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Remote is a suggestive story. Portrait of a tender companionship in a secluded Irish countryside. Residing in the simplicity of the moment, the waiting and the repetition of days. This is a place where there is no space for imagining a future other than the perpetual repetition of the present. This is a place for survival, to be strong, alone with the wind, eyes burnt by the light. A place of unspoken tenderness, a landscape of silence and solitude in which there will always be someone.

Eva Giolo (b.1991 Brussels) is an audio visual artist. Her practice is predominantly made of filmic portraits that weave between fiction and documentary. They focus on individuals, almost always facing a certain kind of loneliness. She mainly focus on those individuals in their daily life, scripting and observing their actions and daily gestures through the camera. They often touch upon universal human themes and explore the relationship between loss, time and memory. But also the in-between language of the camera and the subject. Presenting memories, images and portraitures as something that can be manipulated and seen with multi-perspectives. Questioning the power of images is a recurrent theme and memories often stand as a central narrative. Giolo obtained a BA and MA in Fine Arts at the Media Arts department of the Royal Academy of Arts (KASK), Ghent. She completed her music education at the Institute of Contemporary Music in London. Recent screenings and exhibitions include: Imagine Science Film Festival, New York; TAZ#17, Ostend; Côté court, Paris; International Film Festival Rotterdam; Blaa Galleri, Copenhagen; BOZAR, Brussels; Courtisane Film Festival, Ghent; Ishibiki Gallery, Kanazawa; In Out Film Festival, Gdansk among others. Giolo won the VAF Wildcard for experimental film (2016) and is a founding member of the small distribution and production platform elephy. Eva Giolo is a post-grad art resident at HISK in Ghent (2018-2020). She currently works and lives in Brussels.

A Greek TV-commercial from the 80s of a product-action racquet game- that failed to become a success in the local market, is being manipulated anew in terms of image and sound. Apart from a funny rhythmical reworking of a rather trite found footage, this work aims at presenting a comical and simplistic view of how American products and trends have been implanted on our collective subconscious through advertising.

Marina Gioti is a filmmaker based in Athens, Greece. Her film and video work has been presented at various festivals and special screenings around Europe and the United States. Her most recent video "B-alles" was an official selection at: New York and Chicago Underground Film Festivals, Cinematexas 11, Hi/Lo Film Festival, Hull International Short Film Festival, among others. She also works as an independent film and video curator, programming and organizing experimental film and video screenings at various venues around Athens, mainly under the name "novaXpress". She has also programmed for Synch Festival (artistic director Synch Cinema 2005) and Cinematexas. She is the co-curator of the art exhibition "Anathena", which recently opened at the Deste Foundation (Athens, Greece).

Greece, the early 70?s. A family visits the museum of the 1821 Greek Revolution and War against the Turks. As they wander inside the museum, one of the paintings comes to life ... ?Sabotaged? version of a rare -found- propaganda film,produced during the Greek military junta in the 70s, supporting a largely debated fact -for many a national myth- related to the birth of the modern Greek nation and the construction of its ethnic identity.

Born in Athens, Greece, Marina Gioti has studied Chemical Engineering, Environmental Management (MSc), Filmmaking and Media and Communication (MA) in Greece and the UK. Since 1999 she lives and works in Athens as a filmmaker/ video artist working mainly with found footage and animation. She has presented work at festivals and galleries in Athens, Europe and the United States, notably at the Toronto International Film Festival, The Rencontres Internationales, Cinematexas, New York Underground Film Festival and Transmediale festival in Berlin. She is also working as an independent curator and film programmer organizing art exhibitions and experimental film and documentary screenings around Athens.

Fabric is a montage based on remaining workprints from a commercial film about viscose that no longer exists. The original attempt of the film to visualize perfect images of a young tailor and models dressed in sensual fabric while acting within a decorative modernist setting is mirrored in its shortcoming. The leftovers only show the preliminaries, faulty repetitions and aborted takes, thus all footage which was thrownout. Clapper boards indicating each take by numbers allowed to reconstruct a part of the film’s original storyboard. The new montage shows all of the remaining snippets from the related scenes including the clapper boards, the repeated takes and the glitches in the film material. However, all parts which probably have been used to edit the original film are missing, the gaps are marked with beeps on the otherwise silent soundtrack. While following a fragile new narrative, Fabric also generates a counterpart of an artefact that was lost.

Christoph Girardet, born in Langenhagen, Germany, in 1966. He studied Fine Arts at the Braunschweig School of Art (Master’s degree in 1994). Since 1989 he has produced video tapes, video installations and films, some of them in collaboration with video artist Volker Schreiner beginning in 1994 and as of 1999 with filmmaker Matthias Müller. He was awarded a stipend for the International Studio and Curatorial Program in New York (2000) and the Villa Massimo stipend in Rome (2004). He lives and works in Hanover.

En 1939, une seconde équipe, avec une doublure et des figurants, a tourné des scènes pour le classique hollywoodien Mr. Smith Goes to Washington au Lincoln Memorial. La succession de longues séquences éliminées du montage final sape la narration cinématographique classique : l’intrigue ne semble pas avancer. L’architecture néoclassique demeure le décor d’un rituel récurrent et troublant, dans lequel le protagoniste se perd.

Christoph Girardet, né en 1966, est un artiste vidéo et cinéaste allemand. Son travail prend pour matière à la fois des images trouvées par hasard et d’autres issues de recherches approfondies dans les archives de l’histoire du cinéma. Par le montage, les ellipses et les répétitions, il met au jour les structures profondes et les mécanismes internes de la réalité filmique représentée. Au-delà de l’analyse du matériau et de ses clichés, son œuvre explore en essence un état mélancolique d’absence, construisant ainsi un monde visuel singulier. De 1988 à 1994, Girardet étudie les arts visuels à la Hochschule für Bildende Künste de Braunschweig, dans la classe cinéma de Birgit Hein. Depuis 1989, il réalise films, vidéos et installations vidéo — parfois en collaboration avec l’artiste vidéo Volker Schreiner (1994–2004), et plus fréquemment avec le cinéaste Matthias Müller (depuis 1999). Girardet a participé à de nombreuses expositions collectives, notamment au Stedelijk Van Abbemuseum d’Eindhoven, au MoMA PS1 à New York, au Palais de Tokyo à Paris, au Hirshhorn Museum de Washington et à l’Eye Filmmuseum d’Amsterdam. Il a également bénéficié d’expositions personnelles dans des institutions telles que FACT (Liverpool), le Kunstverein Hannover ou West (La Haye). Ses œuvres ont été présentées dans les grands festivals internationaux — Cannes, Venise, Berlin, Toronto, Locarno, Oberhausen ou Rotterdam — et figurent dans des collections publiques et privées. Il a reçu de nombreuses distinctions, dont une bourse pour le programme International Studio and Curatorial Program à New York (2000) et une résidence à la Villa Massimo à Rome (2004). Il vit et travaille à Hanovre, en Allemagne.

