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This is an experimental video work based on the premise of the introductory text: In a very far land, there exist some mythological creatures called SHICHAS. They combine the different gender alternatives and have the quality to absorb all negative energies keeping them inside. The whole piece has been built using a technique that links photograms together. It starts with a white screen where a set of black rectangles progressively spread on the surface of the image. Then, this image merges with another where some characters appear, who have their eyes covered with rectangles which hide their identities. This image represents the main hall of a geriatric, where we can see many residents whose memories are now defeated by their absence of identity. The work ends with a review of moments represented by souvenirs and the twist of those creatures that absorb the negative energy and stand for the globality, now sick and amnesic. The soundtrack is made with the sounds of corporal fluids.

FRANCIS NARANJO 1961, Santa María de Guía. Gran Canaria. España http://www.francisnaranjo.blogspot.com/ INDIVIDUAL PRESENTATIOS (SELECTION) 2014. Discordancias. Parque Cultural de Valparaíso. Chile. En un país lejano: utopos. Club Kitel Atacama. Bahía Inglesa. Copiapó. Chile. 2013. La paz armada. Centro de Arte Contemporáneo Wilfredo Lam. La Habana. Cuba. SAKER i LIVET . Galleri Lokomotiv. ÖKKV Kulturfabriken. Ömsköldsviks. Suecia. EUROPA (El continente triste). Centro Cultural de España. La Paz. Bolivia. 2012. La coleccionista de luces. Museo de Arte Contemporáneo. MAC. Santiago de Chile. Chile. White. Librería Fayad Jamís. XI Bienal de La Habana. Cuba. 2011. Personne n’est plus. Galería del Institut Français de Madrid. España. None is more. Instituto Cervantes de Rabat. Marruecos. ….agosto 2007…. Inauguración de Centro de Cultura Contemporánea San Martín. Cabildo de Gran Canaria. Las Palmas de Gran Canaria. España. Smile. Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular. Centro de Cultura Antiguo Instituto. Sala 1. Ayuntamiento de Gijón. España. GROUP PRESENTATIONS (SELECT) 2014. Cruces. Museo Nacional de Arte. La Paz. Bolivia. Festival de cine EL LUGAR SIN LÍMITES. Quito, Guayaquil, Manta, Cuenca. Ecuador. Cruce de colecciones (25 años del Centro Atlántico de Arte Moderno-CAAM).Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM). Las Palmas de Gran Canaria. España. Prohiviciones y Normatibas. Gabinete de Hygiene. Mercado de Tapineria. Valencia. España. 2013. SIART. Bienal de Arte Internacional de Bolivia. 8ª Versión. La Paz. Bolivia. V Semana de Vídeo Iberoamericano. Centro Cultural de España. La Paz. Bolivia. Cartografías de lo (im)posible. Centro de Arte Contemporáneo Wilfredo Lam. La Habana. Cuba. 12 fotos para 2013. S/t Espacio Cultural. Las Palmas de Gran Canaria. España. V Semana de Vídeo Iberoamericano. Filmoteca de Andalucía. Córdoba. España. 2012. Topographies virtuelles. Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid. Palais de Tokyo. París. Francia. Reinventar la Isla 2. San Martín Centro de Cultura Contemporánea. Las Palmas de Gran Canaria. España. ALZHEIMER. Parque Cultural Ex Cárcel. Valparaíso. Chile. Identités. Recontres Internationales Paris/Berlin/Madrid. Haus der Kulturen der Welt. Berlín. Alemania. Olympic Fine Arts “OFA 2012”. Barbican Arts Centre. Londres. Reino Unido. Artistas de la Galería. Galería AFA. Santiago de Chile. Mulier-Mulieris. Museo de la Universidad de Alicante. Alicante. España. 11ª Bienal de la Habana. Prácticas artísticas e imaginarios sociales. La Habana. Cuba. A través del cristal. (Visiones fotográficas en la Colección del CAAM). Museo de Esculturas "Abraham Cárdenes". Tejeda. Gran Canaria. España. ArtBooks. Centro de Arte La Regenta. Las Palmas de Gran Canaria. España. 25 años de La Regenta. Centro de Arte La Regenta. Las Palmas de Gran Canaria. España. 2011. III Semana de vídeo Iberoamericano. Filmoteca de Andalucía. Córdoba. España. Revelaciones.Objetos, metáforas y ficciones en la colección del CAAM. CAAM - Sala San Antonio Abad. Centro Atlántico de Arte Moderno. Las Palmas de Gran Canaria. España. Identités. Recontres Internationales Paris/Berlin/Madrid. Centre Pompidou. París. Francia. Tesoros de los Museos del Cabildo de Gran Canaria. Colección del CAAM. Salón Noble del Edifici del Rellotge. Barcelona. España. Metamorphose. Recontres Internationales Paris/Berlin/Madrid. Auditórium del Ministerio de Cultura. Madrid. España. Creative Insomnia – Red night. Atelier Meta-morphic. Madrid. España. Longitudes de onda. Espacio de arte OTR. Madrid. España. Metamorphose. Recontres Internationales Paris/Berlin/Madrid. Haus der Kulturen der Welt. Berlín. Alemania.

