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Vicky Betsou
Catalogue : 2011field | Art vidéo | dv | couleur | 3:45 | Grèce | 2009
Vicky Betsou
field
Art vidéo | dv | couleur | 3:45 | Grèce | 2009
A man spreads lime on a field in August, to prepare the earth for the autumn sowing. His action recorded and extracted from the surroundings and realistic conditions, becomes a ritual of a human caressing the land at dusk, reminding us of our relation and dependence to earth. The image obscured and slowed down confronts the viewer with an enigmatic time fragment of a ritual dance.
Vicky Betsou is a visual artist, working mainly with video installations. She lives and works in Athens. She studied Biology at Athens University, painting at Athens School of Fine Arts (ASFA) and completed her MA in Digital Arts at ASFA (2000). She has been a teaching assistant in Multimedia and Video-art courses at ASFA since 2001 and in 2006 she was elected a Lecturer and is teaching Video Art in the graduate and postgraduate program at the same Institute. She has participated in research programs concerning Art and new Media and collaborated in E-Learning projects on Art education. Her work mainly addresses the complicated notion of time and memory, blurring the boundaries between objective and subjective time, emphasizing on the construction of temporal structures or the composition of time loops, engaged in the construction of multiple, multilevel narrations. Her work has been presented in solo and group exhibitions and festivals in Greece and abroad.
David Bex
Catalogue : 2006Inspecteur Rredick | Fiction expérimentale | dv | couleur | 30:22 | France | 2005
David Bex
Inspecteur Rredick
Fiction expérimentale | dv | couleur | 30:22 | France | 2005
Une nouvelle enquête de l?inspecteur Rredick. Rien n?est dit, mais tout se sait. Alors il n?y a plus qu?à se regarder, s?écouter en silence et attendre, la vie allant. Quand les paroles ont disparu, on lit sur les visages. Des hommes vivent ensemble côte à côte et c?est tout. Ils rêvent parfois. Un homme meurt, le premier mot est dit. La langue des morts est née.
Né le 13 août 1972 dans le Lot. Après des études universitaires de cinéma, il intègre l?école nationale supérieurs Louis Lumière. Son travail de fin d?étude achevé en 2003 : « Temps atomique » fut projeté lors de la dernière édition du festival Paris Berlin. Il travaille depuis essentiellement sur la manipulation des images extraites de séries télévisées dont « Inspecteur Rredick » est le premier opus.
Luis Bezeta
Catalogue : 2012Morma Jeane es Marilyn | Vidéo | hdv | couleur | 2:45 | Espagne | 2011
Luis Bezeta
Morma Jeane es Marilyn
Vidéo | hdv | couleur | 2:45 | Espagne | 2011
Palash Bhattacharjee
Catalogue : 2025A Bridge and Beyond the Bridge | Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 3:8 | Bangladesh | 2024
Palash Bhattacharjee
A Bridge and Beyond the Bridge
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 3:8 | Bangladesh | 2024
Built during British colonial rule in 1930, the Kalurghat Bridge serves as a vital connection between the north and south of the greater Chittagong district of Bangladesh, bisected by the Karnaphuli River. Historically, this bridge facilitated communication between regions in south Chittagong, bridging the gap from British India. From the circle of my family ancestors, many left the southern part of Chittagong from the British period, particularly the partition period, to the Pakistan period and settled in different parts of this subcontinent. Then, during the liberation war of Bangladesh in 1971, some people in Bangladesh-India border areas took shelter for some time and worked in various ways for the freedom of the country. From the post-independence period to the present, many people from this southern region migrated to other countries outside the subcontinent for different purposes and reasons, including re-settlement in Chittagong City and Dhaka. These familial and local stories are not linear. Through different layered images on the bridge, the video features a female narrator, embodying the collective familial past. The narrative within the video is a fictionalised merge drawn from different stories and correspondences, further exploring familial history and connection.
Palash Bhattachajee has undergone a shift in his artistic journey, transitioning from academically focused printmaking toward multi-media, experimental art-practice via a close encounter with performance art activism. He takes critical interest in closely reading filmic genres and their performative idioms. The photo/videographic style and the eclectic selection of objects in his works are influenced by the cerebral matrix of contrapuntal, non-narrative aspect of deconstructed storytelling adopted from global cinema. Based and born in Chittagong, Bangladesh, he received his Master’s and Bachelor's degrees from the Department of Fine Arts, Chittagong University. He was awarded the Asia Pacific Fellowship Residency from MMCA Residency Goyang in 2011 and received a grant from Seoksu Art Project of Stone & Water, South Korea, in 2010. His works have been widely exhibited in Bangladesh, including at Chobi Mela 2021, Dhaka Art Summit 2012-2020, Asian Art Biennale 2012-2022, Dhaka, and internationally, including ‘Legacies of Crossings’, Shahnaz Gallery, London, UK 2024; NOmade Biennial, Art Center Gallery Elblag, Poland, 2023; Warehouse421, Abu Dhabi, UAE, 2022; Colomboscope, Colombo, Sri Lanka, 2022; ‘The Oceans and the Interpreters’ and ‘The Deep City’, Hong-Gah Museum, Taiwan, 2020; ‘Seven Exhibitions’ at Exhibit 320, New Delhi, India, 2018; and many more.
Fatima Bianchi
Catalogue : 2015Tyndall | Doc. expérimental | hdv | couleur | 29:27 | France, Italie | 2014
Fatima Bianchi
Tyndall
Doc. expérimental | hdv | couleur | 29:27 | France, Italie | 2014
A lighthouse on the mountains over Brunate, a beam of light incessantly rotating in the dark, shedding light over something which has remained in the shadows. It illuminates one house. The house contains members of one family, portrayed in they daily life. The story revolves around a specific moment in time, when Francesco, the eldest son, spends one year in jail. Around that time each one of the relatives exchanges letters with him. The Tyndall effect is a phenomenon of diffusion of light due to the presence of some particles in the air. It manifests itself, for example, when the car lights are turned on in a foggy day. The same effect is visible from the tower of the lighthouse looking towards the home of the Bianchi’s family.
Fatima Bianchi was born in Milano in 1981, she lives between Milano and Marseille. Her research focuses on the understanding of the individual, on his historical memory, his cultural and natural contest. Her artistic production is expressed through the medium of the video, the documentary and the site installation.
Matthew Biederman
Catalogue : 2025A Quickie in the Bouncy House | Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 4:26 | USA, Canada | 2023
Matthew Biederman
A Quickie in the Bouncy House
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 4:26 | USA, Canada | 2023
The video is an AI assisted meditation on self-help through extreme sonic manipulation, in a semi-erotic plastic dreamscape of watered down and for profit thanatotherapy, where new age imagery devolves into Cronenberg-esque mutations, in complete contrast with the chaotic and unpredictable sonic experiments which may or may not be useful in your personal quest to embetter your True Self™. The music is highly processed, with just a few audible artifacts left of the original code, drum kit and modular based sources, creating sounds that hopefully escape attempts at AI classification.
