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The title of the film, Iseeyou, comes from the slogan of the first multi-racial trade union in South Africa. It is a meditation of the relationship of visibility to work. Exploring public monuments to work and workers in Johannesburg, it looks at how these have been celebrated in apartheid and post-apartheid South Africa through public art. The film suggests that this celebration is a way in which the conditions of work, and often the abuse of the rights of workers, is justified through the promotion of a work ethic.

Simon Gush was born in 1981 in Pietermaritzburg, and is currently based in Johannesburg. He was a laureate at the HISK (Higher Institute for Fine Arts) in Ghent, Belgium, in 2007/8 and a Gordon Institute of Performing and Creative Arts Fellow at the University of Cape Town in 2011. Solo exhibitions have taken place at the SMAK (Stedelijk Museum voor Actuele Kunst) in Ghent (2010); and West, Den Haag, the Netherlands (2010); in addition to Stevenson Cape Town (2009, 2010 and 2013) and Johannesburg (2009 and 2011). Notable group exhibitions include My Joburg at La Maison Rouge, Paris,and the Staatliche Kunstsammlungen Dresden (2013); Present Unlimited, Sofia Contemporary, Fabrica 126, Sofia, Bulgaria (2012); Mind the System, Find the Gap, Z33, Hasselt, Belgium (2012); Connections, Kunsthalle Luzern, Luzern, Switzerland(2011); the 2009 Luleå Summer Biennial, Sweden; and .za: Young Art from South Africa at Palazzo delle Papesse, Siena (2008). Alongside his artistic practice, Gush has collaborated in founding and facilitating a number of alternative temporary exhibition platforms, most notably the Parking Gallery, Johannesburg.

Lazy Nigel explores the small industrial town of Nigel in the East Rand of Johannesburg during weekends. The video starts with its landscapes of industrial complexes and factories, devoid of employees. As the film and my filming -which took place over a number of weekends- progress, a variety of local activities are revealed. Many of the town industry employees leave to return to their families, who often lived elsewhere. I wanted look at what remained. The film explores laziness as a construct. I am interested in unpacking the fact that work is traditionally seen as the major locus of our identity. Time off from our jobs allows us to engage in other activities that may not be seen as productive in a traditional sense. These activities can be social, political or creative, allowing us to think of our value in different ways and, as such, offer new ways to think about our identity.

Simon Gush (b.1981, Pietermaritzburg), living in Johannesburg. He was a 2011 Fellow at the Gordon Institute for Performing and Creative Arts, University of Cape Town, and completed postgraduate studies at the Hoger Instituut van Schone Kunsten in Ghent, Belgium, in 2008. Solo shows include After Work at Galerie Jette Rudolph, Berlin and 9 o`clock, at the National Arts Festival, Grahamstown (both 2015), Red at the Goethe-Institut, Johannesburg (2014); 1st and 3rd at Galerie West, The Hague, and 4 for Four at SMAK, Ghent (both 2010), in addition to six previous exhibitions at Stevenson, Cape Town and Johannesburg. Group shows include Artists Engaged? Maybe at Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbon (2014); the 2nd Montevideo Biennial, Uruguay (2014); My Joburg at La Maison Rouge, Paris, and the Staatliche Kunstsammlungen, Dresden (2013); Halakasha at the Standard Bank Gallery, Johannesburg (2010); 1910-2010: From Pierneef to Gugulective, Iziko South African National Gallery, Cape Town (2010) and the 2009 Luleå Summer Biennial, Sweden. In 2015 the academic workshop Red Assembly, with African Critical Inquiry Programme was held in East London around his exhibition Red. Gush was awarded the Jury prize at the Bamako Encounters Biennale (2015).

Palestinian contemporary artist and filmmaker Shadi Habib Allah takes us with him on an unlikely journey of discovery – at gunpoint across the Sinai Peninsula, led by Bedouins who will force us across an unmapped terrain whose only signposts are the small stories they tell about the stakes of living, dying, and moving through this mysterious space. Stories, itineraries, directions, and allegiances become as blurred as the status of the Bedouins themselves, who remain unrecognized non citizens of this no man’s land, through which Habib Allah is led – behind the lines of military checkpoints, off the political, economic, and historical grid, a place where these desert outliers quietly continue their lineage with the help of snakes…