They call me a dreamer, well maybe I am. / But I know that I`m burnin` to see / Those far away places with the strange-soundin` names / Callin`, callin` me. (no translation, English only, please)

Christoph Girardet, born in Langenhagen, Germany, in 1966. Lives in Hannover. Works in video, film and installation since 1987. Studied at the Braunschweig HBK. Selected works: 1991 Schwertkampf, 1997 Release, 2001 Scratch, 2001 7:48, 2002 Absence, 2007 Pianoforte, 2010 Silberwald Matthias Müller, born in Bielefeld, Germany, in 1961. Lives in Bielefeld and Cologne. Works in film, video and photography since 1980. Studied at the Bielefeld University and at the Braunschweig HBK. Selected works: 1990 Home Stories, 1994 Alpsee, 1998 Vacancy, 2000 nebel, 2004 Album. Joint projects of Christoph Girardet and Matthias Müller: Phoenix Tapes 1999, Manual 2002, Beacon 2002, Play 2003, Mirror 2003, Ray 2004, Catch 2005, Ground 2005, Hide 2006, Kristall 2006, Locomotive 2008, Contre-jour 2009, Maybe Siam 2009

Portraits of women. And men, who are spellbound by them. The painted portraits, a recurring motif of film noir as well as European postwar cinema, aesthetically stand in a tradition of an outmoded academic style that is bent on striking likeness with the model. They are revenants, omens of absence, metaphors for loss and death, objects of desire and fixation, which mesmerize both the viewer in the movie and in front of the screen.

Christoph Girardet, born in Langenhagen, Germany, in 1966. Lives in Hannover. Studied at the Braunschweig HBK. filmography (single channel, selection) 1991 Schwertkampf 1993 Fieberrot 1996 Release 2001 Scratch 2002 Absence 2004 Fiction Artists (with Volker Schreiner) 2007 Pianoforte | Storyboard 2012 The Eternal Lesson | Dirigible 2014 Fabric 2015 Synthesis 2017 It Was Still Her Face collaborations with Matthias Müller 1999 Phoenix Tapes 2002 Manual | Beacon 2003 Play | Mirror 2006 Kristall 2009 Contre-jour | Maybe Siam 2011 Meteor 2013 Cut 2016 personne

A broken bottleneck lies on the ground. An analogue telephone with a blank dial plate. The hero of the film, Jean-Louis Trintignant, in younger years – in older years. A man huddled on an elevator floor. Skewered butterflies. He is all alone in the world. The external is sealed off. The internal barricaded. He shifts between times. His focus is always trained on the other. Is he wanted, condemned, persecuted? The man whom we observe from the rear, is only able to see his back in the mirror. His face cannot be recognised. All the actions and movements, all the seeking and striving, all the alterations and associations revolve around the view and excerpt from “La reproduction interdite”, painted by Belgian surrealist René Magritte in 1937. The mirror axis of the film, and yet, and simply for that reason, one becomes the other. The other becomes many. “personne – that is somebody and nobody and anyone. That is us in the course of time. Persistently, in vain. The self is the need for permanent self-assertion”.

Christoph Girardet & Matthias Müller are directors, known for Cut (2013), Contre-jour (2009) and Personne (2016).

« Storyboard » est un collage réalisé à partir d'une variété d?images trouvées au hasard : des espaces vides, des gestes énigmatiques, des environnements artificiels. Ceci est-il la vie, selon une mémoire cinématographique?

Christoph Girardet est né en 1966 à Langenhagen et vit à Hanovre en Allemagne. Il a étudié les Beaux-Arts à l?Ecole d?arts de Braunschweig. Il travaille depuis 1987 sur les supports vidéo, film et installations. Il commence une collaboration en 1994 avec le vidéaste Volker SCHREINER, puis avec Matthias Müller depuis 1999 (Phoenix Tapes) avec qui il réalise de nombreux projets communs ayant recours aux techniques numériques. Il explore entre autres les poncifs du cinéma industriel. Girardet a participé à des expositions collectives dans des institutions aussi prestigieuses que le Stedelijk Van Abbemuseum (Eindhoven) ou le P.S.1 Contemporary Art Center de New York. Des expositions personnelles de ses travaux ont eu lieu au Kunstverein de Hanovre ou à la Sean Gallery de New York. Il a déjà reçu de nombreuses récompenses.

Twenty years ago, the towers of the New York World Trade Center collapsed. The endlessly repeating television images of this event were preceded by manyfold stagings of the building, either as a highly symbolic icon, a speculative destruction fantasy or merely as a spectacular backdrop. In Misty Picture, such fictional motifs string together: city symphony, disaster movie and medial trauma therapy become one.

Christoph Girardet, born in Langenhagen, Germany, in 1966. Lives in Hannover. Studied at the Braunschweig HBK. Matthias Müller, born in Bielefeld, Germany, in 1961. Lives in Bielefeld and Cologne. Studied at the Bielefeld University and at the Braunschweig HBK. Collaborative works since 1999

Jishin (Japanese: earthquake) shows an archaic-looking special effect for a Hollywood film of the 1940s: a house begins to sway, stone lanterns fall over, an actor loses his grip. Finally, mountains of debris fill the screen. The drama is repeated in five successive, slightly varied camera perspectives. The uncut raw material allows an analytical view of the clichéd and scenery-like setting: the disaster is not due to a natural event but to a precalculated performance.

born in Langenhagen, Germany, in 1966, studied Visual Arts at the Braunschweig University of Art (HBK). Since 1989 he has produced films, videos and video installations, some of them in collaboration with video artist Volker Schreiner (1994 – 2004), and, more frequently, in collaboration with filmmaker Matthias Müller (1999 – 2022). He lives and works in Hanover, Germany.

"While he mused on the effect of the flowing sands, he was seized from time to time by hallucinations in which he himself began to move with the flow." -Kobo Abe Liminal zones. Floating particles. Fire, water, earth, air. Voices of fictional characters: sometimes suggestive, sometimes strict, leading the viewer away from the here and now. Who`s talking? The relationship between the hypnotized subject and the hypnotist is mirrored in the spectator`s relationship to the screen.

