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Sixteen years after the war, in the main square of Zagreb several thousand people gathered to watch a live broadcast of the verdict to Croatian generals. Through a series of close-ups, the film documents the eruption of emotions caused by the verdict.

Đuro Gavran (Bjelovar - Croatia, 1982.) Đuro Gavran was born in 1982 in Bjelovar. He graduated from the Academy of Dramatic Arts in Zagreb MA film and television directing. He graduated also from the Faculty of Graphic Arts at the University of Zagreb. He is the author of five documentary features (Bojan; Kelts; We Wanted Workers and All We Got Were People; The Big Day; The Verdict) and two experimental films (Glassballetdancer and Our Beautiful Homeland). As a cinematographer he worked on documentary films Above average (dir. Igor Bezinović; Restart prod, 2008), Irreversible (dir. Igor Bezinović, Restart, 2009) and The Blockage (dir. Igor Bezinović, Factum and Restart, 2012). In addition to film, he is involved in other forms of visual art (photography, graphics and installations). He has held three individual and about thirty collaborative national and international exhibitions. Since 2008 he is a member of ULUPUH (Croatian Association of Artists in Applied Arts), multimedia department. Together with Miljenka Čogelja and Boris Vido?ević, in 2012 he started Pipser d.o.o., a film production company and a design studio.

When spending a lot of time at home in isolation, the walls begin to move. The sense of time fades, the days pass quietly, everything seems to repeat itself endlessly. Spaces, conversations, visual impressions and sounds merge and make everything seem like a long dream.

Nicolas Gebbe was born in London in 1986. He currently lives and works in Frankfurt am Main / Germany as a 3D artist, filmmaker and sound designer. 2018 he receives his art diploma at Hochschule für Gestaltung Offenbach with a film major. He focuses on experimental 3D animation and hybrid film formats. Since graduation, his animated short films have been screened on a variety of festivals such as Locarno Film Festival, Festival du Nouveau Cinèma Montreal and Ann Arbor Film Festival.

The construction of the controversial Three Gorges Dam on the Chinese Yangtze River has been completed in 2009. In the context of a general research on the landscape as a bearer of meaning Pieter Geenen explores the ?sunken? universe of the flooded Three Gorges Reservoir behind the dam in his video `atlantis`.

Pieter Geenen (°1979) lives and works in Brussels, Belgium. After his Master Photography he studied at Transmedia Postgraduate Program in Brussels. In his audio and video works he examines the landscape as a bearer of meaning, the way landscape and man relate to each other, and how we experience time and space via the landscape. His work has been presented, amongst others, at the International Film Festival Rotterdam (NL), Argos (Brussels, BE), MuHKA_media (Antwerp, BE), Azad Art Gallery (Tehran), Art Rotterdam (NL), All Art Now International Video Art Festival (Damascus, SY), Images Festival (Toronto, CA), EMAF (Osnabrück, DE), Media City Festival (Windsor, CA) and at the Venice Biennial.

The video work by Ugnius Gelguda titled A Paradise Tree documents the rise of a new neighbourhood of artists in Vilnius, Lithuania, which is often artificially compared to the New York?s SoHo. A Paradise Tree explores the boundaries of documentary and tells about the first forced steps of a new urban community. The story is ?told? through a hypertext link with the less known video work A Walk by Jonas Mekas created in 1990. During this one hour walk across the rainy SoHo neighbourhood, Mekas gives an intimate and chaotic recital of neighbourhood creation, tells about the first tree planted in the then industrial area by himself and his colleague Machiunas, and notes the transformation of SoHo streets and their inhabitants. Ugnius Gelguda?s video work revisits a community sustained by the relationship of an urban space and a uniting idea, and the inevitable change of this relationship under the influence of time and strong commercial mechanisms. The video camera slowly follows the shapes of lofts that are being set up on Shevchenkos Street as well as the carcass of a former factory which still exists but has already changed its function, combining the views of rough and dull buildings with the hopes of future settlers and thus transplanting real spaces into a fictional or potential story.