Born in Jerusalem, Palestine in 1977, Shadi Habib Allah received a BFA from Bezalel Academy of Arts and Design in 2003 and an MFA from Columbia University in 2010. His practice ranges from film, sculpture and drawing to installation. While each projects defines its own terms based on research and physical engagement, a common thread is opening up suggestive modes of navigation across circulation networks of people, technologies, objects, images and economy to examine ideas of use and value and the structures that hold them in place. He was twice awarded 2nd Prize for the Young Artist Award from the A.M. Qattan Foundation, and has attended residencies at Cittadelarte, Fondazione Pistoletto in Biella, Italy and Gasworks in London, England. He was nominated for the Luma Award 2011 and was the 2012 recipient of the Louis Comfort Tiffany Award. Habib Allah was a part of the fall residency program at Delfina Foundation in London, in October 2016. Habib Allah’s work has been exhibited at the New Museum Triennial (2015); Art Statements, Art Basel 43 (2012); Palestine c/o Venice, Venice Biennale (2009); the Riwaq Biennale, Ramallah (2009); and In Focus, Tate Modern, London (2007), amongst others. His Films have screened at the International Film Festival Rotterdam, Courtisane Festival Belgium, the 40th Norwegian Film Festival and 32nd Hamburg International Short Film Festival. Recent exhibitions include:I can call this progress to halt, Los Angeles Contemporary Exhibitions (LACE), Los Angeles, CA (2017); Black Box Screenings O Solitude, Beursschouwburg, Brussels, Belgium (forthcoming 2017);Daga`a, Green Art Gallery, Dubai, UAE (2017); House of Commons, Portikus, Frankfurt/Main, Germany (2016),Biscuits and Green Sox Maaike, Reena Spaulings Fine Art, New York, USA (2016)Shadi Habib Allah: 30KG Shine, Rodeo, London, UK (2015) The Verdant, Hacienda, Zurich, Switzerland (2015); Artists Space on Randall Island, Frieze Art Fair, New York, USA (2014); Empire State curated by Norman Rosenthal & Alex Gartenfeld, Palazzo delle Esposizioni, Rome, Italy (2013) & Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, France (2013); Frozen Lakes, Artists Space, New York, USA (2013);Nouvelles Vagues, curated by Jason Waite and Antonia Alampi, Palais de Tokyo, Paris, France (2013). Shadi Habib Allah lives and works in New York.

Ours dévoile l?intimité d?un agent forestier, ses gestes, ses parcours quotidiens et la sérénité théâtrale inhérente.

Après avoir fait ses études aux Beaux-Arts de Montpellier et obtenu un diplôme National d?Art Plastiques, Laura Haby, née en France en 1988, s?installe à Lyon. La production artistique de Laura Haby se situe du coté de la vidéo et de la peinture, aborde des écritures liées aux lieux comme motifs de référence. Ses ?uvres mettent en joue les paysages, les hommes qui y circulent et toute la dimension émotionnelle qui y trouve racine. Son travail a déjà été présenté dans plusieurs festivals ainsi que dans des dispositifs relevant des arts plastiques.

`Invisible Clothes` is a quasi-sci-fi film about the conversation between a scientist and a fashion stylist on invisible clothes, reflects upon one`s ego constituted by the gaze of others and the subject perceiving that ego. An abundance of metaphors and satire exposes the absurdity of contemporary society, which constantly produces human desire. "The Other holds a secret-the secret of what I am. He makes me be, and thereby he possesses me, and this possession is nothing other than the consciousness of possessing me. (...) the Other steals my being from me." - Jean-Paul Sartre

Yang Ah Ham lives and works in Amsterdam, Netherlands and Seoul, Korea. She has lived in different cities and deals with society and individuals` lives through this experience. Yang Ah Ham showed her continuous project, `Adjective Life in the Nonsense Factory` in ArtSonje Center, Seoul 2010 followed by `Transit Life` in Gumho Museum of Art, Seoul 2005 and `Dream...in Life` in Insa ArtSpace, Seoul 2004. Her works also has been exhibited in Art of Communication :Anri Sala, Yang Ah Ham, Philippe Parreno, Jorge Pardo,The National Museum of Contemporary Art, Seoul,2011; Gwangju Biennale, Gwangju 2010; Shanghai Biennale, Shanghai 2008; Busan Biennale, Busan 2006. She was awarded Arts Award of the Year, Arts council Korea 2005 and nominated for Hermes Art Prize, Hermes Foundation 2008. Her monograph was published in 2011 supported by Mondriaan Foundation. Currently she was involved in the artist initiative project,`be mobile in immobility`(DEPO, Istanbul 2011, Total Museum, Seoul 2011) as a co-organizer . She studied at; New York University, New York; Seoul National University, Seoul; and did the following Artist in Residence, Platform Garanti contemporary Art Center, Istanbul 2010; Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Amsterdam 2006-7; ISCP, The International Studio and Curatorial Program, New York 2003; ArtPace, San Antonio, U.S. 2000.