Quand le chant des oiseaux persiste, tout s?épanoui (panta rehi) comme Héraclide d?Ephèse déclarait il y a à peu près 2500 ans. Et Francis Naranjo, dans sa nouvelle vidéo, ILLUMINACIONES URBANAS (Illuminations urbaines), semble dire que nous ne pouvons voir deux fois la même chose, même, lorsqu?il s?agit de sa propre rue, comme ici, car tout change et rien ne persiste. Les voitures qui animent le paysage urbain ne sont pas le mêmes, la lumière qui illumine notre monde quotidien varie en luminosité et perce aux travers de différents nuages; les voisins que nous croisons dans la rue ont l?air de mutants, ils changent leur habits et leur humeurs, quelque fois ils nous saluent, alors que d?autre se dépêchent? Et nous ? Combien de ??moi sont en nous?? ? Des images mouvantes comme celle du monde de la philosophie d?Héraclide, semblent se reprendre sans fin? étant toujours différents, le son des fluides du corps les accompagne renforçant cette notion de se baigner à chaque fois dans une rivière différente, même si elle est toujours la même. Francis parle des flux internes et externes, tout en s?acharnant sur la croyance que certaines choses persistent. Mais les fluides de notre corps semblent toujours trouver un autre chemin dans le labyrinthe vasculaire de notre corps, tout juste comme nos voisins humainement automates semblent créer une ville différente de notre ville à chaque jour qui passe ; tout juste comme nous faisons de nos fenêtres et que les voisins font des leurs, toujours identique, toujours inerte, toujours en train de regarder des scènes distinctes. Dans le passé, c?était par cette fragile santé que venait la corruption et la putréfaction de nos fluides corporels. Et les concoctions à base de sang étaient faites pour les éliminer, pour les chasser de nos corps dans la gouttière. De part ses vidéos, Francis semble pointer notre mémoire quotidienne inexploitée, à traits de sangs dans notre routine. Mais ni le sang qui coule de nos conscience ni même nous même sommes les mêmes? Et peut auront nous à répéter ce saignement conceptuel pour toujours dans un devenir infini, car tout change?The Final Journey, du poète espagnol Juan Ramon Jimenez (Prix Nobel 1956) est l?un de ceux qui reflètent le mieux le combat/indécision/dichotomie entre notre condition éphémère, notre désire humain de renouveau, et notre anxiété inavouée à un moment donné pour la permanence et la transcendance : ? Et je partirais. Et le chant des oiseaux persistera ; et mon jardin, et ses arbres verts et ses puits blancs, continuerons. Chaque après midi, le ciel sera calme et bleu : Et la cloche de l?église sonnera dans le beffroi ; tout juste comme elles le font maintenant. Ceux qui m?ont aimé mourront ; et le village se renouvellera chaque année ; et dans ce coin propre et fleurit de mon jardin, mon esprit errera, nostalgique? Et je partirais, et je serais seul, sans chez moi, sans mon arbre vert, sans mon puit blanc, sans ciel bleu? Mais le chant des oiseux continuera. Et la vidéo de Francis Naranjo contniuera de parelr du devenir, à la guise des faux changements jusqu?à ce que le changement final arrive.

Francis Naranjo est un artiste espagnol, né en 1961 à Sta. Maria de Guia, aux Iles Canaries. Il réalise des vidéos et des installations. Son travail est exposé aux Etats-Unis, en Amérique latine,et en Europe. Une exposition personnelle lui a été consacrée en 2006, à Santiago du Chili. Il a également été représenté à l'Arco de Madrid. Son travail développe des problématiques relatives à la société de l'information, hautement technologique, où nous sommes contrôlés et où nous contrôlons, ainsi qu'à la globalisation et à l'utilisation généralisée des nouvelles technologies.