CHRISTOPH GIRARDET was born in Langenhagen, Germany, in 1966. He studied Fine Arts at the Braunschweig School of Art (Master´s degree in 1994). Since 1989 he has produced video tapes, video installations and films, some of them in collaboration with Volker Schreiner beginning in 1994 and as of 1999 with Matthias Müller. He was awarded a stipend for the International Studio and Curatorial Program in New York (2000) and the Villa Massimo stipend in Rome (2004). He lives and works in Hanover. MATTHIAS MÜLLER was born in Bielefeld, Germany in 1961. Müller is an artist working in film, video and photography. He is based in Bielefeld and Cologne, Germany. Studied Arts and German Literature at Bielefeld University and Fine Arts at HBK Braunschweig. Master’s degree. Since 2003, Professor in Experimental Film at Academy of Media Arts, KHM, Cologne. Müller organized numerous avant-garde film events such as the "Found Footage Film Festival" (1996 & 1999) and the first German festival of autobiographical films "Ich etc." (1998) and various touring programs. With his films and videos he has taken part in major film festivals worldwide, including the festivals at Cannes, Venice, Berlin and Rotterdam. His work has also been featured in several group and solo exhibitions. His films and videos are part of the collections of institutions such as Centre Georges Pompidou, Paris, Museu d’Art Contemporani, Barcelona, Nederlands Film Museum, Amsterdam, Australian Centre For The Moving Image, Melbourne, Kunsthalle Bielefeld, the Goetz Collection, Munich, the collection of Isabelle and Jean-Conrad Lemaître, London, and Tate Modern, London.

Une foule danse au son d`une musique que l`on n`entend pas devant un groupe que l`on ne voit pas. Reste le son des corps et de leurs mouvements, l`image d`un ordre changeant. The Straight Edge est une expérience appliquée à un concert de musique punk-hardcore. La foule et son intensité en sont le matériau. Les expressions communes de joie, de violence ou d`ennui sont les éléments d`une même fiction culturelle à travailler. Des formes y sont tentées, déplacées et répétées. J`envisage la communauté comme un jeu complexe où s`inventent les individus. C`est dans le partage des règles, des postures et des vitesses que chacun se construit et constuit un monde. C`est ce mouvement de production qui est l`objet de mon travail. Je veux croire qu`il est toujours flexible et modifiable, qu`il peut être altéré et recréé. Je veux croire en la fiction et la possibilité de sa réinvention.

Fabien Giraud, né en 1980, a étudié à l?Ecole Nationale Superieure des Arts Décoratifs de Paris, et au National Institute of Design en Inde. Il vit et travaille actuellement au Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains à Tourcoing.

Dans le jardin des Hespérides poussait jadis un fruit capable d’accorder l’immortalité à quiconque le mangeait. Ce jardin, situé quelque part au large de l’Afrique de l’Ouest, était gardé par un dragon aux cent têtes. À travers la bio-sonification des bananiers — culture de monoculture emblématique des îles Canaries — se révèle un récit d’éternité surgissant à l’endroit même où ce jardin mythique aurait existé.

Leur travail explore les relations entre mythologie, histoire et matérialisme. Leur premier long métrage, Eles transportan a morte (2021), a été présenté en avant-première aux festivals de Venise et de Saint-Sébastien, remportant des prix dans les deux. Il a ensuite circulé dans des festivals internationaux tels que Rotterdam, Le Caire, Mar del Plata, la Viennale, Hambourg et São Paulo. Leurs courts métrages ont été montrés dans des festivals comme Toronto, Locarno, New York, Ann Arbor, entre beaucoup d’autres. Ils ont également réalisé des installations et des performances dans des centres d’art tels que le CCCB (Barcelone), le BAM (New York), le TEA (Tenerife) ou Solar (Vila do Conde).

"Threshold Songs," by Natalia Almada and Peter Gizzi is part of "The Tangier 8," a film-poetry project that took place in Tangier, Morocco in June 2009. Working under tight time constraints-they had just four days to film, four days for sound, and four days for editing, the artists took inspiration from the city of Tangier-its history, architecture, people, politics, as well as from each other, to produce these short film-poems.

Natalia Almada- Born in 1974 in Mexico. She graduated with a Masters in Fine Arts in photography from the Rhode Island School of Design and shares her time between Mexico City and Brooklyn, New York. Her directing credits include All Water Has a Perfect Memory, an experimental short film; Al Otro Lado, her award winning debut feature documentary about immigration, drug trafficking and corrido music; and her most recent film, EL GENERAL, a family memoir and portrait of Mexico past and present which premiered at the 2009 Sundance Film Festival and won the best documentary director award. Her films have been shown at The Museum of Modern Art, The Guggenheim Museum, The Whitney Biennial, as well as at several film festivals around the world. She has received support for her work from numerous foundations including The Creative Capital Foundation, The Tribeca Film Institute, The Sundance Institute Documentary Film Program, PBS and others. Almada is a MacDowell Colony Fellow and a 2008 Guggenheim Fellow. 2) Peter Gizzi- Born in 1959 in Massachusetts. Gizzi attended Brown University, NYC and SUNY Buffalo. His books include The Outernationale (Wesleyan, 2007), Some Values of Landscape and Weather (Wesleyan, 2003), Artificial Heart (Burning Deck, 1998), and Periplum (Avec Books, 1992). In 2004 Salt Publishing of England reprinted an expanded edition of his first book as Periplum and other poems 1987-92. He has also published several limited-edition chapbooks, folios, and artist books. His work has been translated into numerous languages and anthologized here and abroad. His honors include the Lavan Younger Poet Award from the Academy of American Poets (1994) and fellowships in poetry from The Fund for Poetry (1993), The Rex Foundation (1993), Howard Foundation (1998), The Foundation for Contemporary Arts (1999), and The John Simon Guggenheim Memorial Foundation (2005).

Gladwell est le calme pendant l'orage. Au ralenti, nous pouvons entrevoir son talent sur une planche - il fut après tout un champion d'Australie de Skateboard - ainsi que son talent a montré une beauté authentique et une profonde vulnérabilité. Gladwell était et continue à être fasciné par le ralentissement du temps et l'attention sur la beauté qui existe dans ces moments de flottements. Dans la culture skateboard, des skateur vont passer des heures devant la TV (ou devant un écran d'ordinateur) à passer un film au ralenti pour apprendre et exécuter plus tard plusieurs figure de skateboard. Les spectateurs crédules sont introduits dans la pratique d'une subculture donnée et ont l'opportunité d'une jeter un ?il neuf sur unautre . Dans l'essai du catalogue d'exposition Silent, Ambient, and Harder Remixes, Simon Rees déclare à juste titre que l'artiste porte des habits sombres à la Turner en différentes teintes de gris, et qui inclue une grosse chaîne en argent qui se balance d'avant en arrière à chacun de ses mouvements. Mais ce documentaire ce se ne limite pas à cela, il vient en complément de l'arrière plan orageux et sombre. Les séquences d'orages sont dédiées à l'ami et entraîneur du skateboeardeur décédé à la fin des années 90, ce qui rehausse l'interprétation de vérité et de vulnérabilité. Il y une grande tristesse sous-jacente dans cette fabuleuse vidéo néanmoins calme et amène à la méditation. Gladwell est un artiste intelligent et très lu, qui s'intéresse aux théories questionnant les notions d'espace public et privé la la notion de l'" autre" dans ce cas en particulier, le "sous". "Storm Sequence", tourné en 2000 est l'une d'une série de quatre, composée de "Storm Sequence", de "Kick flipping Flaneur", de "Tangara" et "Double Line Work". Le travail fut commissionné par Pete Fay et fut au centre de l'attention de nombreuses expositions à Sydney, Camberra, Perth, Bierut, New York et Londres.