Matthew Biederman, b. 1972, Chicago Heights, IL, USA. Matthew Biederman works across media and milieus, architectures and systems, communities and continents since 1990. He creates works where light, space and sound reflect on the intricacies of perception. Since 2008 he is a co-founder of Arctic Perspective Initiative, with Marko Peljhan working throughout the circumpolar region. He has served as artist-in-residence at a variety of institutions and institutes, including the Center for Experimental Television on numerous occasions, CMU’s CREATE lab, the Wave Farm, th Finnish Bioarts Society and many more. His work has been featured at: Lyon Bienniale, Istanbul Design Bienniale, The Tokyo Museum of Photography, ELEKTRA, MUTEK, Ars Electronica, Bienniale of Digital Art (CA), Artissima (IT), SCAPE Bienniale (NZ) and the Moscow Biennale (RU), among others. Pierce Warnecke is a multidisciplinary digital artist. His work, on the border between experimental music, digital arts and video art, is influenced by the observation of the effects of time on matter: modification, deterioration and disappearance. He frequently collaborates with prominent figures such as Frank Bretschneider, Matthew Biederman, Yair Elazar Glotman and Keith Fullerton Whitman among others. He has presented his work in the form of performances, concerts and installations at MUTEK, ZKM, CTM, Elektra, KW Institut, La Biennale NEMO, Sonic Acts, Martin Gropius Bau, MAC Montreal, Scopitone, LEV Festival, SXSW, FILE, etc. Between 2017 and 2019 he composed several audiovisual pieces for the Institute for Sound and Music’s Hexadome project in Berlin, San Francisco, Montreal and more. His music has been published on raster-media (DE) and Room40 (AU), and he is represented by DISK Agency in Berlin.
Gregg Biermann
Catalogue : 2013Cropduster Octet | Film expérimental | hdv | couleur | 5:32 | USA | 2011
Gregg Biermann
Cropduster Octet
Film expérimental | hdv | couleur | 5:32 | USA | 2011
One of the most iconic sequences in the history of Hollywood cinema (from Hitchcock?s North by Northwest) is deconstructed and reassembled to illuminate the patterns, rhythms and choreography of the original so as to break through and make for an eight banded kinetic tour de force. As the piece progresses the temporal displacement of each band gets closer and closer until they all unite into a remarkable grand finale. --John Columbus, Black Maria Film and Video Festival
Gregg Biermann is a video and multimedia artist whose work comes out of the avant-garde filmmaking tradition. His work takes advantage of digital technologies to advance rigorous compositional strategies.
Catalogue : 2012Labyrinthine | Vidéo expérimentale | dv | | 14:40 | USA | 2010
Gregg Biermann
Labyrinthine
Vidéo expérimentale | dv | | 14:40 | USA | 2010
This is a recent piece in my series of computational transformations of iconic scenes taken from classic Hollywood films. Forty-one separate shots that have been appropriated and excised from the Hitchcock classic Vertigo are repeated and re-sequenced into a composite sequence of concentric rectangles. Each rectangle appears over the last and grows larger over time. The narrative of the original is all but lost and in its place is a hypnotic and meditative display of forms and sounds.
Gregg Biermann?s work is in the collection of FRAC Limousin has been exhibited internationally at Nam Jun Paik Art Center, Seoul, Korea; Museum of Modern and Contemporary Art Strasbourg; Festival Images Contre Nature, Marseille; Film Festival of Experimental and Different Cinemas of Paris; Rencontres Internationales, Paris; Electrochoc Festival, Rhones-Alpes; Centre Images, Vendôme, France; Osterreiches Filmmuseum, Vienna, Austria; European Media Art Festival, Osnabruek, Hamburg Film Festival, Germany; The Caracas Contemporary Art Museum; The National Cinematheque, Venezuela; Media Art Friesland, IMPAKT Panorama, Noordelijk Film Festival, The Netherlands; Optica International Festival of Video Art, Gijon, Spain;VIDEOEX, Zurich, Switzerland and INVIDEO, Milan, and Abstracta, Rome, Italy. His work has also been exhibited in the USA at the Yerba Buena Center for the Arts/San Francisco Cinematheque; Baltimore Museum of Art; Corcoran Gallery; Hunter Museum of American Art; National Gallery of Art; Cleveland Institute of Art; Anthology Film Archives; U.C. Berkeley Art Museum/Pacific Film Archive; Centraltrak Gallery, Univ. of Texas at Dallas; Weisman Art Museum, Univ, of Minnesota; California Institute of the Arts; Los Angeles Filmforum/Echo Park Film Center; ArtPace San Antonio; Hallwalls Contemporary Art Center; Visual Arts Center of New Jersey and the Jersey City Museum.
Gregg Biermann
Catalogue : 2007The hills are alive | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:18 | USA | 2005
Gregg Biermann
The hills are alive
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:18 | USA | 2005
Dans "The Hills Are Alive" (Les collines sont vivantes), une scène iconique tirée de la comédie musicale Hollywoodienne à succès "The Sound of Music" subit une transformation par des effets d´écran fractionnés progressant en contrepoint. La mosaïque qui en résulte révèle des mélodies inoubliables et des dissonances retentissantes.
Gregg Biermann was born in 1969 in Brooklyn, New York. He graduated with Honours in Cinema from Binghamton University in 1991, and subsequently received an M.F.A. from the San Francisco Art Institute. He has been making films, videos, and multi-media pieces since 1988. These works have been exhibited internationally including exhibitions at Anthology Film Archives, Millennium, the San Francisco Cinémathèque, the Pacific Film Archive, the Documentary Film Society at the University of Chicago, Chicago Filmmakers, the Massachusetts College of Art Film Society, the Ontario Cinémathèque, and the Deutsches Filmmuseum. His works and activities have received critical attention in the San Francisco Bay Guardian, The Chicago Reader, and The Chicago Sun-Times. He has been collaborating with electronic music composer/performer Ron Mazurek for the past several years on a series of real-time music/video performances. He was a member of the Chicago x-film group, which mounted many programs of avant-garde films in and out of Chicago. More recently, he has done programming for the Robert Beck Memorial Cinema in New York. He has also written an avant-garde film including an article for the Millennium Film Journal on Nathaniel Dorsky's films, which was co-authored with his wife, Sarah Markgraf. Mr. Biermann has taught at Barat College, Horizons: the New England Craft Program, and is currently a Professor of Art at Bergen Community College.
Marine Bikard
Catalogue : 2021Coulisses | Animation | mp4 | couleur | 4:9 | France | 2020
Marine Bikard
Coulisses
Animation | mp4 | couleur | 4:9 | France | 2020
Un mouvement de caméra comme un balancement de tête, de gauche à droite. Si bien qu’il y a toujours ce qui sort et ce qui entre dans le champ. Dans ce trajet, l’œil caméra croise un papier, du papier peint, et plus loin encore, un miroir dans lequel se reflètent papier-peint et papier.