Ugnius Gelguda (born 1977, Vilnius) was granted a degree of art licentiate by Vilnius Art Academy in 2010, but he has been active in exhibitions since 2000. He has participated in many shows in Lithuania (Lithuanian Art 2000?2010: Ten Years, Contemporary Art Centre, Vilnius, 2010; ARTscape: Italy, Vartai gallery, Vilnius, 2009; Lithuanian Art 08. Photography, Contemporary Art Centre, Vilnius, 2008, etc.) and other countries (Gender check, Zachęta National Gallery of Art, Warsaw, 2010; Three, Fotohof gallery, Salzburg, Austria, 2010; Gender check, MUMOK, Vienna Kunsthalle, Vienna, 2009; Prague biennale 3, Baltic Mythologies programme, Prague, Czech Republic, 2007, etc.) He has received various awards and recognitions: two awards from the Ministry of Culture of the Republic of Lithuania ? one for the audiovisual installation Zalgiris in 2010 and one for the Best Professional Artist?s Debut Award in 2006, Moscow International Art Festival Prize in 2007 for the installation ?Zalgiris?. Since 2000, Ugnius Gelguda is successfully working as an individual artist and collaborating with other artists in various interdisciplinary projects. Photography and video is the primary media that Ugnius Gelguda uses to express his ideas; however his artistic portfolio audio-visual installations as well.

Punctuated Vasarely paintings could not be more perfect for a cover of a candy box on a coffee table. Rasters stand for poppy-seeds. ?Patterns? is a 10 min. film from the perspective of patterns telling about the search, appropriation and translocation of various patterns and fonts by artists that worked in the first Experimental Bureau of Artistic Construction in Soviet Union. In 1964, the first Experimental Office of Artistic Construction in Soviet Union was established in Vilnius, Lithuania, and worked until the collapse of the Communist regime in 1991. Photographers, graphic designers, artists and printing-house worked under one roof creating logos and graphic design for different parts of the Union. The artists (unconsciously) appropriated works of other artists in West in order to use parts of the ornaments and patterns they liked for the applied graphic design they created. The project tells this social life of the patterns ? their appropriation and displacement from the Western high art to applied arts in Soviet Union. Fragments of op-art painting by Vasarely became patterns for candy boxes, and entire meaningful texts were deconstructed and re-constructed enjoying only the formal beauty of a linear character. However, the constant search of patterns in the film flips ? the ornaments and underlying geometric shapes start to haunt the viewer eventually taking over the film itself. Artist looking for patterns: Juozapas Antanas Gelguda

Ugnius Gelguda and Neringa Cerniauskaite started collaborating in 2009. They are represented by gallery VARTAI, Vilnius. Since their first project, the artists have been interested in visual memory and how it can be manipulated through usage of certain mediums. Their latest works include 16 mm films, photo slides, neon objects, vinyl, and are strongly influenced by material history and language of cinema. Both artists are based in Vilnius and Brooklyn, New York. Ugnius Gelguda?s (born 1977, Lithuania) artistic portfolio includes photography, time-based media art projects. Neringa Cerniauskaite (born 1984, Lithuania) is an art critic, curator, editor. She contributes texts for Lithuanian cultural press, exhibitions? catalogues and international magazines (Flash Art, Mousse Magazine, Parkett, ARTMargins.com, MAP). She is a M.A. candidate, 2014, at Bard College Center for Curatorial Studies, NY. Artists will present their latest solo projects at NADA NEW YORK 2014, ART BRUSSELS 2014, Contemporary Art Centre (CAC, Vilnius), Contemporary Art Centre kim? (Riga).

Un petit documentaire sur des gens qui dansent dehors, recrutés au début sur la scène d?une fête dans le Yorkshire. Le film regarde comment les participants se situent vis-à-vis de la danse, de la législation anti-danse et de la danse comme type d?expression corporelle.

Susannah Gent a étudié le film et la production télévisée à la Nothern Media School avant d?écrire et de diriger une série de film à récompense et plus récemment, un film en collaboration titré JELLY DOLLE (qui a gagné le prix du meilleur film au Britspotting, British Council showcase for new British & Irish film, Berlin 2004).