SHAUN GLADWELL Né en 1972, Western Sydney. Shaun Gladwell a été diplômé d'un Bachelor en Art Visuels (Hons) à l'Université de Sydney en 1996, suivit par un master en Arts Visuels au College of Fine Arts de la University of New South Wales. En 2001, il a été récompensé par une résidence de trois mois dans la Cité Internationale Des Arts de Paris. Il a aussi reçu la Anne and Gordon Samstag International Scholarship qui lui a permis d'entreprendre une recherche associée au Goldsmith College de Londres (2001-2002). A cette époque, il a pris part au spectacle "The Mind is a Horse" à Bloomberg Space, Londres. En 2002, Gladwell fut commissionné pour présenter un travail diffusé en Nouvelle-Zélande sur la chaîne 4DTV et fut inclus dans la première étude de Iain Borden sur la culture skateboard. Ses dernières expositions en solo comprennent New Balance au Perth Institute of Contemporary Art (2004) et deux autres aux Sherman Galleries?, Silent, Ambient and Harder Remixes (2003) et MMXBREAKLESS SESSIONS (2005). Shaun Gladwell fut représenté dans d'importantes expositions collectives internationale dont la primavera 2003: Exhibition of Young Australian Artists, Museum of Contemporary Art, Sydney; 2004: Australian Culture Now, Australian Centre for the Moving Image (ACMI) et au Ian Potter Centre: NGV Australia, Melbourne; ainsi qu'en 2005, la Anne Landa Art Award, Art Gallery of New South Wales, Sydney; Not Worried: New Art From Australia, Raid Projects, Los Angeles; New Acquisitions, Govett-Brewster Art Gallery, New Plymouth, NZ; aussi à Space Invaders, Museum Kunsthaus Baselland, Basel, Switzerland. Shaun Gladwell est présenté aux Sherman Galleries, Sydney.

The film "Making of" takes work as a topic into focus, showing the various working areas of a contemporary art museum with all those activities which usually remain invisible for visitors. Shot from the perspective of a small filmcrew different kind of workflows are documented as well as the preparation for an upcoming exhibition, while the crew itself is constantly observed in their efforts to create this film. Director, cameraman and sound operator move through all areas of the The State Gallery in Linz in an almost performative way. The ongoing visible presence of the camera raises questions about the relationship between the documented actions, their authenticity and manipulation. The depicted reality becomes visible as part of a media construction.

Alexander Glandien was born in 1982 in Schwerin (Germany) and he works as an artist in Vienna. Since 2009 he is artistic and scientific assistant at the Art University Linz. After his studies at the University of Wismar he attended studio grants in Indonesia, Italy, the Netherlands and Spain. His works have been awarded with the Talent Award of Upper Austriaand the Klemens Brosch prize and they are part oft the art collections of the federal government of Austria, the province of Upper Austria, the contemporary art collection of the City of Vienna and the Albertina in Vienna. He has had numerous exhibitions, most recently at the State Gallery Linz, Galerie 5020 in Salzburg, at Kadmium Art Centre in Delft, at the Moscow Museum of Modern Art and at the Albuquerque Museum of Art and History.

"Air Wave", une courte vidéo et essai sonique, présente de manière simple et élégante les sujets suivants : la lenteur de la vie quotidienne dans certaines régions parmi les plus reculées du monde, mais aussi la soif d´informations de l´autre partie du monde - la partie connectée, le monde global. La pertinence du propos est durement renforcée par le fait que le sujet sur les informations soudanaises parle en partie de l´Irak (les distortions sonores le rendent accessible aux non-arabophones). Les prises de vue ont été réalisées au Tchad dans la région de Waddai et N´Djamena. L´artiste y était en tant qu´assistant pour un documentaire sur le problème des réfugiés du Darfour. "Air Waves", une des nombreuses vidéos d´artistes qui s´intéresse à des sujets concrets de la culture, est distribué par "Art for People"

D?emblée, on est époustouflé par tant de beauté : un paysage, un arbre, des promeneurs, une aria et une jeune fille à bicyclette. Peu après, un bus traverse la nuit en silence, comme dans un flottement ; on imagine un transport de prisonniers pendant la guerre en Yougoslavie ? trace mystérieuse qui se perd dans l?obscurité. Il s?agit ici de l?origine du XXIe siècle, une ?uvre de commande réalisée en 2000 pour l?ouverture du Festival de Cannes ? une tentative, comme il dit. « J?ai essayé de couvrir le souvenir des terribles explosions et crimes en tout genre des hommes par le visage des enfants et les larmes et les sourires des femmes. » Bien sûr, la tentative devait échouer, car dans cette rétrospective, il n?y a aucun remède contre les horreurs du siècle écoulé. Godard passe le XXe siècle en revue, dans le sens inverse ; ses courants majeurs sont constitués d?armées et de réfugiés, de canonnades et de prisonniers, de trains de marchandises et de montagnes de cadavres, de conquêtes et d?occupations, d?avilissement et de torture. Et quand une scène part à la recherche d?un siècle perdu, il ne s?agit pas de retrouver la douceur du souvenir mais une époque qui est perdue parce que ravagée par la violence et les guerres. L?autre scène, « Les plus belles années de notre vie » (d?après le film de William Wyler, The best years of our lives), n?est plus qu?humour macabre. Le XXe siècle, « pour moi » ? rajoute-t-il en guise d?excuse ?, est ornement et masse ; ce sont des destins isolés, noyés dans les grands courants, à moins qu?ils ne trouvent leur territoire dans une quelconque histoire qui est à la fois protection et consolation : « Il faut bien que tu comprennes que les hommes, pris en masse, jouent toujours le jeu de quelqu?un d?autre... jamais le leur. » Dans ces 17 minutes de malstrom, il est presque impossible d?identifier l?origine des images ? et c?est peut-être mieux ainsi. Celui qui vient de reconnaître dans le passage avec le petit garçon et sa voiture à pédales l?hôtel Overlook de The Shining va se demander l?instant d?après d?où vient l?autre passage, celui qui longe les cadavres gelés sur des rails couverts de neige. Les mouvements s?enchaînent, mais la juxtaposition est moins futile qu?elle ne paraît ; elle en appelle plutôt, comme un défi, à ne pas oublier les horreurs réelles par-delà les horreurs fictives. Et, inversement, de ne pas sous-estimer le cinéma, lorsqu?il s?agit de sonder et capter les courants invisibles d?une époque. Soudain, Jerry Lewis, en Nutty Professor torturé par sa métamorphose, semble offrir le commentaire adapté à un siècle qui s?est volontiers vu comme Dr Jekyll, mais plus volontiers encore transformé en M. Hyde. Même Jean Seberg ne parvient plus à rester l?observatrice neutre de l?univers de Godard, car son « qu?est-ce que c?est, dégueulasse ? » se retourne contre son temps. Que ce soit 1990, 1975, 1960, 1945, 1930 ou 1915, Godard trouverait le siècle passé tout simplement à vomir si n?étaient ces moments dans lesquels le visage d?un enfant ou le sourire d?une femme couvraient tout le reste. Mais tel qu?il le montre, ce ne sont que des épiphénomènes. « Est-ce que ce n?est pas le bonheur ? » ? « Tout de même, tu m?avoueras que tout cela est bien triste. » ? « Mais, mon cher, le bonheur n?est pas gai. »

