, Paris (France); le FNC – Festival du nouveau cinéma de Montréal (Canada) et la 56e Biennale de Venise (Italie). Ses œuvres et installations ont été présentées, entre autres, au Wiels, Bruxelles (Belgique); au Musée des Beaux-Arts de Montréal (Canada); à la Kyoto University of Art and Design (Japon); à la Tokyo University of the Arts (Japon); à la Deutsche KunstHalle, Berlin (Allemagne) et à la Triennale de Milan (Italie). Giulio Bursi (PhD, né en 1978) est curateur indépendant de films, dramaturge et cinéaste. Il vit à Berlin. Formé en théorie du cinéma, il a été assistant réalisateur de Jean-Marie Straub et Danièle Huillet. Il a réalisé un long métrage documentaire ("J'écoute!", 2007) et différents films courts et installations en collaboration avec des institutions internationales et des festivals de cinéma tels que le Austrian Film Museum, Vienne (Autriche); la 56e Biennale de Venise (Italie); le festival international To Save and Project du MoMA, New York (USA); le Torino Film Festival, Turin (Italie); Il Cinema Ritrovato Bologna, Bologne (Italie); la Berlinale, Berlin (Allemagne); le Festival du nouveau cinéma de Montréal (Canada); GAM – Galleria d’Arte Moderna, Turin (Italie). Pia Bolognesi et Giulio Bursi travaillent ensemble sous le nom d'Atelier Impopulaire depuis 2012. Leurs installations ont été exposées au Centre Pompidou, Paris (France); à la Triennale de Milan (Italie); à la Kunsthaus Bregenz, Bregenz (Autriche); au GAM – Centro Gabriela Mistral, Santiago (Chili); à The Mix Place, Shanghai (Chine); au West Bund Art Space, Shanghai (Chine); à la Power Station of Art Shanghai (Chine); à la Volksbühne Berlin (Allemagne); au ZKM – Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe (Allemagne); à la Tate Modern, Londres (Royaume-Uni); au Gallery Weekend Berlin (Allemagne); au Festival du film de Rotterdam. L'Atelier Impopulaire a développé des projets in situ à l’international, en collaboration avec des artistes comme Aldo Tambellini, Dries Van Noten, Morgan Fisher, Danièle Huillet et Jean-Marie Straub, Peter Tscherkassky, Margaret Honda, Experimental Jetset, Christopher Williams, Alexander Kluge.

Las Vegas fait partie des zones les plus touchées par la crise aux États-Unis. Le film traverse ce paysage de ruines du présent, vide qui émiette les quartiers résidentiels, chantiers arrêtés, paysages en suspens,banlieues ralenties, souterrains habités par des sans-abris... nous y croisons des personnages improbables, suspendus entre deux mondes. Il propose en creux une métaphore des temps d`incertitude que traverse le monde contemporain.

Laurence Bonvin est une artiste et photographe documentaire dont le travail touche au paysage, à l?architecture, l?espace public, l?informalité, les transformations des environnements urbains et des périphéries en général. Elle est l`auteur de quatre monographies et a largement exposé son travail en Suisse et internationalement. After Vegas est son premier film. Stéphane Degoutin est un artiste et théoricien, co-fondateur du projet Nogo voyages et du laboratoire de recherche LOPH. Ses champs de recherche sont l?humanité après l?homme, la ville après l?espace public, l?architecture après le plaisir, le Umwelt de l?information. Il a co-réalisé avec Gwenola Wagon "Dance Party in Iraq" (2012), "Cyborgs in the Mist" (2011) and "Mute" (2011).