L?IMPOSSIBLE ? Pages Arrachées ? Placé sous les auspices de Rimbaud, Lautréamont, Dostoievski et Benjamin, ce film s`attache à témoigner des politiques iniques qui façonnent notre temps, du caractère "infernal" de certaines vies politiques (celles des migrants/des immigrés, des travailleurs, des chômeurs, des étudiants...). Il opère, minoritaire, une stase critique des réalités mythiques et majoritaires : vie nue, état d?exception?; et travaille au corps la question de la révolte et de l`insurrection: débordement, désidentification, reconfiguration indécidable... Se donnent ainsi à voir, par renversement dialectique, des "hors-lieux" inassimilables: des corps-impossible. I. NIGGERS WOOD (Je brûle comme il faut !) 2009, Super 8, Noir et Blanc et Couleur, 15 mn, prod : Noir Production. Calais, ville désolée. Blancheur de la neige qui recouvre la ville. Ombres noires et tutélaires, croix et Beffroi, qui la dominent. Feux écarlates qui l?enveloppent et la brûlent. Figures et visages de personnes qui re-viennent de loin. Migrants. Parias. Variation sur des paysages et vies politiques calcinés et infernaux : les corps-nègres. II. BALLAD FOR A CHILD (On ne te tueras pas plus que si tu étais cadavre) 2009, Super 8, Couleur, 26 mn, prod : Noir Production. Calais, ville désolée. Invocation : Dans un petit bois, la « jungle », un jeune homme qui vient de loin, d?un moyen-orient en guerre, est mort assassiné. C?était en Décembre 2008. Et c?est un monde entier, politique, à qui l?on fera rendre l?âme, qui rend l?âme. Evocation : Un jeune homme passe qui vient de loin. Et ses paroles, traces et survivances, comme un chant, viennent de plus loin encore: des gouffres, de la mer et des déserts, de l`oubli, des lisières infinies. Un jeune homme passe qui vient de loin, comme un nouvel Orphée, politique, noir et révolté. Un jeune homme impossible que plus rien ni personne ne saurait désormais arrêter... III JE ME SUIS ARME CONTRE LA JUSTICE (Burn ! Burn ! Burn !) 2009, vidéo, Noir et blanc et Couleur, 43 mn, prod : Noir Production Paris. Manifestation du 19 mars 2009. Fonctionnaires, étudiants, précaires, immigrés sans-papiers, chômeurs, retraités, battent le pavé. Jusqu`à ce que celui-ci brûle, entre rage et colère; et que des voix se délivrent en s`inscrivant dans le temps. Jusqu`à ce que l`Etat réprime, avec violence et arbitraire; et que soient condamnés des corps-innocents. IV LE TEMPS DES ASSASSINS (Fire Music) 2009, vidéo, Noir et blanc et Couleur, 23 mn, prod : Noir Production Paris. Manifestation du 1er Mai 2009. Poursuite, répétition de la geste insurrectionnelle: "Paix aux chaumières, Guerre aux châteaux". Et c`est, après quelques siècles, l`Hôtel de Ville de Paris qui est de nouveau occupé, le Conseil de Paris qui est de nouveau réinvesti par une assemblée révolutionnaire. Invocation: la Commune de Paris. Evocation : le peuple qui vient. Voici le temps, re-venu... V. TU RESTERAS HYENE ETC. (The book of the damned) 2009, 17mm, Noir et Blanc et Couleur, 17 mn, prod : Noir Production. Comme un cercle infernal. Variation sur la traîtrise et le reniement, le crachat du renégat comme médaille, les "fonds de pension" comme devenir, à partir du livre "Lettres à ceux qui sont passés du col Mao au Rotary" de Guy Hocquenghem (Nous rajouterons "... et à la cour Sarkozy..."), et des films de Lionel Soukaz et de/ou avec Guy Hocquenghem. 
Avec la participation de Lionel Soukaz et Tripak.

Sylvain George est un cinéaste et un activiste politique. Après des études en philosophie, il réalise depuis quatre ans des films-essais poétiques, politiques et expérimentaux, sur la thématique de l?immigration notamment. Son travail, influencé par la pensée de Walter Benjamin, placé sous le signe du réveil et de l?émancipation, allie recherche formelle exigeante et engagement politique. Il réalise aussi bien des ciné-tracts radicaux (la série des Contre-feux) au service de collectifs informel ou de sans-papiers, que des films plus personnels, engagés contre les politiques iniques qui traversent et modèlent notre société. Parmi ceux-ci les courts-métrages "No Border (Aspettavo che scendesse la sera)", "N`entre pas sans violence dans la nuit", "Ils nous tueront tous...", et le long-métrage "L`Impossible -Pages Arrachées-". Ses films sont projetés dans les réseaux militants et alternatifs tout comme dans des grands festivals nationaux et internationaux (Cinémathèque française, Musée du Jeu de Paume, Cinémathèque de Copenhague, de Milan...). Il termine actuellement une fresque composée de trois longs-métrage, sur les politiques migratoires en Europe et les mobilisations sociales. « Un travail indispensable, qui porte très haut une certaine idée des droits et des devoirs du cinéma. » Nicole Brenez pour la Cinémathèque Française, 29 février 2008.

Repères #18-39 est une suite de 22 tableaux, réalisés à Toronto et Vancouver, en 2011, au Canada. Chaque séquence propose un paysage architectural auquel est intégré un fragment poétique. La première phase de ce projet, Repères #1-17, a été créée à Montréal en 2011. Une troisième phase, réalisée à Paris en 2012, est en postproduction. À une époque où les traces médiatiques d?un événement se substituent à l?événement lui-même, où l?observation du monde passe par la lunette déformante de l?image, qu?elle soit documentaire ou fictive, le projet Repères s?articule à même ce flou entre la réalité et la fiction afin de proposer une présence poétique là où on ne l?attend pas.