Jean-Luc Godard est né à Paris le 3 décembre 1930. Son père, brillant médecin et sa mère, issue d`une très riche famille de banquiers, lui donnent une éducation au milieu des livres. Il fait ses études d`abord à Nyon, en Suisse, puis au lycée Buffon à Paris. Durant toute sa jeunesse, il sera partagé entre la Suisse et la France et par la différence de classe sociale de ses parents (grande bourgeoisie pour sa mère et moyenne bourgeoisie pour son père). En 1949, il suit des cours de lettres et de sciences à la Sorbonne puis prépare un certificat d`ethnologie. Ses études se partagent entre la peinture, la littérature, l`ethnographie et le cinéma (il suit des cours de l`Institut de filmologie de la Sorbonne). Parallèlement, il est très souvent au Ciné-club du Quartier Latin (où il fait la connaissance de Jacques Rivette, d`Eric Rohmer et de François Truffaut et à la Cinémathèque Française. Dès 1950, il écrit dans La Gazette du Cinéma, créée par Jacques Rivette. En 1952, par l`intermédiaire de sa mère qui connaît Jacques Doniol-Valcroze, le fondateur, avec André Bazin, des Cahiers du Cinéma, il écrit pour la première fois dans la revue (n°8 de janvier 1952) sous le pseudonyme de Hans Lucas. Il est alors très proche de Paul Gégauff et d`Eric Rohmer. En 1952, Jean-Luc Godard retourne en Suisse pour éviter le service militaire. Puis, pour éviter également l`enrôlement suisse, il part en Amérique du Sud et en Jamaïque. De retour en Suisse, il travaille à la télévision suisse romande à laquelle il vole de l`argent, ce qui lui vaut un bref séjour en prison puis en asile psychiatrique, sous la surveillance de son père. En 1954, après la mort de sa mère dans un accident de voiture, il réalise son premier court métrage Opération Béton, ayant pour thème la construction du barrage de la Grand-Dixence. Il a alors 24 ans et ce premier film lui permet d`avoir de l`argent devant lui. Ensuite, il enchaîne quatre courts-métrages plus personnels : Le Signe (adapté de Maupassant, réalisé et produit en Suisse par JLG), Une femme coquette (1955, l`histoire d`une femme qui écrit à une amie qu`elle a trompé son mari en séduisant le premier venu), Tous les garçons s`appellent Patrick (1957, l`histoire de deux amies qui rencontrent un coureur de jupons) et Une histoire d`eau (collaboration entre JLG et Truffaut : Truffaut filme les inondations de 1958 et Godard monte et commente). La rencontre du réalisateur avec le producteur Pierre Braunberger a considérablement aidé la naissance de ces courts-métrages. Mais c`est avec Charlotte et son Jules, son quatrième court-métrage de fiction que JLG annonce le style d`A bout de souffle, tant au niveau de l`image, du lieu (l`étroite chambre de l`hôtel de Suède) ou des personnages (la jeune fille détachée et le jeune homme amoureux trahi). Parallèlement à ces courts-métrages, JLG fait l`acteur pour ses amis : Eric Rohmer dans Charlotte et son steak (1953), Jacques Rivette dans Paris nous appartient (1958)? En 1960, après le tournage d`A bout de souffle (qu`il a pu tourner grâce aux signatures de Truffaut - à l`origine du scénario - et de Chabrol, et qui devient la figure de proue de la Nouvelle Vague), il épouse Anna Karina qui sera l`égérie de ses films suivants (Une femme est une femme, Vivre sa vie, Le Petit soldat?). Avec elle, en 1964, il fonde sa propre maison de production, Anouchka Films. Peu après le tournage de Pierrot le fou en 1965, ils divorcent. En 1966, pour la dernière fois dans un film de Godard, Anna Karina apparaît dans Anticipation (épisode du Plus vieux métier du monde), fable futuriste dans laquelle, à la fin, l`actrice lance à la caméra un regard d`adieu des plus émouvants. En 1967, Jean-Luc Godard tourne La Chinoise avec Anne Wiazemsky (petite fille de François Mauriac que l`on a déjà vu jouer dans Au hasard Balthazar de Robert Bresson). Il se marient à Paris la même année. Toujours en 1967, il participe à un travail collectif, Loin du Vietnam, pour lequel il part dans la partie nord du Vietnam. En 1968, il collabore pour la première fois avec la télévision pour tourner Le Gai Savoir qui sera refusé d`antenne, les commanditaires n`approuvant finalement pas le film du cinéaste. Après avoir manifesté son désaccord avec le limogeage d`Henri Langlois, alors directeur de la Cinémathèque Française, il fonde le groupe Dziga Vertov avec Jean-Pierre Gorin, Gérard Martin, Nathalie Billard et Armand Marco, militants marxistes-léninistes. Dans la mouvance des événements de mai 68, le groupe se consacre pendant plusieurs années à un cinéma politique aux revendications sociales exacerbées. Les années politiques de Godard durent jusqu`en 1972. Dès 1973, il commence à travailler avec Anne-Marie Miéville qui devient sa compagne. Pendant six ans, tous deux réalisent plusieurs films (dont beaucoup en vidéos) : Ici et ailleurs, Numéro deux, Six fois deux?. Cette période est marquée par une interrogation omniprésente sur le rapport entre les images et leur sujet et s`apparente finalement à des sortes de documentaires mis en scène. En 1979, il revient au " vrai " cinéma : il commence par travailler sur un projet qui ne verra jamais le jour avec Diane Keaton et Robert de Niro. Son réel retour se fait avec Sauve qui peut la vie, film tourné en 35 mm et dont le scénario a été écrit en collaboration avec Anne-Marie Miéville et Jean-Claude Carrière. Après le tournage de Passion, Jean-Luc Godard entreprend celui de Prénom Carmen. Isabelle Adjani, qui devait au départ interpréter le rôle de Carmen (finalement pris par Maruschka Detmers), quitte le plateau au bout de quelques jours. En 1984, afin de pouvoir terminer le difficile tournage de Je vous salue Marie, JLG accepte un film de commande. C`est Détective, avec Johnny Hallyday, Nathalie Baye et Claude Brasseur, film qu`il présente à Cannes où il reçoit une désormais fameuse tarte à la crème. Ensuite, entre quelques travails vidéos (dont, en vrac, Grandeur et Décadence d`un petit commerce de cinéma, hommage au septième art, On s`est tous défilés, vidéos sur les défilés de Marithé et François Girbaud, Le dernier mot, tourné pour les dix ans du Figaro Magazine) JLG tourne plusieurs longs-métrages remarqués, de Soigne ta droite à Nouvelle Vague en passant par Hélas pour moi et For ever Mozart. Parallèlement, il entreprend un ouvrage de taille : la conception d`un documentaire gigantesque visant à retracer la grande épopée du cinéma. C`est Histoire(s) du Cinéma qu`il réalise en 1998 (mais dont les deux premiers volets datent de 1988) et pour lesquelles il compile moult images de films et d`archives qu`il monte et commente. Ce document lui vaut un César d`honneur lors de la cérémonie de 1998. Cette année, c`est avec Eloge de l`amour qu`il revient au cinéma à proprement parler (après cinq ans d`absence dans les salles) et au Festival de Cannes, après avoir été nominé pour Sauve qui peut la vie (1979), Passion (1982), Détective (1985), Aria (1987, film collectif) et Nouvelle Vague (1990).