Return is the way back. The journey in the reverse direction. An alternative approach to the beginning. Then, from there, to recover the choice of starting " the new" trip. To get back lucidity from obsolescence.

Francis Naranjo is a Spanish artist born in Santa María de Guia, in the Canary Islands, in 1961. He has produced videos and installation pieces. His work develops problem areas pertaining to the society of information, highly technological, in which we are being controlled or in which we control, as well as globalization and the general use of new technologies. Among other places, his work has been exhibited in the in different cities of the world like Santiago de Chile, Berlín, New York, Göteborg, Miami, Uppsala, Madrid, París, Sevilla, Valencia, Casablanca, Tel Aviv, Montreal, South Korea, La Habana, etc.

A voice in of us warns before the slogan that is repeated constantly: HELP, in which a character with their backs to appears right next to a loudspeaker, from where presumably comes the slogan; the character tour in a fused one giving the round and running against the camera, here a smile is generated that it closes the work.

Francis Naranjo is a Spanish artist born in Santa María de Guia, in the Canary Islands, in 1961. He has produced videos and installation pieces. His work develops problem areas pertaining to the society of information, highly technological, in which we are being controlled or in which we control, as well as globalization and the general use of new technologies. Among other places, his work has been exhibited in the in different cities of the world like Santiago de Chile, Berlín, Nueva York, Göteborg, Miami, Uppsala, Madrid, París, Sevilla, Valencia, Casablanca, Tel Aviv, Montreal, South Korea, etc.

Tehran-geles nous projette dans un paysage fantastique, dans laquelle les néons grésillants de la capitale iranienne s’incrustent de façon anarchique sur les vues aériennes des quartiers de Los-Angeles. En écho aux écritures publicitaires, les voix enregistrées depuis Skype témoignent du passé de Téhéran. La production de Tehran-geles a elle-même produit des ‘migrations’ audiovisuelles : les séquences aériennes tournées à Los Angeles et téléchargées par internet, les enseignes lumineuses filmées à Téhéran avant d’être transportées par avion vers la France dans un disque-dur. Les témoignages d’immigrés ont quant à eux été enregistrés par skype au rythme des décalages horaires.

Né en 1986 à Téhéran, Iran, Arash Nassiri vit et travaille à Paris. Diplômé des Arts Décoratifs de Paris en 2012, Arash a poursuivit sa formation au sein du Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains. La formation d’Arash inclus également l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris ainsi que l’Université des Arts de Berlin, où il a séjourné en 2010. Le travail d’Arash a été montré dans des expositions et festivals en France et à l’étranger, dont la Galerie du Crous en 2011, les expositions Panorama en 2013 et 2013, ainsi qu’à la Biennale d’Architecture de Venise lors de l’exposition « De l’objet à la ville » organisée par les Arts Décoratifs de Paris en 2010. En juillet 2014, son cernier projet a été distinguée dans le magasine culturel les Inrockuptibles. Arash a également reçu le Grand-Prix art vidéo au festival Côté Court Pantin ainsi que le prix des Amis du Fresnoy. Sa vidéo Tehran-Geles sera en compétition lors du festival BIEFF en Roumanie en décembre prochain.

Red Shoes est un rituel. Le vogueur Kendall Mugler (Paris) mets ses talons aiguille rouges, et remplit l’espace d’une énergie dite « dramatique » - c’est à dire : théâtrale, sauvage, hautement technique, audacieuse.

Frédéric Nauczyciel est un artiste visuel français. Il travaille entre la France et les Etats-Unis. Nourri par la danse et le cinéma, il réalise des photographies, des films et des performances. Il construit avec ses sujets des images collaboratives qui tendent vers une hybridation des formes. Il fait appel à l’expérience de la performance pour produire des « images vivantes » qui convient la présence. Depuis 2011, il déploie son travail entre les ghettos noirs de Baltimore et la périphérie parisienne, puisant dans la force des langages performatifs tel que le voguing. Il expose en France (Musée de la Chasse à Paris, Mac/Val, Eté Photographique de Lectoure, Rencontres Internationales de Photographie d’Arles, Festival d’Avignon, Centre Pompidou Paris), à Barcelone (Palau de la Virreina), ou aux Etats-Unis (Washington, Houston, Baltimore et New York). Il est lauréat en 2011 de la Villa Médicis Programme Hors les Murs pour les Etats-Unis (Institut Français), reçoit en 2013 l’Allocation de recherche du Centre National des Arts Plastiques et figure dans la collection du Fonds national d’Art Contemporain (Public # Ceux qui nous regardent, Le temps devant et The Fire Flies, Baltimore). Il est en résidence en Seine-Saint-Denis pour deux années, de 2014 à 2016.