Marine Bikard est née en 1988 et diplômée de l’ENSBA - École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (France) en juillet 2020. Avant et en parallèle de ce cursus artistique, elle a travaillé comme sociologue et poursuit la réalisation d’enquêtes de terrain. Pendant ces cinq années passées à l’ENSBA de Paris, elle a travaillé dans les ateliers de Pascale Martine Tayou, Emmanuelle Huynh, Aurélie Pagès et Jean-Michel Alberola, et a régulièrement participé à des workshops de danse qui ont marqué son parcours, notamment sa rencontre avec la chorégraphe américaine Lisa Nelson. Depuis 2019, elle imagine des rencontres collectives pour explorer par le dessin différentes manières d’être avec ce qui nous entoure. En 2021, elle a été artiste en résidence à l’Embac – École municipale des beaux-arts de Châteauroux (France).
Manuel Billi
Catalogue : 2021Guardarla negli occhi (La Regarder dans les yeux) | Doc. expérimental | hdv | couleur | 15:0 | Italie, France | 2020
Manuel Billi
Guardarla negli occhi (La Regarder dans les yeux)
Doc. expérimental | hdv | couleur | 15:0 | Italie, France | 2020
Une journée dans la vie d'une famille. Une histoire de mains: des mains qui agissent, des mains qui assistent, des mains qui dansent jusqu'à la fin de la journée.
Manuel Billi vit et travaille à Paris. Critique cinéma et réalisateur, il est l'auteur de plusieurs essais sur le cinéma contemporain. Depuis 2000, il collabore avec différents magazines de cinéma italiens et français. En 2014, il réalise son premier film court expérimental, "Battre, enlever". Son premier film court de fiction, "Ghosts of Yesterday" (2017) a été présenté en avant-première à la Mostra de Venise (Italie). Par la suite, il a alterné entre fiction ("Enter", 2018, sélectionné dans plus de vingt festivals internationaux ; "Ten Times Love", 2020) et documentaire ("Guardarla negli occhi - La Regarder dans les yeux", sélection officielle 2020 à la Mostra Internazionale del Nuovo Cinema di Pesaro, Italie).
Catalogue : 2015Battre, enlever | Vidéo | hdv | couleur | 11:0 | Italie | 2014
Manuel Billi
Battre, enlever
Vidéo | hdv | couleur | 11:0 | Italie | 2014
« Maintenant, je suis partout » « Maintenant, je te suis partout ». Des paupières qui s’ouvrent et se ferment en battant le rythme d’une rencontre amoureuse. Des captations de téléphone portable qui enlèvent au réel le sentiment du vécu. "Battre, enlever" est un compte-rendu vraisemblable de faits qui n’ont pas eu lieu ou qui ont eu lieu autrement, le récit d’un amour qui bride et élève à la fois.
Manuel Billi est écrivain, scénariste et producteur. Co-fondateur du collectif d'artistes Le Gauche, il a réalisé plusieurs courts-métrages à partir de captations de téléphone portable. Depuis 2013, il travaille avec Christian Merlhiot sur le scénario d'un long-métrage de fiction.
Richard Billingham
Catalogue : 2006Sweep | Installation vidéo | dv | couleur | 14:10 | Royaume-Uni | 2004
Richard Billingham
Sweep
Installation vidéo | dv | couleur | 14:10 | Royaume-Uni | 2004
Un panorama extrêmement lent sur des arbres sombres, contre un ciel au crépuscule. Tourné avec deux images par seconde, les mouvements des arbres semblent davantage être une photographie animée. Dans un silence complet, les arbres sont secoués par un vent fort, qui remue les couches et les textures de la forêt alors que, presque imperceptiblement, la caméra fait un panoramique de droite à gauche. C?est seulement lorsque la forêt s?éloigne que l?on prend conscience du mouvement de l?image, à la fois lentement et soudainement, juste comme la nuit qui prend la relève du jour et le calme qui succède à l?agitation. SWEEP possède certaines des qualités spatiales et temporelles habituellement associées à la peinture de paysage, de Ruysdael, Claude ou Poussin, Turner ou Constable, et manifeste du sentiment intense de l?environnement et de la nature de Richard Billigham. Il effectue une réappropriation contemporaine du paysage, dans ce mouvement de forêt lors d?une tempête. SWEEP a été projeté au festival de Locarno, et présenté au New Forest Pavilion à la biennale de Venise cette année
Richard Billingham est né en 1970. Il grandit dans une zone industrielle de Birmingham, alors très touchée par la crise économique. Il suit des cours à la fondation d?art de la ville et à l?université de Sunderland. Il prend des photographies de sa famille, et de son environnement immédiat. Ce travail photographique, intitulé « Who`s looking at the family », a été présenté à la Barbican Gallery, et dans de nombreuses expositions consacrées à l?art anglais. Billingham réalise aussi des vidéos, la plus connue est FISHTANK, qui reprend les mêmes éléments tirés de son environnement immédiat, et présente sa famille. FISHTANK est de type documentaire, mais avec des spécificités propres à un travail de plasticien, notamment l?utilisation que Billigham fait des très gros plans pour étudier le mouvement. Présenté en 1997 à la Anthony Reynolds Gallery, à Londres, il gagne en 1997 le prix de la Citybank, et est présent à Londres, Berlin, New York dans l?exposition de la collection Saatchi consacrée aux jeunes artistes britanniques. Il est nominé en 2001 pour le Turner Prize, avec sa vidéo RAY IN BED. Richard Billingham réalise actuellement des photographies de paysages non habités : terrains semi ruraux en déréliction, à l?arrière de murs de briques rouges, aire de jeux désertées dans les banlieues entre des blocs d?habitats sociaux, mais aussi des paysages infinis en pleine campagne, aux ciels orageux.
Juliette Bineau
Catalogue : 2014Jour de chasse | | | | 10:19 | France | 0
Juliette Bineau
Jour de chasse
| | | 10:19 | France | 0
Steeve, Le chasseur marche dans la neige. Il s`est levé très tôt ce sont les premiers neiges. Il tue le temps, puis tue la bête. Qui as dit : "Un roi sans divertissement est une homme plein de misères "?
Juliette Bineau est Francaise, elle est né en 74. Elle a été comédienne avant de réaliser des films. Elle a réalisée Gertrud un remake du film éponyme de C th Dreyer et La Tête, d`après Sam Peckinpah. En 2013 elle est Lauréate de la résidence Hors les Murs , elle travaille sur un projet autour de Robocop, memory of Detroit. (projet en cours)
Catalogue : 2012Pleura | 0 | 0 | couleur | 0:0 | France, Brésil | 2011
Juliette Bineau
Pleura
0 | 0 | couleur | 0:0 | France, Brésil | 2011
"Dieu? prit un de ses "pleura" (côte ou côté), l`édifia pour en faire une femme et l`amena à Adam?" Utopie androgyne et cannibale, Pleura décline en l`union et la séparation des amants. Diptyque : 1. Dans l`ascenseur de verre, nulle part au milieu du dehors, s`élévant au dessus d`un jardin inaccessible, un homme et une femme sont tues de pensées inavouables. 3. Ils s`enfoncent dans une forêt suintante, c`est après la chute, ils sont couverts de boue ou peints pour un rituel cannibale. Défloraison androgyne, ils dansent entre les branches, rognent un phallus reptilien...