Ce qu?il dit dans Je vous salue, Sarajevo vaut toujours : « Il y a la culture qui est de la règle, il y a l?exception qui est de l?art. » À titre d?exemples, il cite Flaubert et Dostoïevski, Gershwin et Mozart, Cézanne et Vermeer, Antonioni et Vigo. Mais avant que l?on se demande s?il invoque le consensus culturel ou ses saints patrons, il passe en détail une photo de la guerre en Yougoslavie et énumère : Srebrenica, Mostar, Sarajevo. « Il est de la règle de vouloir la mort de l?exception. Il sera donc de la règle de l?Europe de la culture d?organiser la mort de l?art de vivre qui fleurit encore. » Puis on voit la photo dans son ensemble : deux soldats patrouillent, l?un debout sur trois passants couchés à même le sol, la tête dans les bras ; il a une cigarette à la main et, dans un mouvement de la jambe, s?apprête à donner un coup à l?une des femmes par terre. On voit bien que lui aussi a de bonnes raisons de ne se faire aucune illusion sur ce que nous appelons la culture. Toutes ses réalisations tardives portent d?ailleurs en elles le rude constat que l?Europe n?a pas retenu grand-chose d?un siècle de guerres pour se lancer ainsi, sans réfléchir, dans une nouvelle guerre. Rien que pour cela, ces films sont à tout point de vue des travaux contre l?oubli. Michael Althen Traduction : Martine Passelaigue