J’ai invité dans le studio des complices de plusieurs années, issus de la communauté noire transgenre des deux territoires, et d’autres artistes connus ou inconnus, engagés dans des pratiques performatives, masculines et féminines, urbaines et savantes, waaking, krump, art performance, slam... Tous sont reliés par un désir puissant d’inventer leur identité et par une appartenance revendiquée aux marges, réelles et symboliques. Je leur ai proposé de filmer eux-mêmes leurs tatouages, leurs scarifications, leur peau, face à la caméra ; et ce faisant, à échantillonner, une partie de leur histoire.

Frédéric Nauczyciel est artiste visuel. Il vit à Paris et travaille entre Paris et Baltimore. Depuis 2011, il déploie des installations vidéos, des photographies et des performances qui relient les ghettos noirs de Baltimore et la périphérie parisienne, puisant dans la force de langages performatifs tel que le Voguing, les fanfares déambulatoires ou la langue des signes. Ses projets en cours sont des récits mettant en jeu la langue, la trans-communauté, la traversée des lignes de partage. Il développe l’idée d’un “ endroit de confiance “, un espace libre d’assignation où la singularité de chacun existe sans labellisation. Il a exposé au Musée de la Chasse à Paris (2012), au Mac/Val (2012), au Festival d’Avignon (2013), au Palau de la Virreina, Barcelone (2010), au FotoFest International, Houston (2015) entre autres. Ses films ont été montrés aux Rencontres Internationales Paris / Berlin, au Festival Distrital à Mexico City, au Palace Festival à Chicago, etc.

En 1971, un system innovant de gestion et de transfert de l'information commença à se développer au Chili sous le gouvernement du Président Salvador Allende; le projet CYBERSYN, synergie cybernétique ou SYNCO, system d'information et de contrôle. Au Chili, les compagnies avaient un système pour capturer, gérer et présenter les informations économiques et les analyser en quasi-direct, qui devint le pionnier dans l'application d'un model cybernétique dans des contextes socio-économique de masse, basé sur la convergence de la science, la technologie, la politique et la cybernétique. En 1972, une chambre de contrôle a été construite pour gérer toutes les informations et les données. Le directeur scientifique du projet était le britannique Stafford Beer, le père de la cybernétique globale. Dans cette mise en scène fictive, Stafford Beer imagine dans ses rêves -dans une chambre d'hôtel- comment construire et exécuter son projet au Chili. Mais, tout le temps saoul et incohérent, Beer essaye instamment de montrer une structure cohérente d'interaction qui n'est ni parfaite ni correcte pour quiconque sauf pour lui.

Mario Navarro (1970), Live and work in Santiago, Chile. He studied visual arts in the Universidad Católica de Chile. Has been invited, as an artist in residence, to Couvent des Récollets, Paris (2003) and recently has been invited to IASPIS, Stockholm. Mario Navarro has participated in numerous international exhibitions, such as Santiago Manifest?, Centro Cultural Matucana100, Santiago (2007), ?Sur Scene?, Chateau de Tours, France (2007), ?XXVII Bienal de São Paulo?, (2006), ?IV Liverpool Biennial ?(2006), ?Busan Biennial?,Korea (2006), ?Efecto Downey?, Espacio Telefónica, Buenos Aires, Argentina (2006). As solo shows it is important to mention: ?Red Diamond?, Salvador Allende Museum, Santiago, (2007), ?Not Like this, like this?, Lakeside Kunstraum, Klagenfurt, Austria (2006), ?Dignidad?, Die Ecke Gallery, Santiago, (2005), ?30 days with nothing?, Public intervention Canal Saint Martin, Paris (2003) As a curator has created the projects ?Daniel Lopez Show?, Withe Box and Roebling Hall, New York (2007), ?Transformer?, Centro Cultural Matucana 100, Santiago (2005) and ?Doméstico?, MAC, Valdivia, Chile (1999)

Une femme sort d'une maison solitaire dans la nuit. Elle suit un chemin étroit, marche dans les bois. L'obscurité l?entoure. Elle s?enfonce à travers les branches, de plus en plus profondément dans la forêt. « Night » ressemble à un extrait de film de suspense, dans lequel le rêve et la réalité s?entremêlent.