Juliette Bineau est né en 1974. Elle étudie aux Beaux?Arts de Rennes puis auprès de l`auteur metteur en scène Didier George Gabily. Elle est comédienne, performeuse dans des groupes de noise music, cinéaste (Gertrud 2009, La Tête 2010, Robocop memory Room 2011). Elle rencontre la danseuse Cécilia Bengoléa en 2005, lors de la création de la pièce du duo Chaignaud-Bengoléa Pâquerette qu`elle accompagne à la batterie (tribale) dans son groupe Minitel.
Catalogue : 2012Pleura (Part. 1) | Vidéo | hdv | couleur | 3:49 | France, Brésil | 2011
Juliette Bineau
Pleura (Part. 1)
Vidéo | hdv | couleur | 3:49 | France, Brésil | 2011
"Dieu? prit un de ses "pleura" (côte ou côté), l`édifia pour en faire une femme et l`amena à Adam?". Utopie androgyne et cannibale, Pleura décline en l`union et la séparation des amants. Dans l`ascenseur de verre, nulle part au milieu du dehors, s`élevant au dessus d`un jardin inaccessible, un homme et une femme sont tues de pensées inavouables.
Juliette Bineau Est né en 1974. Elle fait les beaux Arts de Rennes et suit l?enseignement de théâtre de l?auteur scène Didier George Gabily, ce qui la mène à être un temps comédienne et metteur en scène. Elle est aujourd`hui musicienne (batteuse du groupe de free noise psychédélique Minitel)vidéaste et performeuse. Depuis quelques années elle s?intéresse particulièrement au remake comme moyen de revisiter et de s?approprier de grandes formes cinématographiques, de remettre en jeu dans ses films des questions de théâtre (la répétition, l?interprétation d?une ?uvre). Elle réalise « Gertrud » d?après le « Gertrud » de Carl Th. Dreyer. Ce projet a été soutenu par la DRAC Île-de-France (Bourse individuelle à la création 2008) et est montré à la Fémis par le collectif Point Ligne Plan, au centre Culturel de la Récolta de Buenos Aires, au Film Festival de Rotterdam, à la Cinémathèque Française, au Palais de Tokyo? En 2009, elle réalise « La Tête « d?après Apportez-moi la tête de SamPeckinpah : Un road movie argentin, dans le cadre d?une résidence de Cultures-France, avec le concours de l?allocation Image mouvement
Catalogue : 2011LA TÊTE | Fiction expérimentale | | couleur | 44:54 | France, Argentine | 2010
Juliette Bineau
LA TÊTE
Fiction expérimentale | | couleur | 44:54 | France, Argentine | 2010
Road-trip, Argentine 2009. Un remake de « Apportez-moi le tête d?Alfredo Garcia » de Sam Peckinpah. Alfredo Garcia, l? homme que l?on recherche, est mort. Sa tête est mise à prix. Bennie convaint Elita de le conduire à sa tombe pour decapiter la tête du cadavre. Le couple roule au travers des montagnes arides du nord de l?Argentine, tels des Yankees traversant un purgatoire indien ....
Juliette Bineau Est né en 1974. Elle fait les beaux Arts de Rennes et suit l?enseignement de théâtre de l?auteur scène Didier George Gabily, ce qui la mène à être un temps comédienne et metteur en scène. Elle est aujourd`hui musicienne (batteuse du groupe de free noise psychédélique Minitel)vidéaste et performeuse. Depuis quelques années elle s?intéresse particulièrement au remake comme moyen de revisiter et de s?approprier de grandes formes cinématographiques, de remettre en jeu dans ses films des questions de théâtre (la répétition, l?interprétation d?une ?uvre). Elle réalise « Gertrud » d?après le « Gertrud » de Carl Th. Dreyer. Ce projet a été soutenu par la DRAC Île-de-France (Bourse individuelle à la création 2008) et est montré à la Fémis par le collectif Point Ligne Plan, au centre Culturel de la Récolta de Buenos Aires, au Film Festival de Rotterdam, à la Cinémathèque Française, au Palais de Tokyo? En 2009, elle réalise « La Tête « d?après Apportez-moi la tête de SamPeckinpah : Un road movie argentin, dans le cadre d?une résidence de Cultures-France, avec le concours de l?allocation Image mouvement.
Dara Birnbaum
Catalogue : 2022Canon: Taking to the Streets (Part One: Princeton University – Take Back the Night) | Documentaire | 0 | couleur | 10:0 | USA | 1990
Dara Birnbaum
Canon: Taking to the Streets (Part One: Princeton University – Take Back the Night)
Documentaire | 0 | couleur | 10:0 | USA | 1990
In Canon: Taking to the Streets, Birnbaum breaks with traditional documentary format. Using tools from the low-end and high-end of technology, she episodically views recent events of student activism in the United States. This is a study of the 1987 Take Back the Night march on the Princeton University campus. Birnbaum's treatment of the original student-recorded VHS footage reveals this march as having the potential to develop political awareness through personalized experience. The students attempt to "put across a historical message" that was started in San Francisco in 1978: the protest of any form of violence against women. Take Back the Night now represents men and women, in solidarity with one another, marching against sexual violence of any kind. Here the activity remains specific to violence as perpetrated against persons in the Princeton community.
For four decades, Dara Birnbaum's pioneering works in video, media and installation have questioned the ideological and aesthetic character of mass media imagery, and are considered fundamental to our understanding of the history of media practices and contemporary art. Dara Birnbaum was born in New York City in 1946 where she continues to live and work. Dara Birnbaum received a B.A. in architecture from Carnegie Mellon University in Pittsburgh, a B.F.A. in painting from the San Francisco Art Institute, and a certificate in video and electronic editing from the Video Study Center at the New School for Social Research in New York. Dara Birnbaum was one of the first artists to develop complex and innovative installations that juxtapose images from multiple sources while incorporating three-dimensional elements - large-scale photographs, sculptural or architectural elements - into the work. She is known for her innovative strategies and use of manipulated television footage. Birnbaum's work has been exhibited widely at MoMA PS1, New York (2019); National Portrait Gallery, London (2018); Cleveland Museum of Art, Ohio (2018); South London Gallery, UK (2011); major retrospectives at Serralves Foundation, Porto, Portugal (2010) and S. M.A.K. Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Ghent, Belgium (2009); Center for Contemporary Art, CCA Kitakyushu (2009); Museum of Modern Art, New York (2008); Kunsthalle Wien, Vienna, Austria (2006); and The Jewish Museum, New York (2003). His work has been exhibited at Documenta 7, 8 and 9. Birnbaum has won several prestigious awards including: John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship (2021); The Rockefeller Foundation Bellagio Center Arts Residency (2011); the Pollock-Krasner Foundation Grant (2011); and the prestigious United States Artists Fellowship (2010). In 2016, she was recognized and honored for her work by The Kitchen, New York, at their annual gala. She was the first woman in video to receive the prestigious Maya Deren Award from the American Film Institute in 1987. In February 2017, Carnegie Mellon University's School of Art established the Birnbaum Award in her honour.