Jean-Luc Godard est né à Paris le 3 décembre 1930. Son père, brillant médecin et sa mère, issue d`une très riche famille de banquiers, lui donnent une éducation au milieu des livres. Il fait ses études d`abord à Nyon, en Suisse, puis au lycée Buffon à Paris. Durant toute sa jeunesse, il sera partagé entre la Suisse et la France et par la différence de classe sociale de ses parents (grande bourgeoisie pour sa mère et moyenne bourgeoisie pour son père). En 1949, il suit des cours de lettres et de sciences à la Sorbonne puis prépare un certificat d`ethnologie. Ses études se partagent entre la peinture, la littérature, l`ethnographie et le cinéma (il suit des cours de l`Institut de filmologie de la Sorbonne). Parallèlement, il est très souvent au Ciné-club du Quartier Latin (où il fait la connaissance de Jacques Rivette, d`Eric Rohmer et de François Truffaut et à la Cinémathèque Française. Dès 1950, il écrit dans La Gazette du Cinéma, créée par Jacques Rivette. En 1952, par l`intermédiaire de sa mère qui connaît Jacques Doniol-Valcroze, le fondateur, avec André Bazin, des Cahiers du Cinéma, il écrit pour la première fois dans la revue (n°8 de janvier 1952) sous le pseudonyme de Hans Lucas. Il est alors très proche de Paul Gégauff et d`Eric Rohmer. En 1952, Jean-Luc Godard retourne en Suisse pour éviter le service militaire. Puis, pour éviter également l`enrôlement suisse, il part en Amérique du Sud et en Jamaïque. De retour en Suisse, il travaille à la télévision suisse romande à laquelle il vole de l`argent, ce qui lui vaut un bref séjour en prison puis en asile psychiatrique, sous la surveillance de son père. En 1954, après la mort de sa mère dans un accident de voiture, il réalise son premier court métrage Opération Béton, ayant pour thème la construction du barrage de la Grand-Dixence. Il a alors 24 ans et ce premier film lui permet d`avoir de l`argent devant lui. Ensuite, il enchaîne quatre courts-métrages plus personnels : Le Signe (adapté de Maupassant, réalisé et produit en Suisse par JLG), Une femme coquette (1955, l`histoire d`une femme qui écrit à une amie qu`elle a trompé son mari en séduisant le premier venu), Tous les garçons s`appellent Patrick (1957, l`histoire de deux amies qui rencontrent un coureur de jupons) et Une histoire d`eau (collaboration entre JLG et Truffaut : Truffaut filme les inondations de 1958 et Godard monte et commente). La rencontre du réalisateur avec le producteur Pierre Braunberger a considérablement aidé la naissance de ces courts-métrages. Mais c`est avec Charlotte et son Jules, son quatrième court-métrage de fiction que JLG annonce le style d`A bout de souffle, tant au niveau de l`image, du lieu (l`étroite chambre de l`hôtel de Suède) ou des personnages (la jeune fille détachée et le jeune homme amoureux trahi). Parallèlement à ces courts-métrages, JLG fait l`acteur pour ses amis : Eric Rohmer dans Charlotte et son steak (1953), Jacques Rivette dans Paris nous appartient (1958)? En 1960, après le tournage d`A bout de souffle (qu`il a pu tourner grâce aux signatures de Truffaut - à l`origine du scénario - et de Chabrol, et qui devient la figure de proue de la Nouvelle Vague), il épouse Anna Karina qui sera l`égérie de ses films suivants (Une femme est une femme, Vivre sa vie, Le Petit soldat?). Avec elle, en 1964, il fonde sa propre maison de production, Anouchka Films. Peu après le tournage de Pierrot le fou en 1965, ils divorcent. En 1966, pour la dernière fois dans un film de Godard, Anna Karina apparaît dans Anticipation (épisode du Plus vieux métier du monde), fable futuriste dans laquelle, à la fin, l`actrice lance à la caméra un regard d`adieu des plus émouvants. En 1967, Jean-Luc Godard tourne La Chinoise avec Anne Wiazemsky (petite fille de François Mauriac que l`on a déjà vu jouer dans Au hasard Balthazar de Robert Bresson). Il se marient à Paris la même année. Toujours en 1967, il participe à un travail collectif, Loin du Vietnam, pour lequel il part dans la partie nord du Vietnam. En 1968, il collabore pour la première fois avec la télévision pour tourner Le Gai Savoir qui sera refusé d`antenne, les commanditaires n`approuvant finalement pas le film du cinéaste. Après avoir manifesté son désaccord avec le limogeage d`Henri Langlois, alors directeur de la Cinémathèque Française, il fonde le groupe Dziga Vertov avec Jean-Pierre Gorin, Gérard Martin, Nathalie Billard et Armand Marco, militants marxistes-léninistes. Dans la mouvance des événements de mai 68, le groupe se consacre pendant plusieurs années à un cinéma politique aux revendications sociales exacerbées. Les années politiques de Godard durent jusqu`en 1972. Dès 1973, il commence à travailler avec Anne-Marie Miéville qui devient sa compagne. Pendant six ans, tous deux réalisent plusieurs films (dont beaucoup en vidéos) : Ici et ailleurs, Numéro deux, Six fois deux?. Cette période est marquée par une interrogation omniprésente sur le rapport entre les images et leur sujet et s`apparente finalement à des sortes de documentaires mis en scène. En 1979, il revient au " vrai " cinéma : il commence par travailler sur un projet qui ne verra jamais le jour avec Diane Keaton et Robert de Niro. Son réel retour se fait avec Sauve qui peut la vie, film tourné en 35 mm et dont le scénario a été écrit en collaboration avec Anne-Marie Miéville et Jean-Claude Carrière. Après le tournage de Passion, Jean-Luc Godard entreprend celui de Prénom Carmen. Isabelle Adjani, qui devait au départ interpréter le rôle de Carmen (finalement pris par Maruschka Detmers), quitte le plateau au bout de quelques jours. En 1984, afin de pouvoir terminer le difficile tournage de Je vous salue Marie, JLG accepte un film de commande. C`est Détective, avec Johnny Hallyday, Nathalie Baye et Claude Brasseur, film qu`il présente à Cannes où il reçoit une désormais fameuse tarte à la crème. Ensuite, entre quelques travails vidéos (dont, en vrac, Grandeur et Décadence d`un petit commerce de cinéma, hommage au septième art, On s`est tous défilés, vidéos sur les défilés de Marithé et François Girbaud, Le dernier mot, tourné pour les dix ans du Figaro Magazine) JLG tourne plusieurs longs-métrages remarqués, de Soigne ta droite à Nouvelle Vague en passant par Hélas pour moi et For ever Mozart. Parallèlement, il entreprend un ouvrage de taille : la conception d`un documentaire gigantesque visant à retracer la grande épopée du cinéma. C`est Histoire(s) du Cinéma qu`il réalise en 1998 (mais dont les deux premiers volets datent de 1988) et pour lesquelles il compile moult images de films et d`archives qu`il monte et commente. Ce document lui vaut un César d`honneur lors de la cérémonie de 1998. Cette année, c`est avec Eloge de l`amour qu`il revient au cinéma à proprement parler (après cinq ans d`absence dans les salles) et au Festival de Cannes, après avoir été nominé pour Sauve qui peut la vie (1979), Passion (1982), Détective (1985), Aria (1987, film collectif) et Nouvelle Vague (1990).

Cette ?uvre de commande pour l?Expo Suisse 2002 est, à bien des égards, la réalisation la plus insouciante, bien qu?elle commence sur le 11 septembre. De nouveau se pose la question : qu?est-ce qu?est la réalité, qui impose son interprétation ? On assiste à un joyeux va-et-vient de trains le long du lac Léman, entrecoupé par des peintures et l?histoire du peintre Aimé Pache, qui partit pour Paris et revint dans le Vaudois dans les années 1960 pour achever un grand tableau. Là aussi, il y a un de ces moments dont la beauté époustouflant ; par exemple, quand dans un dialogue entre les narrateurs Jean-Pierre Gos et Geneviève Pasquier, on entend soudain : « Il décide de revenir au pays. Elle accepte. Elle pose la tête sur son épaule parce que l?amour est lourd à porter. C?est une fille avec un garçon. » Ces quatre ?uvres sont des symphonies d?images, de citations, de sons et de bandes sonores. C?est comme si le cinéma lui-même nous parlait, en frère de tous les autres arts, s?entretenant aimablement avec la peinture, la littérature, la musique. Par moments, on dirait que quelqu?un ici essaie de penser avec la rétine. « Une forme qui pense », comme le suggèrent ses Histoire(s) du Cinéma : de fait, on a constamment l?impression que Godard incite les formes elles-mêmes à penser. Sans pour autant que la tâche soit facile, ni pour lui ni pour ses spectateurs. Mais qu?il se le permette donc, car le cinéma, après tout, se rend et nous rend bien trop souvent la tâche bien trop facile.