Karoline Georges est née à Montréal en 1970. Après des études de cinéma (Université du Québec à Chicoutimi) et d?histoire de l?art (Université du Québec à Montréal), elle amorce une démarche artistique interdisciplinaire où se rencontrent la vidéo, l?art audio, la photographie, la performance, la littérature et, plus récemment, la modélisation 3D. Elle explore les concepts et les processus de transformation et de sublimation. Elle s?intéresse aux manifestations virtuelles, aux devenirs possibles, au déploiement de la conscience à travers le dédale technologique et à l?accumulation des savoirs. Ses ?uvres littéraires ont été publiées au Canada et en Europe. Elle a performé à de nombreux festivals (Festival Voix d?Amériques; Manifestation internationale d?art de Québec; Festival International de littérature; Montréal en Lumières). Son travail photographique et vidéographique a été présenté lors de multiples événements et expositions (Moving Image Film Festival of Toronto; Biennale Internationale des poètes en Val de Marne; Orange, l?événement d?art actuel; LAB NT2; Québec en toutes lettres; Printemps des poètes de Québec).

Luxor 22.145 [SOUND NOMADS Performance #7] M/hotel performance à Vegas. Luxor: chambre 4455, employés 4000, casino 120 000 mètres carrés, 250 miles de lampes Xenon. Chambres No. 22.145: matelats pliants equipés de capteurs, chaises en mouvement génératices de bruits, des fers à repasser changeant de ton et des lampes clignotantes. Technique: les lampes declenchent des sons et des changeurs de sonorités gràce à des capteurs lumineux, les fers à repasser se changent en platines grâce aux capteurs de pression, des chaises deviennent des instruments VST en mouvement libres par une combinaison de capteurs differents. Les matelats (pliés), les tiroirs (ouverts/fermés), portes de placards, rideaux(en mouvements) et la televison (intensité lumineuse d'une chaine choisie) deviennent un sampleur... Cette performance consiste de sept superstructures essentiellement différentes et de scenari interactifs. Une nuit dans un hotel de luxe devient une nuit de performance. Le projet de Ger Ger, SOUND NOMADS, consiste d'une combinaison d'art sonore, de musique, d'art publique, de performance, d'installations interactives autant que de video. La recherche constante de bruits, de sons et de rhytmes est aussi importante pour SOUND NOMADS que la creation d'aires de jeux avec des capteurs interactifs. Des places entieres, des champs, prairies, des mares et des echantillions de la vie de tous les jours sont instrumentaliseé et joués avec. Les objets environnants sont interconnectés. Des trous d'hommes deviennent des studios d'enregistrement; les baignoirs des caisse de resonance; les gestes de gens des indicateurs de cadence; les lampadaires ou bien les boites-aux-lettres remplacent les chordes des instruments et les touches. Les sons actuels des objets perdent leur sens et sont remplacés par des melodies et des samples ou bien des sons générés. SOUND NOMADS s'essaye à refleter artistiquement des situations de la vie de tous les jours et des impressions spécifiques à l'endroit le plus directement possible; accoustiquement, esthetiquement, et avec respect du contenu. La première performance SOUND NOMADS prit place sur la cote ouest americaine en 2006, suivi par des actions en Allemagne, Italie, France et Espagne en 2007. http://personal.gerger.com/?view=blog&item=961#h2:1 http://www.soundnomads.com

Ger Ger, artiste-média, est né a Vienne, Autriche en 1981, il vit et travaille actuellement a Berlin, Allemagne. Il se sent attiré par l'art et les médias numériques tôt dans sa vie, reçoit son premier prix à l'age de quatorze ans. M.A. en Art Numérique et Design Media Visuel. Il étudie avec Karel Dudesek, Peter Weibel et Tom Fürstner à l'université des Arts Appliqués de Vienne. Il reçoit une bourse en Communication Visuelle avec Joachim Sauter à l'université des Arts de Berlin. Ses travaux ont été présenté en solo ou bien en groupe à Ars Electronica(Linz), Electrohype(Malmö), Open(Londres), File(Sao Paulo/Curitiba City), Mumok(Vienne), Kunst Haus(Dresde) Kunsthalle(Vienne), O.K Centrum(Linz), Diagonale (Graz). Ses prix incluent le Prix Ars Electronica, CYNETart, Rheingold Award et le prix MultimediaArt.