Née en 1968 à Helsinki (Finlande), Elena Näsänen est une artiste visuelle qui travaille avec le son, le film et les installations vidéo. Elle a étudié à l'Académie des Beaux-arts d'Helsinki et à la Slade School of Fine Art de Londres (Royaume-Uni). L?art de Näsänen se situe quelque part entre le cinéma expérimental et l?art vidéo. Ses ?uvres sont basées à la fois sur une narration cinématographique conventionnelle et sur le dérèglement de cette dernière. Une caractéristique de son ?uvre est sa puissance dramatique sonore. Les ?uvres d?Elena Näsänen ont été montrées dans nombres d?expositions, projections, festivals de film et de vidéo, notamment au Musée d?Art Contemporain Kiasma d?Helsinki, au Musée Marco de Vigo (Espagne), au Musée Anna Akhmatova de Saint-Pétersbourg (Russie), au Centre d?Art de Kyoto (Japon), au FACT de Liverpool (Royaume-Uni), à l?Anthology Film Archives de New York (USA), à La Casa Encendida de Madrid (Espagne), au Tate Modern de Londres (Royaume-Uni), au ZKM de Karlsruhe (Allemagne), et au Festival de Film de Rotterdam (Pays-Bas).

Phnom Penh at night. Three young hip-hop dancers drive a single motorbike and stop on a muddy deserted road. Nick leaves the others to look for an iPhone he heard was lost in the area. Piseth and Thy discuss their hopes and doubts, and Piseth shows his best dance moves. They meet Leakhena, a young female street vendor whose cart is full of colors. 

Kavich NEANG (b. 1987, Phnom Penh, Cambodia) studied music and dance at a young age before graduating in professional design in 2013. In 2010, he directed his first short film, A Scale Boy, as part of a documentary film workshop led by Khmer-French filmmaker Rithy PANH, who also produced his 2013 mid-length documentary film Where I Go. In 2014, he co-founded the independent production company Anti-Archive along with Davy CHOU, Steve CHEN, and PARK Sungho. In 2015, he directed his first two short fictions, Three Wheels, which premiered at Busan, and Goodbye Phnom Penh. A third short fiction, New Land Broken Road, premiered at the 2018 Singapore International Film Festival and won prizes in Kyiv, Tacoma, and Kaohsiung. Kavich NEANG has also joined Busan’s Asian Film Academy, Locarno’s Summer Academy, Talents Tokyo, Docs by the Sea, Luang Prabang Talent Lab, and Cannes Cinéfondation’s Résidence. His 2019 documentary, Last Night I Saw You Smiling, won the NETPAC Award at IFF-Rotterdam, the Special Jury Prize at Jeonju, Best Image at Janela do Recife and two awards at Tokyo FilmEx. His impending first narrative feature, White Building, is now in post-production.

Jürgen Nefzger associe des projets filmiques à son oeuvre photographique centrée sur les rapports entre l’homme et son environnement dominés par les logiques économiques. Avec The Cloud Machine, il présente un film réalisé au sein d’une grande usine d’incinération. Celle-ci vient éclairer son propos, avec cette notion de recyclage, de cycle dans lequel s’inscrivent les sociétés contemporaines. Avec des pointes d’humour, il nous fait partager le quotidien de ces hommes alimentant cette machine à nuages. En dehors des fumées que rejette l’usine, il y a cette idée de boucle immuable induite par une logique consumériste portant les individus vers les centres commerciaux, achetant des produits qui nécessairement seront voués à la destruction. En découle ce constat: finalement, rien ne change malgré les aléas. La crise, mais quelle crise?

Né en 1968 à Fürth en Allemagne, Jürgen Nefzger vit et travaille en France depuis 1991, aujourd’hui entre Paris et Nice. Diplômé de l’école Nationale Supérieure de la Photographie à Arles, il est depuis 2008 artiste enseignant, à l’Ecole Supérieure d’Art de Clermont Métropole puis à l’Ecole Supérieure d’Art de Aix-en-Provence. Il est représenté par la galerie Françoise Paviot, Paris, depuis 2001. Jürgen Nefzger a obtenu le Prix Niépce pour l’ensemble de son travail en 2008. Il est également lauréat de la Villa Médicis Hors les Murs et du Prix Photo du Jeu de Paume. La publication “ Fluffy Clouds ” a reçu le prix du livre photographique en Allemagne. Dans une veine documentaire, Jürgen Nefzger aborde des sujets relevant d’une interrogation sur le paysage contemporain. Observateur critique d’une société consommatrice, il porte son regard sur des paysages marqués par les activités économiques, industrielles et de loisir. Son travail photographique se construit par série, à la chambre photographique, et associe des projets filmés en numérique présentés au sein de ses expositions ou indépendamment. Il édite aussi ses travaux sous formes de livres, en portant une grande attention aux question de narration et de positionnement.