"Velserbroek" est le nom d'un quartier en périphérie de Haarlem, aux Pays-Bas. Ce quartier est un exemple-type de ce que les néerlandais nomment "Architecture Sociale", important complexe de logements, avec parfois plus de 8000 résidences, et semblables en de nombreux points à une banlieue américaine ordinaire. L'artiste a été frappé par le nombre très faible d'habitants. Tout était quasiment désert. Il a également effacé numériquement toute trace de voiture, vélo ou être humain, ce qui renforce l'aspect de vide et d'étrangeté. Il a choisi le thème des nouvelles habitations néerlandaises comme métaphore du sentiment d'aliénation et du déplacement du concept traditionnel de la maison, familier et pourtant étranger. La vidéo résulte du montage de centaines d'images figées.

Robert Hamilton est un artiste multimédia qui travaille avec la vidéo, le son et la sculpture. Ses premières vidéos datent de 1983, et elles ont été projetées dans de nombreux festivals nationaux et internationaux, remportant plusieures récompenses. Le travail d'Hamilton s'intéresse aux récits expérimentaux, explorant divers types de relations humaines. Il invente des effets sonores et visuels, avec une économie de moyens.

Le spectateur de la vidéo est à la place de celui qui regarde le portait d`un proche s`éloigne dans la route. Le spectateur est mis dans la position de celui qui part et voit les choses disparaitre/apparaitre autour de lui. La vidéo Leave est une recherche de la simplicité d`un plan. La simplicité d`une sensation.

Born in 1982 in Tangier, Morocco, Hamza Halloubi works across a wide range of media, including video, photography, sculpture, and installation. Exploring the relationship between the individual and the faculty of knowledge, he aims at a representation of alternative ideas of identity and culture by disrupting the dogmas of what is defined and established in culture. He comprises quotes in order to discuss issues such as institution, exile, solitude, and melancholy. Instead of direct perspectives he is interested in gestures and attitudes that upset the established order. Halloubi attended LA CAMBRE Ecole Nationale Supérieure des Arts Visuels de Bruxelles. He was the subject of a solo exhibition at The Monty "Modest Expectations", Antwerp(2011). Recent important group exhibitions include IMAGINE BEING HERE NOW The 6th Momentum Biennial, Moss, Norway(2011), FotoTageTrier 2010 ?LEBEN elementar?, Trier, Germany(2010), 4th Cairo Video Festival, Goethe Institute, Egypt(2010), BAD MOON RISING 3, Boots Contemporary Art Space, St. Louis, MO, USA (2010), the 1st International Roaming Biennial of Tehran 1st station: Istanbul, Turkey(2008) The artist lives and works in Brussels, Gent and Tangier.

THE MOIST CABINET is inspired by the literary genre of climate fiction. Through the voice-over of the film, we encounter poems by Bettina von Arnim and William Shakespeare, each in the original language. Hanakam & Schuller view these poems from the 16th and 19th centuries a prequel to cli-fi. Both poets seem to be in dialogue with each other, yet testify to different attitudes: in Shakespeare, the description of nature serves as a catalyst of sexual desire; in Arnim, the physical encounter with nature triggers a need to preserve the source of erotic experience: “Your silence, nature, do not break.?/?Not on rustling leaf?/?With stylus wake thee.” THE MOIST CABINET thus also describes the influence of literary narratives on the relationships between nature and humans, and the consequential actions.

HANAKAM & SCHULLER is an artist duo living in Vienna. As artists and explorers, Markus Hanakam and Roswitha Schuller redesign the rules of fine arts and create unconventional arrangements and new world designs in videos and objects as well as applied artforms. Their works have been shown in Haus der Kulturen der Welt, Berlin; Eyebeam Art + Technology Center, New York; Palais de Tokyo, Paris; MAK, Vienna; MAK Center for Art and Architecture, Los Angeles; and the National Art Center in Tokyo. In 2022 they will work with Current Interests on a spatial installation for MAK Garage Top in Los Angeles.