Un personnage énigmatique passe son dernier jour dans la maison qu’elle a conçue et construite. Sa solitude est interrompue par l’arrivée d’anciens amis qui menacent de la submerger sous le poids du passé. Fiction spéculative, E for Eileen est entièrement tourné dans la villa E-1027 d’Eileen Gray — l’un des trois monuments historiques français de l’ère moderne, et le seul édifié par une femme.

Gerard & Kelly sont des artistes visuels et cinéastes dont la pratique interdisciplinaire traverse le film, la performance et l’installation, intégrant chorégraphie, écriture, impression, dessin et sculpture. Basés à Paris depuis 2018, ils sont connus pour des projets conceptuellement rigoureux et fondés sur la recherche, qui interrogent les questions de mémoire et d’histoire, de sexualité et de formation de la subjectivité. Gerard & Kelly collaborent depuis le début des années 2000 pour développer un corpus d’œuvres distinctif qui place le mouvement, le récit et la théorie critique en dialogue direct avec l’architecture et le site. Leurs projets se déploient souvent dans des espaces modernistes emblématiques et ont été présentés dans des institutions majeures en Europe et aux États-Unis. Issus des fermes de l’Ohio et des régions minières de Pennsylvanie, Brennan Gerard et Ryan Kelly se rencontrent à New York et entament une collaboration qui les conduit au Whitney Museum Independent Study Program, où ils sont boursiers Van Lier en 2009-2010, puis à l’Université de Californie à Los Angeles (UCLA), où ils obtiennent tous deux un MFA en 2013, au sein du studio interdisciplinaire dirigé par l’artiste Mary Kelly. Ruins, leur première exposition personnelle dans une institution européenne, a été présentée par le Carré d’Art – Musée d’art contemporain de Nîmes en 2022-2023. Des expositions personnelles et performances ont également été présentées à la Galerie Marian Goodman, Paris (2025), à la Fondation Maeght, Saint-Paul de Vence (2024), au Centre Pompidou, Paris (2023), à la Galerie Marian Goodman, New York (2022), au MAMCO, Genève (2020), au MOCA, Los Angeles (2020), au Festival d’Automne, Paris (2017 et 2019), au Getty Museum, Los Angeles (2019), à Pioneer Works, New York (2018), au Palais de Tokyo, Paris (2016), au New Museum, New York (2014), et à The Kitchen, New York (2014). Ils ont participé à la NGV Triennial 2023 à la National Gallery of Victoria, Melbourne, aux Chicago Architecture Biennials 2023 et 2017, ainsi qu’à la biennale Made in L.A. 2014 au Hammer Museum, Los Angeles. Leur travail a également été présenté dans des expositions collectives au Château La Coste, Le Puy-Sainte-Réparade (2025), à la Collection Lambert, Avignon (2024), à Le Commun, Genève (2024), sur la High Line, New York (2023), au FRAC Franche-Comté, Besançon (2022), et au Solomon R. Guggenheim Museum, New York (2015), entre autres. Gerard & Kelly ont reçu de nombreuses distinctions, dont le VIA Art Fund (2024), le programme Mondes nouveaux du Ministère de la Culture (2023), la Graham Foundation (2014) et Art Matters (2013). Leurs œuvres figurent dans les collections permanentes du Carré d’Art, Nîmes, du FRAC Franche-Comté, Besançon, du Solomon R. Guggenheim Museum, New York, du LACMA – Los Angeles County Museum of Art, du Hammer Museum, Los Angeles, de la National Gallery of Victoria, Melbourne, du Musée Serralves d’art contemporain, Porto, et du Whitney Museum of American Art, New York.

Le projet saVer se compose de 10 vidéos, il se présente sous différentes formes (vidéos, installations interactives, sérigraphies et sculptures) qui sont aussi bien simultanées que discossiées. saVer commence avec la fabrication d`animations courtes dans lesquelles on peut voire des objets disparaître peu à peu (chaussure, ordinateur, chaise, réfrigérateur, crâne animal…). Pour réaliser les séquences animées, une photographie est prise à chaque étape de destruction de l`objet (entre 60 et 900 photographies) qui est découpé ou poncé afin de retirer de la matière. Chaque découpe est un tracé, une façon de dessiner et il en résulte une forme singulière, une invention par laquelle l`objet adopte une silhouette qui était potentiellement en lui: on dit d`ailleurs d`un archéologue qui découvre un site qu`il "l`invente", par la mise au jour d`une figure enfouie. Si ce travail de destruction ne respecte pas un schéma ou un mode d`emploi préétablie, il permet pourtant de voire les traces du mode de conception et de fabrication des objets (coutures, assemblages, solutions techniques et mécaniques, idées et gestes). Le verbe savoir (saVer en espagnol) est le titre de ce projet, verbe double (sa/voir) qui met en lumière le rapport de la connaissance et de la vue.