Catalogue : 2022Technology/Transformation: Wonder Woman | Vidéo | 0 | couleur | 5:50 | USA | 1979
Dara Birnbaum
Technology/Transformation: Wonder Woman
Vidéo | 0 | couleur | 5:50 | USA | 1979
Explosive bursts of fire open Technology/Transformation, an incendiary deconstruction of the ideology embedded in television form and pop cultural iconography. Appropriating imagery from the 1970s TV series Wonder Woman, Birnbaum isolates and repeats the moment of the "real" woman's symbolic transformation into super-hero. Entrapped in her magical metamorphosis by Birnbaum's stuttering edits, Wonder Woman spins dizzily like a music-box doll. Through radical manipulation of this female Pop icon, she subverts its meaning within the television text. Arresting the flow of images through fragmentation and repetition, Birnbaum condenses the comic-book narrative — Wonder Woman deflects bullets off her bracelets, "cuts" her throat in a hall of mirrors — distilling its essence to allow the subtext to emerge. In a further textual deconstruction, she spells out the words to the song Wonder Woman in Discoland on the screen. The lyrics' double entendres ("Get us out from under... Wonder Woman") reveal the sexual source of the superwoman's supposed empowerment: "Shake thy Wonder Maker." Writing about the "stutter-step progression of 'extended moments' of transformation from Wonder Woman," Birnbaum states, "The abbreviated narrative — running, spinning, saving a man — allows the underlying theme to surface: psychological transformation versus television product. Real becomes Wonder in order to "do good" (be moral) in an (a) or (im)moral society."
For four decades, Dara Birnbaum's pioneering works in video, media and installation have questioned the ideological and aesthetic character of mass media imagery, and are considered fundamental to our understanding of the history of media practices and contemporary art. Dara Birnbaum was born in New York City in 1946 where she continues to live and work. Dara Birnbaum received a B.A. in architecture from Carnegie Mellon University in Pittsburgh, a B.F.A. in painting from the San Francisco Art Institute, and a certificate in video and electronic editing from the Video Study Center at the New School for Social Research in New York. Dara Birnbaum was one of the first artists to develop complex and innovative installations that juxtapose images from multiple sources while incorporating three-dimensional elements - large-scale photographs, sculptural or architectural elements - into the work. She is known for her innovative strategies and use of manipulated television footage. Birnbaum's work has been exhibited widely at MoMA PS1, New York (2019); National Portrait Gallery, London (2018); Cleveland Museum of Art, Ohio (2018); South London Gallery, UK (2011); major retrospectives at Serralves Foundation, Porto, Portugal (2010) and S. M.A.K. Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Ghent, Belgium (2009); Center for Contemporary Art, CCA Kitakyushu (2009); Museum of Modern Art, New York (2008); Kunsthalle Wien, Vienna, Austria (2006); and The Jewish Museum, New York (2003). His work has been exhibited at Documenta 7, 8 and 9. Birnbaum has won several prestigious awards including: John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship (2021); The Rockefeller Foundation Bellagio Center Arts Residency (2011); the Pollock-Krasner Foundation Grant (2011); and the prestigious United States Artists Fellowship (2010). In 2016, she was recognized and honored for her work by The Kitchen, New York, at their annual gala. She was the first woman in video to receive the prestigious Maya Deren Award from the American Film Institute in 1987. In February 2017, Carnegie Mellon University's School of Art established the Birnbaum Award in her honour.
Catalogue : 2022Kiss the Girls: Make Them Cry | Vidéo | 0 | couleur | 6:26 | USA | 1979
Dara Birnbaum
Kiss the Girls: Make Them Cry
Vidéo | 0 | couleur | 6:26 | USA | 1979
Birnbaum manipulates off-air imagery from the TV game show Hollywood Squares in Kiss The Girls: Make Them Cry, a bold deconstruction of the gestures of sexual representation in pop cultural imagery and music. Minor celebrities (who Birnbaum terms "iconic women and receding men") confined in a flashing tic-tac-toe board greet millions of TV viewers, animating themselves as they say "hello." Birnbaum isolates and repeats these banal and at times bizarre gestures of male and female presentation — "repetitive baroque neck-snapping triple takes, guffaws, and paranoid eye darts" — wrenching them from their television context to expose stereotyped gestures of power and submission. Linking TV and Top 40, Birnbaum spells out the lyrics to disco songs ("Georgie Porgie puddin' and pie/kissed the girls and made them cry") with on-screen text, as the sound provides originally scored jazz interpolation and a harsh new wave coda. The result is a powerful, layered analysis of the meaning of the gestures of mass cultural idioms.
For four decades, Dara Birnbaum's pioneering works in video, media and installation have questioned the ideological and aesthetic character of mass media imagery, and are considered fundamental to our understanding of the history of media practices and contemporary art. Dara Birnbaum was born in New York City in 1946 where she continues to live and work. Dara Birnbaum received a B.A. in architecture from Carnegie Mellon University in Pittsburgh, a B.F.A. in painting from the San Francisco Art Institute, and a certificate in video and electronic editing from the Video Study Center at the New School for Social Research in New York. Dara Birnbaum was one of the first artists to develop complex and innovative installations that juxtapose images from multiple sources while incorporating three-dimensional elements - large-scale photographs, sculptural or architectural elements - into the work. She is known for her innovative strategies and use of manipulated television footage. Birnbaum's work has been exhibited widely at MoMA PS1, New York (2019); National Portrait Gallery, London (2018); Cleveland Museum of Art, Ohio (2018); South London Gallery, UK (2011); major retrospectives at Serralves Foundation, Porto, Portugal (2010) and S. M.A.K. Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Ghent, Belgium (2009); Center for Contemporary Art, CCA Kitakyushu (2009); Museum of Modern Art, New York (2008); Kunsthalle Wien, Vienna, Austria (2006); and The Jewish Museum, New York (2003). His work has been exhibited at Documenta 7, 8 and 9. Birnbaum has won several prestigious awards including: John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship (2021); The Rockefeller Foundation Bellagio Center Arts Residency (2011); the Pollock-Krasner Foundation Grant (2011); and the prestigious United States Artists Fellowship (2010). In 2016, she was recognized and honored for her work by The Kitchen, New York, at their annual gala. She was the first woman in video to receive the prestigious Maya Deren Award from the American Film Institute in 1987. In February 2017, Carnegie Mellon University's School of Art established the Birnbaum Award in her honour.
Catalogue : 2022Fire!/Hendrix | Vidéo | 0 | couleur | 3:13 | USA | 1982
Dara Birnbaum
Fire!/Hendrix
Vidéo | 0 | couleur | 3:13 | USA | 1982
Commissioned by VideoGram International, Ltd., for a videodisc of music by Jimi Hendrix, Fire! uses the stylized visuals and pacing of a music video to critique the representational economies of sexuality and consumerism. Translating the psychedelic fervor of the Hendrix song into a contemporary visual vernacular, Birnbaum similarly recasts the lyrics' meaning. A young woman is the "protagonist" of a fragmented narrative in which Birnbaum re-frames images of American consumerism and commodities — fast food, cars, the exchange of money. Birnbaum calls attention to the woman's relation to the advertising image: she is consumed as she is consuming.