La nouvelle œuvre vidéo de Michelle Handelman, "These Unruly and Ungovernable Selves (The Lockdown)", recontextualise des personnages de ses œuvres précédentes dans un essai visuel hypnotique à propos de la transfiguration de l'intériorité pendant les périodes d'isolement et de peur. La vidéo prend la pandémie de Covid comme point de départ, et la filtre à travers les écrits de la théoricienne Jill Casid sur le nécrocène, et les écrits de Walter Benjamin, extraits du "Livre des passages", se glissant entre seuils et limites, considérant que le bioterrorisme n'est peut-être pas seulement la propagation intentionnelle d’un virus, mais peut-être aussi ce qui vit à l'intérieur de nous, notre propre peur, que le capitalisme tardif utilise pour nous détruire. Les personnages de Michelle Handelmann, qui ont tous déjà été confrontés aux questions existentielles de l’appartenance et de la peur dans ses projets "Dorian, a Cinematic Perfume" (2009-2011), "Irma Vep, The Last Breath" (2013-2015), et "Hustlers & Empires" (2018), sont juxtaposés à des images et des textes trouvés pendant la pandémie, pour prendre une nouvelle forme qui nie et lutte contre l’enfermement. Casid écrit: "Qu'aucun d'entre nous ne se repose pendant que nous vivons notre mort. Que nous n'oubliions pas, mais que nous fassions l’effort de tenir compte de ceux qui ne sont pas encore comptés, des crimes de la guerre sans fin dans laquelle nous sommes toujours."

Michelle Handelman est artiste visuelle, réalisatrice et écrivaine. Son travail repousse les limites du genre, de la race et de la sexualité. Ayant traversé les années de la crise du sida et des luttes culturelles, elle a construit un ensemble d'œuvres qui explorent les zones sombres et inconfortables de l'identité queer. Elle a reçu le prix de Creative Capital en (2019); la bourse Guggenheim Fellow (2011); le Art Matters Award (2011); et la bouse NYFA – New York Foundation for the Arts Fellow (2011). Elle a exposé son travail à de nombreuses reprises, notamment au San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco (USA); au Eli & Edythe Broad Art Museum, East Lansing (USA); à la PERFORMA Biennial, New York (USA); au MIT List Visual Arts Center, Cambridge (USA); à Participant, Inc, New York (USA); à la Henry Art Gallery, Seattle (USA); au Museum of Contemporary Art Chicago (USA); au Contemporary Arts Museum Houston (USA); au Guangzhou 53 Art Museum (Chine); au Film at Lincoln Center, New York (USA); au British Film Institute, Londres (Royaume-Uni); et au Centre Georges Pompidou, Paris (France). Dans les années 90, Michelle Handelman habitait à San Francisco, où elle a collaboré avec Monte Cazazza, pionnier de la scène de la musique industrielle, a réalisé le long métrage "BloodSisters : Leather, Dykes and Sadomasochism" (1995), et a joué dans plusieurs films de Lynn Hershman-Leeson. Son travail a fait l'objet d'articles dans Bomb Magazine, Artforum, Art in America, Filmmaker Magazine et le New York Times. Son travail fait partie de nombreuses collections privées, notamment celle du Eli & Edythe Broad Art Museum, East Lansing (USA); celle de la Kadist Art Foundation, Paris (France); celle de la di Rosa Foundation and Preserve, Napa (USA); et celle du Zabludowicz Art Trust. Elle vit à Brooklyn, New York (USA), et est professeure au département de cinéma, médias et arts du spectacle du Fashion Institute of Technology, New York (USA).

La source d?inspiration de ce film est Faces, de John Cassavetes, mais quelque chose de tout à fait original s?y produit. La question "qu?attendez-vous de la vie ?" est mise en scène avec un plaisir de jouer non dissimulé, et de courageuses prises de risque. Dans un espace extrêmement réduit, quatre tempéraments féminins, et leurs attentes érotiques se croisent et circulent autour du "beau marin". Le résultat est une miniature atmosphérique et condensée qui vacille entre l?hystérie et l?auto-dérision. Remake a reçu un premier prix à Oberhausen, dans le cadre de la meilleure contribution à la compétition allemande.