Simon Gerbaud ( Auxerre, France, 1976) est artiste visuel. 
Après des études théoriques en Arts Appliqués à la Sorbonne, il explore le dessin et l’animation de manière autodidacte en réalisant des courts métrages, des flipbooks et des installations interactives. Il a entre autres participé à des expositions et des festivals au Mexique, en Espagne, en France, en Hollande, en Russie, en Chine et en Iraq. Son court métrage LIBER a reçu plusieurs récompenses: Meilleure animation mexicaine au CutOut Fest (Querretaro, Mexique, 2014) et au festival Animasivo (Mexico DF, 2015); son projet saVer a reçu le Prix de l`oeuvre d`art numérique de l`année de la SCAM (Paris, France, 2015). Il vît et travaille à México depuis 2005.

Un homme essaye de rouler une cigarette.

WERTHER GERMONDARI Né à Rimini (Italie) en 1963. Diplômé en cinéma au Centro Sperimentale di Cinematografia à Rome et en réalisation à l'Université de Bologne ; plasticien et artiste, il a réalisé plusieurs expositions et participe à de nombreuses expositions collectives. Ses oeuvres filmiques et vidéo ont été sélectionnées dans des centaines de festivals (Cannes, Rotterdam, Venise,...) et ont reçu de nombreuses récompenses.

Sci-Fi Liebesessay über drei Menschen, die sich in der Utopie Crystal Palace begegnen und ineinander verlieben. Aber wer in Crystal Palace lebt, muß seine Erinnerungen aufgeben, oder die Stadt wieder verlassen. So geht auf dem Weg zur Hoffnung das Glück verloren.

1979 geboren in Budapest 2001/2008 Studium der Soziologie Fernuni Hagen seit 1999 Studium an der HFF München, Abteilung Dokumentarfilm und Fernsehpublizistik

L?arrêt est un documentaire expérimental sur le suspense et le (dés)équilibre, l?indécision et la chorégraphie de la peur. Tourné dans les Calanques à Marseille avec un groupe de jeunes adultes de La Bricarde, une cité d?habitat social des quartiers nords de la ville réputés sensibles, L?arrêt explore l?incertitude à laquelle nous sommes tous confrontés dans ce no-man?s-land que constitue la période entre l?enfance et l?âge adulte. L?arrêt montre cinq jeunes adultes s?élançant du haut de falaises vertigineuses dans la mer méditerranée vingt mètres en dessous d?eux. Mais le spectacle n?est pas le scénario ou le drame de la chute. Ce sont les moments avant qui sont célébrés : ce mélange de bravoure et de gêne, ce passage entre un regard dur et un sourire un peu trop décontracté, ces vagues de tension et de doute et le combat mené pour les dépasser qui unifie leurs corps en un étrange et beau langage de crainte partagé. Au centre social, le responsable du service jeunesse nous a dit : ?A la Bricarde, les jeunes ont du mal à se projeter?? mais ici au moins, lentement, difficilement mais joyeusement, ils le font.

gethan&myles are a creative partnership lving and working in Marseille since 2011. As an artistic double-act, collaboration is at the heart of everything they do: not only with each other, but also with the spaces in which they work and the people who occupy them. Giving a voice to communities who are misunderstood or ignored, and expressing the richness of their experience underpins many of gethan&myles? projects. Whether working in film, photography, text, sculpture or performance, ?the sublime? is of little interest to them - what inspires them is the real world and the human beings they share it with.

As my grandfather's presence in the country becomes increasingly problematic, my mother gradually decides to never touch a camera again, my father becomes obsessively convinced of his own disappearance, and something almost miraculous happens in 1976 in Montreux: Nina Simone comes back from retirement. In Three Disappearances and a Song, I revisit the family archive, pick up my camera, and film 3 people struggling to find new ways to be: my mother, my father, and myself.

Nadia Ghanem is a filmmaker who lives and works in Cairo. She recently finished her first short film as a director Three Disappearances And A Song (2021) which premiered at the 43rd edition of the Cairo International Film Festival, Images Festival, Cinema Árabe Feminino in Brazil and received the best short film award at Gabes Cinema Fen (Tunisia) as well as the audience and Jury awards for best short film at Manassat Film Festival in Cairo. Nadia is currently working on her first feature Looking for Spiderman which received development awards from A Kiss in the Desert, Rawiyat film collective, Two Stories Production, Dox Box and is part of the Studio Seen program. In parallel to being a filmmaker, Nadia Ghanem curated film programs for the 24th edition of the Videoex festival in Basel and since 2022 is a programmer for the Panorama of the European Film organized by Zawya Arthouse Cinema in Cairo. She also works as a Program Manager at Medrar for Contemporary Art where she coordinated the 10th edition of the Cairo Video Festival.