For four decades, Dara Birnbaum's pioneering works in video, media and installation have questioned the ideological and aesthetic character of mass media imagery, and are considered fundamental to our understanding of the history of media practices and contemporary art. Dara Birnbaum was born in New York City in 1946 where she continues to live and work. Dara Birnbaum received a B.A. in architecture from Carnegie Mellon University in Pittsburgh, a B.F.A. in painting from the San Francisco Art Institute, and a certificate in video and electronic editing from the Video Study Center at the New School for Social Research in New York. Dara Birnbaum was one of the first artists to develop complex and innovative installations that juxtapose images from multiple sources while incorporating three-dimensional elements - large-scale photographs, sculptural or architectural elements - into the work. She is known for her innovative strategies and use of manipulated television footage. Birnbaum's work has been exhibited widely at MoMA PS1, New York (2019); National Portrait Gallery, London (2018); Cleveland Museum of Art, Ohio (2018); South London Gallery, UK (2011); major retrospectives at Serralves Foundation, Porto, Portugal (2010) and S. M.A.K. Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Ghent, Belgium (2009); Center for Contemporary Art, CCA Kitakyushu (2009); Museum of Modern Art, New York (2008); Kunsthalle Wien, Vienna, Austria (2006); and The Jewish Museum, New York (2003). His work has been exhibited at Documenta 7, 8 and 9. Birnbaum has won several prestigious awards including: John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship (2021); The Rockefeller Foundation Bellagio Center Arts Residency (2011); the Pollock-Krasner Foundation Grant (2011); and the prestigious United States Artists Fellowship (2010). In 2016, she was recognized and honored for her work by The Kitchen, New York, at their annual gala. She was the first woman in video to receive the prestigious Maya Deren Award from the American Film Institute in 1987. In February 2017, Carnegie Mellon University's School of Art established the Birnbaum Award in her honour.
José Miguel Biscaya
Catalogue : 2011Neuland | Vidéo | dv | couleur | 7:22 | Portugal, Pays-Bas | 2009
José Miguel Biscaya
Neuland
Vidéo | dv | couleur | 7:22 | Portugal, Pays-Bas | 2009
Neuland - 7min 22sec - 4:3 - dv_pal - 2009 A dutch landscape. The video-work `Neuland` (Virgin Soil, Unknown Territory) belongs to a series of landscape studies. The definition of the `Argument` and the `By-work` is questioned. It remains unclear if the `Argument` refers to the subject aimed by the camera or the one passing by. The attention is turned to an artificial landscape which stands for modernity and progress. Routine reveals itself as mechanical ritual. Seen from this perspective there is no place for the individual.
Biography José Miguel Biscaya, born in Lisbon in 1973, is a Mixed-Media Artist and Curator living and working in Amsterdam. He graduated at the Sandberg Institute where he received his Master-degree in Fine Arts (MFA). His work has been shown in numerous international festivals and group-exhibitions. He co-curated and produced several shows, including Volume and Hiscox Art Award. In 2007, he created in association with Jonathan Sullam and Tom Hillewaere the Mobile Institute in Brussels. As a jury member of the Media Art Friesland commission in 2009, José co-curated and lined up the Friesland International Media Art Competition program. Currently he is working on a new series of video-works.
Rossella Biscotti
Catalogue : 2009The Undercover Man | Film expérimental | 16mm | noir et blanc | 30:0 | Italie, USA | 2008
Rossella Biscotti
The Undercover Man
Film expérimental | 16mm | noir et blanc | 30:0 | Italie, USA | 2008
L?agent du FBI Joseph D. Pistone, alias Donnie Brasco, est interrogé par l'artiste sur ses six années d?opération au sein de la mafia américaine (1976-1982). Pistone a été le premier agent du FBI à avoir réussi à infiltrer la mafia new-yorkaise, et à livrer au FBI des informations internes sans jamais être découvert. Il a réussi à la fois à impliquer certains membres de la mafia dans des activités criminelles entièrement mises en place par le FBI et à introduire d'autres agents du FBI en tant qu?« associés criminels ». Le film est tourné dans un décor, spécialement dessiné et construit à l?occasion, qui revisite l'esthétique du film noir des années 1940. Le mythe de la pègre, la double face de la réalité (la tombée de la nuit et la lumière, l'enquêteur et le suspect), relie l'histoire de Joseph D. Pistone à celle des gangsters ainsi qu?à la connaissance que nous en avons à travers le cinéma américain.
Rossella Biscotti est née à Molfetta (Italie) en 1978. Elle vit et travaille actuellement à Rotterdam (Pays-Bas). Elle est devenue célèbre grâce à ses vidéos sur les traces de la vie des autres, généralement des anonymes de l'histoire. Ils constituent des sources stimulantes pour mener une réflexion sur la situation (collective et personnelle) de l'identité et de la mémoire aujourd?hui. En 2007, sa vidéo « The Sun Shines in Kiev » a remporté le Grand Prix de la Ville de Genève lors de la 12e Biennale de l'Image en Mouvement du Centre pour l'Image Contemporaine de Genève, et la Vache d'Or du Gstaadfilm de Gstaad (Suisse).
Catalogue : 2008New Crossroads | Doc. expérimental | dv | couleur | 21:11 | Italie, Pays-Bas | 2006
Rossella Biscotti, Kevin VAN BRAAK
New Crossroads
Doc. expérimental | dv | couleur | 21:11 | Italie, Pays-Bas | 2006
Quelques habitants de New Crossroads (Cape Town), tentent de transformer un lieu par une intervention non fonctionnelle. Dans un espace public, ils construisent une tour de cinq mètres en empilant des poutres en bois peintes en vert vif. Quand la structure atteint son sommet, d'autres résidents sont invités à venir la démanteler et à prendre les matériaux pour leur usage personnel. La tour prend ainsi tout son sens une fois détruite et fragmentée. L'image de la tour comme symbole unique et point de référence de la ville disparaît dans l'horizontalité du quartier.
La collaboration entre les deux artistes Rossella Biscotti (Molfetta, Italie, 1978) et Kevin van Braak (Warnsveld, Pays-Bas, 1975) a commencé avec le projet de New Crossroads à Cape Town (Afrique du Sud). L'oeuvre est basée sur leur intérêt commun pour la relation entre l'environnement réel, pur ou idéaliste et le contexte fictionnel, créé par l'homme dans la société contemporaine. Les deux artistes ont également collaboré à différents projets impliquant la photographie, les installations et la sculpture. En 2006, ils ont réalisé un deuxième film, "The renovation of the empty bath", sur la rénovation d'une piscine à Rome, construite pendant la période fasciste. Ensemble, ils ont exposé au Fonds BKVB à Amsterdam, à l'American Academy de Rome et à la Fondazione Adriano Olivetti à Rome. Séparément, ils ont aussi exposé dans différents galleries et musées.