Avant l’envol propose une exploration de la ville d’Abidjan par le biais de son architecture d’état. Le film, précis et minimal, offre un état des lieux quasi chronologique de l’architecture moderniste dans la principale ville ivoirienne tout en soulignant la monumentalité et la qualité architecturale de ces édifices construits pendant les années euphoriques et visionnaires qui suivent l’indépendance. Dans ces architectures venues d’ailleurs le temps semble être suspendu. On y découvre parfois des formes qui traduisent le désir d’intégration de la culture vernaculaire mais qui trahissent, de plus en plus au fil du temps, une inadaptation au climat local. L’attention est portée aux usagers et à la manière dont ils s’approprient ces espaces et leur donnent vie à travers la chorégraphie des gestes, des déplacements, des interactions, des utilisations informelles et autres détournements qui s’y opèrent. Avant l’envol questionne ce patrimoine architectural riche, ambitieux autant que dystopique, interroge le sens et le devenir de cet héritage post-colonial.

Laurence Bonvin est une réalisatrice et photographe suisse ; elle vit entre Berlin et Genève. Son approche de nature documentaire est centrée sur des phénomènes de transformation du paysage urbain et naturel, de l’environnement béti et humain. Son travail photographique a fait l’objet de trois monographies, de nombreuses publications et expositions en Suisse et internationalement. Récemment Bonvin a réalisé trois court-métrages documentaires : After Vegas (2013) avec Stéphane Degoutin ; Sounds of Blikkiesdorp (2014) et Avant ‘envol (2016), projeté en première internationale à la Berlinale et lauréat du prix de la meilleure caméra au Kurzfilmtage de Winterthur.

“Sounds of Blikkiesdorp” décrit par touches impressionnistes la vie quotidienne dans un “camp de relogement temporaire” de la grande banlieue du Cap. Construit par la municipalité, il a notamment été utilisé pour y loger les residents du camp informel de Symphony Way ou les sans-abris pendant la dernière Coupe du Monde de football ou encore y déplacer de force des locataires du quartier de Woodstock. Dans ce lieu hostile et isolé, malgré les conditions de vie très dures et l'incertitude de leur devenir, les gens que nous rencontrons font tout pour améliorer leur quotidien. Le strict plan quadrillé, l’alignement stérile des cabanes en aluminium est lentement subverti par l’improvisation et l'informalité. Et la musique, omniprésente, traverse les murs et les allées pour créer la bande-son de Blikkiesdorp.

Laurence Bonvin est une artiste et photographe documentaire dont le travail touche au paysage, à l’architecture, l’espace public, l’informalité, la transformation des environnements urbains et des périphéries en général. Elle est l'auteur de quatre monographies et a largement exposé son travail en Suisse et internationalement. Sounds of Blikkiesdorp est son second film.

Dans un futur proche, les villages d’une région subsaharienne sont désertés, seul les fous, les handicapés, les enfants soldats continuent à errer sur ces terres arides. Dans un climat de survie, la vie sociale est rude.

A sa sortie des Beaux-­Arts de Paris en 2001, Nicolas Boone réalise des tournages/perfor-­ mances, des « films pour une fois » sans caméra. Son travail, entre mise en scène et captation (où, parfois, le tournage devient le film lui-­même) est protéiforme : série (BUP, 2007/2008), long métrage en coréalisation sorti en salle en 2013 (200%), films courts réunis dans un même programme (Les Dépossédés, 2012)... Ses films, qui ont fait l’objet d’une rétrospective intégrale au Vivo Art Center de Vancouver en 2011, ont été sélectionnés en maints festivals, à l’image du Rêve de Bailu (2013 ;; présenté en 2015 au Festival international du film de Rotterdam et celui de Jeonju, ainsi qu’à IndieLisboa) ou encore de Hillbrow, présenté (entre autres) en 2014 au FID Marseille, au Festival Mostra Indies de Sao Paulo, au Festival du Nouveau Cinéma de Montréal (1er prix Loup Argenté), au festival « Entrevue » de Belfort (prix du public, prix One+One, prix Camira) et, en 2015, au festival international du film court de Clermont-­Ferrand ainsi qu’au Lago Film Fest (Italie ;; Premier prix du jury). Ce film a également obtenu le Prix Scribe du cinéma en décembre 2014. A l’automne 2015, il a fait l’objet d’une installation à La Galerie de Noisy-­ le-­Sec. Psaume, réalisé en 2015, a notamment été sélectionné au FID (Compétition française ;; prix du CNAP et prix des lycéens), à la Viennale et aux RIDM. Le Rêve de Bailu, Hillbrow et Psaume ont été projetés à l’UnionDocs Center for Documentary Art (Brooklyn) en novembre 2015. 2015 Psaume (48 min ;; Gagué-­Chérif, Sénégal) Dog Over (8 min ;; Paris ;; projet « Europoly » initié par le Goethe Institut) 2014 Hillbrow (32 min ;; Johannesburg) 2013 Les Dépossédés (50 min ;; Togo, Québec, Paris) Le Rêve de Bailu (12 min ;; Bailu, Chine) 2010 200% (80 min ;; Saint-­Fons – Rhône-­Alpes) 2009 Transbup (51 min ;; Ardèche) 2008/07 Série BUP (10 min ;; 9 épisodes) 2006 La Transhumance fantastique (54 min ;; Dordogne) 2005 La Nuit blanche des morts-­vivants (30 min ;; Paris) Portail (40 min ;; Région Centre) 2004 Fuite (7 x 7 min ;; Lorraine) Plage de Cinéma (14 min ;; Nord) 2003 Lost Movie (11 min ;; Pontoise – Val d`Oise) 2002 Un film pour une fois (15 min ;; Paris)