Hangover Ltd. est un groupe de jeunes femmes cinéastes qui réunit Christine Groß, Sophie Huber, Ute Schall, Tatjana Turanskyj, et Claudia Splitt. Elles travaillent ensemble depuis quelques années. Elles ont notamment réalisé PETRA, en coproduction avec le Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, et Sehnsucht nach Schüssen, avec le Prater-Volksbühne.

The Belfast Exposed photography archive contains over half a million images produced by community groups, amateur and professional photographers over the past 30 years. It represents a valuable historical document recording political, cultural and social change in Northern Ireland over these 3 decades. Since 2001 Belfast Exposed have been commissioning artists to produce work using this archive as raw material, previous artists include Duncan Campbell and Broomberg & Oliver Chanarin. Three Short Films about Learning is a latest project to be commissioned in this series. The work juxtaposes a selection of images taken from the archive with excerpts from a lecture series outlining theories of social and environmental psychology. The lecture series is Introduction to Psychology by Paul Bloom, made available by Yale University through the free online learning platform Academic Earth. The archive imagery includes marches, masked gunmen at funerals, and paramilitary punishments. The rhythm of the speech varies throughout from carefully measured statements to free flowing thoughts, and the images are timed to mirror this rhythm.

Michael Hanna completed his MFA at the University of Ulster in 2012 and recently undertook residencies at the Millennium Court Arts Centre and Digital Art Studios, Belfast. He graduated with BA (Hons) in Sculpture at Edinburgh College of Art in 2009. Hanna was shortlisted for the Converse / Dazed Emerging Artist Award with the Whitechapel Gallery, London. He has been involved in exhibitions in the UK and internationally including Interplanetary Revolutions at Golden Thread Gallery, Belfast and Instances of Agreement at the Kao Yuan Arts Centre in Taiwan. Most recently Hanna took part in Multiplicity - an exhibition curated by NURTUREart and shown across four galleries in New York. It was an international survey of artworks sharing an interest in the politics and poetic potential of contemporary urban environments.

Framing the activities of a group of lighthouse spotters against the uncertain future faced by Irish lighthouses, An Illustrated Guide to Lighthouse Spotting idles with common documentary conventions in a kind of epistemological dilettantism, whereby the diseased triumvirate of rhetorical development, drama and realism is inoculated by mild incoherence, mundanity and idiosyncratic fancy.

Mike Hannon works as an independent artist, and as a freelance documentor for creative sectors and the visual arts. His previous pieces have included both conventional, TV documentary and experimental work.

Musarion adapts the eponymous work by German writer Christoph Martin Wieland and transfers the love story into the present day. Phanias withdrew from the city of Athens to the countryside to leave his old life behind. But one day he encounters his former girlfriend Musarion who tries to bring him back to reason. The art film follows their struggle to find an enlightened form of love that can overcome philosophical and political fanaticism. Musarion was directed by a collective of five young artists and mixes elements of the original text, opera, theatre, video art and narrative film.

Vincent Hannwacker was born in 1997 in Munich, Germany. Since 2016 he studies Media Art at Julian Rosefeldt's class at the Academy of Fine Arts Munich. Since 2017 he studies Screenwriting at the University of Television and Film Munich (HFF).

"Circunvalasion" fait partie de un working in progres - Barrio Godoy -que je commençais il y a deux ans. Un ensembles de travaux auteurs de la périphérie. Circunvalasion est le nom de une autoroute que entoure Rosario, una ville a 300k de Buenos Aires, en Argentina. Il y a des usines métallurgiques, le port est a quelques kilometres. Les camions viennent des diferentes provinces du pays. Av. circunvalacion 8,54 ?Film Numérique Dans la périphérie à Rosario, sur la Nationale A008 les camions passent sans interruptions. Marga et Mariela nous parlent au bord de la route.

Au commencement des années 70, adolescente engagée au côté des montoneros, Julieta Hanono est enlevée et incarcérée par la dictature argentine. Après un effacement de près de trois décennies durant lesquelles son expérience de la disparition semble s?être prolongée, cet épisode aura une influence profonde sur son travail. Au commencement des années 2000, installée en France depuis les années 80, Julieta Hanono renoue avec la pratique artistique, à laquelle elle avait dû brutalement renoncer. Ses pièces, teintée de psychanalyse et de marxisme, associant sculpture, dessin et film, sont traversées par son expérience de la disparition et se présentent comme une répétition de ses souvenirs, une conceptualisation méditative qui tend à la réconcilier avec son passé. Simultanément, les pièces se tournent vers l?extériorité : un mouvement qui correspond au souci de l?artiste de reconstituer son lien à l?autre et d?explorer, à travers celui-ci, les fondements de la socialité.