Short Content Nation Estate is a 9-minute sci-fi short offering a clinically dystopian, yet humorous approach to the deadlock in the Middle East. The film explores a vertical solution to Palestinian statehood: One colossal skyscraper housing the entire Palestinian population ? now finally living the high life. Long Content In Sansour`s film, Palestinians have their state in the form of a single skyscraper: the Nation Estate. One colossal high-rise houses the entire Palestinian population ? now finally living the high life. With a glossy mixture of computer generated imagery, live actors and an arabesque electronica soundtrack, Nation Estate explores a vertical solution to Palestinian statehood. Each city has its own floor: Jerusalem on the third floor, Ramallah on the fourth floor, Sansour?s native Bethlehem on the fifth and so on. Intercity trips previously marred by checkpoints are now made by elevator. Aiming for a sense of belonging, the lobby of each floor reenacts iconic squares and landmarks. The story follows the female lead in a futuristic folklore suit returning home from a trip abroad and making her way through the lobby of the monstrous building ? sponsored and sanctioned by the international community. Having passed the security checks, she takes the elevator to the Bethlehem floor and crosses Manger Square and Church of the Nativity on her way to her apartment where she prepares a plate of sci-fi tabouleh.

Born in Jerusalem, Sansour studied Fine Art in Copenhagen, London and New York. Her work is interdisciplinary, immersed in the current political dialogue and utilises video art, photography, experimental documentary, the book form and the internet. Despite its stylised imagery, sterile futurism and high production value, sci-fi tends to allow for a specific kind of almost nostalgia framing of the topic at hand, even the situation in the Middle East. Sci-fi almost invariably carries within it a sense of retro, ideas of the future tend to appear standard and cliché at the same time as they come across as visionary. Sansour borrows heavily from the language of film and pop culture. By approximating the nature, reality and complexity of life in Palestine and the Middle East to visual forms normally associated with entertainment and televised pastime, her grandiose and often humorous schemes clash with the gravity expected from works commenting on the region. References and details ranging from sci-fi and spaghetti westerns to horror films converge with Middle East politics and social issues to create intricate parallel universes in which a new value system can be decoded. Sansour`s work features in galleries, museums, film festivals and art publications worldwide. Recent solo shows include exhibitions at Kulturhuset in Stockholm, Galerie La B.A.N.K in Paris, DEPO in Istanbul and Jack the Pelican in New York. She has participated in the biennials in Istanbul, Busan and Liverpool. Her work has appeared at the Third Guangzhou Triennial in China, LOOP in Seoul, South Korea, Institut du Monde Arabe in Paris and PhotoCairo4 in Egypt. Sansour`s graphic novel The Novel of Nonel and Vovel - a collaboration with Oreet Ashery - first appeared in Venice Biennale bookshops and was since launched at the Tate Modern, UK, the Brooklyn Museum, USA, and Nikolaj Copenhagen Contemporary Art Centre, Denmark. Her short film A Space Exodus was nominated in the Best Short category at the Dubai International Film Festival. Exhibitions in 2012 include the Centre for Photography in Copenhagen, Galerie Anne de Villepoix in Paris and Australian Centre for Photography in Sydney. She lives and works in London and Copenhagen.

We have now entered into a new era some have called the post-truth society characterized by a deluge of fictive mediated stories dubbed Fake News. One of these stories, Pizzagate concerns the conspiracy theory, circulated at the end of the Trump-Clinton presidential election, that accused Hillary Clinton and other members of her Democratic election committee of running a childhood sex ring in the basement of Comet Ping Pong pizza restaurant. As preposterous as this is, many people believed it and the story went viral. My PIZZAGATE: FROM RUMOR TO DELUSION as an experimental documentary which uses non-linear video editing techniques to collage extracted You Tube clips with real video taped footage collected on site at the Comet Ping Pong pizzeria investigates the conditions of our now planetary network existence to understand this event and its implications. I utilize the story of the delusional behavior of James Welch who drove up from North Carolina, shotgun in hand, to free the girls as an example of a generalized societal condition addicted to social media. I speculate that we have transitioned from Guy Debord’s Society of the Spectacle to what I am calling The Society of the Neuron in the Attention Economy.