Dans un espace indéterminé, face à des images de paysages vierges de toutes traces humaines, plages exotiques, montagnes ou déserts, forêt, littéraux et volcans, des X1 se déplacent. L’un d’eux, qu’on identifie vite comme une sorte de modérateur, entre et sort avec les autres. Il lance des sujets de conversation, les interrompt, les relance. Tous improvisent. 1 J’appelle ici les X les 10 personnages modèles au sens bressonien. ils ont étaient choisis pour leur grande éloquence ou leur imaginaire singulier.

A sa sortie des Beaux- Arts de Paris en 2001, Nicolas Boone réalise des tournages/performances, des “ films pour une fois “ sans caméra. Son travail, entre mise en scène et captation (où, parfois, le tournage devient le film lui-même) est protéiforme : série (BUP, 2007/2008), long métrage en coréalisation sorti en salle en 2013 (200%), films courts réunis dans un même programme (Les Dépossédés, 2012)... Ses films, qui ont fait l’objet d’une rétrospective intégrale au Vivo Art Center de Vancouver en 2011, ont été sélectionnés en maints festivals, à l’image du Rêve de Bailu (2013 ; présenté en 2015 au Festival international du film de Rotterdam et celui de Jeonju, ainsi qu’à IndieLisboa) ou encore de Hillbrow, présenté (entre autres) en 2014 au FID Marseille, au Festival Mostra Indies de Sao Paulo, au Festival du Nouveau Cinéma de Montréal (1er prix Loup Argenté), au festival “Entrevue “ de Belfort (prix du public, prix One+One, prix Camira) et, en 2015, au festival international du film court de Clermont-Ferrand ainsi qu’au Lago Film Fest (Italie ; Premier prix du jury). Ce film a également obtenu le Prix Scribe du cinéma en décembre 2014. A l’automne 2015, il a fait l’objet d’une installation à La Galerie de Noisy le Sec. Psaume, réalisé en 2015, a notamment été sélectionné au FID (Compétition française ; prix du CNAP et prix des lycéens), à la Viennale et aux RIDM. Le Rêve de Bailu, Hillbrow et Psaume ont été projetés à l’UnionDocs Center for Documentary Art (Brooklyn) en novembre 2015.

Hillbrow, l'ancien pôle culturel branché de Johannesbourg, est devenu un quartier (populaire) hyper dense, assez violent. A partir de récits collectés sur place, le film HILLBROW propose une traversée géographique guidée par des personnages fictifs qu'incarnent des habitants du quartier. En dix parcours HILLBROW dessine un labyrinthe de tensions urbaines.