"Caméra au point, Julieta Hanono arpente le gouffre et s?avance jusqu?à la lisière de l?insondable territoire, celui où l?homme n?est plus l?homme. A l?image, des filets de lumière, des entrefilets de paroles, le tissage d?une pensée matière, épaisseur sans laquelle ne pourrait éclore un quelconque partageable. El Pozo, non lieu d?une histoire insensée ; « El Pozo », l??uvre de Julieta Hanono, « lieu-dit » constitué sur fond de ténèbres, masque rapporté sur une histoire demeurée hors du monde, sur une histoire sans visage. El Pozo n?existe pas, il est trou noir, anti-pensée comme l?on parlerait d?anti-matière. A l??uvre, nous ne le voyons pas. A l??uvre s?expose son exact envers, la raison reconquise. Le sujet doit s?exprimer sans ruser ; le Je doit prendre ici la parole. Je refuse de prétendre que quoi que ce soit du vécu de Julieta Hanono en tant que « disparue » puisse devenir pour moi compréhensible. Rien n?y fait, pas même cette ?uvre qui ne saurait rendre palpable l?inouï qui en est le creuset. Je refuse l?empathie qui semble être de rigueur ? de bienséance ? face à ce que d?aucuns nomment un « témoignage ». L?empathie ne peut être ici que feinte ; forme sommaire d?entente, elle demeure sourde au fond de l?histoire folle traversée par Julieta Hanono. L?inhumanité me restera inaccessible par la pensée, car elle en est son strict négatif. Ce que je vois, ce que je pense face à « El Pozo » est tout autre : il s?agit du chemin que parcourt Julieta Hanono pour renaître à la vie ; il s?agit du secret constitutif de « l?humanité de l?humain » dont parle Georg Lukacs. C?est précisément cette histoire que rapporte Julieta Hanono de son propre gouffre ; c?est précisément là que réside le partageable de son aventure. « El Pozo » expose, vive, l?histoire qui me constitue. « El Pozo » est le récit de la (re)conquête du sujet par lui-même, de la (re)naissance du Je. Voir « El Pozo » dans El Pozo éclaire d?un feu plus brûlant encore le secret dont cette ?uvre nous parle. Cette exposition boucle en quelque sorte la démonstration de vie. Placé (tout) contre les murs du gouffre, l??uvre affirme la conquête de l?artiste. Placé entre l?homme et l?espace de sa négation, l??uvre rend active de manière performative sa propre nécessité : elle recrée le sol même de la pensée en mettant à distance l?inhumain par les images et les mots. Jamais El Pozo n?aura été plus éloigné qu?au moment où « El Pozo » irradiera ces lieux ; jamais El Pozo n?aura été plus terrassé en tant que politique d?anéantissement que lorsque « El Pozo » s?y dressera. L??uvre de Julieta Hanono nous rend El Pozo habitable par la pensée, et sans doute rend-elle habitable par la pensée à l?artiste elle-même sa propre histoire insensée. ?uvre politique par excellence, « El Pozo » se comprend comme le récit de la lutte du sujet contre les machines qui dans l?histoire ont visé son éradication. Dans cette affaire ? constituer et entretenir le monde par les armes de la parole ? , l?artiste se situe en première ligne. Il est celui qui traverse les gouffres pour nous en donner l?image renversée, et donc habitable. Il est celui qui porte à bout de bras, à l?instar de Julieta Hanono arpentant El Pozo caméra au point, « l?humanité de l?humain » jusqu?à nous. Sébastien Thiery