THERE'S A HOLE IN THE WORLD WHERE YOU USED TO BE est un court métrage sur la mémoire et le deuil. Il part du postulat que le chagrin et les trous noirs sont tous deux si denses et si intenses qu’ils courbent l’espace et le temps autour de leur gravité propre – chaque absence devenant à la fois une blessure dans le cœur et un trou dans le monde.

Mariam Ghani est artiste et cinéaste. Ses films, projets publics et installations ont été présentés dans le monde entier, notamment à Times Square et à l’aéroport LaGuardia ; au Tate Modern, au Guggenheim, au MoMA, au Smithsonian, à la Secession, au CCCB, et au Metropolitan Museum. Son travail a été montré à Documenta 13 ainsi qu’aux biennales de Liverpool, Lahore, Yinchuan et Sharjah ; aux festivals de cinéma de la Berlinale, Rotterdam, CPH:DOX, SFFILM, DOC NYC, Jihlava, BlackStar et Ann Arbor ; en salles et en ligne sur Ovid, Criterion et Docuseek.

Prem, le charismatique animateur d’une émission de radio dédiée aux affaires de cœur, est lui-même en proie au chagrin. Il cherche refuge dans les montagnes escarpées. Alors qu’il traverse sa propre tempête émotionnelle, les appels désespérés des auditeurs réclamant ses conseils résonnent à travers la nature sauvage. Prem, tout comme ceux qui l’écoutent, tente de trouver son chemin dans le terrain traître et imprévisible de l’amour. Une histoire saisissante de tourments affectifs et de quête de soi.

Saurav Ghimire est un artiste audiovisuel népalais dont le travail explore les frontières du récit entre fiction et documentaire. Ses projets sont montés à partir d’un mélange d’archives et d’images filmées, d’entretiens personnels, ainsi que de collectes de chansons et de poésie. Ghimire a reçu la Visiting Artist Fellowship du Laxmi Mittal South Asia Institute de l’Université Harvard. Son court métrage Songs of Love and Hate (17 min, 2024) a été présenté en première mondiale à la 74e Berlinale, où il a reçu une Mention Spéciale du Jury. De même, son premier court métrage Barking Dogs (14 min, 2021) a été récompensé comme Meilleur Film Expérimental au Tasveer South Asian Film Festival (États-Unis) et Meilleur Film Étudiant au Pame Film Festival (Népal). En outre, il a participé à plusieurs programmes de formation, dont la Locarno Basecamp Academy (Suisse), l’Odense Talent Camp (Danemark) et la Fantastic Film School du BIFAN (Corée du Sud).

“Military Blanket” is going back to the memory of the day when my father died. It describes the bureaucracy of death, in a military hospital. Growing up is basically we slowly witness people we know dying around us. After my father died and the war started, I lost many people I know, but I chose to talk about the story of my father?s death, because death was still holy back then, death was capable of teaching me, death was the most incredible proof of life.

Wasim Ghrioui (b. 1981 Damascus, Syria) is a multidisciplinary artist working within visual art, writing, music, directing and filmmaking. Between 1998 - 2011 he worked full-time with mosaic art and participated in group and solo exhibitions in Syria, the Arab world and internationally. His current artistic emphasis lies on autobiographical writing, taking the shape of experimental theater as well as filmmaking. Ghrioui lives and works in Berlin since 2013.

Le film s'inspire des événements survenus entre 1939 et 1943, lorsque les populations germanophones du Tyrol du Sud se sont vu donner le choix entre émigrer vers le pays voisin, l'Autriche nazie (et d'autres territoires du Troisième Reich), et rester dans l'Italie fasciste pour être intégrées de force dans la culture italienne dominante, perdant ainsi leur langue et leur patrimoine culturel. Ce système, appliqué à la suite d'un accord entre Mussolini et Hitler, a été appelé "Accord d'option". Le film évoque également les conséquences de l'accord d'option, notamment les épisodes de tension, de conflit, et de terrorisme entre les communautés ethniques. Comme dans une séance d'hypnose, une voix décrit une série de situations à la deuxième personne. Sans aucune référence à des dates, noms ou lieux, la voix décrit un ensemble d'images liées à des moments charnières de l’histoire conflictuelle du territoire du Tyrol du Sud. Exploration d'une série de photographies provenant de différentes archives, le film compose une étude visuelle de l'histoire et du paysage d'un territoire entre-deux.