- Theorist, film maker, composer and installation artist, Warren Neidich, who works between Los Angeles and Berlin, brings to any discussion platform a unique interdisciplinary position that he calls “trans-thinking”. The model explores the way cognition is mediated and acted upon by co-extensive cultural inputs consisting of an evolving socio-cultural-political milieu wherein various unequally distributed and contested discursive fields gather and entangle themselves with the plastic brain. The result being what Gilles Deleuze referred to as the image of thought. His works of art have been exhibited internationally including the Ludwig Museum, Cologne, The Whitney Museum, New York City, PS1 MOMA, Long Island City, The ICA London, LACMA, Los Angeles and many others. His one-person exhibition, Rumor to Delusion, premiered at the Zuecca Project Space, during the Venice Biennale, 2019. He is founder and director of the Saas-Fee Summer Institute of Art and is a recipient of the Vilem Flusser Theory Award, Transmediale, AHRB/ACE Arts and Science Research Fellowship, Bristol and The Fulbright Scholarship. Additionally he was former tutor in the departments of visual art, computer science and cultural studies at Goldsmith College London as well as recently serving at Professor of Art at the Weissensee Kunsthochschule, Berlin.

MY BBY 8L3W Synopsis The thirty track installation MY BBY 8L3W is a video collage about women who present their pets on the internet. The women simultaneously speak the same lines about their love for the animals.

NEOZOON Biography NEOZOON, founded 2009 is a female art collective based in Germany and France. Among others the work and films of the group has been shown at the Centre Pompidou in Paris, at the Transmediale in Berlin, at the Internationale Kurzfilmtage in Oberhausen, at the IFFR in Rotterdam, at the Videonale in Bonn and at the ZKM in Karlsruhe.

LAKE OF FIRE deals with religious filter bubbles in the social network Youtube and thematizes the fear of death and hell as a place of eternal damnation. Old and new iconographies of religious presenters are interwoven with pagan customs and the consequences of dualistic religions and anthropocentrism become visible.

NEOZOON is a female art collective founded 2009 in Berlin and Paris. Their work is based on the principle of collage and investigate sociological questions that deal with speciesism in the Anthropocene. In their video films, the de-and recontextualization of Found Footage / Youtube material is a recurring element. Amongst others NEOZOON´s work was exhibited at Centre Pompidou in Paris, at ZKM in Karlsruhe, at Kunstwerke Berlin and has been shown at national and international film festivals in Oberhausen, Rotterdam, Locarno and New York.

L?histoire tourmentée du XXe siècle dans le nord de l?Italie est un « point de voir » qui nourrit l?oeuvre, majeure, de l?écrivain Mario Rigoni Stern. Dans cet ultime témoignage (il est décédé en juin 2008), il accompagne notre cheminement dans l?imaginaire des montagnards d?Asiago. La place de l?homme au coeur de la nature autant qu?au coeur de la guerre se mêle à la voix de l?écrivain. Ici le territoire est une frontière, le fascisme est un passé présent, la guerre est inscrite sous une paix de neige? Et l?homme est là.

Diplômé de l?IDHEC (Institut des Hautes études Cinématographiques en 1979) en prise de vue et réalisation. En 1994, il s?installe à Marseille, lance le collectif Film flamme et crée le Polygone étoilé, salle de cinéma alternative et outil de création cinématographique (salles de montage, mixage, etc?). Depuis 2003, Film flamme développe le Studio Autonome du Cinéma de RecherchE (SACRE) pour soutenir les auteurs indépendants. Ce collectif a pour originalité de vouloir travailler prioritairement pour les salles de cinéma. Si tous les films sont achevés en 35 mm, ils sont aussi tournés et travaillés sur tous les supports existant à ce jour, vidéo (analogique ou numérique) ou film. Est également producteur, notamment : Ho, de Gaëlle Vu Binh Giang, de France 2007 de Jun Gee Jung et de Lettre à la prison de Marc Scialom.

Un marcheur parcourt en une promenade âpre, les paysages hivernaux des environs d?Asiago dont tout évoque les expériences, les paysages et les hommes racontés par l?écrivain Mario Rigoni Stern. Là, le monologue contre la guerre de celui qui commença d?écrire sur le front russe « Le sergent dans la neige », donne à la déambulation son caractère métaphorique.