Julieta Hanono Venir m?installer en France a d?abord signifié prendre de la distance avec ma langue maternelle. Traverser un autre idiome et réinventer à partir de ce détour mes propres mythes. C?est aussi revenir au point de départ, revivre l?exil de mes arrières grand parents, d?Alep, d?Alexandrie, de l?Espagne à l?Argentine. Et dans une spirale ascendante, je veux redessiner leurs parcours. Je pars de Buenos Aires et je débarque en France. A mon arrivée à Paris, j?ai entrepris des ?uvres à partir de portes et de planches que je récupérais. Je ramenais dans mon atelier des objets jetés ; après je compris que faire apparaître ce qu?étais disparus étais en relation a ma propre histoire : le 11 novembre 1977, à l?âge de seize ans, durant la dictature militaire en Argentine je fus portée disparue.( j?étais enlevée de la vie et jetée hors du monde) Ainsi, à Paris surgissaient les reliefs d?un récit enfoui, celui de ma propre histoire qu?en Argentine je ne pouvais voir. Trop proche, elle demeurait là-bas un point aveugle. Tunnel? Loupes / serrures. Ma ligne d?horizon s?épaississait et mon cheminement me conduisait à construire de nouvelles séries de travaux : des « bijoux » et des ?uvres photographiques élaborés à partir d?instruments médicaux. Notamment, je produisais des images numériques prises à travers un spéculum et constituais ainsi la série « Le tunnel ». Ambiguïté du spéculum réunissant en lui-même deux principes : loupe et serrure. Objet à double tranchant peut-être permettant de se rapprocher, de voir en vue d?un savoir scientifique et neutre ; mais aussi permettant d?épier, de se faire le voyeur d?une intimité secrète. « Le tunnel » se compose de différents tableaux. Il s?agit d?une série de déclinaisons, mais aussi d?instantanés que l?on peut approcher indépendamment de la série dans laquelle ils s?inscrivent. Images agrandies, avec une certaine pixellisation, ces « portraits féminins » de dimension identique varient néanmoins selon l?intensité de la lumière et de la couleur. La séquence se lit comme un kaléidoscope à travers lequel se scande le fond de l?affaire, l?énigme de l?origine démultipliée. Toutefois, en chacune de ces compositions l?intérieur ouvre sur ma propre ligne de fuite, mon propre passé noué à ce moment douloureux de l?Argentine, ces années de plomb de la dictature ; en chacune de ces compositions, un temps immobile, celui de mon propre enfermement, l?objet perdu.

Coming to live in France first meant for Julieta Hanono that she was distanced from her mother tongue.Then to relive the exile of her great-grand parents, from Alep, Alexendria, went from Spain to Argentina. Julieta Hanono wanted to outline their journey, she went to Buenos Aries, then arrived in France. On her arrival in France she began her work with doors and planks of wood, things that were thrown out, which she retrieved. She understood later on, the link with her own history: on the 11th of November 1977, at the age of sixteen, during the military dictatorship in Argentina, she was reported missing. In Paris bits of her buried story began to emerge, her own story in Argentina which she wasn`t able to see. Her horizon expanded and her journey led her to construct a new series of work: "Jewels" is elaborate photographic work about medical instruments and digital images.

Intime est la traversée de la France de sud au nord de l?été a l?hiver de la nuit a l?aube. Les séquences son enchaînées avec une camera que fait l?intention de survoler presque sans toucher le réel, immergé comme dans un rêve : le lumières et le chant de la nuit, la brume froide de l?aube, le chant de l?animaux comme un crie que déchire l?espace pour finir dans la désolation de la neige. Intime est aussi l?idée de l?isolement de l?être que se déplie dans le voyage de la vie jusqu?est la mort. Je mis se titre pour le caractère totalement subjective de la façon de filmer. Le film est un première personne. Possiblement c?est un hommage a mon père a sa disparition et a la compréhension que la vie de l?autre peut se voir comme un cercle fermé seulement quand il n?est plus là.

Venir s?installer en France a d?abord signifié pour Julieta Hanono prendre de la distance avec sa langue maternelle. Puis revivre l?exil de ses arrières grands parents, d?Alep, d?Alexandrie, de l?Espagne à l?Argentine. Julieta Hanono souhaite redessiner leur parcours, elle parcourt Buenos Aires, puis arrive en France. A son arrivée à Paris, elle entreprend des ?uvres à partir de portes et de planches, des objets jetés, qu`elle récupère. Elle comprend plus tard le lien avec sa propre histoire : le 11 novembre 1977, à l?âge de seize ans, durant la dictature militaire en Argentine elle fût portée disparue. A Paris surgissaient les reliefs d?un récit enfoui, celui de sa propre histoire qu?en Argentine elle ne pouvait voir. Sa ligne d?horizon s?épaississait et son cheminement la conduisait à construire de nouvelles séries de travaux : des « bijoux », des ?uvres photographiques élaborés à partir d?instruments médicaux et des images numériques.