Riccardo Giacconi a étudié les beaux-arts à l'Université IUAV de Venise (Italie). Son travail a été exposé dans diverses institutions, notamment au Grazer Kunstverein, Graz (Autriche); à la ar/ge kunst Gallery, Bolzano (Italie); au MAC – Metropolitan Art Center, Belfast (Royaume-Uni); à la WUK Kunsthalle Exnergasse, Vienne (Autriche); au FRAC – Fonds régional d’art contemporain Champagne-Ardenne, Reims (France); à tranzitdisplay, Prague (République tchèque); à la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin (Italie); et la 6e Moscow International Biennale for Young Art, Moscou (Russie). Il a été artiste en résidence au Centre international d'art et du paysage, Vassivière (France); à lugar a dudas, Cali (Colombie); au MACRO – Museo d’Arte Contemporanea Roma, Rome (Italie); à La Box, Bourges (France); et au Künstlerhaus Büchsenhausen, Innsbruck (Autriche). Il a présenté ses films dans plusieurs festivals, notamment au New York Film Festival (USA); à la Mostra de Venise (Italie); au Festival international du film de Rotterdam (Pays-Bas); à Visions du Réel, Nyon (Suisse); et au FID Marseille (France), où il a remporté le Grand Prix de la compétition internationale en 2015. Il a co-fondé le festival d'écoute collective Helicotrema, ainsi que le studio de narration audio Botafuego.

In physics, a "black body" is an idealized physical body that absorbs all incident electromagnetic radiation, regardless of frequency or angle of incidence. An approximate depiction of a black body is a hole in the wall of a large cavity. Any light entering the hole is reflected indefinitely or absorbed inside and is unlikely to re-emerge, making the hole a nearly perfect absorber. The film has been edited as a palindrome, and it is composed of fragments from a conversation with particle physicist Alessio Del Dotto. The scientist outlines the concept of "black body" by narrating anecdotes about it: ultraviolet catastrophes, the first moments of the universe, Borges' Aleph and the double meaning of the Italian word "spettro".

Riccardo Giacconi has studied fine arts at the University IUAV of Venezia. His work has been exhibited in various institutions, such as ar/ge kunst (Bolzano), MAC (Belfast), WUK Kunsthalle Exnergasse (Vienna), FRAC Champagne-Ardenne (Reims), tranzitdisplay (Prague), MAXXI (Rome), Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Turin) and at the 6. Moscow International Biennale for Young Art. He was artist-in-residence at the Centre international d`art et du paysage (Vassivière, France), lugar a dudas (Cali, Colombia), MACRO Museum of Contemporary Art of Rome and La Box (Bourges). He presented his films at several festivals, including the New York Film Festival, Venice International Film Festival, International Film Festival Rotterdam, Visions du Réel and FID Marseille, where he won the Grand Prix of the international competition in 2015.

"Due" was shot in Milano 2, a residential neighbourhood located just outside Milano. Built as a utopian city between 1970 and 1979, Milano 2 was Silvio Berlusconi`s first ambitious project. It was in Milano 2 that TeleMilano, the first private Italian TV channel, started to broadcast, which made the area the bridgehead of the media and, later, political empire of Berlusconi. Milano 2, which nowadays may seem an ordinary suburban area, has functioned as a laboratory for a form-of-life which, in the decades of the Berlusconismo’s, spread nationally and left a long-lasting mark on Italian culture. The film includes an interview with Enrico Hoffer, the architect that designed the landscaping of the neighbourhood, as well as fragments from a 1974 publicity brochure advertising the real estate project.

Riccardo Giacconi has studied fine arts at the University IUAV of Venezia, at UWE in Bristol and at New York University. His work has been exhibited in various institutions, such as ar/ge kunst (Bolzano), MAC (Belfast), WUK Kunsthalle Exnergasse (Vienna), FRAC Champagne-Ardenne (Reims), tranzitdisplay (Prague), MAXXI (Rome), Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Turin). He was artist-in-residence at: Centre international d`art et du paysage (Vassivière, France), lugar a dudas (Cali, Colombia), MACRO Museum of Contemporary Art of Rome and La Box (Bourges). In 2016 he was awarded the ArteVisione video production prize, curated by Sky Arte and Careof. He presented his films at several festivals, including the New York Film Festival, the Venice International Film Festival, the International Film Festival Rotterdam, the Rome Film Festival, the Torino Film Festival, Visions du Réel and the FID Marseille International Film Festival, where he won the Grand Prix of the international competition in 2015. In 2007 he co-founded the collective Blauer Hase, with which he curates the periodical publication “Paesaggio” and the “Helicotrema” festival.