Rossella Biscotti, Kevin VAN BRAAK
Catalogue : 2009The Undercover Man | Film expérimental | 16mm | noir et blanc | 30:0 | Italie, USA | 2008
Rossella Biscotti
The Undercover Man
Film expérimental | 16mm | noir et blanc | 30:0 | Italie, USA | 2008
L?agent du FBI Joseph D. Pistone, alias Donnie Brasco, est interrogé par l'artiste sur ses six années d?opération au sein de la mafia américaine (1976-1982). Pistone a été le premier agent du FBI à avoir réussi à infiltrer la mafia new-yorkaise, et à livrer au FBI des informations internes sans jamais être découvert. Il a réussi à la fois à impliquer certains membres de la mafia dans des activités criminelles entièrement mises en place par le FBI et à introduire d'autres agents du FBI en tant qu?« associés criminels ». Le film est tourné dans un décor, spécialement dessiné et construit à l?occasion, qui revisite l'esthétique du film noir des années 1940. Le mythe de la pègre, la double face de la réalité (la tombée de la nuit et la lumière, l'enquêteur et le suspect), relie l'histoire de Joseph D. Pistone à celle des gangsters ainsi qu?à la connaissance que nous en avons à travers le cinéma américain.
Rossella Biscotti est née à Molfetta (Italie) en 1978. Elle vit et travaille actuellement à Rotterdam (Pays-Bas). Elle est devenue célèbre grâce à ses vidéos sur les traces de la vie des autres, généralement des anonymes de l'histoire. Ils constituent des sources stimulantes pour mener une réflexion sur la situation (collective et personnelle) de l'identité et de la mémoire aujourd?hui. En 2007, sa vidéo « The Sun Shines in Kiev » a remporté le Grand Prix de la Ville de Genève lors de la 12e Biennale de l'Image en Mouvement du Centre pour l'Image Contemporaine de Genève, et la Vache d'Or du Gstaadfilm de Gstaad (Suisse).
Catalogue : 2008New Crossroads | Doc. expérimental | dv | couleur | 21:11 | Italie, Pays-Bas | 2006
Rossella Biscotti, Kevin VAN BRAAK
New Crossroads
Doc. expérimental | dv | couleur | 21:11 | Italie, Pays-Bas | 2006
Quelques habitants de New Crossroads (Cape Town), tentent de transformer un lieu par une intervention non fonctionnelle. Dans un espace public, ils construisent une tour de cinq mètres en empilant des poutres en bois peintes en vert vif. Quand la structure atteint son sommet, d'autres résidents sont invités à venir la démanteler et à prendre les matériaux pour leur usage personnel. La tour prend ainsi tout son sens une fois détruite et fragmentée. L'image de la tour comme symbole unique et point de référence de la ville disparaît dans l'horizontalité du quartier.
La collaboration entre les deux artistes Rossella Biscotti (Molfetta, Italie, 1978) et Kevin van Braak (Warnsveld, Pays-Bas, 1975) a commencé avec le projet de New Crossroads à Cape Town (Afrique du Sud). L'oeuvre est basée sur leur intérêt commun pour la relation entre l'environnement réel, pur ou idéaliste et le contexte fictionnel, créé par l'homme dans la société contemporaine. Les deux artistes ont également collaboré à différents projets impliquant la photographie, les installations et la sculpture. En 2006, ils ont réalisé un deuxième film, "The renovation of the empty bath", sur la rénovation d'une piscine à Rome, construite pendant la période fasciste. Ensemble, ils ont exposé au Fonds BKVB à Amsterdam, à l'American Academy de Rome et à la Fondazione Adriano Olivetti à Rome. Séparément, ils ont aussi exposé dans différents galleries et musées.
Jules Bishop
Catalogue : 2006Pay & display | Fiction | 35mm | couleur | 12:0 | Royaume-Uni | 2004
Jules Bishop
Pay & display
Fiction | 35mm | couleur | 12:0 | Royaume-Uni | 2004
Interweaving stories inside a multi-storey car park.
Hisham Bizri
Catalogue : 2007Asmahan | Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 21:20 | Liban | 2005
Hisham Bizri
Asmahan
Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 21:20 | Liban | 2005
Asmahan est une méditation visuelle et filmique au motif avant-gardiste. Le film est fondé sur Gharam Wa Intiqam (Passion et vengeance, 1944) le dernier film d?Asmahan, une chanteuse Egypto-syrienne née en 1912 et morte en 1944. Sa forme filmique mélange les chansons d?Asmahan avec une intrigue et de l?action pour montrer un aperçu de la relation entre la vie tragique de la star dans l?Egypte coloniale et la nature du cinéma.
Hisham est un réalisateur libanais. Il a étudié aux Etats Unis avec les réalisateurs Raoul Ruiz et Miklós Jancsó et a donné des cours sur la réalisation aux Etats-Unis, au Liban, en Irlande, en Corée, en France et au Japon. La plupart de son travail peut être vu comme des méditations sur les thèmes de l?exile et de la mélancolie. Ces méditations visuelles sont forgées sur le mélange qu?il a lui-même expérimenté entre le Moyen Orient et son éducation arabo-musulmane et l?art et la culture anglo-européenne. Son travail, qui prend son inspiration de ce contexte personnel, est le reflet de préoccupations politiques et sociales vis-à-vis de la politique arabe contemporaine et de la culture ainsi que de préoccupations esthétiques vis-à-vis des valeurs picturales et de la poétique de la vie moderne. Son travail a été montré dans le monde arabe ainsi qu?à l?échelle internationale, comme par exemple au Louvre, au Cairo Opera House en Egypte, à la Biennale Des Cinéma Arabes à Paris, au Milan Film Festival en Italie, au Walker Art Center à Minneapolis, à l?Institut du Monde Arabe à Paris, aux Harvard Film Archives à Cambridge, et au Museum of Modern Art à New York.
Hisham Bizri
Catalogue : 2011A Film | Film expérimental | 16mm | noir et blanc | 8:32 | Liban, USA | 2010
Hisham Bizri
A Film
Film expérimental | 16mm | noir et blanc | 8:32 | Liban, USA | 2010
This is a film poem about love. A Lebanese-American filmmaker photographs a woman in Paris: as a trapeze artist, a model, a lover, and a child. The film attempts to capture that moment between wakefulness and dream. It carries within it melancholy and loneliness, sadness and joy, adulthood and childhood. It evolves out of the metaphor that life is a circular journey whose end is "to arrive where we started / And know that place for the first time" (T.S. Eliot, Little Gidding).
Hisham Bizri is a Lebanese-American filmmaker born in Beirut. He has made several short films and has had retrospectives and screenings at Anthology Film Archives and MOMA in NYC, Centre Georges Pompidou and the Cinémathèque Française (Paris), Cairo Opera House (Egypt), among others. He has worked with Raùl Ruiz and Miklós Jancsó and was a jury member at several international film festivals, including the Chicago International Film Festival. Hisham has won several awards such as the Guggenheim and the American Academy Rome Prize. He is currently working on his feature "Until Morning" with producer Andrew Fierberg.