Jean-Luc Godard est né à Paris le 3 décembre 1930. Son père, brillant médecin et sa mère, issue d`une très riche famille de banquiers, lui donnent une éducation au milieu des livres. Il fait ses études d`abord à Nyon, en Suisse, puis au lycée Buffon à Paris. Durant toute sa jeunesse, il sera partagé entre la Suisse et la France et par la différence de classe sociale de ses parents (grande bourgeoisie pour sa mère et moyenne bourgeoisie pour son père). En 1949, il suit des cours de lettres et de sciences à la Sorbonne puis prépare un certificat d`ethnologie. Ses études se partagent entre la peinture, la littérature, l`ethnographie et le cinéma (il suit des cours de l`Institut de filmologie de la Sorbonne). Parallèlement, il est très souvent au Ciné-club du Quartier Latin (où il fait la connaissance de Jacques Rivette, d`Eric Rohmer et de François Truffaut et à la Cinémathèque Française. Dès 1950, il écrit dans La Gazette du Cinéma, créée par Jacques Rivette. En 1952, par l`intermédiaire de sa mère qui connaît Jacques Doniol-Valcroze, le fondateur, avec André Bazin, des Cahiers du Cinéma, il écrit pour la première fois dans la revue (n°8 de janvier 1952) sous le pseudonyme de Hans Lucas. Il est alors très proche de Paul Gégauff et d`Eric Rohmer. En 1952, Jean-Luc Godard retourne en Suisse pour éviter le service militaire. Puis, pour éviter également l`enrôlement suisse, il part en Amérique du Sud et en Jamaïque. De retour en Suisse, il travaille à la télévision suisse romande à laquelle il vole de l`argent, ce qui lui vaut un bref séjour en prison puis en asile psychiatrique, sous la surveillance de son père. En 1954, après la mort de sa mère dans un accident de voiture, il réalise son premier court métrage Opération Béton, ayant pour thème la construction du barrage de la Grand-Dixence. Il a alors 24 ans et ce premier film lui permet d`avoir de l`argent devant lui. Ensuite, il enchaîne quatre courts-métrages plus personnels : Le Signe (adapté de Maupassant, réalisé et produit en Suisse par JLG), Une femme coquette (1955, l`histoire d`une femme qui écrit à une amie qu`elle a trompé son mari en séduisant le premier venu), Tous les garçons s`appellent Patrick (1957, l`histoire de deux amies qui rencontrent un coureur de jupons) et Une histoire d`eau (collaboration entre JLG et Truffaut : Truffaut filme les inondations de 1958 et Godard monte et commente). La rencontre du réalisateur avec le producteur Pierre Braunberger a considérablement aidé la naissance de ces courts-métrages. Mais c`est avec Charlotte et son Jules, son quatrième court-métrage de fiction que JLG annonce le style d`A bout de souffle, tant au niveau de l`image, du lieu (l`étroite chambre de l`hôtel de Suède) ou des personnages (la jeune fille détachée et le jeune homme amoureux trahi). Parallèlement à ces courts-métrages, JLG fait l`acteur pour ses amis : Eric Rohmer dans Charlotte et son steak (1953), Jacques Rivette dans Paris nous appartient (1958)? En 1960, après le tournage d`A bout de souffle (qu`il a pu tourner grâce aux signatures de Truffaut - à l`origine du scénario - et de Chabrol, et qui devient la figure de proue de la Nouvelle Vague), il épouse Anna Karina qui sera l`égérie de ses films suivants (Une femme est une femme, Vivre sa vie, Le Petit soldat?). Avec elle, en 1964, il fonde sa propre maison de production, Anouchka Films. Peu après le tournage de Pierrot le fou en 1965, ils divorcent. En 1966, pour la dernière fois dans un film de Godard, Anna Karina apparaît dans Anticipation (épisode du Plus vieux métier du monde), fable futuriste dans laquelle, à la fin, l`actrice lance à la caméra un regard d`adieu des plus émouvants. En 1967, Jean-Luc Godard tourne La Chinoise avec Anne Wiazemsky (petite fille de François Mauriac que l`on a déjà vu jouer dans Au hasard Balthazar de Robert Bresson). Il se marient à Paris la même année. Toujours en 1967, il participe à un travail collectif, Loin du Vietnam, pour lequel il part dans la partie nord du Vietnam. En 1968, il collabore pour la première fois avec la télévision pour tourner Le Gai Savoir qui sera refusé d`antenne, les commanditaires n`approuvant finalement pas le film du cinéaste. Après avoir manifesté son désaccord avec le limogeage d`Henri Langlois, alors directeur de la Cinémathèque Française, il fonde le groupe Dziga Vertov avec Jean-Pierre Gorin, Gérard Martin, Nathalie Billard et Armand Marco, militants marxistes-léninistes. Dans la mouvance des événements de mai 68, le groupe se consacre pendant plusieurs années à un cinéma politique aux revendications sociales exacerbées. Les années politiques de Godard durent jusqu`en 1972. Dès 1973, il commence à travailler avec Anne-Marie Miéville qui devient sa compagne. Pendant six ans, tous deux réalisent plusieurs films (dont beaucoup en vidéos) : Ici et ailleurs, Numéro deux, Six fois deux?. Cette période est marquée par une interrogation omniprésente sur le rapport entre les images et leur sujet et s`apparente finalement à des sortes de documentaires mis en scène. En 1979, il revient au " vrai " cinéma : il commence par travailler sur un projet qui ne verra jamais le jour avec Diane Keaton et Robert de Niro. Son réel retour se fait avec Sauve qui peut la vie, film tourné en 35 mm et dont le scénario a été écrit en collaboration avec Anne-Marie Miéville et Jean-Claude Carrière. Après le tournage de Passion, Jean-Luc Godard entreprend celui de Prénom Carmen. Isabelle Adjani, qui devait au départ interpréter le rôle de Carmen (finalement pris par Maruschka Detmers), quitte le plateau au bout de quelques jours. En 1984, afin de pouvoir terminer le difficile tournage de Je vous salue Marie, JLG accepte un film de commande. C`est Détective, avec Johnny Hallyday, Nathalie Baye et Claude Brasseur, film qu`il présente à Cannes où il reçoit une désormais fameuse tarte à la crème. Ensuite, entre quelques travails vidéos (dont, en vrac, Grandeur et Décadence d`un petit commerce de cinéma, hommage au septième art, On s`est tous défilés, vidéos sur les défilés de Marithé et François Girbaud, Le dernier mot, tourné pour les dix ans du Figaro Magazine) JLG tourne plusieurs longs-métrages remarqués, de Soigne ta droite à Nouvelle Vague en passant par Hélas pour moi et For ever Mozart. Parallèlement, il entreprend un ouvrage de taille : la conception d`un documentaire gigantesque visant à retracer la grande épopée du cinéma. C`est Histoire(s) du Cinéma qu`il réalise en 1998 (mais dont les deux premiers volets datent de 1988) et pour lesquelles il compile moult images de films et d`archives qu`il monte et commente. Ce document lui vaut un César d`honneur lors de la cérémonie de 1998. Cette année, c`est avec Eloge de l`amour qu`il revient au cinéma à proprement parler (après cinq ans d`absence dans les salles) et au Festival de Cannes, après avoir été nominé pour Sauve qui peut la vie (1979), Passion (1982), Détective (1985), Aria (1987, film collectif) et Nouvelle Vague (1990).