A sa sortie des Beaux-Arts de Paris en 2001, Nicolas Boone réalise des tournages/performances, des « one shot » sans caméra. Son travail, entre mise en scène et captation, où le tournage devient le film lui-même, est protéiforme : série (BUP, 2007/2008), long métrage – en coréalisation – sorti en salle (200%, 2010), films courts réunis dans un même programme (Les Dépossédés, 2012…). Son travail au cinéma a fait l’objet d’une rétrospective intégrale au Vivo Art Center de Vancouver en 2011 et ses films ont été sélectionnés dans plusieurs festivals, à l’image de son dernier court métrage, Hillbrow, présent au FID Marseille, au Festival Indies de Sao Paulo et au Festival du nouveau cinéma de Montréal en 2014.

Les toits de A86 NORD SORTIE 10 sont des plateformes hors-sol, des paroles et des silhouettes les habitent. Ce sont comme des comptoirs de bars de quartier, des zones à explorer, des ateliers de répétitions, des plateaux de tournage. Au-dessus du niveau de vie, face à l’espace, des personnes éclectiques prennent l’air, s’amusent, se confient. Les lieux sont calmes, nul besoin de parler fort. Elles et ils racontent des histoires singulières, beaucoup d’histoires.

Nicolas Boone vient des arts plastiques et de la performance. Son entrée dans le cinéma s’est faite grâce à cette impulsion initiale : un film est avant tout la performance de son tournage. Au sortir de l’École des Beaux-arts de Paris, en 2001, il a ainsi réalisé des tournages dont le protocole était entièrement respecté (acteur·rices, décor, équipe technique, matériel, etc.), mais aucune caméra n’était présente sur le plateau. Par la suite, son approche a évolué et il a rapidement accepté l’idée que l’enregistrement de ces performances « de cinéma » pouvait générer une matière susceptible d’être travaillée jusqu’à faire film. Il a réalisé une trentaine de courts métrages tournés dans différentes régions françaises, puis à l’étranger (Sénégal, Chine, Afrique du Sud, Colombie, etc.). Ses films ont été sélectionnés dans de nombreux festivals (La Quinzaine des réalisateurs, FID Marseille, IFFR de Rotterdam, Indie Lisboa, IFF de Jeonju, FNC de Montréal, le Festival du Court de Clermont-Ferrand, la Viennale…). Et obtenu de nombreux prix (1er prix Loup Argenté du FNC, prix du public, prix One+One, prix Camira à Entrevue, Prix Scribe du cinéma, Prix des étudiants à Clermont-Ferrand et aux FID Marseille…). Ses films sont également montrés dans des lieux d’art contemporain (Biennale de Busan, Le Plateau Frac Île-de-France, Biennale de Venise).

Un camion roule sur une piste en Afrique, magnétise les villageois jusqu?à les faire disparaître dans la brousse. Un prédicateur témoigne de sa propre (dé)possession. Une ado cherche son chemin dans la forêt guidée par d?étranges rencontres. Des danseurs tournent en rond dans une boîte de nuit qu?on croirait pensée par Dr. Frankenstein. En 4 chapitres, une fable déjantée sur l?aliénation.

Nicolas Boone a fait les Beaux Arts pendant de nombreuses années avant de se lancer dans une entreprise de déformatage total du cinéma.

In the desert of Nevada, two raw and unpolished worlds come together in a unique program where men and horses meet. We`re not out here to babysit. We want to develop these guys, let them learn something, let them do something. Hank Curry Chris, Dean, Gilbert, Charles, Steven, Bo and Mike are all young inmates at the Northern Nevada Correctional Center. The men are in the last phase of lengthy prison sentences. What kind of world do you enter when you get three months to tame and train a wild horse into a `saddled` one? Marjoleine Boonstra follows the detainees over the course of this intensive training during which the men see themselves reflected in the eyes of their horses. Horses are incredibly sensitive creatures. They`re not judgemental. Chris: I believe the horses teach you a lot about yourself, your character flaws, your weaknesses and even your strength. The men learn to win the trust of another living being once again, a skill that has slipped away during their time on the inside. Marjoleine Boonstra captures the unique moments of emotion and trepidation of these ?tough guys? standing on the threshold of freedom.