Catalogue : 2009Song for the Deaf Ear | Film expérimental | 16mm | couleur et n&b | 17:0 | Liban | 2008
Hisham Bizri
Song for the Deaf Ear
Film expérimental | 16mm | couleur et n&b | 17:0 | Liban | 2008
« Song for the Deaf Ear » est une méditation cinématographique sur la folie de la guerre et la violence au Liban, le pays de l?auteur.
Hisham est un cinéaste libanais. Il a étudié aux Etats-Unis avec les réalisateurs Raoul Ruiz et Miklos Jancso et donné des conférences sur le cinéma aux Etats-Unis, au Liban, en Irlande, en Corée, en France et au Japon. Une grande partie de son ?uvre peut être considérée comme une méditation sur les thèmes de l'exil et de la mélancolie. Son ?uvre a été montrée dans le monde arabe ainsi qu?à l?échelle internationale, notamment au Musée du Louvre de Paris (France), à la Biennale du Cinéma Arabe de Paris, au Festival du Film de Milan (Italie), au Walker Art Center de Minneapolis (USA), à l'Institut du Monde Arabe de Paris, aux Harvard Film Archives de Cambridge (USA), au Reina Sofia de Madrid (Espagne), au Museum of Modern Art de New York (USA), à la Cinémathèque Française de Paris, au Centre Pompidou de Paris, à l?Opéra du Caire (Égypte), entre autres.
Catalogue : 2006Asmahan | Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 20:0 | Liban | 2005
Hisham Bizri
Asmahan
Film expérimental | 35mm | noir et blanc | 20:0 | Liban | 2005
Asmahan est l`histoire d`une femme qui prend la vengeance sur l`homme qu`elle pense a tué son mari, mais tombe amoureuse de lui pendant l'opération. Pendant le pelliculage, l`actrice dans le film qui chante les deux belles chansons sur la bande sonore, meurt dans un accident de voiture et la fin a dû être changée de sorte que son personnage meure également. Asmahan est une vraie personne qui était la figure quintessencielle du péché et de la liberté aux femmes dans le monde arabe. Elle a laissé sa maison et mari en Syrie dans les années 30 pour poursuivre la renommée en Egypte. Elle a été assassinée en 1944 et son meurtre demeure un mystère, on dit qu'elle était un agent double, travaillant pour les gouvernements britanniques et égyptiens. La vie d`Asmahan a été enveloppée dans le mythe, l`intrigue et plusieurs histoires au sujet de son attitude moderne dans la vie. Elle fumait et buvait, et ses liaisons romantiques continuent à produire une aura autour d`elle-même après sa mort. Mon film montre son aura par un langage cinématographique inspiré de sa chanson, de sa vie.
Hisham est un réalisateur libanais. Il a étudié aux USA avec des réalisateurs Raoul Ruiz et Miklós Jancsó et a enseigné réalisation aux Etats-Unis, au Liban, en Irlande, en Corée, en France, et au Japon. Beaucoup de son travail peut être vu comme des méditations sur les thèmes de l`exil et de la mélancolie. Ces méditations visuelles sont formées par son expérience personnelle à l`intersection entre le Moyen-Orient de son éducation d`Arabo-Musulmane et son art et culture Anglon-Européenne. Émergeant de ce contexte personnel, son travail reflète des soucis politiques et sociaux envers la politique et culture arabe contemporaine et une inquiétude esthétique envers le mantra des valeurs et de la poésie de la vie moderne. Son travail a été montré dans le monde arabe et internationalement, y compris et entre autres au musée du Louvre (France), la Biennale Des Cinéma Arabes (Paris, France), au festival du film de Milan (Italie), au Walker Art Museum (Minneapolis), à l'Institut du Monde Arabe (Paris), au Museum of Modern Art (New York).
Ingrid Bjørnaali, Maria Simmons, Fabian Lanzmaier
Catalogue : 2025Land Bodies, Decomposing Mass | Installation vidéo | hdv | couleur | 22:16 | Norvège | 2023
Ingrid BjØrnaali, Maria Simmons, Fabian Lanzmaier
Land Bodies, Decomposing Mass
Installation vidéo | hdv | couleur | 22:16 | Norvège | 2023
Land Bodies, Decomposing Mass is an audiovisual collaboration between Ingrid Bjørnaali, Maria Simmons and Fabian Lanzmaier, focusing on preserved peatlands and their interpretation through various recording and 3D computing technologies. Through the use of photogrammetry, a technology that relates to satellite mapping and archiving of anthropocentric spaces and monuments, the biotope is interpreted bit by bit in an intimate, close-up interaction. The work explores specific peatlands in Finland, Norway and Canada from various perspectives, focusing on the idea of natural landscapes as sources as opposed to resources, and their capability or not to be translated to binary code.
Ingrid Bjørnaali is a multidisciplinary artist based in Oslo who records specific biotopes in various states of their ongoing world-building processes. Her works explore the omnipresence of the digital in our experience of the world as well as the inability of technology to articulate matter’s complexity. Recent exhibitions include Screen City Biennial, Berlin, Fabbrica Del Vapore, Milan, Charles Street Video, Toronto and Contemporary Art Museum of Estonia (EKKM). Fabian Lanzmaier is a musician and sound artist living in Vienna. In his practice he explores perception and ideas of natural / artificial sounds, fluid and ambiguous environments. He works with real-time audio synthesis utilizing digital/analog physical modeling techniques and feedback networks to explore aspects of texture and structure of sound as well as its presence within space. Recent projects include: Artist in Residency at Wave Farm – NY, composition commission through INA - grm - Paris, AV - Performance at Fridman Gallery - NYC and Artist in Residency at EMS – Stockholm. Maria Simmons is a Canadian symbiontic artist who investigates potentialized environments through the creation of hybrid sculptures and installations. Her work embraces contamination as an act of collaboration. She collects garbage, grows yeast, ferments plants, and nurtures fruit flies. She makes art that eats itself. Recent solo exhibitions include the Visual Art Centre of Clarington, Trinity Square Video, and Centre3.
Piotr Blajerski
Catalogue : 2015UNCERTAINTY | Fiction expérimentale | hdv | noir et blanc | 8:0 | Pologne | 2014
Piotr Blajerski
UNCERTAINTY
Fiction expérimentale | hdv | noir et blanc | 8:0 | Pologne | 2014
The short film UNCERTAINTY is like Ouroboros, has no beginning and no end. The important aspect of the plot is constant change of the perspective between the observer and the observed person. This endless inversion and slow close-ups create the atmosphere of uncanny epidemic. Uncertainty is the effect of being infected by a microbe which forced a victim to intense observation of the surrounding world. The final aim is to not get concentrated on any specific element or quality but to exceed the cognitive habits. The suspended certainty of the existence forces all observers to look through the images of so-called reality. Their behavior may look absurdly, although it’s based on the promise given by our culture: there must be something beyond the visible world.
Born in 1980 in Wroclaw, Poland where he lives and works. Since 2004 studied at The Academy of Fine Arts and Design in Wroclaw. Received MA Degree in Media Arts in 2011. Founder and director at EMDES gallery which existed between 2009 and 2011.