S?installer en France a d?abord signifié pour Julieta Hanono prendre de la distance avec sa langue maternelle. Puis revivre l?exil de ses arrières grands parents, d?Alep, d?Alexandrie, de l?Espagne à l?Argentine. Julieta Hanono souhaite redessiner leur parcours, elle parcourt Buenos Aires, puis arrive en France. A son arrivée à Paris, elle entreprend des ?uvres à partir de portes et de planches, des objets jetés, qu`elle récupère. Elle comprend plus tard le lien avec sa propre histoire : le 11 novembre 1977, à l?âge de seize ans, durant la dictature militaire en Argentine elle fût portée disparue. A Paris surgissaient les reliefs d?un récit enfoui, celui de sa propre histoire qu?en Argentine elle ne pouvait voir. Sa ligne d?horizon s?épaississait et son cheminement la conduisait à construire de nouvelles séries de travaux : des « bijoux », des ?uvres photographiques élaborés à partir d?instruments médicaux et des images numériques.

TÂKE is a landscape film capturing mysterious natural and man-made fog-obscured scenes in Beijing, Oslo, Azores and Newfoundland. The film observes the spectacle of fog through several different film- and video formats. It explores the behaviour of Super-8 and 16mm film alongside digital video against a visual obstacle. The variable formats are also used to create spatial shifts on the screen and work with ideas of obscured or filtered visions. Associations can be made between the grain in the film material and the tiny particles, or condensation nuclei, needed to form both fog and smog, such as pollen, sea salt, dust and particle pollution. In parallel to the image the soundtrack attempts to create an auditory fog. It compares the loss of visibility to the loss of audible frequencies. During the process of making the film the artist discovered that the way sound gets filtered in fog is similar to her own loss of hearing, where the high frequencies are no longer perceived. In the fog the tiny water droplets block the high frequencies from passing. The soundtrack is composed of sirens and signals, hearing tests samples and environmental sounds.

Inger Lise Hansen (b. 1963) is a visual artist with background in experimental film and animation. She studied Fine Art at University of East London (1989) and Central-St. Martin’s College of Art and Design (1991) and received a Master of Fine Art Filmmaking from San Francisco Art Institute in 1996. Since the nineties her film works has been screened in international institutions and galleries such as Tate Modern, National Gallery London, RI at Jeu de Paume Paris, Tokyo Photographic Art Museum and Malmö Konsthall. She has received a number of prizes from film festivals including Vienna Independent Shorts, Videoex, Ann Arbor and Oberhausen. Inger Lise lives and works in Oslo.

An upside-down time-lapse camera is moved frame by frame on a track along a beach inverting the ground and the sky. The camera moves through four shots recorded in different weather conditions. The result is a mysterious and disorienting space in accelerated time, where the originally solid ground at the top of the frame appears to be sliding past like a lava-stream. Proximity was shot on Super16mm film, on location in North Jutland, Denmark.

Inger Lise Hansen was educated at North East London Polytechnic, St. Martin's College of Art, London, and received a Masters of Fine Art Filmmaking from San Francisco Art Institute. She has made a number of experimental animation films with support from Arts Council England, Film London, and the Norwegian Film Institute, and has won several international prizes such as Gold Prize for animation at the Bilbao Festival of Documentary and Short Films, and the Chris Frayne Award for Best Animation at Ann Arbor International Film Festival. Her earlier films have been screened at Tate Modern, London; Institute of Contemporary Art, London; Centre Georges Pompidou, Paris; Museum of Modern Art, Stockholm; and Hiroshima Animation Festival.

La rencontre entre deux personnes et une relation qui va grandissante est une chose rare et simple. Dans ce scénario particulier, lorsque l´intérêt se porte sur l´aspect de "parité", l´accent est mis sur la communication, la dépendance, la confiance et l´intégrité. C´est une véritable épreuve que de garder un équilibre entre ces deux dimensions.

Je travaille comme artiste et peintre depuis le début des années 90. Mes études ont fait que je me suis intéressée à différents médias, et j´ai travaillé sur des installations en chambre, la sculpture et la photo. J´ai ensuite commencé à travailler avec la vidéo, et c´est ce que je fais depuis lors. J´ai fait des vidéos de films que j´avais étudié et que j´avais redécoupé/fait des remakes. Dernièrement j´utilise uniquement le texte et parfois les images vidéo animées.