Elisa Zurlo studied theatre, cinema, and semiology of the language of visual art in the faculty of arts and philosophy at the University of Bologne under the direction of Umberto Eco. At the Ipotesi Cinema Institute of Padoue, under the tutelage of director Ermanno Olmi, she herself specialized as a director in audiovisual communication in the area of cinema and television. At the same time in Bologne she founded the cooperative 'Les Machines Célibataires' with a group of researchers, for the experimentation and diffusion of new technologies in contemporary art. She has created an impressive amount of work and participated in several exhibitions. A select few include: 1993 - Realization, Giannina Censi, Aérodanseuse Futuriste; 1996 - Realization, Chant végétal à Pachamama coca; 1997-2002 - Assistant to trilogy filmmaker Gianni Toti; 2000 - Installation, "Salitudine", a pyramid of salt and projection of images, for the city of Bologne, European Cultural Capital 2000; 2002-2003 - Multimdeia Installation "Flying Cities", European project with the CICV Montbéliard-Belfort. Elisa Zurlo currently lives in Italy, between the cities of Bologne and Padoue. Jean-François Neplaz holds a degree from IDHEC. His works and exhibitions include: "La Blanche", 1986; International Film Festival of Autrans, "Guide et sa voie", 1987, was awarded; Festival of Epinay 88, "Ante Inferno"; Semaine vidéo des "cahiers du Cinéma", Rue de Montreuil, 1990; Etats généraux du documentaire français Lussas... "Tu", a Polish film, 1990; 6th M. I. V. TV. Montbéliard competition; Forum des images de Valence, 1992, awarded, "Cancer"; Etats généraux du documentaire de Lussas, 1993... "Vivants et nus", 1994, "Signe ascendant", Poème documentaire, 1996, "Besoin de rien", 2000, musical film; and Festival Paris-Berlin 2003. Collaborations: "Abondance", feature length fiction film, 2005, and "Terre d?un homme", feature length documentary project devoted to Mario Rigoni Stern, 2006.

FUH2 rend hommage au site citoyen www.fuh2.com hébergeant le Hummer Salute officiel. Richement documenté le site présente la sous culture de resistance à la "Hummerisation". Intercalant images du site et pubicités pour Hummer, cette vidéo catharcique de 30 secondes charge contre le véhicule d'assault (sub)urbain.

Diane nerwen est une artsite vidéo et enseigne l'art multi-média. Son travail a été présenté à travers le monde (festival du film de berlin, festival vidéo de New York, musée Guggenheim, NY and Viper International Festival of Film Video and New Media, Bâle, Suisse). Elle a été plusieurs fois récompensée notament par la DAAD Artist in Residence Fellowship de Berlin en 2001. Nerwen est née a Montréal et vit a Brooklyn, NY. son travail est distribué par Video Data Bank, Chicago, Women Make Movies, NY, et Vtape, Toronto.

The Sexorcist : Revirginize est un thriller psycho-sexuel avec Britney Spears dans le rôle d´une adolescente que sa nervosité sexuelle tourmente, et Ellen Burstyn dans le rôle de la mère terrorisée et déséspérée. Cet amusant mais glaçant récit sur la possession, les angoisses d´adolescence et de panique morale entremêle images et sons de films tels que l´Exorciste, Crossroads et Buffy la chasseuse de Vampires, exposant de manière satirique le programme idéologique derrière une éducation sexuelle basée sur l´abstinence.

Diane Nerwen est née à Montréal et vit à Brooklyn, NY. C'est une artiste qui enseigne et fait de la vidéo. Ses vidéos ont été internationalement projeté, notemment au Festival du Film de Berlin, au Festival du film de New-York et au Musée Guggenheim, NY. Elle a reçu de nombreux prix et récompenses, dont un DAAD Artist in Residence Fellowship à Berlin en 2001. Son oeuvre explore les corrélations entre média, politique et vie de tous les jours. Parmis ses récentes cassettes on trouve Under the Skin Game, un documentaire experimental sur l´utilisation et l´abus des moyens de contraception, et leur relation avec les politiques de races, genre (masc/fém) et classe. Spank est la manipulation numérique d´un très court clip Hollywoodien. Ses cassettes ont été projeté internationalement et sont distribuées par Women Make Movie et Video Data Bank.